Sieben Jahre Artycapucines: Im Grand Palais stellt Louis Vuitton die künstlerischen Interpretationen seiner Capucines den Werken ihrer Urheber gegenüber. Eine neue Kollektion widmet sich Keith Haring.

Eine Banane hängt an einer Tasche. Bei Urs Fischer ist diese kleine Irritation Teil einer künstlerischen Sprache, in der Alltagsgegenstände ihre Selbstverständlichkeit verlieren. Im Grand Palais begegnet seine Artycapucines nun der Arbeit Fruits von 2026. Die Gegenüberstellung macht anschaulich, worum es in der diesjährigen Präsentation von Louis Vuitton bei Art Basel Paris geht: Wie wandert eine Idee von einem Medium ins andere? Und was geschieht mit einer Tasche, sobald Künstlerinnen und Künstler ihre Form, Oberfläche und Funktion neu verhandeln?

Als Associate Partner der Messe versammelt Louis Vuitton auf dem Balcon d’Honneur Positionen von insgesamt 14 Kunstschaffenden. Die Retrospektive blickt auf das 2019 gestartete Artycapucines-Projekt zurück und zeigt die Taschen gemeinsam mit ausgewählten Kunstwerken. So werden die gestalterischen Entscheidungen hinter den einzelnen Entwürfen lesbar.

Leder als künstlerisches Material

Die Capucines gibt dem Projekt einen wiedererkennbaren Ausgangspunkt. Was daraus entsteht, unterscheidet sich jedoch erheblich. Gemeinsam mit den Handwerkerinnen und Handwerkern von Louis Vuitton übertragen die Beteiligten ihre Arbeitsweisen auf ein Objekt, das eigene technische Bedingungen mitbringt: Leder muss geformt, eine Konstruktion tragfähig und eine Oberfläche bearbeitbar bleiben.

Besonders interessant wird dieser Austausch dort, wo Material und künstlerische Handschrift eng verbunden sind. Kennedy Yankos Skulptur Because of its blues von 2025 besteht aus Metall und Farbhaut. Ihre geknautschte, bemalte Artycapucines von 2022 greift eine verwandte Vorstellung von Volumen auf. Bei Liza Lou führt der Weg über die Oberfläche: Die bemalten Glasperlen ihrer Arbeit Lost Blue von 2022 finden eine Entsprechung in der aufwendigen Perlenarbeit ihres Taschenentwurfs von 2023.

Billie Zangewa wiederum bringt ihre figurative Bildwelt in bestickter Seide ein. Ihre Arbeit Soldier of Love von 2020 steht neben ihrem ebenfalls mit bestickter Seide gestalteten Beitrag. Hier lässt sich verfolgen, wie eine textile Erzählweise auf einem anderen Gegenstand weiterlebt.

Auch Malerei verändert unter diesen Bedingungen ihren Charakter. Henry Taylors A Young Master von 2017 begleitet seine Auseinandersetzung mit Porträtmalerei auf einer Tasche. Josh Smiths Untitled von 2019 stellt Schrift und gesättigte Farbe in einen räumlichen Zusammenhang mit seinem Entwurf. Die Tasche wird dabei zum Gegenüber des Bildes, mit Kanten, Tiefe und einer beweglichen Form.

Zwischen Transportkiste und Ausstellung

Die Szenografie nimmt einen Bereich auf, der im Ausstellungsbetrieb meist hinter den Kulissen bleibt: das Verpacken, Lagern und Transportieren von Kunst. Offene Kisten, Sockel und kofferartige Strukturen aus gebürstetem Aluminium und Baumwoll-Canvas rahmen die Arbeiten. Ein heller Teppich ist auf den charakteristischen grünen Stahl des Grand Palais abgestimmt.

Das passt zur Geschichte eines Hauses, dessen Anfänge im Verpacken und im Bau von Reisekoffern liegen. Zugleich gibt diese Gestaltung der Präsentation einen interessanten Zwischenzustand. Die Objekte scheinen gerade angekommen zu sein oder könnten bald wieder aufbrechen. Das schärft den Blick für ihren materiellen Charakter: für Oberflächen, Gewicht und die handwerkliche Arbeit, die in ihnen steckt.

Zu sehen sind auch Arbeiten langjähriger Wegbegleiter. Takashi Murakamis Monogramouflage Skull (Black) von 2008 begleitet seine Camouflage-Interpretation aus der Artycapucines-Kollektion von 2025. Yayoi Kusama ist unter anderem mit Great Gigantic Pumpkin und Every Day I Pray for Love, beide von 2023, vertreten. Frank Gehrys fischförmige Leuchten Untitled (Paris II) von 2012 stellen eine Verbindung zwischen seinen bewegten Formen und seinen Lederwarenentwürfen für Louis Vuitton her.

Keith Haring und die Bewegung der Zeichen

Ein neues Kapitel eröffnet die Keith Haring gewidmete Artycapucines-Kollektion. Kleine Figuren, Tänzer, ein laufendes Herz und Ketten grafischer Symbole ziehen sich über die Taschen. Harings Bildsprache bringt dabei einen eigenen Rhythmus mit: Die Zeichen wirken auch dort bewegt, wo die Oberfläche stillsteht.

Daneben wird ein Louis-Vuitton-Koffer aus den 1930er-Jahren gezeigt, den Haring in den 1980er-Jahren mit seiner Signatur versah. Dieses historische Objekt gibt der aktuellen Kollektion einen konkreten Bezugspunkt. Zwischen dem alten Koffer und den neuen Taschen liegen Jahrzehnte; verbunden sind sie durch die Begegnung einer unverwechselbaren Handschrift mit einem Gegenstand des Reisens.

Gerade die Gegenüberstellungen machen die Retrospektive interessant. Sie erlauben, einer Idee über unterschiedliche Materialien hinweg zu folgen: von Glasperlen zu Leder, von einer gemalten Figur zu einer tragbaren Form. Wie viel vom ursprünglichen Werk bleibt dabei erhalten? Und welche Möglichkeiten entstehen erst durch die Übersetzung?

Die Präsentation ist im Rahmen von Art Basel Paris vom 23. bis 25. Oktober 2026 im Grand Palais öffentlich zugänglich. Für den Messebesuch gelten die jeweiligen Ticketbedingungen.

Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

Im neuen Hôtel LULU trifft die intellektuelle Eleganz der Rive Gauche auf Sichtbeton, Vintage-Design und mediterrane Farben. Vanessa Scoffier hat damit kein weiteres hübsches Boutiquehotel geschaffen, sondern eine eigenwillige Pariser Persönlichkeit.

Paris braucht eigentlich kein neues Hotel. Was die Stadt braucht, sind neue Orte mit Haltung. Häuser, die nicht versuchen, jedem zu gefallen, sondern eine eigene Vorstellung davon entwickeln, wie man heute wohnen, ankommen und miteinander Zeit verbringen möchte. Das gerade eröffnete Hôtel LULU am Boulevard du Montparnasse ist genau so ein Ort.

Nur wenige Schritte vom Jardin du Luxembourg entfernt treffen rohe Materialien auf weiche Texturen, Designklassiker auf Fundstücke und Pariser Ernsthaftigkeit auf eine gehörige Portion Humor. LULU ist modernistisch, ohne museal zu wirken. Intellektuell, aber nicht unnahbar. Und gerade eigenwillig genug, um neugierig zu machen.

Eine neue Figur am linken Seineufer

Der Name klingt vertraut, fast wie der Kosename einer Person, die man schon lange kennt. Tatsächlich ist LULU eine liebevolle Verkürzung des nahe gelegenen Jardin du Luxembourg. Ein Name, der zugleich an das freie, kreative und manchmal exzentrische Paris der Rive Gauche erinnert.

Hier, zwischen Montparnasse, Quartier Latin und Saint-Germain-des-Prés, eröffnet Vanessa Scoffier ihr zweites Hotelprojekt. Die frühere Modejournalistin, Stylistin, Dekorateurin und Hotelierin wurde mit dem Hôtel Henriette bekannt – einem charmanten, bohemienhaften Haus nahe der Rue Mouffetard. Für LULU wählt sie eine deutlich radikalere Sprache. Statt dekorativer Nostalgie bestimmen Sichtbeton, gebürsteter Edelstahl, Holz, recyceltes Glas und klare Linien das Bild.

Das Ergebnis ist kein kalkuliertes Designkonzept, das sich in drei Stichworten erklären lässt. Es ist eine Collage aus persönlichen Erinnerungen, Architektur, Mode, Kunst und gefundenen Dingen. Genau darin liegt seine Spannung.

Große Namen, persönliche Fundstücke

LULU verfügt über lediglich 27 Zimmer. Klein genug, um nicht in Routinen zu erstarren, und groß genug, um mehr als ein privates Gästehaus zu sein. In den öffentlichen Bereichen begegnen sich Entwürfe von Verner Panton, Tommaso Barbi, Florian Schulz, Curtis Jeré sowie Noomi Backhausen und Paul Brandborg für Søholm. Ein Corbi-Sofa von Klaus Uredat aus den 1970er-Jahren steht neben patinierten Spiegeln, Terrakottavasen, alten Büchern und Türen, die einst zu einem Schloss gehörten.

Dazwischen taucht eine für Vogue entstandene Fotografie von Manolo Campion auf. In den Korridoren durchbricht ein Leopardenmuster die kontrollierte Strenge des Hauses. Es sind genau solche Momente, die LULU davor bewahren, zu einem allzu korrekten Designhotel zu werden.

Hier wird Gestaltung nicht als Übung in Perfektion verstanden. Die Dinge dürfen unterschiedliche Geschichten erzählen. Nicht alles muss aus derselben Epoche stammen, nicht alles muss zusammenpassen. Es genügt, dass die einzelnen Elemente miteinander ins Gespräch kommen.

Auch die Geschichte des Gebäudes bleibt sichtbar. Während der Arbeiten wurde auf dem Dachboden eine alte Leuchtschrift des früheren Hôtel de Nice entdeckt. Sie blieb erhalten – wie eine kleine Erinnerung daran, dass ein Hotel nie ganz neu beginnt.

Vom Beton ans Mittelmeer

In den Zimmern wird der Ton leiser. Dicke Teppiche, naturfarbene Wände, Leinenvorhänge und zurückhaltende Materialien schaffen eine Atmosphäre, die eher an eine sehr gut eingerichtete Pariser Wohnung als an ein klassisches Hotelzimmer erinnert. Licht fällt durch die Fenster und öffnet den Blick über die Dächer der Stadt.

Dann kommt die Überraschung: Die Badezimmer leuchten in Rosa, Grün oder Blau. Vom Boden bis zur Decke verlegte Mosaike erinnern an Swimmingpools und an den Süden Frankreichs. Sie bringen Sonne, Farbe und eine beinahe filmische Stimmung in die reduzierte Welt des Hotels.

Der Kontrast ist präzise gesetzt. Beton und Edelstahl stehen für das Urbane, die farbigen Mosaike für eine imaginäre Reise ans Mittelmeer. Dazwischen entfaltet sich jene Form von Eleganz, die nicht durch Kostbarkeit entsteht, sondern durch eine sehr persönliche Auswahl.

Ein Hotel, das seinen Rhythmus verändert

Besonders interessant wird LULU dort, wo es aufhört, ausschließlich Hotel zu sein. Im Erdgeschoss öffnet sich das Haus zum Quartier. Morgens wird gefrühstückt, tagsüber verwandelt sich der Raum in einen Coffee-Shop, abends übernimmt das Piano.

Unter dem Glasdach des Wintergartens treffen Reisende auf Nachbarn, Kreative auf Flaneure und Hotelgäste auf Menschen, die nur auf einen Kaffee hereingekommen sind. Eine Feuerstelle, Bücher, offene Räume und das Klavier schaffen keine klassische Lobby, sondern eine kleine Bühne für das Pariser Alltagsleben.

Damit folgt LULU einer Entwicklung, die für die zeitgenössische Hotellerie entscheidend geworden ist: Ein relevantes Hotel definiert sich nicht mehr allein über seine Zimmer. Es muss Beziehung zu seinem Umfeld aufnehmen. Es muss Teil eines Viertels werden, statt lediglich darin zu stehen.

Bei LULU wirkt dieser Gedanke nicht wie eine nachträglich entwickelte Strategie. Er scheint vielmehr der Ausgangspunkt des gesamten Hauses gewesen zu sein.

Die Schönheit des Unfertigen

LULU besitzt jene seltene Qualität, zugleich gestaltet und intuitiv zu wirken. Nichts erscheint zufällig, doch auch nichts wurde so lange poliert, bis jede Spur von Persönlichkeit verschwunden ist. Das Hotel lässt Widersprüche zu: rohe und sanfte Materialien, modernistische Klarheit und Leopardenmuster, Pariser Intellekt und mediterrane Lebensfreude.

Vielleicht ist genau das zeitgemäßer Luxus: kein Überfluss und keine zur Schau gestellte Perfektion, sondern die Freiheit, einen Ort konsequent nach den eigenen Vorstellungen zu formen.

Paris hat also doch ein neues Hotel gebraucht. Nicht irgendeines, sondern eines wie LULU.

Hôtel LULU
155 Boulevard du Montparnasse
75006 Paris, Frankreich
27 Zimmer · Coffee-Shop · Wintergarten · Piano-Bar
hotelluluparis.com

Was, wenn wir die Welt einmal anders betrachten – kopfüber auf der Yogamatte, angelehnt an sonnenwarme Steine, atemlos im kalten Wasser und mit Blick auf eine Kirche, die uns daran erinnert, dass Perspektive auch bedeutet, zu wissen, wo man steht.

Ankommen

Der Weg ins Hotel Schwarzschmied führt durch die Gassen von Lana. Ein Stück Alltag ist noch mit im Gepäck. Dann biegen wir ab – und plötzlich verändert sich die Szenerie. Es ist ein Ort, der mehr Postkarte ist als Wirklichkeit. Weinreben ziehen geradewegs auf eine malerische Kirche zu, Rosmarin und Lavendelduft ziehen durch die Luft und im Pool zieht jemand seine Bahnen. Mit schützenden Armen empfängt uns das sanft gebogene Hotelgebäude.

Die Kaffeemühle ertönt im Hintergrund. Und abends ertönen jetzt auch Sounds bei der Vinyl Hour. Helles Holz, Vintage-Teppiche und ein Hauch von Palo Santo mischen sich mit der Vorfreude, das Zimmer zu erkunden: es ist leicht und erdend zugleich. Hier und da sind stilisierte Personen mit schwarzen Konturen zu erkennen – an den Wänden, auf der Zimmerkarte… In gewohnten und ungewohnten Positionen. Es ist eine Einladung des Künstlers Hannes Egger, die Perspektive zu wechseln. Was mag geschehen, wenn man die Welt anders betrachtet. Stehend auf einem Hocker, einen Arm in die Höhe streckend.

Sonnengruß

Oder kopfüber im Yoga? Im Glashaus. Das muss man erlebt haben. War es Magie? Um 7:30 Uhr auf der Matte zu stehen, klingt verrückt, für jemanden, der gerne lange schläft. Die Neugier war größer als der Wunsch auszuschlafen.

Die Belohnung: ein alter Holzboden, verwurzelnd, holt uns auf den Boden zurück. Ein feiner Windzug weht die Müdigkeit weg. Ein Sonnengruß spielt mit dem Licht. Im Glashaus wachsen wir und rundherum wachsen schwarze Tomaten und riesige Zucchini. Vögel zwitschern und dann schlagen die Kirchenglocken mit ein. Wenn sie läuten, dann machen sie das nie nebenbei. Ihre Präsenz überträgt sich. Unüberhörbar.

Zeit, loszulassen

Dong Dong Dong, das Geräusch der Kugelbahn aus Holz in der Jurte gibt auch den Kleinen ihren eigenen Rhythmus vor. Achtsam schwimmen wir der Kirche entgegen. Was uns festhält, verdampft, im dunklen Nebel des Dampfbades. Und in der klaren Hitze der Sauna. Wer wagt noch den Cold Plundge ins kalten Becken? Eine Überwindung, die uns wachsen lässt.

Wenn der Hunger kommt, lehnen wir uns draußen an die aufgewärmten Steine, gabeln Pasta auf und fordern die Zunge mit den Kontrasten, die der Affogato für uns bereithält: süß und bitter – heiß und kalt. Später bestellen wir einen Negroni. Soll es dann noch einer sein?

Wir spüren in uns hinein. Und merken: Vielleicht braucht es nicht immer noch mehr. Die Koffer sind fast gepackt. Und mit ihnen Erinnerungen, die nach Rosmarin duften. Sind wir dieselben wie die, die hier angekommen sind? Ein letzter Blick zurück. Die Glocken läuten. Wir fahren los. Und die Gedanken klingen nach.

Fotos: Ana Santl, Victoria Harrison, Isa Rus, Marlene Mauer, Lena Heckl Franziska Unterholzner, Steffen Metzger, Mel Bollag

Wie Kartell auf dem Salone del Mobile 2026 Textur, Material und Persönlichkeit in den Mittelpunkt rückt

Lange Zeit schien sich gutes Design vor allem über Reduktion zu definieren. Klare Linien, ruhige Farben und möglichst wenig visuelle Ablenkung bestimmten viele Interior-Kollektionen. Auf dem Salone del Mobile 2026 zeigt Kartell nun eine andere Richtung auf. Die italienische Designmarke rückt nicht das Objekt selbst in den Mittelpunkt, sondern seine Oberfläche, seine Materialität und die Geschichten, die dadurch entstehen.

Die Kollektion versteht sich weniger als Ansammlung neuer Möbel, sondern als Einladung, Räume emotionaler zu denken. Farben, Texturen und Materialien werden zu Gestaltungsmitteln, die Atmosphäre schaffen und den Charakter eines Interieurs prägen. Kartell verbindet dabei industrielle Präzision mit handwerklicher Anmutung und nutzt technologische Innovationen sowie künstliche Intelligenz nicht als Selbstzweck, sondern als Werkzeuge, um Design neue erzählerische Dimensionen zu verleihen.

Teppiche als architektonische Landschaften

Besonders eindrucksvoll zeigen das die neuen Teppichkollektionen. Ferruccio Laviani interpretiert mit GRID und BEMBO textile Oberflächen als grafische Kompositionen. Während GRID von der Struktur traditioneller Webtechniken inspiriert ist und mit feinen Linien architektonische Tiefe erzeugt, erinnert BEMBO an einen spontanen Tuschestrich, der Bewegung und Dynamik in den Raum bringt. Die Teppiche wirken dadurch weniger dekorativ als vielmehr wie Kunstwerke, die den Charakter eines Raumes definieren.

Auch Patricia Urquiola denkt den Teppich neu. Ihre Kollektion PINCEL übersetzt den freien Pinselstrich in ein textiles Objekt. Linien verlaufen organisch, Farben wirken wie von Hand aufgetragen und verändern ihre Wirkung je nach Lichteinfall und Perspektive. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die lebendig wirkt und zwischen Design, Malerei und Handwerk vermittelt.

Design mit Charakter

Einen spannenden Gegenpol setzt Philippe Starck mit PRINCE OHOH. Der skulpturale Hocker spielt mit einer sanduhrähnlichen Geometrie und übernimmt ganz selbstverständlich unterschiedliche Rollen – als Sitzgelegenheit, Beistelltisch oder dekoratives Objekt. Humor, Funktion und skulpturale Präsenz verschmelzen hier zu einem Möbelstück, das bewusst Persönlichkeit zeigt.

Kartell beweist damit, dass zeitgenössisches Design längst nicht mehr nur von neuen Formen lebt. Entscheidend ist die Fähigkeit, Materialien fühlbar zu machen und Objekte zu schaffen, die über ihre Funktion hinaus Emotionen auslösen. Gerade in einer Zeit digitaler Perfektion scheint genau diese sinnliche Qualität der wahre Luxus zu sein.

Über den Dächern von Meran liegt ein Haus mit Stammtisch und Infinity Pool, das nie nur ein Ort für Gäste war, sondern immer auch ein Stück Marling.

Meran ist bekannt. Aber Marling? Das Dörfchen am Hang über der Kurstadt scheint das in aller Ruhe zu tun. Beobachtend. Aber niemals von oben herab. Es hat sein Eigenleben, auch unabhängig von der Hauptsaison. In seinem Rücken Apfelbäume, Wein und der Marlinger Waalweg. Nach vorne hinaus die Dächer von Meran mit seiner Kuratmosphäre und der Pferderennbahn. Und zwischendrin das 5 Sterne Luxushotel La Maiena Meran Resort.

Als in den 1960er Jahren der Sohn einer Wirtsfamilie ein Tanzlokal mit Bowling- und Kegelbahn eröffnete, sorgte das im idyllischen Dorfleben für ganz schön viel Aufsehen. Und dem beliebten „Nörder“ wurde damals sogar die Lizenz genommen. So wurde die Musik also leiser gedreht und aus der Diskothek eine Weinstube mit Gastwirtschaft. 1977 kamen die ersten Zimmer – und mit ihnen auch die Tennisplätze. Ein Hype, der aktuell nicht zuletzt dank Jannik Sinner neuen Aufschlag erhält.

2018 übernahm mit Mathias und Evelyn Waldner die dritte Generation das Hotel und tat das, was gute Familienbetriebe können: weiterbauen, ohne neu anfangen zu wollen. Über den Dächern entstand ein neuer Gästetrakt mit Whirlpool. Unten öffnete ein Spa samt Friseurstudio – ein Ort für Gäste genauso wie für Marlinger. Sattes Grün, eine lebendige Mooswand und feine Goldakzente holen die Farben des Stammhauses ins Heute – ohne ihm den Charakter auszureden.

Eine steinerne Treppe führt dorthin, wo alles begann: zur Nörder Bar. Genau so, wie die Waldners und ihr langjähriger Barmann Silviu sie immer gesehen haben. Obwohl sich optisch einiges verändert hat, ist der Grundgedanke der gleiche: Hier trifft man sich, hier spielt man Karten, hier mischen sich Einheimische mit Gästen. Bestellt werden der Malena Spritz oder der Hausschnaps von Hausmeister Franz. Der ist zwar längst in Pension, gärtnert aber noch hier und da und macht sich mit der geheimen Rezeptur des Tröpfchens unentbehrlich.

Schritt für Schritt bewegt man sich im La Maiena so durch die vielen Leben, die dieses Haus schon gesehen hat. Wer den gepflegten Teppichboden unter den Füßen spürt, befindet sich im Stammhaus aus den 1970er Jahren. In der Stube aus den 1980er Jahren macht man es sich vor allem im Winter gemütlich. Und wer ins Restaurant gehen will, kommt unweigerlich am ältesten Teil des Hauses vorbei. Der große Stammtisch mit einer Tischplatte aus der alten Vertäfelung der einstigen Bar – ein Möbelstück, das wohl mehr Geschichten kennt als so mancher Dorfbewohner. Hier finden Weinverkostungen statt und hier trifft sich Familie Waldner auch zum Frühstück oder für die ein oder andere Besprechung.

Kein Wunder, dass die beiden Kinder von Mathias und Evelyn in diesem Umfeld selbst schon Pläne schmieden. Ihr wohl nicht ganz uneigennütziger Wunsch für den nächsten Sommer ist ein mobiler Bauchladen mit Eis für das Pool.

It takes a village…

Generation für Generation wächst das Haus in Marling also weiter – nicht nur als Hotel, das nach den Sternen greift, sondern auch als Teil des Lebens. Mit den Verwandten der Waldners, die ihren Wein beisteuern. Mit Gästen, die hier vielleicht selbst schon als Kinder über einem Teller Spaghetti eingeschlafen sind. Mit Mitarbeiter*innen, deren Eigenheiten das Haus prägen. Und mit dem Dorf, das nicht vor der Tür endet, sondern mitten durch das La Maiena Meran Resort führt – mit beschwingten Schritten nach einem Abend an der Nörder Bar und einer Geschichte mehr auf den Lippen.

Fotos: www.lamaiena.it I Armin Terzer / TVB Marling / Florian Andergassen

Das private Wohnhaus Pennyroyal Tea in Chennai ist eine Hommage an das indische Handwerk und die Kultur. Das Gebäude entfaltet sich wie ein lebendiger Garten – voller liebevoller und witziger Details, die entdeckt werden wollen.

Wo die feuchte Brise des Golfs von Bengalen über die Stadt Chennai streift, liegt ein Haus, das zwar ein privates Wohnhaus ist. Gleichzeitig ist „Pennyroyal Tea“ aber auch so etwas wie ein Manifest für zeitgenössische indische Wohnkultur – reich an Texturen, durchdrungen von kultureller Symbolik und getragen von der Arbeit hunderter Handwerker.

Prozess der kulturellen Verankerung

Über zweieinhalb Jahre hinweg kamen für dieses Projekt mehr als 200 Kunsthandwerker aus ganz Indien zusammen. Alles an und in dem Gebäude ist ein Kunstwerk. Das detailreiche, fast märchenhafte Refugium entstand unter der Federführung des in Bengaluru ansässigen Kreativstudios Multitude of Sins (MOS).

So originell wie der Name des Kreativstudios klingt, so originell ist das an der Ostküste des südindischen Bundesstaates Tamil Nadus entstandene Projekt. Pennyroyal Tea verwebt Handwerk, Architektur und Interior Design untrennbar miteinander. Für Chefdesignerin Smita Thomas war es weniger ein klassisches Bauvorhaben als vielmehr ein Prozess der kulturellen Verankerung.

Wie im „Märchengarten“

Schon beim Betreten des Hauses wird klar, dass im Pennyroyal Tea sinnliche Feinheiten regieren. Die Eingangstür ist mit floralen Gravuren versehen, in einem Rahmen aus grauem und grünem Marmor eingebettet. Der eigens entworfene Kronleuchter, eine kaskadenartige Skulptur aus Holzperlen und Metallringen, wirkt wie eine botanische Installation.

Wir wollten ein Gefühl des Staunens hervorrufen, in dem jeder Raum eine eigene Identität hat, sich aber dennoch in eine gemeinsame Sprache einfügt.

Smita Thomas, Chefdesignerin Multitude of Sins

Das Foyer inszeniert indisches Handwerk in einer spielerischen, beinahe poetischen Form. An einer Wand öffnet sich ein Schuhschrank, dessen Gestaltung an verflochtene Schnürsenkel erinnert, während strukturierte Tapetenflächen den Raum rahmen. Schon hier zeigt sich die Handschrift von MOS: Alltägliche Funktionen erhalten einen künstlerischen, oft humorvollen Dreh, auf den Moment der Entdeckung wartend. Räume, die Geschichten erzählen.

Der Wohn- und Essbereich bildet das Herzstück des Hauses – und ist ebenso von subtilen Überraschungen durchzogen. Zwei von MOS entworfene Tische geben die Tonalität vor: Der eine ist von den Mondphasen inspiriert und von Armlehnstühlen aus gealtertem Holz umstellt. Der andere erinnert mit seiner organischen Formensprache an abstrahierte Blätter.

Eine L-förmige Marmorlounge mit Baldachin zieht die Blicke auf sich. Verziert ist dieser mit kleinen Vögeln aus Glas, Messing und Stahl, zwischen denen Blüten wie in einem Gartenhimmel aufblühen. Der Essbereich wird von einem großformatigen Tisch aus zweifarbigem Holz dominiert, dessen trapezförmige Beine skulptural wirken.

Akzente dank der verwendeten Materialien

„Wir wollten Möbel, die nicht nur funktional, sondern auch bedeutungsvoll sind“, erklärt Thomas. Tatsächlich stammen rund 80 Prozent aller Einrichtungsgegenstände aus Sonderanfertigungen, die in Zusammenarbeit mit Handwerkern aus ganz Indien entstanden.

Besondere Akzente setzen Materialien: glänzende Fliesenflächen auf der oberen Etage, strukturierte Wände im Essbereich oder Mosaikböden, die die Übergänge zwischen den Räumen betonen. Selbst Nebenräume überraschen: Etwa die Gästetoilette, in der ein kräftiger Rotton den minimalistischen Hintergrund durchbricht.

Auch in funktionalen Bereichen wie der Küche bleibt das Design präzise durchdacht. Der Raum ist in drei Zonen gegliedert – Trockenküche, Nutzküche und Speisekammer – und verbindet damit Funktionalität mit einer klaren Raumordnung.

Die Schlafräume dagegen entfalten eine Atmosphäre von Ruhe und Modernität. Das Hauptschlafzimmer ist großzügig dimensioniert und bewusst reduziert gestaltet. Seine klaren Linien und die Kombination aus Holz und Stoff verleihen ihm eine elegante Zurückhaltung, die in Kontrast zum detailreichen öffentlichen Bereich des Hauses steht.

Architektur als Handwerk

So vielgestaltig die Räume auch wirken, allen gemeinsam ist ein zentrales Prinzip: Handwerk ist hier nicht Dekoration allein, sondern das Fundament für alles Weitere. MOS verzichtete bewusst auf standardisierte Produkte und Massenware. Stattdessen wurden Naturstein, Massivholz und Messing lokal beschafft und von Hand verarbeitet. Oberflächen sind frei von aggressiven Chemikalien, was nicht nur der Umwelt, sondern auch der Raumluftqualität zugutekommt.

„Jedes Stück wurde mit Bedacht geschaffen“, sagt Thomas. „Wir setzen auf Rohmaterialien und innovative Techniken, um eine tiefere Verbindung zur Umwelt und zur Gemeinschaft herzustellen.“ Dieses Credo durchzieht die gesamte Residenz: Von den geschnitzten Holzplatten bis zu den handgearbeiteten Messingbändern erzählt jedes Detail eine Geschichte von Können, Geduld und kultureller Verwurzelung.

Nachhaltigkeit in mehrfacher Hinsicht

Pennyroyal Tea versteht Nachhaltigkeit nicht nur ökologisch, sondern auch sozial. Beim Bauprozess wurde die Entstehung von Abfall minimiert, man griff auf recycelte Materialien zurück, um den CO₂-Fußabdruck zu reduzieren. Ebenso wichtig war die Einbindung von Handwerkern und damit die Förderung lokaler Klein- und Kleinsbetriebe. Indem MOS Steinmetze, Zimmerleute, Fliesenleger und Metallarbeiter aus verschiedenen Regionen zusammenbrachte, entstand ein Netzwerk, das nun weit über den Bau hinaus Bestand hat. Das Projekt stärkte lokale Gemeinschaften und trug dazu bei, traditionelle Fertigkeiten wirtschaftlich wie kulturell zu sichern.

Damit stellt Pennyroyal Tea die gängige Logik vieler Bauprojekte infrage. Darf Architektur heutzutage, wo vor allem schnelle Effizienz zählt, auch ein langsamer, partizipativer Prozess sein, der traditionelles Handwerker-Wissen bündelt und weiterträgt?

Ein Haus als lebendige Leinwand

Obwohl Pennyroyal Tea streng genommen eine private Residenz ist, liest es sich wie ein offenes Archiv indischer Handwerkskultur. Die Räume sind nicht bloß Kulisse, sondern aktive Erzähler – von der Marmorliege im Wohnzimmer bis zu den floralen Gravuren der Eingangstür.

Pennyroyal Tea wirkt zugleich zeitgenössisch und zeitlos. Es schöpft aus jahrhundertealten Techniken, ohne nostalgisch zu werden. Es feiert Vielfalt innerhalb einer klaren gestalterischen Haltung, ohne in Beliebigkeit zu verfallen. Und es beweist, dass moderne Wohnarchitektur auch dann global wirken kann, wenn sie radikal lokal bleibt.

Im Endeffekt ist Pennyroyal Tea mehr als ein ästhetisches „Produkt“. Das Projekt ist ein Plädoyer für ein bewusstes Bauen, das Handwerk nicht nur bewahrt, sondern in die Gegenwart weiterentwickelt. Es zeigt, wie ein Gebäude kulturelle Identität ausdrücken, ökologische Verantwortung übernehmen und soziale Strukturen stärken kann – ohne dadurch den Zauber des Staunens zu gefährden.

Text: Linda Benkö
Fotos: Pennyroyal Tea/Ishita Sitwala

Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.