Für Frühjahr/Sommer 2027 rückt das Münchner Label Leinen in Denim-Optik in den Mittelpunkt. Die Geschichte dahinter beginnt mit 2.000 alten Leinensäcken.

Verwaschenes Blau, angedeutete Bleichungen, die Optik einer längst eingetragenen Jeans. Das Auge erkennt Denim. Auf der Haut liegt reines Leinen. elemente clemente löst mit dieser Verschiebung eine vertraute Verbindung auf: Wie ein Kleidungsstück aussieht, muss nicht bestimmen, wie es sich anfühlt. In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 wird daraus „The Denim (R)Evolution“.

Eine Jeans gehört zu jenen Kleidungsstücken, über die man morgens kaum nachdenken muss. Sie passt zu einem weißen T-Shirt, einem Hemd, einem Blazer. Ihre Gebrauchsspuren mögen wir oft genauso gern wie ihren Schnitt. An heißen Tagen kann der schwere Stoff allerdings an Selbstverständlichkeit verlieren. Die Lust auf den Look bleibt, die auf eine dicke Baumwollhose eher weniger.

Genau dort setzt elemente clemente an. Seit 2023 führt das Label Leinen in Denim-Optik im Sortiment. Europäisches Leinen wird dafür mit wasserbasierten Farben digital bedruckt. Blauabstufungen und Waschungseffekte bilden die Oberfläche von getragenem Denim nach, während die natürliche Struktur des Leinens sichtbar bleibt. Der Stoff behält seine Leichtigkeit und seinen beweglichen Fall.

Eine Materialgeschichte mit 2.000 Säcken

Dass ausgerechnet Leinen diese Rolle übernimmt, lässt sich weit in die Geschichte von Gründer Clemens Dörr zurückverfolgen. 1988, noch vor elemente clemente, gründete er Kandis & Kandismann. Auf einem Flohmarkt entdeckte französische Leinensäcke brachten ihn auf eine Idee: Aus einem französischen Staatsdepot kaufte er 2.000 unbenutzte Säcke aus der Zeit des Ersten Weltkriegs und verarbeitete sie zu seiner ersten Herrenkollektion.

Die Stücke wurden unter anderem bei Ludwig Beck und Uli Knecht verkauft. Für Dörr war es eine frühe Erfahrung damit, wie lange ein Material bestehen kann – und wie viel gestalterischer Spielraum in etwas steckt, das ursprünglich einen ganz anderen Zweck hatte.

2002 gründete er in München elemente clemente. Leinen blieb ein zentrales Material, großzügige Schnitte und klare Linien wurden Teil der Formensprache. Auch die Arbeit mit vorhandenen Reststoffen gehört zum Selbstverständnis der Marke.

Blau mit Bewegungsfreiheit

In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 begegnet der Denim-Look weiten Hosen, Shorts, lässigen Hemden und fließenden Kleidern. Die in Tunesien gefertigten Modelle aus europäischem Leinen greifen die unkomplizierte Kombinierbarkeit von Jeans auf. Elastische Hosenbünde und lockere Silhouetten geben dem Körper Raum.

Gestalterisch reicht die Kollektion von zurückhaltenden, monochromen Looks bis zu markanten Wascheffekten. Interessant ist dabei gerade das Zusammenspiel der Oberflächen: Die aufgedruckten Spuren von Denim treffen auf die eigenständige Struktur des Leinens. Das vertraute Blau bekommt einen anderen Fall, die Silhouette verändert sich mit dem Material.

Die Frage hinter dem Look

Mit der Kampagne „No More Dirty Denim“ thematisiert elemente clemente den Ressourcenverbrauch und die Arbeitsbedingungen konventioneller Jeansproduktion. Die eigene Alternative setzt bei der Faser und der Gestaltung der Oberfläche an. Einen langjährigen Produktionspartner hat das Unternehmen in Tunesien; weitere Hersteller sitzen in Europa.

Die Kollektion macht damit auch eine gestalterische Frage anschaulich: Was genau wollen wir behalten, wenn wir ein Kleidungsstück neu denken? Bei der Jeans sind es vielleicht das Blau, die lässige Wirkung, die Leichtigkeit des Kombinierens. elemente clemente übernimmt diese vertrauten Eigenschaften und verändert das Material darunter. Das Ergebnis lässt sich am Ende ganz körperlich verstehen: an der Bewegung einer weiten Hose und daran, wie sich Leinen an einem warmen Tag trägt.

Pelagia Kolotouros bringt Bewegung in das vertraute Bild von Lacoste. Wir Tennisfans bei THE Stylemate sind begeistert.

Ein weißes Polo nach einem langen Match hat mit seinem frisch gebügelten Gegenstück wenig gemeinsam. Es klebt am Körper, ist zerknittert, am Saum bleibt rote Erde hängen. Genau dieser Moment macht Lacostes Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 für uns so spannend.

Am 4. Oktober zeigte Kreativdirektorin Pelagia Kolotouros auf dem Court Philippe-Chatrier in Roland-Garros eine Garderobe, die den Sport über seine körperlichen Spuren erzählt. Weiße Stoffe wirken von Sandplatzstaub gezeichnet, Oberflächen erscheinen feucht und knittrig. Kleidung bekommt etwas Erlebtes.

Ein wenig Unordnung steht dem Krokodil

Als ausgesprochene Tennisfans mögen wir die Verbindung von Lacoste und dem Court schon lange. Umso mehr begeistert uns dieser Shift. Das vertraute Polo verliert seine brave Selbstverständlichkeit: Kragen lassen sich eigenwillig formen, das Krokodil steht plötzlich Kopf, Silhouetten spielen mit Weite und Körpernähe.

Die Tennisreferenz bekommt dadurch eine andere Spannung. Schweiß, Reibung und die vermeintlichen Abnutzungserscheinungen werden zu gestalterischen Mitteln. Diese bewusst erzeugten Spuren geben den Entwürfen eine Sinnlichkeit, die dem gepflegten Lacoste-Bild ausgesprochen gut steht.

Für uns liegt darin der Reiz dieser Kollektion: Eine Marke mit so klaren Erkennungszeichen lässt Bewegung zu. Ihre Geschichte bleibt sichtbar und fühlt sich plötzlich wieder offen an.

Wie das auf dem Laufsteg aussieht? Das Video der Show findet ihr hier. Wir sind gespannt, was ihr darin seht.

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Patricio Campillo entwirft in Mexico City Mode, die Familiengeschichte weiterträgt und vertraute Bilder von Männlichkeit in Bewegung bringt.

Ein Anzug kann lange auf seinen nächsten Auftritt warten. Der des Vaters von Patricio Campillo wurde zum Ausgangspunkt einer ganzen gestalterischen Sprache. In seinen Jacken und Hosen lebt die mexikanische Charro-Kultur weiter – mit einer Sinnlichkeit, die andere Möglichkeiten in den vertrauten Formen entdeckt.

Eine Familiengeschichte zum Anziehen

2020 entdeckte Campillo einen Charro-Anzug, den sein Vater zum 18. Geburtstag vom Großvater erhalten hatte. Dessen Schnitt wurde zur Grundlage vieler seiner Entwürfe. So steckt in der Kleidung des Labels auch eine sehr persönliche Weitergabe: vom Großvater zum Vater zum Sohn.

Die Verbindung reicht in seine Kindheit zurück. Campillo wuchs in Mexico City mit Pferden und der Charro-Kultur auf. Bevor er selbst Mode entwarf, arbeitete er im Modejournalismus, im Styling und in der Art Direction. Eine Zeit in Paris bei der Moderedakteurin Tiffany Godoy bestärkte ihn darin, sich das Entwerfen selbst beizubringen. Seine erste Kollektion entstand 2015, sein Label gründete er 2017. 2024 gehörte er zu den Halbfinalisten des LVMH Prize.

Dieser Weg erklärt vielleicht auch seinen Blick: Campillo kennt die Bilder, durch die Mode Bedeutung erhält. Und er kennt die Erinnerungen, die in einem Kleidungsstück stecken können. Bei ihm begegnen sich beide.

Wie viel Freiheit steckt in einer Form?

Der Charro-Anzug gibt eine Silhouette vor. Campillo untersucht, was sich innerhalb dieser Vorgabe verändern lässt. Für Herbst/Winter 2026 beschäftigte er sich mit Einschränkung, Korsetterie und der sinnlichen Lesart traditioneller Männerkleidung. Rosshaar und fließende Seide brachten unterschiedliche körperliche Erfahrungen ins Spiel.

Darin liegt für uns die Spannung dieser Mode. Eine Form, die Zugehörigkeit ausdrückt, kann zugleich Raum für einen sehr individuellen Auftritt schaffen. Die Herkunft bleibt lesbar; ihre Bedeutung darf sich verschieben.

Auch das Handwerk gehört zu dieser Bewegung. In der Frühjahr/Sommer-Kollektion 2026 wurden geflochtene Seidenbahnen und Lederstreifen zu Shorts, Jacken und Hemden verarbeitet. Techniken, die mit Alltagsgegenständen verbunden sind, erhielten eine neue Aufgabe am Körper. Luxus lässt sich hier als Aufmerksamkeit lesen: für Material, für Arbeit, für die Möglichkeiten einer Konstruktion.

Ein Sonnenuntergang reist nach New York

Für Frühjahr/Sommer 2027 führte eine Wanderung mit seiner Mutter in Chiapas Campillo zu Erinnerungen an Freude und Freiheit. Auf dem New Yorker Laufsteg erschienen Rot, Pink und goldgelbe Töne. Eine Seidenoberfläche erhielt durch oxidierende Metallplatten eine Rostpatina.

Das passt zu einem Designer, der Erinnerungen immer wieder in Material übersetzt. Etwas bleibt erhalten und verändert dabei seine Gestalt. Ein Familienanzug findet einen neuen Körper. Eine Wanderung wird zur Farbe.

CAMPILLO macht Lust, Kleidung auf diese Weise anzusehen: als etwas, das schon eine Geschichte hat und mit uns eine weitere beginnen kann.

Was macht ein Kleidungsstück wertvoll? Welche Vorstellungen von Männlichkeit trägt ein Anzug? Und wie viel Persönlichkeit kann eine Tasche aufnehmen? Im Rahmen der Austrian Fashion Awards 2026 werden Arbeiten von fünf Designerinnen, Designern und Labels gezeigt, die mit einem Startstipendium Mode gefördert wurden. Ihre Entwürfe geben sehr unterschiedliche Antworten.

Wer bestimmt den Wert?

Für Hao Wu und Alexander Georg Lehner von Sale Sale Studio beginnt diese Frage bei etwas Vertrautem: einem Hemd, einer Anzughose und drei Stoffen. In ihrer ersten Kollektion Copy Paste werden die Ausgangsstücke kopiert, verändert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis spielt mit der Grenze zwischen Original und Nachahmung – und mit der Vorstellung, dass Originalität allein über den Wert von Kleidung entscheidet.

Auch Miranda Matondo, das Label von Marie Matondo und Danaide Miranda, interessiert sich dafür, welche Geschichten Materialien und Techniken erzählen. Die Kollektion Mosaico entstand nach einem Aufenthalt in Agadir. Sie verbindet Einflüsse des Flamenco mit Amazigh-Schmuckkunst und setzt auf Bewegung, Handwerk und kulturellen Austausch. Die Kleidung ist dabei nicht an binäre Geschlechterkategorien gebunden; sie lässt Raum für die Person, die sie trägt.

Menswear mit Erinnerung

Oliver Kuzma blickt auf historische Formen der Männermode und übersetzt sie in eine robuste Garderobe für die Gegenwart. Seine aktuelle Kollektion, angeregt durch die frühen Filme Guy Ritchies, beschäftigt sich mit den Bildern von Aristokratie und Arbeiterklasse. Ihn interessieren Kleidungsstücke, die genutzt werden dürfen und mit der Zeit eine eigene Patina bekommen.

Bei Paul Alexander Reisinger liegt die Vergangenheit im Material selbst. Er arbeitet überwiegend mit Vintage-Beständen und gebrauchten Stoffen, verbindet alpine und florale Bezüge mit klassischen Menswear-Silhouetten. So entstehen Entwürfe, in denen persönliche Erinnerung ebenso Platz hat wie eine offenere Vorstellung von Männlichkeit.

Viola Kollár richtet den Blick auf ein Accessoire, das uns oft täglich begleitet. Ihre Taschen sollen funktionieren, lange halten und zugleich eine eigene Präsenz haben. Handnaht, sorgfältig verarbeitete Lederkanten und wiederverwendete Materialien gehören zu einer Arbeit, in der handwerkliche Qualität und persönliche Bedeutung zusammenfinden.

Die fünf Positionen sind am 5. November 2026 bei den Austrian Fashion Awards in der Kunsthalle Wien im MuseumsQuartier zu sehen. Die Veranstaltung der Austrian Fashion Association zeigt damit auch, was aus gezielter Förderung entstehen kann: eigenständige Arbeiten, die vertraute Formen aufnehmen und ihnen neue Fragen stellen. Die Gewinnerinnen und Gewinner der diesjährigen Modepreise werden erst an diesem Abend bekannt gegeben.

Eine Marke besitzt ihre Entwürfe. Aber wer bewahrt die Geschichten, die über Jahrzehnte um sie entstehen? Mit der Collector Series bei Selfridges in London gibt Stone Island unabhängigen Sammlern Raum für ihre eigene Sicht auf mehr als vierzig Jahre Modegeschichte.

Eine Jacke aus einer vergangenen Kollektion ist für Stone Island mehr als ein früheres Produkt. An ihr lässt sich ablesen, wie die Marke mit Materialien, Färbungen und Funktionen experimentiert hat. Für Menschen, die solche Stücke über Jahre suchen, tragen, tauschen und dokumentieren, erzählt sie noch eine zweite Geschichte: die ihres eigenen Fundes und der Community, durch die sie weitergereist ist.

Diese beiden Perspektiven treffen nun in London aufeinander. Unter dem Titel Selected Works ’982–’026: Stone Island – The Collector Series bespielt Stone Island vom 21. September bis 6. November 2026 den Corner Shop von Selfridges. Erstmals arbeitet die Marke dafür offiziell mit unabhängigen Sammlern zusammen, die ihr Archiv über Jahrzehnte mitbewahrt und interpretiert haben.

Ein Archiv mit vielen Stimmen

Arco Maher, Better Gift Shop, ‘bout, 194 Local, Louis Holsgrove, Metallic Curtain, Pezze und SimJae bringen ihre eigenen Archive und Recherchen in das Projekt ein. Ihre Auswahl wechselt während der Laufzeit und steht im Dialog mit der Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 sowie Entwürfen, die exklusiv bei Selfridges angeboten werden. So begegnen sich im selben Raum ältere Stücke, aktuelle Forschung und neue Produkte.

Das ist der interessante Schritt: Stone Island zeigt seine Vergangenheit nicht ausschließlich aus der Sicht des Unternehmens. Die Sammler haben andere Wege durch dieses Archiv gefunden. Sie interessieren sich für bestimmte Materialien, seltene Ausführungen oder Phasen der Marke und bringen Wissen mit, das aus jahrelanger Beschäftigung mit den Kleidungsstücken entstanden ist. Ihre Auswahl macht sichtbar, dass ein Markenarchiv auch außerhalb der Marke weiterlebt.

Ein Raum, der sich verändert

Gestaltet wurde die Installation von Willo Perron. Weiche Strukturen und modulare Elemente lassen sich immer wieder neu anordnen, während Sammler und Stücke wechseln. Der Raum folgt damit dem Prinzip des Projekts: Dieses Archiv hat keine einzige, endgültige Form.

Auch das Programm greift über Mode hinaus. Stone Island kündigt Veranstaltungen zu Musik und Design an, darunter eine Londoner Ausgabe von Stone Island Sound: Studio One und ein Gespräch mit Carlo Rivetti, Paul Harvey und Aitor Throup. Die Collector Series wird so zu einem Treffpunkt für Menschen, die sich mit der Entwicklung der Marke auseinandersetzen – vom Entwurf bis zu ihrem kulturellen Nachleben.

Eine Frage bleibt dabei besonders spannend: Was geschieht, wenn eine Marke jene unabhängige Sammlerkultur einlädt, die bisher ihre eigene Geschichte geschrieben hat? Bei Stone Island entsteht daraus vorerst ein ungewöhnlich offener Blick auf die Vergangenheit. Die Archive gehören Menschen mit unterschiedlichen Interessen und Perspektiven. Für einige Wochen erzählen sie gemeinsam, was Stone Island für sie geworden ist.

Was macht ein Kleidungsstück zum Sammlerstück? In seinem Kurzfilm Passport besucht Regisseur Glenn Kitson Menschen, die Stone Island nicht nur tragen, sondern erforschen, archivieren und über Generationen weitergeben.

Seit Massimo Osti Stone Island 1982 gründete, prägen Experimente mit Materialien, Färbungen und Funktionen die italienische Marke. Aus dieser Neugier ist weit mehr als eine Kollektion entstanden: In verschiedenen Städten haben Sammler eigene Archive aufgebaut, seltene Stücke aufgespürt und Wissen über ihre Herkunft zusammengetragen.

Sieben Städte, viele Perspektiven

Für Passport spricht Kitson mit Mitgliedern dieser internationalen Community. In London kommen die Archivare Arco Maher und HOLSALES sowie der Vintage-Store 194 Local zu Wort. Weitere Begegnungen führen zu SimJae in Seoul, Metallic Curtain in Paris, Better Gift Shop in Toronto, PEZZE in Neapel und Vintage-Kurator ‘bout in Tokio.

Der Film zeigt, wie unterschiedlich die Wege zu Stone Island sein können. Was die Beteiligten verbindet, ist ihre Aufmerksamkeit für Gestaltung und Funktion – und der Wunsch, die Geschichten hinter den Kleidungsstücken lebendig zu halten. Kitsons Aufnahmen mit älteren Digitalkameras geben diesen Begegnungen eine Bildsprache, die selbst etwas von einem Fundstück hat.

Fotografie: Glenn Kitson und Jago Stock

Hockerty eröffnet sein Herbst/Winter-Lookbook 2026/27 mit vier maßgefertigten Begleitern für jene Wochen, in denen ein Sakko allein zu wenig und ein Wollmantel noch zu viel ist.

Übergangsmäntel werden gern über Jeans, T-Shirt oder Strick inszeniert. Dabei liegt ihre vielleicht eleganteste Aufgabe ganz woanders: Sie schließen die Lücke zwischen Anzug und Wintermantel. Mit Drop I des Lookbooks „Made to Keep“ rückt Hockerty genau diesen Moment in den Mittelpunkt – und zeigt zwei Trenchcoats sowie zwei Fieldjackets, die nach Maß gefertigt werden.

Es ist eine Garderobe für Tage, die kühl beginnen, mild enden und dazwischen einige stilistische Entscheidungen verlangen.

Der Trenchcoat als Teil des Anzugs

Im Zentrum stehen zwei Trenchcoats, die offen über dem Anzug getragen werden. Der marineblaue Zweireiher folgt einer langen, klassischen Silhouette. Kombiniert mit einem Doppelreiher aus reiner Schurwolle von Cerruti 1881 entsteht ein Look, der formell wirkt, ohne steif zu sein. Der Mantel ergänzt den Anzug, anstatt ihn hinter schweren Stofflagen verschwinden zu lassen.

Weicher präsentiert sich die anthrazitgraue Variante mit Gürtel. Ihre leichte Konstruktion und der locker gebundene Taillengürtel geben der Silhouette Bewegung. Sie formt nicht streng, sondern fällt selbstverständlich über das Sakko – ein Detail, das den gesamten Auftritt moderner erscheinen lässt.

Beide Modelle greifen eine Frage auf, die in der Männermode erstaunlich selten gestellt wird: Was trägt man über einem Anzug, solange ein klassischer Wollmantel noch nicht notwendig ist? Hockertys Antwort ist unaufgeregt und präzise. Der Trenchcoat wird nicht als funktionale Zugabe verstanden, sondern als integraler Bestandteil des Looks.

Fieldjackets für die informelleren Tage

Das lässigere Gegenstück bilden zwei Fieldjackets. Eine beige Version mit Revers sowie ein Modell mit klassischem Kragen lassen sich über Hemd oder feinem Strick tragen. Sie funktionieren zur Chino ebenso wie zur Anzughose und bewegen sich damit selbstverständlich zwischen Business, Alltag und Wochenende.

Ihre Stärke liegt gerade in dieser Offenheit. Die Fieldjackets müssen sich nicht eindeutig zwischen formell und informell entscheiden. Sie sind für jene Morgen gedacht, an denen eine zusätzliche Schicht willkommen ist – und für jene Mittage, an denen man sie bereits wieder über dem Arm trägt.

Kleidung, die bleiben soll

Der Titel „Made to Keep“ beschreibt mehr als die Ästhetik der Kollektion. Alle vier Modelle werden nach Maß gefertigt und können im 3D-Designer individuell konfiguriert werden. Schnitt, Maße und Details richten sich damit nicht nach einer standardisierten Konfektionsgröße, sondern nach ihrem späteren Träger.

Hockerty verbindet digitale Personalisierung mit den Prinzipien klassischer Schneiderkunst. Dahinter steht auch eine Idee von bewussterem Konsum: weniger Stücke zu kaufen, dafür solche, die passen, vielseitig kombinierbar sind und über eine Saison hinaus Bestand haben.

Drop I bildet den Auftakt zum mehrteiligen Herbst/Winter-Lookbook 2026/27. Im Fokus stehen zunächst jene Kleidungsstücke, die eine Saison begleiten, deren Wetter sich selten eindeutig entscheiden kann. Genau darin liegt ihre Relevanz: Sie machen den Übergang nicht nur tragbar, sondern zum eigentlichen Moment.

Für die neue DETOXDENIM-Kampagne von ARMEDANGELS übernimmt Cara Delevingne das Kommando. „Never the Expected“ verbindet ihre kompromisslose Individualität mit innovativen Materialien, markanten Silhouetten und einer Denim-Produktion, die den Status quo hinterfragt.

Cara Delevingne lässt sich nur schwer auf eine Rolle reduzieren. Model, Schauspielerin, Musikerin – und immer wieder eine Persönlichkeit, die sich Erwartungen entzieht. Genau diese Unberechenbarkeit macht sie zum Gesicht der Autumn/Winter 2026 DETOXDENIM-Kollektion von ARMEDANGELS.

Unter dem Titel „Never the Expected“ inszeniert die Kölner Fashion Brand Denim nicht als zeitlosen Klassiker, sondern als Material im Wandel. Im fiktiven DETOXDENIM Lab übernimmt Delevingne die Kontrolle, bricht mit vertrauten Bildern und macht aus Jeans eine Haltung: neugierig, eigenständig und bereit für Veränderung.

Die Kunst, sich nicht festlegen zu lassen

Cara Delevingne bewegt sich seit Jahren zwischen unterschiedlichen kreativen Welten. Sie stand auf internationalen Laufstegen, spielte in Film- und Serienproduktionen und schlägt nun mit ihrem Debütalbum Not Normal, das am 25. September 2026 erscheint, ein neues Kapitel auf.

Der Albumtitel könnte ebenso gut über der Zusammenarbeit mit ARMEDANGELS stehen. Denn sowohl Delevingne als auch die Marke verbindet die Weigerung, sich in eine vorgegebene Form einfügen zu lassen.

„ARMEDANGELS macht vieles anders als die meisten Marken. Und das ist wichtig, denn man weiß genau, was man trägt und wie es hergestellt wurde“, sagt Cara Delevingne.

Dabei bleibt „Never the Expected“ nicht bei einer rebellischen Bildsprache stehen. Die Kampagne stellt die Frage, wie Denim heute aussehen, sich anfühlen und produziert werden kann.

Denim als Materialexperiment

Seit 2018 bündelt ARMEDANGELS seine alternativen Ansätze zur Jeansproduktion unter dem Namen DETOXDENIM. Materialien, Waschungen, Verarbeitung und Finishing werden dabei immer wieder überprüft. Das Ziel: Jeans zu entwickeln, die nach Angaben der Marke ohne synthetische Pestizide und gefährliche Chemikalien auskommen, weniger Ressourcen benötigen und dennoch bei Passform, Qualität und Ästhetik überzeugen.

Eine zentrale Rolle in der neuen Kollektion spielt SaXcell®. Die Lyocell-Faser der nächsten Generation besteht zu 30 Prozent aus recycelten Baumwolltextilabfällen und zu 70 Prozent aus FSC®-zertifiziertem Holzzellstoff. Das Material verbindet einen weichen Griff und fließenden Fall mit der Qualität einer neu produzierten Faser. ARMEDANGELS führte SaXcell® bereits im Frühjahr 2025 ein und baut dessen Einsatz seither weiter aus.

Daneben rückt Selvedge Denim in den Mittelpunkt. Er entsteht auf traditionellen Webstühlen und ist an seiner besonders sauberen und robusten Webkante erkennbar. Statt des klassischen roten Details verwendet ARMEDANGELS eine gelbe Kante – ein kleiner, aber charakteristischer Bruch mit der Denim-Tradition. Gefertigt wird der Stoff aus Bio-Baumwolle.

Auch bei Waschungen und Finishing setzt die Marke unter anderem auf Ozon- und Lasertechnologien, um Wasserverbrauch und Chemikalieneinsatz zu reduzieren. Unabhängige Zertifizierungen wie GOTS, GRS, OCS und RCS dokumentieren bereits bei Teilen der Kollektion die eingesetzten Materialien und Produktionsstandards.

Neue Silhouetten in Deep Indigo

Optisch bewegt sich die Autumn/Winter 2026 Kollektion zwischen kräftigem Deep Indigo, ausgeprägten Vintage-Waschungen und entspannten, selbstbewussten Silhouetten.

Bei den Damen gehören der von Workwear inspirierte Barrel Fit Aalthea, die Wide-Leg-Modelle Enijaa und Astraeaas sowie der Straight Fit Aikaala zu den prägenden Formen. Die Herrenkollektion erweitert das Spiel mit Volumen durch den Relaxed Tapered Fit Maakxy, den Baggy Fit Jaameo und den neuen Classic Straight Fit Maadox.

Die Schnitte folgen keinem einzelnen Trend. Sie zeigen vielmehr, wie vielseitig moderner Denim sein kann: konstruiert oder fließend, körpernah oder bewusst oversized, nostalgisch und gleichzeitig zukunftsorientiert.

So wird Cara Delevingne nicht nur zum prominenten Gesicht einer Kampagne. Sie verkörpert deren eigentliche Idee: Identität ist nichts Starres. Sie darf sich verändern, widersprechen und immer wieder neu erfinden.

Die DETOXDENIM-Kollektion mit Cara Delevingne ist ab dem 17. September 2026 unter armedangels.com und im ausgewählten stationären Handel erhältlich.

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.