Paper Moon eröffnet neues Restaurant in Porto Cervo – mit Outdoor-Möbeln von Unopiù

Es gibt Restaurants, die man wegen ihrer Küche besucht. Andere beeindrucken mit ihrer Architektur oder ihrer Lage. Und dann gibt es Orte, an denen all diese Elemente zu einem stimmigen Ganzen verschmelzen. Mit Paper Moon Porto Cervo entsteht an der Costa Smeralda genau ein solcher Ort.

Die renommierte Restaurantmarke aus Mailand hat im Herzen des Cervo Hotels ihren neuesten internationalen Standort eröffnet und bringt ihre unverwechselbare Interpretation italienischer Gastlichkeit an einen der exklusivsten Plätze des Mittelmeers. Zwischen mediterraner Architektur, eleganter Piazza und Blick auf den Hafen entsteht ein Restaurant, das weit mehr sein möchte als eine neue kulinarische Adresse. Es versteht sich als Bühne für den italienischen Lifestyle – stilvoll, entspannt und offen für lange Sommerabende.

Von Mailand in die Welt

Seit der Eröffnung des ersten Paper Moon im Mailänder Modeviertel im Jahr 1977 steht der Name für authentische italienische Küche in einem eleganten, kosmopolitischen Ambiente. Was einst als Treffpunkt der Mailänder Design-, Mode- und Kunstszene begann, entwickelte sich in den vergangenen Jahrzehnten zu einer international erfolgreichen Restaurantmarke mit Standorten in Metropolen und exklusiven Destinationen weltweit.

Mit Paper Moon Porto Cervo setzt die Marke diesen Weg fort. Die neue Dependance verbindet die kulinarische Handschrift Mailands mit der entspannten Atmosphäre Sardiniens und schafft einen Ort, an dem mediterrane Leichtigkeit und italienische Raffinesse selbstverständlich zusammenfinden.

Die Speisekarte folgt dabei derselben Philosophie, für die Paper Moon weltweit bekannt ist: hochwertige Zutaten, frische Pasta, klassische italienische Gerichte und eine sorgfältig kuratierte Weinkarte, die den Charakter der italienischen Küche unterstreicht.

Der Außenbereich wird zum eigentlichen Erlebnis

Gerade an der Costa Smeralda spielt sich das Leben jedoch nicht im Inneren eines Restaurants ab. Die Terrasse wird zum Wohnzimmer, zum Treffpunkt und zur Bühne des Sommers.

Genau hier setzt Unopiù an.

Für den neuen Standort entschied sich Paper Moon für die Igea Collection, entworfen von Matteo Thun und Benedetto Fasciana. Mit ihrer klaren Formensprache, hochwertigen Materialien und zeitlosen Eleganz prägt sie den gesamten Außenbereich des Restaurants und fügt sich harmonisch in die mediterrane Architektur Porto Cervos ein.

Die Möbel verstehen sich dabei nicht als dekoratives Element, sondern als Teil der räumlichen Inszenierung. Komfort, Proportionen und Materialität tragen dazu bei, dass sich der Außenbereich wie selbstverständlich in das gastronomische Erlebnis integriert – vom ersten Espresso am Nachmittag bis zum letzten Glas Wein unter freiem Himmel.

Italienisches Design als Lebensgefühl

Seit 1978 verfolgt Unopiù eine Idee, die heute aktueller wirkt denn je: Außenräume sollen mit derselben Sorgfalt gestaltet werden wie Innenräume. Der Markenname – sinngemäß „ein Raum mehr“ – beschreibt genau diesen Anspruch.

Mit individuell kombinierbaren Outdoor-Kollektionen hat sich das Unternehmen international einen Namen gemacht und stattet heute zahlreiche renommierte Hotels, Resorts und Restaurants mit hochwertigem Outdoor-Mobiliar aus. Dabei verbindet Unopiù italienische Designtradition mit langlebigen Materialien und einer zeitlosen Ästhetik, die den Außenraum als vollwertigen Lebensraum versteht.

Mehr als eine Neueröffnung

Mit Paper Moon Porto Cervo ist an der Costa Smeralda nicht einfach ein weiteres Restaurant entstanden. Vielmehr zeigt das Projekt, wie eng Kulinarik, Architektur und Design heute miteinander verbunden sind.

Die Küche erzählt von italienischer Tradition, die Architektur öffnet sich zur mediterranen Landschaft und Unopiù schafft jene Atmosphäre, die einen Ort erst vollständig macht. So entsteht ein Gesamterlebnis, das den Charakter der Costa Smeralda auf elegante Weise widerspiegelt – authentisch, hochwertig und ganz selbstverständlich italienisch.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Vorhang auf für eine Ikone, die nur dann die Bühne betritt, wenn sie bereit ist: Das Phantom ist das Aushängeschild des burgenländischen Weinguts K+K Kirnbauer. Eine begehrte Cuvée mit Kult-Charakter, um die sich Jahr für Jahr neue Geschichten ranken – und das seit ihrem ersten Auftritt im Jahr 1987.

Die seltenen Dinge sind stets die aufregendsten

Damals wagte Rotweinpionier Kirnbauer einen mutigen Schritt: Er vereinte erstmals verschiedene rote Rebsorten zu einem Cuvée. Was als Premiere begann, entwickelte sich rasch zu einer Erfolgsgeschichte. Seither wird jede neue Ausgabe des Phantoms mit großer Spannung erwartet.

Wer weiß schon, was hinter verschlossenen Türen passieren kann


Einmal im Jahr trifft sich ein ausgewählter Kreis aus Familie und Freunden, um zwölf im Barrique ausgebaute Weine zu verkosten – einzeln und in verschiedenen Assemblagen. Darunter der fürs Burgenland so typische Blaufränkisch sowie Cabernet, Merlot und Syrah. Nach einer Bedenkzeit von drei bis vier Tagen wird gemeinsam entschieden, welche Komposition „phantomable“ ist. Also würdig, den Namen als Nachfolger zu tragen.

Wer es einmal erlebt hat, vergisst es nicht

Mehr schwarz als rot, unergründlich, begehrlich. Es sind Begriffe, mit denen sich das Phantom nicht zufrieden geben scheint. Wer es beschreiben will, scheitert schnell… Die Worte verflüchtigen sich wie das Phantom selbst. Und doch gerät es nie in Vergessenheit. Was bleibt, ist ein Begriff, der seinem Charakter jedes Jahr zugeordnet wird…

Nichts ist so geheimnisvoll wie Reife

…um daraus ein eigenes Sujet zu gestalten, das die Geschichte des Jahrgangs einfängt. Sei es die Biozertifizierung und das Streben nach Großem oder das Wiederauftauchen des Phantoms, nachdem es im Jahr davor verschollen blieb. Ob im Hotel Sacher, in einem Oldtimer Rolls Royce oder mit einem Heißluftballon – für den begehrenswerten Hauptdarsteller werden keine Mühen gescheut.

Irren wäre unmenschlich

Das aktuelle Sujet zeigt ein Labyrinth. Es gilt den Weg zu finden… Wohin? Bestimmt zum Weinschrank, in der Hoffnung, darin das Phantom zu entdecken…

Fotos: Joachim Haslinger; Agentur kratkys.net

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zwischen Moka, Aperitivo und Mitternachtspasta erzählt Portrait Hotels von dem, was Italien wirklich ausmacht: Menschen, Begegnungen und den Zauber alltäglicher Rituale.

Was bleibt von einer Reise? Oft sind es nicht die Sehenswürdigkeiten oder die spektakulären Ausblicke. Es sind die kleinen Momente dazwischen. Der Duft von frisch gebrühtem Kaffee am Morgen. Ein Gespräch, das länger dauert als geplant. Das erste Glas Aperitivo im goldenen Licht des Abends.

Genau diesen Momenten widmet sich die neue Editorial-Serie The Personal Touch von Portrait Hotels. Statt die Häuser in Mailand, Florenz und Rom über Architektur oder Luxus zu definieren, richtet die Serie den Blick auf die Menschen, die ihre Atmosphäre prägen. Hosts, Concierges, Köche, Bartender und Mitglieder des Lifestyle Teams erzählen von Ritualen, Erinnerungen und Gewohnheiten, die tief in der italienischen Kultur verwurzelt sind.

Gastfreundschaft als Haltung

Im Italienischen existiert ein besonderes Wort: ospite. Es bedeutet zugleich Gast und Gastgeber. Eine sprachliche Feinheit, die viel über das italienische Verständnis von Gastfreundschaft verrät.

Auch bei Portrait Hotels steht diese Haltung im Mittelpunkt. Gastfreundschaft wird hier nicht als Service verstanden, sondern als Beziehung. Es geht um Aufmerksamkeit, um Intuition und um die Fähigkeit, Menschen das Gefühl zu geben, angekommen zu sein.

Für Simone Thomas Bisin, F&B Operations Manager im Portrait Milano, entstehen die schönsten Momente nicht durch Perfektion, sondern durch Präsenz. Durch das Erinnern an persönliche Vorlieben, durch ehrliche Herzlichkeit und durch jene kleinen Gesten, die einen Aufenthalt persönlich machen.

Der Tag beginnt mit einer Moka

Wer Italien verstehen möchte, sollte seinen Tag nicht mit Eile beginnen.

In den Portrait Hotels startet der Morgen mit hausgemachten Kuchen, frischem Gebäck und dem unverwechselbaren Duft einer Moka-Kanne. Nicht als Inszenierung, sondern als gelebtes Ritual.

Im Portrait Milano, Portrait Firenze und Portrait Roma orientiert sich das Frühstück an regionalen Rezepten und vertrauten Geschmäckern. Torta Paradiso, Maritozzi, Veneziana oder Crostata erinnern an italienische Familienküchen und verwandeln das Frühstück in einen Moment des Innehaltens.

Die Moka selbst wird direkt an den Tisch gebracht – genauso wie zuhause. Nicht nur der Kaffee zählt, sondern das Geräusch des Einschenkens, der Duft und die Erinnerungen, die damit verbunden sind. Es sind jene scheinbar unspektakulären Momente, die ein Gefühl von Zugehörigkeit entstehen lassen.

Pasta als Ausdruck von Gemeinschaft

Mittags rückt ein weiteres italienisches Ritual in den Mittelpunkt: Pasta.

Im Portrait Roma beginnt das Erlebnis bereits auf lokalen Märkten. Gemeinsam mit dem Hotelteam wählen Gäste Zutaten für klassische römische Gerichte wie Carbonara, Cacio e Pepe oder Amatriciana aus, bevor diese auf der Rooftop-Terrasse zubereitet werden.

Auch im Portrait Firenze wird die Pasta zum kulturellen Erlebnis. Hier lebt die Tradition der Scarpetta weiter – jener charmanten Geste, bei der die letzten Tropfen Sauce mit einem Stück Brot aufgenommen werden.

Es ist ein Ritual, das zeigt, dass Genuss in Italien nie nur Geschmack bedeutet. Genuss bedeutet Zeit. Gemeinschaft. Aufmerksamkeit.

Die goldene Stunde des Aperitivo

Wenn die Sonne langsam hinter den Dächern von Florenz verschwindet, beginnt in Italien eine Tageszeit, die fast schon heilig erscheint: der Aperitivo.

Im Caffè dell’Oro des Portrait Firenze wird er mit Blick auf den Ponte Vecchio zelebriert. Im Portrait Milano fährt täglich der Aperitivo-Trolley zwischen den Tischen hindurch, während Negroni, Americano oder Spritz direkt vor den Gästen zubereitet werden. Gespräche vermischen sich mit Musik und dem Rhythmus der Stadt.

Im Portrait Roma hingegen wird der Aperitivo intimer interpretiert. Die Rooftop-Terrasse erinnert eher an ein privates Wohnzimmer über den Dächern der Stadt als an eine klassische Hotelbar. Hier steht nicht das Spektakel im Vordergrund, sondern die Atmosphäre.

Wenn Italien erst nach Mitternacht beginnt

Vielleicht zeigt sich das wahre Italien jedoch erst spät in der Nacht.

Wenn im Portrait Milano die Gespräche länger werden und die Musik den Abend trägt, erscheint plötzlich ein einfaches Gericht auf den Tischen: Spaghetti Aglio, Olio e Peperoncino.

Die traditionelle Spaghettata di Mezzanotte gehört seit Generationen zu italienischen Sommernächten. Kein aufwendiges Menü. Keine große Inszenierung. Nur Pasta, Freunde und Zeit.

Es ist ein perfektes Sinnbild für das, was Portrait Hotels vermitteln möchte: Luxus entsteht nicht durch Überfluss, sondern durch Bedeutung. Durch Rituale, die Menschen verbinden. Durch Erinnerungen, die bleiben.

Italien als Gefühl

Mit The Personal Touch zeigt Portrait Hotels eine Seite Italiens, die Reiseführer oft übersehen. Nicht die Sehenswürdigkeiten stehen im Mittelpunkt, sondern die Menschen, die Geschichten erzählen, Traditionen weitergeben und Gastfreundschaft als etwas Persönliches verstehen.

Vielleicht ist genau das die schönste Form des Reisens: einen Ort nicht nur zu besuchen, sondern ihn durch seine Rituale kennenzulernen.

Zwischen pannonischer Weite und mediterraner Leichtigkeit entstehen im Mittelburgenland Weine mit Charakter, Tiefe und Persönlichkeit.

Im Mittelburgenland denkt man bei K+K nicht zwingend an die Monarchie. Obwohl das Weingut K+K Kirnbauer tatsächlich kaiserlich und königlich anmutende Weine hervorbringt, stehen die Initialen vielmehr für Marlene und Markus Kirnbauer – die sich nebenbei sogar die Anfangsbuchstaben ihrer Vornamen teilen.

Seit rund 350 Jahren ist die Familie Kirnbauer in Deutschkreutz verwurzelt – zwischen pannonischer Weite und toskanischem Lebensgefühl. Für Markus ist der hier verankerte Blaufränkisch nicht nur eine Rebsorte, sondern ein eigenständiger Charakter. Marlene gestaltet die Welt rund um den Wein mit Sinn für Ästhetik und der nötigen Dramatik. Gemeinsam prägen sie ein Weingut, dessen Handschrift weit über klassische Weintradition hinausgeht.

Auf rund 45 Hektar wird mit großer Sorgfalt gearbeitet – biologisch und mit klarem Blick in die Zukunft. Im Zentrum steht Blaufränkisch, interpretiert in all seinen Facetten: zugänglich oder tiefgründig, pur oder als tragendes Element großer Cuvées.

Ebenso markant wie die Weine sind die Namen, die sie tragen.
Das Phantom gilt als Ikone unter den blaufränkischen Cuvées. Seit 1987 erscheint der Wein nahezu jedes Jahr aufs Neue – tiefrot, kraftvoll und vielschichtig.

Der Forever Cuvée reift 38 Monate lang ausschließlich in neuen französischen Barriques und zeichnet sich durch außergewöhnliche Langlebigkeit aus.

Der Houdini Zweigelt wiederum entfesselt Lebensgeister – ein Wein wie eine Illusion: Man glaubt ihn zu kennen und wird dennoch überrascht.

Und dann kommt jener Moment, in dem die erste Flasche geöffnet wird. Im Weingut, dessen dunkelrote Fassade dieselbe Wärme ausstrahlt wie der Inhalt der Gläser, gelingt das besonders gut. Hoch über den Weingärten gelegen, öffnet sich der Blick weit in die Landschaft. Das Weingut verbindet mediterrane Leichtigkeit mit burgenländischer Klarheit.

Mit dem Rooftop 7301 wurde ein Ort geschaffen, der genau dieses Lebensgefühl einfängt. Hier treffen Architektur und Natur, Wein und Licht, Menschen und Momente aufeinander. Ein Sundowner wird schnell zu einem jener Abende, die man nicht vergisst.

Die Weine von K+K Kirnbauer begleiten besondere Augenblicke. Sie erzählen von langen Abenden, intensiven Gesprächen und Erinnerungen, die bleiben. Es sind Weine für die richtigen Momente – und für jene, die erst durch sie besonders werden.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

OLM NATURE ESCAPE

Kreisrundes energieautarkes Eco-Aparthotel im Südtiroler Ahrntal mit außergewöhnlicher Architektur und visionärer regionaler Küche.

Kulinarik mit Persönlichkeit

Seine Menüs sind außergewöhnlich. Unsere Fragen sind es auch. Berni Aichner ist Kulinarik-Chef im hauseigenen Restaurant PRENN° des Eco-Aparthotel OLM Nature Escape und wird für seine Warmherzigkeit, Kreativität und Bodenständigkeit geschätzt. Im Gespräch mit THE Stylemate erfahren wir, welche außergewöhnliche Kreation es doch nicht auf die Karte geschafft hat, welche Südtiroler Zutat Geschichte erzählt und welches runde Gericht er am liebsten hat.

Bewusster Umgang mit Lebensmitteln

Gibt es ein Lebensmittel(teil), das Sie früher verschwendet hätten, aber heute für Sie „heilig“ ist?
Schon in meiner Lehrzeit habe ich gelernt, mit Lebensmitteln verantwortungsvoll umzugehen, auch als Wertschätzung dem Produzenten gegenüber. Aus Abschnitten werden die besten Saucen und Fonds zubereitet.

Teamwork in der Küche

Chef und Sous-Chef – wie funktioniert die Rangordnung zwischen Ihnen? Wie schaffen Sie es, dass der Sous-Chef nicht untergeht und der Chef den Überblick behält?
Egon ist genial und ich könnte mir keinen besseren Stellvertreter vorstellen. Wir sind nicht nur Arbeitskollegen, sondern auch richtig gute Freunde. Er unterstützt und motiviert mich und genießt mein volles Vertrauen. Bei Entscheidungen ist mir seine Meinung enorm wichtig.

Die Zutaten für ein gutes Miteinander

Ein Lächeln, ein besonderer Löffel, die Lieblingstasse – welche sieben „Zutaten“ dürfen im täglichen Miteinander in Ihrer Küche nicht fehlen?
Humor, gegenseitiger Respekt, Wertschätzung, ein Plausch im Team, ein Espresso, Spaß an der Arbeit und der Blick nach vorne.

Was manchmal fehlt

Und welche „Zutaten“ fehlen Ihnen manchmal in der Küche im täglichen Miteinander?
Zeit und Geduld und manchmal auch die nötige Gelassenheit.

Drei Worte für die Küche

Wenn O, L und M jeweils für ein Wort in Bezug zu Ihrer kulinarischen Arbeit stehen würden – welche wären das?
Originell
Leidenschaft
Menschen begeistern

Lieblingsgerichte

Pizza, Mochi, Arancini – welches runde Gericht mögen Sie am liebsten?
Die Pressknödel. Mein Lieblingsgericht, und nebenbei spiegeln sie in ihrer Form die Architektur des OLM wider.

Kindheit neu interpretiert

Wenn Sie ein Gericht aus Ihrer Kindheit in ein modernes Fine-Dining-Konzept umsetzen: Wie sieht es aus und wie schmeckt es?
Ich erinnere mich gerne an die Brennsuppe meines Großvaters. Die einfache Suppe aus gebräuntem Mehl, Butter, Wasser, Salz und etwas Kümmel gab es täglich zum Frühstück. In meiner Küche wird das Wasser mit einem gehaltvollen Rinderfond ausgetauscht und mit brauner Butter aufmontiert. Mit Schwarzbrotchips, gehobelten rohen Steinpilzen und Schnittlauchöl – ein Traum!

Mutige Zutaten

Welche Zutat lieben Sie, könnte aber vielleicht den einen oder anderen Gast abschrecken?
Ich liebe Innereien, habe diese aber fast zur Gänze aus dem Angebot gestrichen. Diese werden inzwischen von vielen Gästen abgelehnt. Auf Nachfrage und für Liebhaber bereiten wir sie aber gerne zu.

Regionale Geschichten

Welche Zutat aus Südtirol erzählt für Sie die spannendste Geschichte?
Der Ahrntaler Graukäse: Vom Arme-Leute-Essen ist er zum kulinarischen Highlight avanciert. Er ist vielseitig einsetzbar und von „Slow Food“ geschützt.

Kulinarik ohne Grenzen

Welche Speise sehen Sie als universell an und kann von allen Kulturen verstanden werden?
Tolle Pasta mit frischen Zutaten macht weltweit jeden glücklich, ob Alt oder Jung.

Ideen, die es nicht auf die Karte schaffen

Welches Gericht haben Sie zum Spaß entwickelt, ist aber nie auf der Karte gelandet?
Das Wiener Schnitzel in Knödelform, gefüllt mit Kartoffelsalat. Geniale Klassiker sollen das auch bleiben.

Eine Zutat, unendliche Möglichkeiten

Wenn Sie nur eine Zutat auswählen dürften, mit der Sie ein gesamtes Menü kochen müssten, welche wäre das?
Der Spargel. Vom rohen Spargelsalat über ein sämiges Süppchen bis hin zum cremigen Risotto – oder einfach Spargel mit Bozner Sauce.

Fotos: Andreas Gruber, Kottersteger, Andreas Niederkogler, Julia Rieck

Wie der japanische Künstler die Verbindung von Natur, Architektur und Champagner neu interpretiert

Mit der Fortsetzung der Kunstreihe “Conversations with Nature” setzt die Maison Ruinart 2026 ein poetisches Zeichen für Nachhaltigkeit, Wahrnehmung und die stille Kraft der Natur. Der japanische Künstler Tadashi Kawamata verwandelt Orte in sinnliche Erfahrungsräume – und lädt dazu ein, die Welt neu zu sehen.

Kunst, die Perspektiven verschiebt

Seit Jahren pflegt Ruinart einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur. 2026 wird dieser Dialog mit Tadashi Kawamata fortgeführt – einem Künstler, der für seine ephemeren, architektonischen Interventionen bekannt ist. Seine Werke entstehen aus Holz, oft aus recycelten Materialien, und greifen subtil in bestehende Landschaften ein.

Ob fragile Stege, Hütten oder Beobachtungsplattformen: Kawamatas Installationen eröffnen neue Blickwinkel und verändern bewusst unsere Wahrnehmung von Raum, Maßstab und Natur.

Reims als Inspirationsquelle

Bei seinem ersten Besuch in den Weinbergen rund um die historische Adresse 4 RUE DES CRAYÈRES zeigte sich Kawamata tief beeindruckt von der Atmosphäre des Ortes – vom Morgennebel, der Feuchtigkeit der Luft bis hin zu den kaum sichtbaren Lebenswelten von Vögeln und Insekten.

Diese Eindrücke übersetzt der Künstler in Zeichnungen, Modelle und schließlich in großformatige Installationen. Seine Werke verstehen sich als „imaginäre Zufluchtsorte“ – poetische Antworten auf die Fragilität des Lebendigen.

Drei Installationen – ein Gesamtkunstwerk

Im Sommer 2026 entstehen in Reims drei permanente In-situ-Arbeiten:
Cabane, Nid und Observatoire.

Sie bilden ein Ensemble, das Kunst, Handwerk und Natur miteinander verbindet. Besucher:innen können die Installationen begehen, erleben und die „Schwingungen der Natur“ bewusst wahrnehmen – ein zentrales Element für die Harmonie des Champagners.

„Hier oben nimmt man jede Wetterlage ganz deutlich wahr … Ich möchte, dass die Besucher dem Vergehen der Zeit bewusst nachspüren.“

Zwischen Miniatur und Monument

Ein spannender Aspekt von Kawamatas Arbeit ist das Spiel mit Maßstäben. Modelle aus recyceltem Holz fungieren als konzeptuelle Vorstudien, bevor sie in monumentale Installationen übersetzt werden.

Diese Transformation vom Kleinen ins Große eröffnet neue Perspektiven auf Material, Raum und Zeit – und macht den kreativen Prozess selbst sichtbar.

Ruinart & die Kunst des Dialogs

Die Verbindung von Kunst und Natur ist tief in der DNA von Ruinart verankert. Bereits im 19. Jahrhundert setzte das Haus auf künstlerische Ausdrucksformen – heute arbeiten internationale Künstler:innen daran, ökologische Fragestellungen erfahrbar zu machen.

Kawamata reiht sich damit in eine Tradition ein, die Kunst nicht als Dekoration versteht, sondern als Medium für Bewusstsein und Veränderung.

Ein sinnliches Erlebnis zwischen Natur und Champagner

Die 4 RUE DES CRAYÈRES ist heute mehr als ein Ort der Champagnerproduktion – sie ist ein kultureller Erlebnisraum. Zwischen historischen Kreidekellern (UNESCO-Weltkulturerbe) und zeitgenössischer Architektur entsteht ein Ort, an dem sich Natur, Kunst und Handwerk verbinden.

Mit Kawamatas Intervention wird dieser Ort um eine weitere Dimension erweitert: eine Einladung, die Natur nicht nur zu sehen, sondern zu fühlen.