Der Kunstverein Friedrichshafen zeigt vom 25. Juni bis
21. August 2022 eine Einzelausstellung von Jan Zöller unter dem Titel For every thing that is shown, some thing is hidden.

Jan Zöller gestaltet in intensiven Farben und mit klaren Formen fantastische Welten, die doch nie den Bezug zur Realität verlieren. In seinen Arbeiten reflektiert der 1992 geborene Künstler die Beziehungen und Abhängigkeiten zwischen Menschen und Systemen, sozialen und gesellschaftlichen Dynamiken und ökonomischen Kreisläufen. Dabei nutzt er seine eigene Ikonografie immer wiederkehrender Motive.

Urbane Strukturen treten in Form von Brunnen, Mauern und Straßenlaternen in Erscheinung, Natur als Bäume und Büsche oder stilisierte Elstern und Raben. Immerzu tauchen auch Hosenbeine auf, die rastlos durch die Bilder laufen. Mal sind sie körperlos, mal bestehen ihre Oberkörper aus Brunnenbecken oder den besagten Vögeln. Sie sind Personifikationen des Menschlichen. Alles ist in Bewegung, ja geradezu in Hektik versetzt, wodurch sich das eigentliche Thema von Zöllers Werken offenbart: die Einbindung des Individuum in eine spätkapitalistische Verwertungs- und Leistungsgesellschaft, aus der es kein Entkommen gibt. Auch nicht in oder mit der Kunst. Und so thematisiert Zöller auch immer wieder den Kunstbetrieb mit seinen Produktions-, Präsentations- und Rezeptionsprozessen, Gepflogenheiten und Codes.

Obwohl Ausstellen auch gleichzeitig Zeigen bedeutet, löst er in For every thing that is shown, some thing is hidden das, was im Titel bereits angedeutet ist, auch ein. Bereits beim Betreten der Ausstellung läuft man auf eine große Wand zu, auf der lediglich eine kleine Papierarbeit mit der Aufschrift „NOTHING TO SEE HERE“ zu sehen ist.

Geht man trotz diesem Irritationsmoment weiter, verstellt eine riesige Wand aus blauem Styrodur Eintritt und Einsicht in den Ausstellungsraum. An der gegenüberliegenden Wand zieht sich ein zur Raumecke hin ansteigender Pfad aus Erde entlang. Erst danach gelangt man in den großen Ausstellungsraum, in dem dann doch noch Bilder zu sehen sind.

Unweigerlich wird man in diesen raumgreifenden Ensembles selbst zu den rastlosen Hosenbeinen, Elstern und Raben, die Jan Zöllers Bilder bevölkern. Damit geht einher,
dass die Ausstellung auch gleichzeitig ein Bühnenbild für ein Theaterstück ist, das Zöller mit seinem Kindheitsfreund Felix Baumann zurzeit entwickelt. Die Installation der Ausstellung ist bereits der erste Akt der Kollaboration und dient der Erprobung, wie Elemente der Bildenden und Darstellenden Kunst miteinander kombiniert werden können und in einen Austausch treten.

Jan Zöller

Jan Zöller (*1992 in Haslach im Kinzigtal) lebt und arbeitet in Karlsruhe. Er hat an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Leni Hoffmann und Marijke van Warmerdam sowie an der École nationale supérieure des Beaux-Artes bei Jean Marc Bustamante studiert. Er erhielt 2017 den Postgraduiertenpreis der Kunstakademie Karlsruhe, wurde 2018 mit dem 24. Bundespreis für Kunststudierende der Bundeskunsthalle Bonn, und 2021 mit dem Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds ausgezeichnet.

Seine Werke wurden in Einzelausstellungen in der Städtischen Galerie Ostfildern, bei Meyer Riegger (Karlsruhe), Robert Grunenberg (Berlin), der Galerie Ehrhardt Flórez (Madrid), Spazio Buonasera (Turin), DINAMIKA (Moskau) und in Gruppenausstellungen u.a. in der Bundeskunsthalle Bonn, der Baumwollspinnerei (Leipzig), dem Kunstverein Heidelberg, Coherent (Brüssel) und der Osnova Gallery (Moskau) gezeigt.

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Photo credits: Jan Zöller

Nobuyoshi Araki (* 25. Mai 1940, Tokio) ist einer der bedeutendsten und produktivsten japanischen Fotografen der Gegenwart. In sechs Jahrzehnten schuf er eine Vielzahl von Fotografien, Büchern und Filmen. Ist Araki der breiteren Öffentlichkeit vorwiegend durch seine provokanten Akt- und Fesselungsaufnahmen bekannt geworden, fokussiert diese Ausstellung die Entwicklung seiner einflussreichen Ich-Fotografie, die in Arakis eigenem Leben und direktem Lebensumfeld in Tokio ihren Ausgang nimmt.

Nach seinem Studium der Fotografie an der Universität Chiba in Tokio (1959‒1963) arbeitete Araki zunächst als kommerzieller Fotograf für eine Werbeagentur. Daneben begann er eigene Ideen zu verfolgen. Geprägt von den massive gesellschaftspolitischen Umbrüchen und bahnbrechenden Experimenten der Avantgardefotografie jener Zeit, revolutionierte Araki ab den 1970er-Jahren die klassische Reportage- und Dokumentarfotografie durch einen autobiografischen Zugang. Er gibt in intuitiven Aufnahmen einem dezidiert subjektiven Blick Ausdruck, der die eigene Erfahrung des Erlebten und Gesehenen wiedergibt, aber auch fiktive Elemente enthalten kann. Mit dieser als Ich-Fotografie bezeichneten Praxis geht Araki oftmals den Themen Sexualität und Tod vor dem Hintergrund Tokios nach. Als Höhepunkt dieser Arbeitsweise gilt die umfangreiche Serie Sentimental Journey, die Araki 1971 begann und bis heute in Form von Fotos und Büchern erweitert und neu kontextualisiert.

Die Ausstellung speist sich aus den umfassenden Beständen des Sammlers und ehemaligen Galeristen Rafael Jablonka, die 2019 an die Albertina übergegangen sind. Als langjähriger Begleiter Arakis konnte Rafael Jablonka eine der profiliertesten Sammlungen von Araki-Fotografien aufbauen, die Werke aus unterschiedlichen Schaffensphasen vereint und hier unter einem thematischen Schwerpunkt erstmals auszugsweise zu sehen ist.

Satchin und sein Bruder Mabo

Araki fotografierte 1962/63 den Jungen Sachio, genannt Satchin, und seinen Bruder Mabo im Tokioer Mikawashima-Viertel. Vom italienischen neorealistischen Film beeindruckt und noch mit der klassischen japanischen Dokumentarfotografie im Einklang bediente sich Araki eines reportagehaften Stils. Auch wenn die schwierigen Lebensumstände der Kinder klar ersichtlich sind, geht es Araki nicht um bloße Sozialkritik. Vielmehr hielt er mit einem Blick für humoristische Details dynamische Momente fest und zeigt die Kinder als Darsteller und alltägliche Szenen als theatrales Schauspiel. Die Fotoserie ist parallel zu einem 16-mm-Film entstanden, den Araki als Abschlussarbeit seines Fotografiestudiums einreichte. Mit diesem ersten eigenständigen Werkkomplex gewann er 1964 einen Fotowettbewerb. In der Folge konnte er die Serie in einer Ausstellung zeigen.

Die Vergangenheit

In Auseinandersetzung mit der japanischen Fotoavantgarde wie etwa der Gruppe Provoke (1968‒1970) forderte auch Araki ab den frühen 1970er-Jahren die klassische Dokumentarfotografie und ihren Anspruch auf die „objektive Wiedergabe von Fakten“ heraus. Durch das manuelle Weiterdrehen des Negativfilms in der Kamera kombinierte er auf einem Bild zwei fragmentarische Ansichten, die Alltagsszenen von Tokio wie eine filmartige Sequenz wiedergeben. Diese Praxis ist bezeichnend für die Konzeptfotografie der Zeit, in der dem Zufall und den mechanischen Prozessen der Kamera eine zentrale Funktion eingeräumt wurde, um die Rolle des Künstlers bei der Bildgestaltung neu zu bestimmen. Die Vergangenheit bricht mit offiziellen Darstellungen Tokios in politischen und touristischen Kontexten. Fotos von trivialen Zeichen der Konsumkultur, beiläufige Reproduktionen von Massenmedien, dystopische Ansichten des wuchernden Stadtraums und entlarvende Porträts von Passanten zeugen von Arakis persönlicher Aneignung der zeitgenössischen Metropole am Höhepunkt des Wirtschaftsbooms.

Tokio

Das Medium Buch nimmt in Arakis Œuvre einen hohen Stellenwert ein. Es ist den Abzügen gleichwertig und zeigt in seiner Kombination von Fotografie, Text und Grafikdesign eigenständige Bildlösungen. Tokio (1973), eines der ersten und wichtigsten Fotobücher Arakis, beginnt mit einem Text des Kritikers und Stadttheoretikers Kōji Taki zur urbanen Entwicklung Tokios. Das Hochformat vereint zwei konträre Serien: Die Fotos oben zeigen an einer Kreuzung wartende Passanten, die Araki aus großer Entfernung mit einem Teleobjektiv aus der anonymen Menge isolierte. Darunter publizierte er intime Nahansichten einer zumeist nackten Frau bei sexuellen Handlungen in einem Innenraum. Sie sind seine Antwort auf die vom massiven Konsumkapitalismus durchdrungene Stadtstruktur Tokios, die neben dem öffentlichen auch das private Leben zunehmend regulierte und einschränkte. Zentrale Themen Arakis, wie das Nebeneinander von Innen- und Außenraum, von Akt und Stadt sowie von Subjekt und Lebensumfeld sind hier bereits angelegt.

Pseudo-Tagebuch

Nobuyoshi Arakis Untersuchung dokumentarischer Strategien ging ab den 1970er-Jahren mit einer humorvollen Hinterfragung der vermeintlichen Wahrhaftigkeit der Fotografie einher. Sein Pseudo-Tagebuch (1980) fasst autobiografische Momentaufnahmen in Form eines Fototagebuches zusammen. Darunter finden sich Porträts seiner Frau Yōko, Stadtansichten, Aktdarstellungen und Aufnahmen von Araki beim Fotografieren. Entgegen der dokumentarischen Aufmachung hat Araki die eingeblendeten Datumsangaben manipuliert und hebt so die Grenze zwischen Fakt und Fiktion auf. Die Daten verweisen in die Zukunft oder auf Ereignisse des Zweiten Weltkrieges. Der 1. April als Tag scherzhaften Schwindels thematisiert die verzerrte
Wahrheit in den Fotos.

Im selben Jahr publizierte Araki auch das Buch Pseudo-Reportage. Es enthält Fotos, die er unter anderem speziellen Nationalfeiertagen, etwa dem Geburtstag des Kaisers, zuordnet. Die Aufnahmen kombinierte er mit erläuternden Bildtexten, die zwar im sachlichen Stil einer Reportage verfasst, jedoch zumeist frei erfunden sind.

Private Fotografie

Der Werkzyklus Private Fotografie oder Ich-Fotografie veranschaulicht Arakis titelgebende Praxis auf beispielhafte Weise. Seine früh entwickelte fotografische Gattung der autobiografischen Erzählung basiert auf einer Beobachtung des Selbst und des eigenen Umfelds. Leben und Fotografieren sind, so Araki, gleichbedeutend. Selbst vermeintlich banale Motive sind bildwürdig, wichtig sind die persönliche Beziehung und die intuitive Haltung des Fotografen dem Sujet gegenüber. Alle Themen des Künstlers kommen darin notizbuchartig zur Sprache. Er verknüpft Fotos familiärer Ereignisse sowie unspektakulärer Stadt- und Alltagsszenen mit artifiziellen Akt- und Studioaufnahmen. Die Bilder entstammen unterschiedlichen Dekaden und Kontexten. Sie werden je nach Gefühlslage und unabhängig von jedweder Chronologie oder Hierarchie in immer neuen Bedeutungszusammenhängen in einer offenen Struktur arrangiert. Dokumentation und Fiktion lassen sich nicht immer klar trennen: Nicht nur die Bedeutung der Fotos ändert sich durch die Kombinationen, auch die Bezüge zu Arakis Leben bleiben oftmals rätselhaft. Darüber hinaus dienen die Motive als Projektionsflächen für Arakis eigene Vorstellungen.

Kinbaku

Aktfotos stellen von Anbeginn einen integralen Teil von Arakis Werk dar. Keine Aufnahmen machen die enge Verbindung von Sexualität, Begehren, Dominanz, Unterwerfung und Voyeurismus so unmittelbar sichtbar wie Kinbaku – eine japanische Form des Bondage, die das Fesseln und Hängen von vorwiegend Frauen bezeichnet und in historischen Bestrafungsmethoden ihren Ursprung hat. Hochgradig inszeniert, unterscheiden sich diese zwischen Performance und Skulptur angesiedelten Fotos deutlich von Arakis schnappschussartigen Aufnahmen.

Arakis Fotos von Fesselungen zählen zu seinen berühmtesten und umstrittensten Arbeiten, die entsprechend unterschiedliche Lesearten nach sich gezogen haben: Die Aufnahmen wurden als provokante Rebellion gegen gesellschaftliche Prüderie und die staatliche Zensur aufgefasst, die auf Präsentationen der Bilder mit saftigen Geldstrafen
reagierte. Durch das Herausstreichen von Eigenheiten der japanischen Kultur etablierten westliche Kritiker auch eine „exotische“ Interpretation: Sie fasst die Fesselungen als eine Kunstform mit ästhetischem Anspruch auf, die tief in der japanischen Kultur verwurzelt ist. So gesehen sind die Fotos nicht bloße Pornografie, sondern eine Neuinterpretation traditioneller erotischer Darstellungen in Gemälden und seit dem 17. Jahrhundert populären Druckgrafiken (Ukiyo-e). Umgekehrt betonen feministische Ansätze und rezente Diskussionen im Kontext der Me-Too-Bewegung die misogynen Aspekte der Fotos, die Frauen auf voyeuristische Weise nur für das Begehren männlicher Betrachter darbieten würden.

Tokio

Arakis Lebensmittelpunkt ist die Metropole Tokio, in der er geboren wurde und aufwuchs. Auf seinen permanenten Streifzügen durch die Stadt hält der Fotograf seit seinen fotografischen Anfängen Architekturen, Straßen und Passanten in geradezu obsessiver Manier fest. Kaleidoskopartig zeigt seine gleichwertige Behandlung unterschiedlicher Facetten den tiefgreifenden Wandel Tokios von einer traditionell geprägten Struktur zu einer Megacity.

In für seine Arbeit typischen Kombinationen setzt Araki die öffentlichen Orte in Kontrast zu privaten Bezugspunkten wie der Terrasse seiner Wohnung, seiner Katze Chiro oder intimen Momenten. Metaphorische Motive vergegenwärtigen seine Lebenswelt. So stehen kleine Plastikdinosaurier als selbstironische Stellvertreter für den Fotografen oder von der Katze angeschleppte verwesende Eidechsen als Symbole der Vergänglichkeit.

Arakinema

Araki arbeitete ab den 1980er-Jahren an seinen experimentellen Arakinemas – Filmen, die auf live vorgeführten Diaprojektionen seiner Fotos basieren und für ihn eine mediale Erweiterung fotografischer Ausdrucksmöglichkeiten darstellen. Kū, ein vieldeutiger Titel, der sich mit Himmel, Leere und Vergeblichkeit übersetzen lässt, zeigt eine genau durchdachte Abfolge von 160 Fotografien. Sie beginnt mit beiläufigen Stadtaufnahmen und Inszenierungen von nackten Frauen, die auf die Zensur von Aktfotos Bezug nehmen. In einer ironischen Geste zerkratzte oder übermalte Araki die Geschlechtsteile. Die zweite Hälfte des Films konzentriert sich hingegen auf Himmelsbilder. Dieses auch in anderen Werkgruppen wiederkehrende Motiv ist eine Reaktion auf Arakis Gefühl der Einsamkeit und Verlassenheit infolge des Todes seiner Frau Yōko.

Wehklagen

Seit dem Beginn seines Schaffens setzt sich Araki mit Blumen als Motiv auseinander. Er arrangiert sie zu Stillleben, verwendet Blumenfotografien als Ausgangsmaterial für Übermalungen oder bildet etwa den Trauerschmuck von Andachtsschreinen ab. In jedem dieser Kontexte ist Arakis Blumen eine verschlüsselte Bedeutung eigen: Sie bekommen eine erotische Konnotation hin zur Fetischisierung, indem Araki Blüten weiblichen Genitalien gleichsetzt. Parallel dazu benutzt er die ephemere Schönheit verwelkter Blumenarrangements als Metapher der Vergänglichkeit.

Sentimentale Reise

Sentimentale Reise aus dem Jahr 1971 gilt als eigentlicher Beginn von Arakis künstlerischem Schaffen und als sein einflussreichstes Hauptwerk. Die Serie, die zunächst als Buch erschien, zeigt Arakis fünftägige Hochzeitsreise, die ihn und seine Frau Yōko über Kyoto in den Süden Japans führte. Im einleitenden Manifest definierte Araki erstmals seine Ich-Fotografie. Abgeleitet vom japanischen Genre des im frühen 20. Jahrhundert entstandenen autobiografischen Romans, sieht er in der Wiedergabe seiner persönlichen Weltsicht eine Möglichkeit, sich von „verlogenen“ Formen der Fotografie, wie der Mode- und Werbefotografie, abzusetzen. Die in eine tagebuchartige Aufzeichnung eingebettete Kombination von dokumentarischen Alltagsimpressionen und höchst intimen Szenen, die Araki jedoch insofern fiktionalisiert, als er den tatsächlichen Ablauf der Reise in der Bildfolge des Buches neu inszeniert, erwies sich als wegweisend.

Araki setzte Sentimentale Reise mit mehreren Büchern fort. So unterschiedlich die Reiseorte in Sentimentale Reise: Okinawa (1971) oder Sentimentale Reise: Das 10. Jubiläum (1982) auch geschildert werden, kreisen die Bilder alle um Yōko, die als wichtigstes Modell, Mitarbeiterin und Autorin entscheidend auf die Gestaltung der Fotos und Bücher Einfluss nahm.

Sentimentale Reise: Winterreise

Im Jahr 1991 veröffentlichte Araki Sentimentale Reise: Winterreise. Nach einem kurzen Auszug der Hochzeitsreise des Paars als Prolog schildert Araki darin die Krankheit und den Tod seiner 42-jährigen Frau Yōko. Der Serie liegt einer klare Erzählstruktur und Chronologie zugrunde. Die Aufzeichnung beginnt an Yōkos letztem Geburtstag vor der Krebsdiagnose und verzeichnet mittels eingeblendeter Daten die knapp sechs Monate bis nach Yōkos Begräbnis. Araki kombinierte die Fotos mit lakonischen Notizen, die seine Erfahrungen und Gedanken schildern, aber auch Yōko eine Stimme geben. Im Verlauf der Serie verschwindet Yōko immer mehr aus den Bildern. Sich wiederholende Aufnahmen der Stadt oder der leeren Terrasse vermitteln Arakis Gefühl der Leere und Einsamkeit. Eine auf der Straße aufgestellte Figur eines Mädchens mit einer Katze im Arm oder Gegenstände aus Yōkos Besitz fungieren gleichsam als Platzhalter und Objekte der Erinnerung. Zunehmend übernimmt Chiro, die Katze des Paars, die Rolle eines Familienmitglieds und tritt in den Mittelpunkt der Erzählung. Die Geschichte endet mit einem Foto der in den Schnee springenden Katze als Sinnbild des Lebens.

Sentimentale Reise: Frühlingsreise

20 Jahre nach der Winterreise verdichtet Araki im dritten Teil der Sentimentalen Reise: Frühlingsreise, ein weiteres Mal Trauer und Verlust. Drei Monate lang verfolgte er das Sterben seiner 22-jährigen Katze Chiro. Nimmt er den Abschluss der früheren Serie mit Chiro auf der Terrasse am Beginn der Frühlingsreise wieder auf, so endet diese Reise nach dem Tod der Katze auch an diesem Ort. Die Bezugnahme ist kennzeichnend für die vielfältigen Querverweise, durch die Araki die einzelnen Serien miteinander verwebt und neue Lektüremöglichkeiten eröffnet. Fotos der ersten Serie von 1971 wie die in einem Boot zusammengekauerte Yōko oder ein leeres Bett erscheinen im Kontext der beiden späteren Serien schon als Vorausblick auf Arakis Verluste.

Ausstellungsdaten

Ausstellungsdauer: 26. Mai – 29. August 2021
Ausstellungsort: ALBERTINA MODERN, Untergeschoß | Karlsplatz 5 | 1010 Wien
Kurator: Walter Moser
Co-Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: 285 Fotografien, ein Film & mehrere Bücher

Öffnungszeiten Täglich 10 – 18 Uhr

Die Aufstockung des Hochbunkers ist Hamburgs größtes Bauprojekt nach der Elbphilharmonie. Das neue Wahrzeichen mitten in St. Pauli lockt mit spektakulären Hochgärten und dem Design-Hotel nhow Hamburg.

Der begrünte Bergpfad schraubt sich um den mächtigen Betonkoloss nach oben. Mit den Höhenmetern wächst die von Sträuchern und Bäumen gesäumte Aussicht. Der anfängliche Rundblick erstreckt sich über St. Pauli, das Schanzen- und das Karoviertel. Am ehemaligen Dach des Bunkers angelangt, eröffnet sich eine außergewöhnliche Naturoase über den Dächern der Stadt. Die Urban-Gardening-Flächen werden von den Anwohnern der umliegenden Wohnstraßen bewirtschaftet. Gäste gelangen hier auch zur Lobby des hippen Design-Hotels nhow Hamburg, das im pyramidenartigen Aufbau über dem Bunker untergebracht ist. Vom Dachgarten und den Zimmern sieht man über den Kiez bis zur Elbphilharmonie und den Hafenkränen.

Das neue nhow Hamburg, errichtet auf dem Dach des Bunker St. Pauli, wird 136 Zimmer sowie eine Bar, ein Café und ein Restaurant umfassen. Der integrative und kreative Ansatz der nhow Marke fügt sich perfekt in das futuristische Gesamtkonzept der Bunkerinitiative ein. Eröffnungstermin wird im Jahr 2021 sein.

Die Vision

So kann man sich die Neugestaltung von Hamburgs größtem Flakturm vorstellen. Der „Bunker an der Feldstraße“, wie er bislang genannt wurde, soll künftig Bunker St. Pauli heißen und wird wohl das neue Aushängeschild der Hansestadt werden. Und das nicht allein wegen seiner außergewöhnlichen Architektur und der touristischen Anziehungskraft. Der Umbau des Bunkers in ein vertikales Naherholungsgebiet ist ein Paradebeispiel partizipativen Gestaltens. Bürgerbeteiligung war hier kein lästiger Alibi-Input von außen, sondern Grundvoraussetzung für das Bauvorhaben. Die Menschen, die in den umliegenden Vierteln wohnen, sollten selbst bestimmen, was mit dem düsteren Relikt aus der Vergangenheit geschieht.

Ein außergewöhnlicher Stadtgarten

In einem einzigartigen Prozess wurden die Bewohner und die Kreativszene des umliegenden Schanzenviertels in den Gestaltungsprozess miteinbezogen. Die Nachbarschaftsinitiative Hilldegarden kümmerte sich maßgeblich um die Nutzung und bauliche Weiterentwicklung des Betonriesen. Laut den Wünschen der Bürger sollte hier ein Ort entstehen, der Gemeinschaft, Erholung und eine völlig neue Form der Stadtbegrünung ermöglicht. Eine Parkanlage in der Höhe, eine Grünoase der völlig neuen Art sollte hier entstehen. An diesem landschaftsarchitektonischen Pionierprojekt sind etwa 180 Menschen und 25 verschiedene Gewerke beteiligt.

Damit das Dach des Bunkers im Winter nicht grau ist, setzen die Landschaftsarchitekten auf immergrüne Gewächse aus dem Bergraum wie Zypressen, Wacholder, Kiefern und Lebensbäume.

Der Bunker wird sogar im Winter zu 80 Prozent grün sein,

hält Landschaftsarchitekt Felix Holzapfel-Herziger den Kritikern entgegen.

Sie fürchten, dass am Ende doch nur ein grauer Klotz mit Glasaufbau übrig bleibt. Doch laut Plan sollen allein auf dem Dachgarten mehr als 100 Bäume plus 30 große Sträucher stehen. Dazu kommt die Begrünung der Terrassen mit weiteren 80 Bäumen, Büschen, Hecken und hängenden Pflanzen.

Inklusives Gesamtkonzept

Das Planungsbüro Bunker setzte auf ein inklusives Gesamtkonzept. Das Kriegsdenkmal soll um fünf pyramidenartige Geschosse aufgestockt werden. Hier ist künftig nicht nur das nhow Design-Hotel untergebracht, sondern auch Räume für Sport, Ausstellungen und Konzerte sowie Artist-in-Residence-Unterkünfte. Die bislang im Bunker ansässigen Tonstudios, Clubs und Unternehmen der Kreativwirtschaft sollen weiter bestehen bleiben.

Vergangenheit und Zukunft geeint

Architekten und Nachbarn machten sich auch Gedanken darüber, was mit dem geschichtlichen Erbe des Bunkers passieren soll. Hierbei waren sich alle einig. Die dunkle Vergangenheit des NS-Baus soll künftig nicht etwa unter einer Lage Hipster-Design formschön begraben werden. Vielmehr wird ein Teil der neu errichteten Räumlichkeiten auch als Mahnmal und Gedenkstätte für die Opfer des Nationalsozialismus dienen. Der Umgang mit der Geschichte des Ortes war auch mitentscheidend bei der Auswahl des Hotelbetreibers. 

Für uns war entscheidend, dass sich das Hotel mit Offenheit in das kreative Viertel einbringt und zudem Verantwortung gegenüber der Geschichte des Bunkers zeigt. Das verwirklicht die Individualität des nhow-Designs herausragend:
Es respektiert die Historie und weist gleichzeitig in eine hoffnungsvolle Zukunft,

sagt Paul Hahnert, Geschäftsührer der Hausverwaltung EHP.

Designhotel mit Blick auf den Kiez

Das nhow Hamburg wird das dritte Hotel der Design- und Lifestylemarke in Deutschland, die zur NH Hotel Group gehört. Der Betreiber verspricht einen innovativen Zugang, frisches Design und „atemberaubende Ausblicke auf den Hamburger Kiez“.

Unsere Design- und Lifestylemarke hat einen offenen Ansatz, so dass das nhow Hamburg sich ausdrücklich gut in die Nachbarschaft und Kreativszene integrieren möchte,

verspricht Maarten Markus, Nordeuropa-Chef der NH-Gruppe, und verweist auf das Vorzeigeprojekt nhow Berlin. 

Dort hat man den hippen Beherbergungsbetrieb mit zwei professionellen Tonstudios ausgestattet und eine offene Bühne für lokale Künstler geschaffen. Damit haben die Betreiber den Spagat geschafft, ansässige Berliner und Hotelgäste gleichermaßen anzuziehen.

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Planungsbüro Bunker/Matzen Immobilien, Hilldegarden

Das Londoner Design– und Architektur-Büro Heatherwick setzt der Stadt eine riesige begrünte Pergola ins Herz – gleich neben Japans höchstem Gebäude, das in Tokio derzeit Richtung Himmel wächst.

Was aktuell in Japans Metropole vor sich geht, wird die Stadt um spektakuläre Bauwerke bereichern: Die Arbeiten zu einer umfassenden Neugestaltung der Bezirkszone Toranomon-Azabudai in Minato, Tokio, haben jüngst begonnen.

„Dorf-Feeling“ für Tokio-City

Ziel dieses Mega-Projektes ist es, ein großes Areal im Zentrum der Stadt in eine innovative, lebenswerte und vielfältig nutzbare Zone zu verwandeln. Oder, wie es bei der ausführenden Mori Building Group heißt, „ein modernes urbanes Dorf“ zu schaffen. Eines, das den Ansprüchen der Megalopolis gerecht wird, zugleich jedoch die Intimität eines Dorfes ins Herz der Großstadt holt.

„Dorf-Gefühl“ ohne Grün und Freiraum geht natürlich nicht. Und das Projekt, das vom Londoner Studio Heatherwick für Tokios neues Zentrum konzipiert wurde, sorgt dafür. Die britischen Architekten haben den Plan für die Gestaltung eines öffentlichen Bereichs geliefert – auf Basis einer gigantischen bepflanzten Pergola.

Ein Bezirk kommt unter die Laube

Viele neue Stadtentwicklungen seien steril und kalt,

analysiert Studio-Gründer Thomas Heatherwick.

Deshalb habe man einen Weg gesucht, eine menschenfreundlichere Alternative zu finden. Das Ergebnis: Eine Laube, die sich über einen ganzen Bezirk erstreckt.

Dieses Konzept hat es uns ermöglicht, eine übergreifende Logik in einen acht Hektar großen Teil von Tokio zu bringen,

schildert der Designer.

Sein Entwurf sieht neben – und unter – dieser üppig bepflanzten Riesen-Laube Raum für offene Plätze, Wohnungen, Geschäfte, Hotels, Spas, eine Schule und einen Tempel vor. Auch die einzelnen Bauten haben Pergola-ähnliche Struktur. 

Um eine architektonische Konstruktion mit möglichst viel Natur zu kombinieren, haben wir die Idee einer auf Bezirksgröße ausgedehnten Gartenlaube entwickelt.

Thomas Heatherwick, Star-Designer und Gründer des Heatherwick-Studios 

Aus dem Design der Häuser und Pavillons ergeben sich verschiedene landschaftliche Welten. Etwa versteckte Gärten oder Innenhöfe, die den Wunsch nach einem „Dorf“ in der Stadt erfüllen sollen. Ein Dorf, in dem es viel zu entdecken und zu genießen gibt. Und eines, das laut seiner Entwickler rund 30 Millionen Menschen pro Jahr besuchen werden. 

Diese begrünte Zone im Herzen Tokios grenzt an einer Seite an drei Wolkenkratzer, die ebenfalls Teil der Bezirks-Neugestaltung sind. Entworfen von Pelli Clarke Pelli Architects, wächst hier derzeit ein beeindruckender Turm gen Himmel. Mit seinen 330 Metern wird er bald Japans höchstes Gebäude sein. 

Grüne Laube & Wolkenkratzer

Einen Verbindungsweg zwischen den Gebäuden wird ein unterirdischer Fußgängertunnel bieten. Dort soll auch eine Food-Hall die Passanten mit kulinarischen Freuden locken. Die Stromversorgung des Bezirkes wird durch eigene E-Werke gesichert, die laut Mori Building Group zu 100 Prozent aus erneuerbaren Quellen gewonnene Energie liefern werden.

Mega-Projekt mit Wellnessfaktor

Für das seelische und körperliche Wohlbefinden der Menschen sind geförderte Wellness-Programme, medizinische Einrichtungen, Sportanlagen, Lokale und die offene Umgebung des Hauptplatzes gedacht. 

Das gesamte Projekt sei so angelegt, dass es größtmögliche Sicherheit und Lebensqualität biete – auch im Fall einer Katastrophe vom Ausmaß eines schweren Erdbebens. Man wolle Städte schaffen, die Menschen anziehen, statt zur Stadtflucht zu verleiten. 

Geplante Fertigstellung bis 2023

24.000 Quadratmeter der neu gestalteten acht Hektar Fläche werden im Zug des Umbaus in Grünzonen verwandelt. 213.900 Quadratmeter Büroflächen und 1.400 Wohneinheiten sind geplant. Um die 20.000 Beschäftigte und 3.500 Anwohner sollen im neuen Areal Tokios leben und arbeiten. Die Fertigstellung ist für März 2023 vorgesehen.

Spezialisten für Nachhaltigkeit

In Sachen urbanes Grün und nachhaltige Strategie fiel die Wahl mit Heatherwick und Pelli Clarke Pelli auf diesbezüglich ausgezeichnete Spezialisten für zukunftsfähige Architektur.

Heatherwick Studio

Das Londoner Büro Heatherwick ist bekannt dafür, ausgiebige Bepflanzung in seine Designs zu integrieren. So zeichnet Heatherwick beispielsweise derzeit auch verantwortlich für den Plan eines mit hängenden Gärten versehenen Turms in Singapur. Ein Konzept, das aktuellen Plänen für ein begrüntes Paris ähnelt.

Zukunftsorientiertes Design

Das von den USA aus agierende Studio Pelli Clarke Pelli gilt als besonders engagiert im Bereich Nachhaltigkeit – über den technischen Bereich des Energieverbrauchs hinaus. Sein Credo: Um wirklich nachhaltig zu sein, muss jedes Design auch ökonomische und kulturelle Faktoren berücksichtigen.

Beide Teams, die der Neugestaltung von Toranomon-Azabudai in Tokio jetzt Gestalt geben, sind mehrfach preisgekrönt. Man darf also durchaus spektakuläre, menschen- und umweltfreundliche Veränderung in Japans Metropole erwarten. 

Text: Elisabeth Schneyder
Fotos: Heatherwick Studio / DBOX for Mori