Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.

Mit Brezza Relax Indoor bringt S-CAB einen Entwurf von Alessandro Stabile vom Außenraum ins Interior. Aus einem Loungesessel wird dabei ein modulares System, das zeigt, wie selbstverständlich sich die Grenzen zwischen drinnen und draußen inzwischen verschieben.

Es gab eine Zeit, da ließ sich ziemlich genau sagen, welches Möbelstück wohin gehörte. Der schwere Polstersessel ins Wohnzimmer, die robuste Sitzgruppe auf die Terrasse. Heute verliert diese Trennung zunehmend an Bedeutung. Wohnräume öffnen sich nach außen, Terrassen werden zu Wohnzimmern unter freiem Himmel – und Möbel beginnen, sich zwischen diesen Welten zu bewegen.

Brezza Relax Indoor von S-CAB ist ein schönes Beispiel für diese neue Freiheit.

Die von Alessandro Stabile entworfene Kollektion entstand ursprünglich für den Außenbereich. Nun zieht sie nach drinnen – ohne dabei ihren entspannten Charakter abzulegen.

Vom Outdoor-Sessel zum Interior-System

Das Prinzip bleibt bewusst erhalten: klare Linien, großzügige Proportionen und große, weiche Kissen, die weniger nach formeller Sitzordnung als nach Zurücklehnen aussehen.

Für die Indoor-Version wurde Brezza Relax jedoch weitergedacht. Recycelbare Stoffe verleihen den Polstern eine Haptik und Optik, die auf Wohnräume abgestimmt ist. Aus dem ursprünglichen Lounge Chair entwickelt S-CAB damit ein Möbel, das seine Herkunft nicht verleugnet und trotzdem selbstverständlich im Interior funktioniert.

Dahinter steht eine größere Idee: Möbel nicht länger ausschließlich für einen bestimmten Ort zu entwerfen, sondern als anpassungsfähige Systeme, deren Charakter sich über Materialien, Oberflächen, Bezüge und Konfiguration verändern lässt.

Ein Sofa ohne starre Regeln

Besonders deutlich wird dieser Ansatz in der Erweiterung der Kollektion. Brezza Relax Indoor ist nicht einfach nur ein Sessel, der nun auch in Stoff für Innenräume angeboten wird. Das Konzept wächst zu einem modularen System.

Ein neues Armlehnen-Element ermöglicht Sofakonfigurationen mit unterschiedlich vielen Sitzplätzen. Dazu kommt ein Pouf, der als Eckelement eingesetzt werden kann, aber ebenso eigenständig als Sitzbank, zusätzliche Sitzgelegenheit oder Fußablage funktioniert.

Ein integrierbarer kleiner Tisch schafft zudem eine Ablagefläche, ohne die Leichtigkeit der Komposition zu stören.

Damit lässt sich Brezza Relax je nach Raum immer wieder neu zusammensetzen. Das Möbel gibt keine bestimmte Nutzung vor – vielmehr passt es sich ihr an.

Komfort wird informeller

Das passt zu einer Entwicklung, die im zeitgenössischen Interior Design immer sichtbarer wird. Polstermöbel werden großzügiger, weicher und weniger repräsentativ. Statt einer perfekten Sitzlandschaft geht es zunehmend um Komfort, Beweglichkeit und darum, Räume unterschiedlich nutzen zu können.

Das Wohnzimmer ist längst nicht mehr ausschließlich Wohnzimmer. Hotel-Lobbys werden zu Aufenthalts- und Arbeitsorten, Büros bekommen Lounge-Charakter und Hospitality Interiors orientieren sich stärker am privaten Wohnen.

Brezza Relax Indoor bewegt sich genau zwischen diesen Welten.

Mit einer Höhe von nur 70 Zentimetern bleibt das Lounge-Chair-Modul bewusst niedrig und entspannt. Die voluminösen Kissen stehen dabei im Kontrast zur reduzierten Konstruktion – ein Zusammenspiel, das dem Entwurf seine visuelle Leichtigkeit gibt.

Ein Möbel auf Wanderschaft

Vielleicht ist gerade seine Herkunft das Interessanteste an Brezza Relax Indoor. Normalerweise werden Möbel für den Innenraum adaptiert, damit sie draußen bestehen können. Hier funktioniert die Bewegung in die andere Richtung.

Ein Outdoor-Möbel zieht ins Haus.

Und bringt etwas von der Ungezwungenheit des Lebens im Freien mit.

So kann Brezza Relax Indoor im privaten Wohnzimmer ebenso seinen Platz finden wie in Hotelhallen, Lounges, Coworking-Spaces oder Büros. Nicht weil diese Räume gleich geworden wären, sondern weil wir sie heute weniger streng voneinander trennen.

Vielleicht liegt genau darin die zeitgemäße Qualität des Entwurfs: Brezza Relax Indoor definiert nicht, wie ein Raum genutzt werden soll. Es lässt dem Raum – und den Menschen darin – die Freiheit, das selbst zu entscheiden.

New York im Glas, Wien im Herzen

Mit dem Sanatorium bringen Jakob und Albert Trummer ihre internationale Erfahrung zurück nach Wien. Anfang September eröffnet am Dr.-Karl-Lueger-Platz ein Ort zwischen Cocktailbar, Salon, Kulinarik und Kultur – und mit einer durchaus ambitionierten Idee davon, was Gastfreundschaft heute sein kann.

Eine Bar ist zunächst einmal ein Ort, an dem man etwas trinkt. In ihren besten Momenten war sie aber immer viel mehr: Treffpunkt, Bühne, Rückzugsort, manchmal sogar ein kleines gesellschaftliches Labor. Genau an diese Tradition wollen Jakob und Albert Trummer mit dem Sanatorium anknüpfen.

Anfang September 2026 eröffnet das neue Konzept in der Wiener Innenstadt. Und schon der Name verrät, dass hier nicht einfach eine weitere Cocktailbar entstehen soll. Wissenschaft, Kräuterkunde, Kulinarik, Kunst und Nightlife treffen auf die Wiener Tradition von Kaffeehaus und Salon – ergänzt um jene internationale Dynamik, die Jakob und Albert Trummer über Jahre vor allem in New York geprägt hat.

Von New York zurück nach Wien

Jakob Trummer kehrt mit viel internationaler Hospitality-Erfahrung in seine Heimatstadt zurück. Seine Arbeit führte ihn unter anderem in das Umfeld erfolgreicher Konzepte wie Tao Group und Bagatelle Group. Dabei geht es ihm weniger um Luxus im klassischen Sinn als um die Atmosphäre, die einen Ort unverwechselbar macht.

Albert Trummer wiederum gilt als Pionier einer pharmazeutisch inspirierten Mixologie. Kräuter, botanische Infusionen und präzise komponierte Zutaten werden bei ihm zu Cocktails, die fast wie Rezepturen gedacht sind. Im Sanatorium sollen seine bekannten Kreationen weiterentwickelt und mit saisonalen Zutaten neu interpretiert werden.

Der Austausch mit New York bleibt dabei bestehen: Die Barteams aus Wien und New York sollen regelmäßig die Plätze wechseln und damit neue Ideen, Techniken und Einflüsse in die jeweilige Stadt bringen.

Cocktails als Rezepturen

Die Nähe zur Welt der Pharmazie ist im Sanatorium mehr als eine ästhetische Spielerei. Cocktails werden hier als Kompositionen verstanden, in denen Geschmack, Wirkung, Handwerk und botanisches Wissen zusammenspielen.

Ein wichtiger Einfluss stammt dabei vom 2024 verstorbenen New Yorker Spitzenkoch David Bouley, der ein enger Freund und Mentor der Trummers war. Seine Vorstellung von Gastfreundschaft, die Genuss mit Qualität, Saisonalität und Wohlbefinden verbindet, soll im neuen Wiener Konzept weiterleben.

Tagsüber versteht sich das Sanatorium als Ort für Essen, Gespräche und Begegnungen. Abends verändert sich die Atmosphäre: Cocktails, Musik, Kunst und Nightlife rücken in den Mittelpunkt. Intime Salons und kuratierte Ausstellungen sollen zusätzlich dafür sorgen, dass aus der Bar ein kultureller Treffpunkt wird.

Ein neuer Ort für den X Club

Auch unterhalb des Sanatoriums beginnt ein neues Kapitel der Wiener Nachtkultur. Der X Club von Martin Hos RICEMONEY HOSPITALITY GROUP zieht nach rund 15 Jahren von der Wollzeile in das Souterrain des Hauses.

Der Private Members Club bleibt seinem Konzept treu, bekommt jedoch eine neue kulinarische Dimension. Serviert wird ein Auszug aus der Welt von Ay-Vy, dem neuen Restaurantkonzept der Gruppe. Nach der ersten Eröffnung am 20. August 2026 in Hanoi folgt Mitte September Dubai.

Verantwortlich für die Küche ist Yuki Sakamoto, Sushimeister in vierter Generation. Neben seinem Omakase-Konzept sollen auch einige jener avantgardistischen Sushi-Kreationen weiterleben, die über viele Jahre die DOTS-Restaurants in Wien geprägt haben.

Die Bar als sozialer Raum

Am spannendsten ist am Sanatorium vielleicht weniger ein einzelner Cocktail oder ein bestimmtes Gericht als die Idee hinter dem gesamten Haus. Jakob und Albert Trummer wollen die Bar wieder als einen Ort verstehen, an dem Menschen nicht nur konsumieren, sondern miteinander in Kontakt kommen, Geschichten entstehen und ein Abend eine unerwartete Richtung nehmen kann.

Damit verbindet das Sanatorium zwei Städte, deren Barkultur auf sehr unterschiedliche Weise legendär geworden ist: die Eleganz und Salonkultur Wiens mit der Energie und Experimentierfreude New Yorks.

Ob daraus tatsächlich eine neue Wiener Institution entsteht, wird sich zeigen. Die Zutaten dafür jedenfalls sind ungewöhnlich genug.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Der Mexican Hospitality Summit 2026 in Mérida zeigt, warum Lateinamerika zu einer der spannendsten Regionen für neue Hotelkonzepte, Wellness Tourism und internationale Hospitality-Investments wird.

Mexiko rückt immer stärker in den Fokus der internationalen Hospitality-Branche. Nicht nur als Destination voller Kultur, Natur und Lebensfreude, sondern als Raum, in dem neue Hotelkonzepte, Wellness-Erlebnisse und nachhaltige Tourismusmodelle entstehen.

Ein deutliches Zeichen dafür setzte der Mexican Hospitality Summit 2026, der am 27. und 28. Mai 2026 im Fiesta Americana Mérida stattfand. Mehr als 400 Fachleute aus Tourismus, Hotellerie und Hospitality kamen in der Hauptstadt Yucatáns zusammen – darunter Hotelbesitzer, CEOs, General Manager, Investoren, Betreiber, Architekten, Entwickler, Consultants, Travel Advisors und Vertreter internationaler Marken.

Gegründet wurde der Summit von Rocco Bova, einem internationalen Hospitality-Experten, Consultant und Mentor, gemeinsam mit Co-Founder Adolfo Tuñón. Die zweite Ausgabe verzeichnete ein Wachstum von mehr als 100 Prozent gegenüber dem Vorjahr und etablierte sich damit als eine der wichtigsten Plattformen für Austausch, Wissenstransfer und Business Development im mexikanischen Hospitality-Sektor.

Eine Branche im Wandel

Über zwei Tage hinweg wurde in Mérida sichtbar, wie stark sich die Hotellerie derzeit verändert. Hotels sind längst nicht mehr nur Orte zum Übernachten. Sie werden zu Bühnen für Kultur, Gesundheit, Begegnung, Transformation und neue Lebensentwürfe.

Mehr als 50 Speaker und Panelisten diskutierten über Themen wie Luxusreisen, Wellness, künstliche Intelligenz, Nachhaltigkeit, Branding, Technologie, Investment und neue Hospitality-Entwicklungen. Vertreten waren unter anderem Expedia Group, STR, Accor, Belmond, Forbes Travel Guide, Virtuoso, Adyen, Kaizen, Matrix und Exclusive Tents.

Damit spiegelte der Summit genau jene Fragen wider, die die internationale Reisebranche heute beschäftigen: Wie lässt sich Luxus neu definieren? Welche Rolle spielt Technologie in einer zutiefst menschlichen Branche? Und wie können Hotels zu Orten werden, die nicht nur Komfort bieten, sondern echte Resonanz erzeugen?

Mexikos nächste große Hospitality-Projekte

Besonders große Aufmerksamkeit erhielt das Panel “The Future Checks In Here: Mexico’s Next Major Hospitality Projects”. Vertreter von Paradero Hotels, Atal Resort, Hamaak Hotels, Belmond Hotels, Accor, Leisure Partners und GND Properties gaben Einblicke in Projekte, Investitionen und Entwicklungen, die Mexikos touristische Zukunft prägen werden.

Dabei wurde deutlich: Mexiko wird zunehmend als strategischer Markt für hochwertige, innovative und international relevante Hospitality-Konzepte wahrgenommen. Zwischen Boutique-Hotellerie, Luxusresorts, regenerativen Ansätzen und wellnessorientierten Destinationen entsteht ein neues Selbstverständnis des Reisens.

Es geht nicht mehr nur darum, Gäste an einen schönen Ort zu bringen. Es geht darum, Räume zu schaffen, in denen Menschen sich verbunden fühlen – mit der Umgebung, mit einer Kultur, mit anderen Menschen und letztlich auch mit sich selbst.

Mérida als neuer Treffpunkt

Dass der Summit in Mérida stattfand, ist kein Zufall. Die Stadt gilt zunehmend als strategischer Knotenpunkt für Tourismus, Hospitality und Meetings in Mexiko. Historische Architektur, kulturelle Tiefe, eine wachsende kreative Szene und die Nähe zu außergewöhnlichen Natur- und Kulturräumen machen Mérida zu einem idealen Ort, um über die Zukunft des Reisens nachzudenken.

Auch die begleitende Exhibition Area zeigte, wie breit Hospitality heute gedacht wird. Mehr als 25 nationale und internationale Unternehmen präsentierten Lösungen und Services aus den Bereichen Technologie, Hotelausstattung, Finanzdienstleistungen, Innovation und Tourismusentwicklung. Darunter waren unter anderem Huawei, American Express, Cold Box, Matrix, Aven, Lighthouse und Triptease.

Von Mexiko nach Lateinamerika

Die wichtigste Ankündigung des Summits war jedoch der nächste Entwicklungsschritt: Ab 2027 wird die Veranstaltung offiziell als Latin American Hospitality Summit weitergeführt. Damit erweitert sich der Fokus von Mexiko auf ganz Lateinamerika.

Parallel dazu wurde der neue Latin American Wellness Tourism Summit angekündigt – ein spezialisiertes Format für Wellness, Health Tourism, transformative Experiences und Wellness Hospitality. Gerade dieser Bereich zählt weltweit zu den dynamischsten Segmenten der Reisebranche.

Die nächste Ausgabe des Latin American Hospitality Summit findet von 4. bis 6. Mai 2027 statt, der erste Latin American Wellness Tourism Summit am 28. und 29. September 2027. Beide Events werden erneut im Fiesta Americana Mérida ausgetragen.

Die Zukunft der Gastfreundschaft

Für Rocco Bova und Adolfo Tuñón bestätigt das Wachstum der zweiten Ausgabe den Bedarf der Branche nach relevanten Räumen für Austausch, Zusammenarbeit und Innovation. Ziel sei es, neue Plattformen zu schaffen, die Kollaboration, nachhaltiges Wachstum und eine lateinamerikanische Vision von Hospitality fördern.

Genau darin liegt die größere Bedeutung dieses Summits. Er zeigt, dass Lateinamerika nicht nur als Reiseziel an Bedeutung gewinnt, sondern als aktiver Gestalter einer neuen Hospitality-Kultur.

Mexiko steht dabei exemplarisch für eine Region, in der Gastfreundschaft, Lebensfreude, Natur, Wellness, Design und Investment auf neue Weise zusammenfinden.

Vielleicht wird die Zukunft der Hotellerie nicht dort geschrieben, wo man sie lange vermutet hat.

Sondern dort, wo Gastfreundschaft noch als echte Kunst verstanden wird.

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.

Warum Optimismus zur wichtigsten Designbewegung unserer Zeit werden könnte

Zwischen Krisenmodus und Lebensfreude

Wer die Nachrichten verfolgt, könnte leicht zu dem Schluss kommen, dass die Welt vor allem aus Unsicherheit besteht. Klimakrise, geopolitische Spannungen, wirtschaftliche Herausforderungen und ein permanenter Strom negativer Informationen prägen den Alltag vieler Menschen.

Gleichzeitig lässt sich in Kunst, Design, Architektur und Mode eine überraschende Gegenbewegung beobachten. Farben werden kräftiger. Räume werden verspielter. Marken sprechen wieder von Freude statt von Funktion. Selbst Luxus definiert sich zunehmend über Emotionen statt über Status.

Es ist, als würde eine ganze Generation beginnen, sich bewusst die Frage zu stellen:

Wie wollen wir leben, wenn die Welt immer komplexer wird?

Einer der sichtbarsten Vertreter dieser Entwicklung ist der britisch-nigerianische Designer Yinka Ilori.

Der Architekt des Optimismus

Yinka Ilori wird oft als „Architect of Joy“ bezeichnet. Seine Arbeiten sind sofort erkennbar: intensive Farben, grafische Muster und Formen, die eher an Spielplätze als an klassische Designobjekte erinnern.

Doch wer seine Projekte genauer betrachtet, erkennt schnell, dass es ihm nicht um Dekoration geht.

Für Ilori ist Farbe ein soziales Werkzeug.

Seine Installationen verwandeln graue Plätze in Orte der Begegnung. Seine Basketballfelder werden zu öffentlichen Kunstwerken. Seine Pavillons laden Menschen dazu ein, sich zu treffen, miteinander zu sprechen und gemeinsam Zeit zu verbringen.

Die eigentliche Frage hinter seiner Arbeit lautet nicht: Wie soll ein Raum aussehen?

Sondern:

Wie sollen sich Menschen in diesem Raum fühlen?

Die Rückkehr der Freude

Lange Zeit dominierte im Design eine Ästhetik der Reduktion. Minimalismus wurde zur universellen Sprache von Architektur, Mode und Interior Design.

Weiße Wände. Neutrale Farben. Unsichtbare Technologie.

Heute scheint sich das Pendel langsam in die andere Richtung zu bewegen.

Von den farbenfrohen Kollektionen großer Modehäuser über die Wiederentdeckung expressiver Innenräume bis hin zu neuen Hospitality-Konzepten wird Freude zunehmend als gestalterischer Wert verstanden.

Nicht als oberflächliche Unterhaltung.

Sondern als menschliches Grundbedürfnis.

Die Sehnsucht nach Schönheit, Leichtigkeit und Optimismus ist vielleicht keine Flucht vor der Realität. Möglicherweise ist sie eine Antwort auf sie.

Design als kulturelle Haltung

Interessanterweise entsteht diese Entwicklung nicht nur in der Kunstwelt.

Auch Städte beginnen darüber nachzudenken, wie öffentlicher Raum das Wohlbefinden beeinflusst. Hotels entwickeln sich von reinen Übernachtungsorten zu emotionalen Erfahrungsräumen. Marken suchen nach neuen Wegen, Menschen nicht nur zu überzeugen, sondern zu inspirieren.

Yinka Ilori steht exemplarisch für diesen Wandel.

Er versteht Design nicht als Objektproduktion, sondern als kulturelle Praxis.

Seine Projekte zeigen, dass Gestaltung mehr sein kann als Problemlösung. Sie kann Hoffnung vermitteln. Gemeinschaft fördern. Perspektiven verändern.

Vielleicht ist das der eigentliche Grund, warum seine Arbeiten weltweit eine so starke Resonanz finden.

Die Zukunft könnte bunter werden

Optimismus galt lange Zeit als etwas Naives. Heute wird er zunehmend als bewusste Haltung verstanden.

Nicht weil Probleme verschwinden.

Sondern weil Menschen erkennen, dass Zukunft nicht allein durch Analyse entsteht, sondern auch durch Vorstellungskraft.

Yinka Ilori entwirft keine Fluchtwelten.

Er erinnert uns daran, dass Freude, Kreativität und Begegnung keine Nebensächlichkeiten sind. Sie gehören zu den Kräften, die Gesellschaften zusammenhalten.

Vielleicht erklärt genau das die wachsende Faszination für seine Arbeit.

In einer Welt, die ständig über Risiken spricht, schafft er Räume für Möglichkeiten.

Und genau darin könnte die wichtigste Designbotschaft unserer Zeit liegen.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Urban Retreat trifft auf gelebte Philosophie

Mit F Zeen Athens übersetzt eine der spannendsten familiengeführten Hospitality-Brands Griechenlands ihr ikonisches Inselkonzept erstmals in den urbanen Kontext – und schafft dabei weit mehr als ein Hotel: einen Ort zwischen Geschichte, Design und innerer Balance.

Zwischen Antike und Gegenwart: Ein neues Kapitel in Athen

Mitten im historischen Zentrum von Athen entsteht ein Rückzugsort, der sich bewusst der Schnelllebigkeit der Stadt entzieht. F Zeen Athens ist kein klassisches Boutiquehotel, sondern ein „City Retreat“, das Kunst, Geschichte und Wellbeing miteinander verwebt.

Untergebracht in einem restaurierten Ensemble aus neoklassizistischen Gebäuden, Strukturen der 1930er-Jahre und einer erhaltenen antiken Stoa, wird hier Vergangenheit nicht inszeniert, sondern integraler Bestandteil der Experience.

Das Ergebnis ist ein Ort, der nicht nur beherbergt, sondern Athen als sinnliche Erfahrung neu lesbar macht.

Die Familie hinter der Vision

Was F Zeen von vielen neuen Luxusprojekten unterscheidet:
Es ist kein Investor-Produkt, sondern ein zutiefst persönliches Projekt der Familie Koumoudos.

Die Marke wurde 2015 auf Kefalonia gegründet – aus dem Wunsch heraus, einen Ort zu schaffen, der die eigenen Werte widerspiegelt: Naturverbundenheit, Balance und ein bewusstes Leben.

Im Zentrum steht bis heute diese Haltung:
Nicht Expansion um jeden Preis, sondern kontrolliertes Wachstum aus einer klaren Idee heraus.

Genau deshalb wirkt auch das Athen-Projekt nicht wie ein „zweites Haus“, sondern wie eine konsequente Weiterentwicklung der Familienphilosophie.

Ursprung: F Zeen Kefalonia

Der Ausgangspunkt der Brand liegt auf Kefalonia:
ein Adults-only Retreat, das sich vollständig in die Landschaft einfügt.

Hier entwickelte die Familie ein Konzept, das bis heute den Kern bildet:

• Slow Living statt Inszenierung
• Wellbeing als Lebenshaltung, nicht als Service
• Architektur im Dialog mit der Natur

Das Hotel versteht sich als Ort, an dem Körper und Geist in Einklang kommen – inspiriert von der altgriechischen Idee des „guten Lebens“ (ευ ζην).

Diese Philosophie wird nun aus der Natur in die Stadt übertragen.

Konzept: “The Good Life” – neu gedacht

Im Zentrum aller F Zeen Projekte steht ein Leitgedanke:
Balance zwischen Körper, Geist und Umgebung.

Auch in Athen wird dieses Prinzip konsequent umgesetzt:

• Wellness als integraler Bestandteil (Spa, Movement, Retreat-Programme)
• Kulinarik als bewusste Praxis (saisonal, lokal, mediterran)
• Räume als Ruhepole inmitten urbaner Dichte

Dabei geht es nicht um Rückzug von der Stadt – sondern um eine neue Art, sie zu erleben:
langsamer, tiefer, bewusster.

Die Experience basiert auf drei zentralen Säulen:

• Immerse – Eintauchen in Geschichte und Kultur
• Nourish – Ernährung als sinnliche und nachhaltige Praxis
• Balance – körperliche und mentale Regeneration

Architektur als Haltung

F Zeen Athens folgt keinem Signature-Architekten, sondern einer klaren Haltung:
Substanz statt Spektakel.

• Adaptive Reuse statt Neubau
• Historische Strukturen als Ausgangspunkt
• Handwerkliche Details statt dekorativer Überladung

Die Räume wirken reduziert, fast meditativ – und lassen bewusst Raum für das Wesentliche:
Licht, Materialität und Atmosphäre.

Eine neue Generation von Hotels

Mit F Zeen Athens zeigt sich ein Wandel in der Luxushotellerie:

• Weg von reiner Ästhetik
• Hin zu Meaningful Hospitality
• Weg von Markeninszenierung
• Hin zu authentischen, persönlich geführten Konzepten

Oder anders gesagt:
Nicht das Hotel steht im Mittelpunkt – sondern der Zustand, den es ermöglicht.

F Zeen Athens ist keine Erweiterung im klassischen Sinne.
Es ist ein Perspektivwechsel.

Vom Ionischen Meer in die urbane Dichte Athens übersetzt die Familie Koumoudos ihre Vision des „guten Lebens“ in einen neuen Kontext – ohne ihre Essenz zu verlieren.

Ein Hotel, das nicht laut sein will.
Sondern nachhaltig wirkt.