Pelagia Kolotouros bringt Bewegung in das vertraute Bild von Lacoste. Wir Tennisfans bei THE Stylemate sind begeistert.

Ein weißes Polo nach einem langen Match hat mit seinem frisch gebügelten Gegenstück wenig gemeinsam. Es klebt am Körper, ist zerknittert, am Saum bleibt rote Erde hängen. Genau dieser Moment macht Lacostes Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 für uns so spannend.

Am 4. Oktober zeigte Kreativdirektorin Pelagia Kolotouros auf dem Court Philippe-Chatrier in Roland-Garros eine Garderobe, die den Sport über seine körperlichen Spuren erzählt. Weiße Stoffe wirken von Sandplatzstaub gezeichnet, Oberflächen erscheinen feucht und knittrig. Kleidung bekommt etwas Erlebtes.

Ein wenig Unordnung steht dem Krokodil

Als ausgesprochene Tennisfans mögen wir die Verbindung von Lacoste und dem Court schon lange. Umso mehr begeistert uns dieser Shift. Das vertraute Polo verliert seine brave Selbstverständlichkeit: Kragen lassen sich eigenwillig formen, das Krokodil steht plötzlich Kopf, Silhouetten spielen mit Weite und Körpernähe.

Die Tennisreferenz bekommt dadurch eine andere Spannung. Schweiß, Reibung und die vermeintlichen Abnutzungserscheinungen werden zu gestalterischen Mitteln. Diese bewusst erzeugten Spuren geben den Entwürfen eine Sinnlichkeit, die dem gepflegten Lacoste-Bild ausgesprochen gut steht.

Für uns liegt darin der Reiz dieser Kollektion: Eine Marke mit so klaren Erkennungszeichen lässt Bewegung zu. Ihre Geschichte bleibt sichtbar und fühlt sich plötzlich wieder offen an.

Wie das auf dem Laufsteg aussieht? Das Video der Show findet ihr hier. Wir sind gespannt, was ihr darin seht.

Was macht ein Kleidungsstück zum Sammlerstück? In seinem Kurzfilm Passport besucht Regisseur Glenn Kitson Menschen, die Stone Island nicht nur tragen, sondern erforschen, archivieren und über Generationen weitergeben.

Seit Massimo Osti Stone Island 1982 gründete, prägen Experimente mit Materialien, Färbungen und Funktionen die italienische Marke. Aus dieser Neugier ist weit mehr als eine Kollektion entstanden: In verschiedenen Städten haben Sammler eigene Archive aufgebaut, seltene Stücke aufgespürt und Wissen über ihre Herkunft zusammengetragen.

Sieben Städte, viele Perspektiven

Für Passport spricht Kitson mit Mitgliedern dieser internationalen Community. In London kommen die Archivare Arco Maher und HOLSALES sowie der Vintage-Store 194 Local zu Wort. Weitere Begegnungen führen zu SimJae in Seoul, Metallic Curtain in Paris, Better Gift Shop in Toronto, PEZZE in Neapel und Vintage-Kurator ‘bout in Tokio.

Der Film zeigt, wie unterschiedlich die Wege zu Stone Island sein können. Was die Beteiligten verbindet, ist ihre Aufmerksamkeit für Gestaltung und Funktion – und der Wunsch, die Geschichten hinter den Kleidungsstücken lebendig zu halten. Kitsons Aufnahmen mit älteren Digitalkameras geben diesen Begegnungen eine Bildsprache, die selbst etwas von einem Fundstück hat.

Fotografie: Glenn Kitson und Jago Stock

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.

Weicher, weiter, freier: MYTHS übersetzt klassische Schneiderkunst für Herbst/Winter 2026/27 in eine Garderobe, die sich nicht mehr zwischen formell und lässig entscheiden muss. Bei Damen wie Herren bestimmen fließende Silhouetten, besondere Materialien und eine neue Idee des Anzugs das Bild.

Der Anzug hat seine Strenge verloren. Und vielleicht liegt gerade darin seine neue Stärke. Bei MYTHS wird Tailoring für Herbst/Winter 2026/27 nicht abgeschafft, sondern von seinen alten Regeln befreit. Jacke und Hose werden zu einzelnen Bausteinen, Overshirts übernehmen die Rolle des Blazers und großzügige Proportionen bringen Bewegung in eine traditionell präzise Welt.

Eine Entwicklung, die sich durch die Damen- und Herrenkollektion zieht – mit unterschiedlichen Akzenten, aber einer gemeinsamen Haltung: Kleidung soll heute nicht mehr definieren, zu welchem Anlass sie gehört. Sie soll mit ihrem Träger oder ihrer Trägerin durch den Tag gehen.

Der Anzug wird zum System

Besonders deutlich wird dieser Gedanke in der Menswear. Die für MYTHS charakteristischen Hosen bleiben Ausgangspunkt der Kollektion, ihre Silhouetten werden jedoch entspannter und voluminöser. Weite Passformen treffen auf die wieder stärker ins Zentrum rückende Carrot Pant mit verkürzter Länge.

Auch der Anzug wird neu gedacht: Fünf Overshirts und fünf Hosen aus identischen Stoffqualitäten lassen sich frei miteinander kombinieren. Statt eines festgelegten Ensembles entsteht ein variables System zwischen klassischem Tailoring und moderner Casualwear.

In der Womenswear setzt sich diese neue Freiheit fort. Palazzo Pants, Culottes mit Umschlag und schmale Flared Silhouetten treffen auf Overshirts aus Denim und Cotton Bull. Selbst der Pyjama wird Teil dieser neuen Idee von Eleganz: Bedruckte Viskose-Ensembles mit leichtem Vintage-Charakter oder Ton-in-Ton-Prints bewegen sich selbstverständlich zwischen Daywear und Evening Look.

Material mit Gedächtnis

Fast noch wichtiger als die Silhouette ist bei MYTHS die Oberfläche. Garment Dyeing, Piece Dyeing, Yarn Dyeing, Vintage Wash und Frosted Wash verleihen den Stoffen Tiefe und lassen Kleidungsstücke weniger fabrikneu als vielmehr bereits persönlich erscheinen. In der Damenkollektion reicht das Spektrum von Baumwoll-Modal-Mischungen über Cashmere-Flanell bis zu Modal-Velvet und Wolle in Verbindung mit Cordura.

Bei den Herren treffen garngefärbte Cashmere-Flanelle und Herringbone-Qualitäten aus Wolle, Seide und Cashmere auf die sogenannte Combat Wool: ein Material, das Knitterresistenz, Temperaturausgleich und Strapazierfähigkeit mit einem hochwertigen Erscheinungsbild verbinden soll.

Auch Denim verlässt bei MYTHS sein gewohntes Terrain. Denim-Flanell, Fischgrat-Denim aus organischen Garnen und spezielle Indigo-Behandlungen bringen den robusten Klassiker näher an die Welt der Schneiderkunst. Bei den Damen entstehen durch Indigo-Lock-Waschungen und garngefärbte Velvets ungewöhnlich elegante Oberflächen.

Zwischen Geschichte und Gegenwart

Mélange-Grau, Dunkelbraun und Bordeaux, ergänzt um Mastix und Taupe, geben der Menswear eine ruhige, fast herbstliche Tiefe. Doch letztlich erzählt FW26/27 weniger von einzelnen Farben oder Pieces als von einer veränderten Vorstellung davon, wie wir uns kleiden.

MYTHS bewegt sich dabei genau zwischen zwei Polen: der Präzision klassischer Schneiderkunst und dem Wunsch nach Freiheit, Komfort und Individualität. Tradition muss dafür nicht verschwinden. Sie muss nur beweglich genug sein, um in der Gegenwart anzukommen.

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Die neue Eleganz des Dazwischen

Wie Pharrell Williams Surfkultur, Handwerkskunst und menschliche Verbundenheit zu einer neuen Form des Dandyismus verbindet

Während Mode oft von Trends, Statussymbolen und Abgrenzung lebt, richtet Pharrell Williams den Blick für Louis Vuitton auf etwas Verbindendes: das Meer.

Für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 verwandelt der Kreativdirektor die Welt des Surfens in eine Metapher für eine globale Gemeinschaft. Unabhängig von Herkunft, Kultur oder sozialem Hintergrund zieht es Menschen auf der ganzen Welt an dieselben Küsten, zu denselben Wellen, zu derselben Erfahrung von Freiheit und Naturverbundenheit. Die Welle wird zum Symbol einer universellen Sprache.

Genau dort setzt die neue Kollektion an.

Der Surfer als moderner Dandy

Seit seinem Wechsel zu Louis Vuitton interpretiert Pharrell Williams den klassischen Dandy neu. Seine Version verzichtet auf aristokratische Distanz und ersetzt sie durch Offenheit, Beweglichkeit und kulturelle Neugier.

Für Spring/Summer 2027 trifft diese Idee auf die Ästhetik der Surfkultur. Auf den ersten Blick scheinen beide Welten gegensätzlich: hier die Eleganz maßgeschneiderter Anzüge, dort die Lässigkeit eines Lebens zwischen Strand und Ozean.

Doch Pharrell erkennt die Gemeinsamkeiten.

Beide Welten sind geprägt von Handwerk, Individualität und einer gewissen Mühelosigkeit. Der Dandy und der Surfer teilen die Fähigkeit, sich zwischen unterschiedlichen Räumen zu bewegen, ohne ihre Identität zu verlieren.

Aus dieser Verbindung entsteht eine Garderobe für eine Generation, die sich weder ausschließlich der Stadt noch ausschließlich der Natur zugehörig fühlt.

Zwischen Maßanzug und Neoprenanzug

Die Kollektion bewegt sich konsequent zwischen diesen beiden Polen.

Technische Materialien aus der Welt des Surfens treffen auf klassische Schneiderkunst. Neopren-inspirierte Konstruktionen werden mit luxuriösen Stoffen kombiniert. Verwitterte Oberflächen, reparierte Strukturen und sonnengebleichte Texturen erinnern an Kleidung, die von Wind, Salz und Zeit gezeichnet wurde.

Besonders spannend ist Pharrell Williams‘ fortlaufende Arbeit mit Trompe-l’œil-Effekten. Materialien erscheinen wie verwittertes Denim, gealtertes Leder oder handgeflickte Stoffe, offenbaren jedoch bei näherer Betrachtung die außergewöhnliche handwerkliche Präzision von Louis Vuitton.

Die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt.

So entsteht eine Mode, die weniger durch offensichtlichen Luxus als durch subtile Raffinesse wirkt.

Die Sehnsucht nach Verbundenheit

Vielleicht ist die eigentliche Stärke dieser Kollektion jedoch ihre emotionale Botschaft.

Während viele Luxusmarken weiterhin Individualität und Exklusivität ins Zentrum stellen, spricht Pharrell Williams über Gemeinschaft. Über die Erfahrung, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

Das Meer wird dabei zur verbindenden Kraft. Wasser steht für Bewegung, Wandel und Leben. Es verbindet Kontinente ebenso wie Menschen. Die Surfkultur dient nicht als ästhetische Referenz, sondern als Sinnbild für eine Lebenshaltung, die Respekt vor der Natur, Offenheit gegenüber anderen Kulturen und die Freude am gemeinsamen Erleben in den Mittelpunkt stellt.

In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung vielerorts zunimmt, wirkt diese Botschaft überraschend zeitgemäß.

Luxus mit Verantwortung

Dass Louis Vuitton die Kollektion gleichzeitig mit einem konkreten Nachhaltigkeitsprojekt verbindet, unterstreicht diesen Anspruch.

Im Rahmen der Regeneration-2030-Initiative unterstützt das Haus die Organisation Coral Gardeners bei der Wiederherstellung von Korallenriffen in Französisch-Polynesien. Geplant sind die Auspflanzung von 1.000 Korallen sowie die Renaturierung von 250 Quadratmetern Rifflandschaft.

Es ist ein vergleichsweise kleiner Beitrag angesichts globaler Herausforderungen, aber ein symbolisch wichtiger Schritt. Denn die Kollektion erinnert daran, dass die Beziehung zwischen Mensch und Natur nicht nur Inspiration, sondern auch Verantwortung bedeutet.

Eine Vision von Freiheit

Mit seiner Louis Vuitton Spring/Summer 2027 Kollektion entwirft Pharrell Williams letztlich mehr als eine neue Garderobe.

Er entwirft eine Haltung.

Eine Haltung, die Eleganz nicht als Distanz versteht, sondern als Fähigkeit zur Verbindung. Die Reisen nicht als Statussymbol betrachtet, sondern als Möglichkeit, unterschiedliche Welten zusammenzubringen. Und die im Rhythmus der Wellen eine Erinnerung daran findet, dass manche Erfahrungen universeller sind als jede kulturelle Grenze.

Vielleicht liegt genau darin die Zukunft des Luxus: nicht in der Abgrenzung, sondern in der Verbundenheit.

Credits Video

MUSIC:

Show soundtrack by Pharrell Williams

Quavo ‚HAAVIN‘

Produced by Pharrell Williams

Written by Quavo & Pharrell Williams

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Lil Baby ‚Dead Fresh‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell WIlliams

Written by Lil Baby

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

YoungBoy Never Broke Again ‚Simulation (feat. Pharrell Williams)‘ – strings version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & YoungBoy Never Broke Again

Additional orchestrations by Thomas Roussel

Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, APG Music, Kobalt

Angelique Kidjo ‚Bando (feat. Pharrell Williams & Quavo)‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & Quavo

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Warner Music Group, Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Additional original music composed & orchestrated by Thomas Roussel.

Performed live by Voices of Fire & l’Orchestre du Pont Neuf conducted by Thomas Roussel.

Credits Pictures

“LOUIS VUITTON MEN’S SPRING-SUMMER 2027 SHOW © Louis Vuitton – All rights reserved”

Mit Braid erschaffen die polnischen Filmemacher Mateusz Miszczynski und Maria Słabek ein sensibles filmisches Porträt über Schwesterliebe, Erwachsenwerden und die leisen Schmerzen des Abschieds. Im Mittelpunkt stehen die belarussischen Schwestern Anastasiia und Polina, deren Beziehung von Nähe geprägt ist – und von der Distanz, die entsteht, als die ältere Schwester Minsk verlässt, um in Warschau ein neues Leben zu beginnen.

Zwischen dokumentarischer Beobachtung und poetischer Bildsprache entfaltet sich ein intimer Blick auf das fragile Gefühl des Loslassens. Der titelgebende Zopf wird dabei zum stillen Symbol der Verbindung zwischen den beiden Schwestern – wie ein unsichtbarer Faden, der Erinnerung, Herkunft und Zugehörigkeit zusammenhält.

Gedreht auf 35mm, verbindet Braid natürliche Alltagsmomente mit einer beinahe märchenhaften Atmosphäre. Miszczynski und Słabek verweben magischen Realismus mit echten biografischen Erfahrungen und schaffen so einen Film, der zugleich zart, melancholisch und universell wirkt.

Es ist ein Werk über das Erwachsenwerden, über Sehnsucht nach einem besseren Leben – und über die emotionale Kraft familiärer Bindungen, die selbst Grenzen und Zeit überdauern.

Über NOWNESS
NOWNESS gilt seit Jahren als eine der stilprägendsten Plattformen für visuelles Storytelling an der Schnittstelle von Kunst, Kultur, Fashion und Film. Mit kuratierten Kurzfilmen und dokumentarischen Arbeiten schafft NOWNESS Raum für emotionale, ästhetisch anspruchsvolle Geschichten, die oft leise erzählt werden – und gerade dadurch lange nachwirken.

Eine Liebeserklärung an Neapel – zwischen Feuer, Glaube und Fußball

Neapel ist kein Ort der leisen Zwischentöne. Die Stadt lebt, vibriert, explodiert – getragen von der Energie des Vulkans, der sie überragt: dem Vesuv, von den Einheimischen ehrfürchtig Signore, der Herr der Natur, genannt. Mehr als drei Millionen Menschen teilen hier einen Alltag, der sich anfühlt wie ein permanenter Dialog mit der Unberechenbarkeit des Lebens. Vielleicht ist es genau diese Nähe zur Gefahr, die Neapel so intensiv, so unmittelbar macht.

In den elektrischen Blautönen der Straßenschreine, im Schimmern des Golfs von Neapel, im Dröhnen der Motorroller und in der kompromisslosen Leidenschaft der Fußballfans verdichtet sich der Charakter dieser Stadt. Chaos und Schönheit existieren hier nicht nebeneinander – sie sind untrennbar.

„Ich wollte diese vibrierende, unmögliche Stadt in ihrem heiligsten Moment einfangen. Wenn Feuer jederzeit ohne Vorwarnung aus dem Boden brechen kann, lebt man vielleicht anders. Ohne Helm. Mit mehr Dringlichkeit, mehr Fülle, mehr Gefühl.“

Mit Sotto Il Vesuvio fängt Regisseur Kevin Koch Neapel auf 16mm-Film ein – körnig, roh und voller Emotion. Gedreht während der ausgelassenen Straßenfeiern zum Heimsieg des SSC Napoli gegen Cagliari im August 2025, wird Fußball zur Religion und Diego Maradona zur allgegenwärtigen Ikone. Ein Film über eine Stadt, in der Glaube und Aberglaube ineinanderfließen – und das Leben immer am Limit pulsiert.

Über NOWNESS

Nowness ist eine internationale Videoplattform für zeitgenössische Kultur, die außergewöhnliche Geschichten aus den Bereichen Kunst, Mode, Design, Architektur und Film erzählt. Kuratiert, visuell anspruchsvoll und stets am Puls der Zeit, bietet NOWNESS Raum für kreative Perspektiven jenseits des Mainstreams – und für Filme wie Sotto Il Vesuvio, die Atmosphäre über Erklärung stellen.

Zwischen Fair Isle, Folklore und Future-Craft: Der in London arbeitende Designer Oscar Ouyang zeigt, wie traditionelles Stricken plötzlich radikal zeitgenössisch wirken kann.

Es gibt Designer, die Silhouetten neu denken. Und es gibt Designer, die beim Material beginnen – als würde das Kleidungsstück erst dann eine Stimme bekommen, wenn der Faden seine Geschichte erzählt. Oscar Ouyang gehört zur zweiten Kategorie. Der in Beijing geborene, in London lebende Knitwear-Designer hat sich in kürzester Zeit eine klare Handschrift erarbeitet: heritage Stricktechniken, aber nicht nostalgisch, sondern als Bühne für Narrative, Symbole und eigensinnige Proportionen. Vogue beschreibt ihn als LFW-Debütanten, der „time-honoured craft techniques“ mit innovativen Twists auflädt.

Wofür Oscar Ouyang steht

1) Knitwear als Sprache (nicht als „Saisontrend“)
Ouyang behandelt Strick nicht als gemütliche Oberfläche, sondern als System: Muster, Dichte, Fransen, Applikationen und unruhige Texturen werden zu Codes. AnOther spricht von „mossy knits“, „coded symbols“ und einer bewusst gesetzten Sanftheit.
Diese Haltung macht seine Mode weniger „look-driven“ und stärker weltbildgetrieben: Kleidung als erzählendes Medium.

2) Tradition – aber subversiv
Vogue UK verortet ihn in einer Londoner Linie von Designer:innen, die Heritage-Strick „sliced, chopped and screwed“ neu interpretieren – und nennt Ouyangs Ansatz idiosynkratisch und kultbildend.
Das ist entscheidend: Bei ihm geht es nicht um Retro, sondern um Reibung – zwischen Handwerk und Popkultur, zwischen Schutz und Zurschaustellung, zwischen Uniform und Fantasie.

3) Gender-neutral & zeitgemäße Materialethik
Auf dem offiziellen London-Fashion-Week-Profil wird Ouyang als Designer mit Fokus auf gender-neutral fashion beschrieben, mit Betonung auf sustainable knitwear and textile practices.
Das wirkt bei ihm nicht wie ein Label-Statement, sondern wie eine logische Konsequenz aus dem Prozess: Strick bedeutet Zeit, Materialintelligenz, Verantwortung.

Was ihn anders macht (und warum das relevant ist)

Er baut nicht nur eine Ästhetik, sondern eine funktionierende Designer-Realität.
i-D hebt seinen unternehmerischen Blick hervor: Er beobachtet, dass manche nach einem „hyped show“ explodieren – und dann an Nachfrage, Finanzierung und Struktur scheitern.
Diese Perspektive ist selten in einer Szene, die oft von Konzept und Moment lebt. Ouyang denkt Mode als Langstrecke.

Seine Referenzen sind nicht „Moodboard“, sondern Mythologie.
Wallpaper nennt als Einflüsse u. a. Anime und mittelalterliche Folklore – und rahmt ihn als Rising Star, der Knitwear in „new realms“ führt.
Das passt: Seine Looks wirken häufig wie tragbare Artefakte – vertraut (Strick), aber in einem anderen Kontext aufgeladen.

Institutionelle Relevanz + Retail-Beweis
Er ist im LFW-Kosmos sichtbar (inkl. BFC-Newgen-Kontext in der Berichterstattung) – und gleichzeitig bereits kommerziell präsent: Dover Street Market führt seine Stücke, was für ein junges Label ein wichtiges Signal ist.

Perspektive: Warum wir ihn jetzt beobachten sollten

Oscar Ouyang steht für eine Generation, die Handwerk nicht romantisiert, sondern als High-Tech der Langsamkeit versteht: präzise, arbeitsintensiv, bedeutungsvoll. In einer Zeit, in der Mode oft zwischen Quiet Luxury und Algorithmus-Ästhetik pendelt, setzt er einen dritten Pol: Craft als Storytelling-System.
Das macht seine Kleidung nicht automatisch „besser“ – aber eigensinniger. Und Eigensinn ist im Moment vielleicht die wertvollste Ressource im Design.

Wenn Mode zur Haltung wird

Wenn der Tag sich verabschiedet und das Licht weicher wird, beginnt die Blaue Stunde.
Jener magische Moment zwischen Tag und Nacht dient Marcel Ostertag als poetischer Ausgangspunkt für seine neue Autumn/Winter 2026 Kollektion The Blue Hour – eine Modeerzählung über Wandel, Zusammenhalt und stille Stärke.

Zwischen Ostsee und Tegernsee

Entstanden ist die Kollektion in kreativen Rückzugsorten: im Ostseebad Ahrenshoop und am Tegernsee. Fernab des gewohnten Modezirkus fand der Designer Ruhe, Klarheit und neue Fokussierung. Die Natur wurde dabei nicht nur zur Inspirationsquelle, sondern zum aktiven Gestaltungsraum. Fotografisch festgehaltene Abendstimmungen – das tiefe Blau der Ostsee, glühende Sonnenuntergänge über dem See – wurden direkt in Prints übersetzt und bilden das emotionale Herz der Kollektion.

Eleganz trifft moderne Streetwear

Im Zentrum stehen kraftvolle Drucke und eine ausdrucksstarke Farbwelt: intensive Blautöne treffen auf Mandarin, Kupfer, Mint, Offwhite, Schwarz und verschiedene Grauschattierungen. Marmor-Effekte und grafisch verfremdete Naturstrukturen verleihen Tiefe und Bewegung.
Fließende Jersey-Kleider umspielen die Silhouette, handgestrickte Maxi-Schals setzen textile Akzente. Power-Mäntel mit klaren Linien treffen auf zarten Chiffon, schmale Röcke und markante Schultern – ein Look, der Haltung zeigt und gleichzeitig feminine Stärke feiert.

Glamour mit Geschichte

Glamour bleibt ein fester Bestandteil der Ostertag-DNA. Schwarze Pailletten verschmelzen mit schimmerndem Kupfer, Retro-Silhouetten der 70er-Jahre werden neu interpretiert und in die Gegenwart transportiert. Selbst der klassische Jogginganzug erhält ein glamouröses Update – ein selbstbewusster Stilbruch, der zeigt: Diese Kollektion will nicht gefallen, sondern erzählen.

„Wir kämpfen für Freiheit und Frieden.
Wir stehen für Respekt und Gerechtigkeit.
Nicht allein – immer zusammen.“

Neue Wege der Präsentation

Statt einer klassischen Runway-Show lädt Marcel Ostertag zur Cocktail-Party. Die Kollektion wird den gesamten Abend über videografisch inszeniert – ein bewusster Bruch mit Konventionen und zugleich ein Zeichen für Veränderung. Der Ausstieg aus dem Fashion Council Germany und die Neuausrichtung der Berlin Fashion Week markieren einen Wendepunkt: Ostertag blickt nach vorn und plant, seine Kollektionen künftig wieder international zu präsentieren.

Nachhaltigkeit als gelebte Überzeugung

Seit fast zwei Jahrzehnten verfolgt Marcel Ostertag einen klaren Anspruch: Luxus und Nachhaltigkeit schließen sich nicht aus. Rund 80 Prozent der Kollektion bestehen aus hochwertigen Deadstock-Materialien renommierter Luxusmarken. Ergänzt wird dieser Ansatz durch einen lebenslangen Reparaturservice – ein Plädoyer für Wertschätzung, Langlebigkeit und bewussten Konsum.

Starke Partnerschaften

Auch in dieser Saison wird die Kollektion von langjährigen Partnern begleitet: nachhaltige Eyewear-Designs, individuelle Hair- und Make-up-Looks sowie atmosphärische Kampagnenfilme ergänzen The Blue Hour zu einem ganzheitlichen Modeerlebnis. Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode mehr sein kann als Kleidung – nämlich Ausdruck von Haltung.