Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Maison Margiela stellt sein visuelles Gedächtnis öffentlich – und verändert damit die Regeln von Mode, Erinnerung und Autorschaft.

Maison Margiela macht sein visuelles Archiv öffentlich zugänglich und stellt damit nicht nur die Regeln des Archivierens infrage, sondern auch die Mechanismen der Mode selbst. Zwischen digitaler Zugänglichkeit und kuratorischer Neuinterpretation entsteht ein vielschichtiger Dialog über Autorschaft, Erinnerung und die Zukunft des Hauses.

Ein radikaler Schritt in Richtung Transparenz

Maison Margiela hat sich nie über Sichtbarkeit definiert. Eher über das gezielte Spiel mit ihr. Umso bemerkenswerter ist der jüngste Schritt des Hauses: die vollständige Öffnung seines visuellen Archivs über eine frei zugängliche Dropbox. Was zunächst wie ein pragmatischer Akt der Digitalisierung wirkt, entfaltet bei näherer Betrachtung eine fast programmatische Dimension.

In einer Branche, die ihre Geschichte oft kuratiert, filtert und mythologisiert, setzt Margiela auf radikale Transparenz und lädt zugleich zur Neubewertung des eigenen Erbes ein.

Dekonstruktion als System

Die Geste passt zur DNA des Hauses. Seit der Gründung steht Margiela für Dekonstruktion, für das Sichtbarmachen von Prozessen, die andere verbergen. Nähte wurden nach außen gekehrt, Futterstoffe zu Oberflächen erhoben, das Unfertige zur Ästhetik erklärt.

Nun wird dieser Ansatz auf das Archiv selbst übertragen: Kampagnenbilder, Runway-Dokumentationen, Detailaufnahmen und visuelle Fragmente erscheinen nicht als museal geordnete Chronologie, sondern als offenes System.

Es ist weniger ein Archiv im klassischen Sinne als vielmehr ein Werkzeug – eine Einladung an Stylisten, Kuratoren, Studierende und Enthusiasten, sich ihre eigene Lesart zu erschließen.

Neue Formen der Ausstellung

Parallel dazu verdichtet sich das Jahr 2026 zu einem entscheidenden Moment für die physische Begegnung mit Margielas Werk. Mehrere Ausstellungen greifen unterschiedliche Facetten des Hauses auf und übersetzen die digitale Offenheit zurück in räumliche Erfahrung.

Während einige Institutionen den Fokus auf die frühen Jahre und konzeptionelle Modenschauen legen, widmen sich andere der Materialität: Textilien, Techniken und der stillen Radikalität handwerklicher Eingriffe.

Kuratorischer Perspektivwechsel

Auffällig ist ein Wandel im kuratorischen Ansatz:
Wo früher retrospektive Erzählungen dominierten, treten heute fragmentarische und thematische Zugänge in den Vordergrund.

Eine Ausstellung widmet sich ausschließlich der Farbe Weiß – von Atelierkitteln bis zu anonymisierten Labels. Eine andere untersucht die Beziehung zwischen Kleidung und Körper: Volumen, Verschiebung und Verhüllung.

Diese Spezialisierung spiegelt nicht nur die Vielschichtigkeit des Hauses wider, sondern auch ein verändertes Publikum – eines, das weniger lineare Geschichten sucht als Bedeutungsebenen.

Digital trifft physisch

Interessant ist die Wechselwirkung zwischen digitalem Archiv und Ausstellungspraxis. Kuratoren nutzen die Dropbox nicht nur als Recherchetool, sondern als integralen Bestandteil der Inszenierung.

Projektionen, Screens und interaktive Stationen binden das Material direkt ein und schaffen einen erweiterten Raum, in dem physische Exponate und digitale Bilder miteinander korrespondieren.

Die Grenze zwischen Original und Reproduktion bleibt bewusst unscharf – ganz im Sinne Margielas, der Authentizität stets als verhandelbare Kategorie verstand.

Ein Wendepunkt für die Modeindustrie

Auch für die Branche insgesamt markiert dieser Schritt einen möglichen Wendepunkt. In einer Zeit, in der Archive zu strategischen Assets geworden sind, wirkt Margielas Offenheit fast subversiv.

Sie unterläuft die Logik von Exklusivität und Zugriffsbeschränkung und setzt stattdessen auf kollektive Aneignung.

Gleichzeitig entsteht ein neuer Wert: Sichtbarkeit als kulturelles Kapital, das sich nicht im Besitz erschöpft, sondern im Gebrauch entfaltet.

Mode als dynamisches Gedächtnis

Die Initiative verändert auch die Art und Weise, wie Mode erinnert wird. Statt fixer Narrative entsteht ein dynamisches Gedächtnis – gespeist aus individuellen Perspektiven und Kontexten.

Die Bilder im Archiv sind nicht nur Dokumente der Vergangenheit, sondern Bausteine für zukünftige Geschichten – in Editorials, Ausstellungen und digitalen Formaten.

Ein stilles Statement

Das Projekt lässt sich als klares Statement lesen:
Mode ist kein abgeschlossenes Kapitel, sondern ein fortlaufender Dialog.

Maison Margiela öffnet nicht nur sein Archiv, sondern auch den Raum für Interpretation – und macht deutlich, dass Relevanz heute weniger aus Kontrolle entsteht als aus Zugänglichkeit.

Zwischen Intimität und Öffentlichkeit, Material und Bild entsteht eine neue Form von Luxus:
die Freiheit, Bedeutung selbst zu konstruieren.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.

Ein Besuch im Atelier eines der prägendsten abstrakten Künstler Chinas

Im lichtdurchfluteten Atelier am Fluss in Shanghai reflektiert der Künstler Ding Yi über vier Jahrzehnte künstlerischen Schaffens, die Kraft der Wiederholung – und die stille Transformation eines einzigen Symbols in ein universelles Vokabular.

Die Entscheidung für das Kreuz

Als Ding Yi 1988 an der Shanghai Academy of Fine Arts studierte, traf er eine radikale Entscheidung: Er wandte sich bewusst von der gegenständlichen Malerei ab und begann, das Kreuz – als „+“ oder „x“ – als zentrales Motiv zu verwenden.

Diese Reduktion war mehr als eine ästhetische Wahl. Sie wurde zu einem künstlerischen Manifest, das bis heute Bestand hat.

„Sobald ich mich für das Kreuzmotiv entschieden hatte, bin ich diesem Weg treu geblieben.“

Abstraktion als Haltung

In einer Zeit, in der China lange vom westlichen Kunstgeschehen isoliert war, bedeutete dieser Schritt auch eine Suche nach Identität.

Ding Yi erinnert sich an diese prägende Phase als eine Zeit des Fragens:
Was inspiriert mich wirklich? Welche Form von Kunst möchte ich schaffen?

Seine frühen Arbeiten folgten strengen, fast meditativen Rasterstrukturen. Mit der Zeit entwickelten sich daraus komplexe geometrische Kompositionen – lebendig, rhythmisch, oft in intensiven Farbwelten, die den urbanen Wandel Shanghais widerspiegeln.

Vom Raster zum Universum

Seit etwa 2011 hat sich Ding Yis Blick erweitert. Seine Arbeiten bewegen sich zunehmend zwischen Rationalität und Intuition – zwischen Struktur und Spiritualität.

Seine Muster erinnern heute an Sternenkonstellationen, an kosmische Ordnungen und natürliche Rhythmen. Das Kreuz bleibt – doch es transformiert sich, wird Teil eines größeren, fast universellen Zusammenhangs.

Vergangenheit und Zukunft im Dialog

Für seine Ausstellung „Cosmotechnics“ in der Fondazione Querini Stampalia, entstanden in Zusammenarbeit mit Lisson Gallery und ShanghArt Gallery, verbindet Ding Yi neue und historische Arbeiten.

Neben Archivwerken präsentiert er eine Serie von zwölf schwarz-weißen Reliefgemälden aus Lindenholz sowie zwei monumentale Steinstelen – graviert mit seinem ikonischen Kreuzmotiv.

„Fast jede Zivilisation hat Steinstelen genutzt, um ihre Geschichte festzuhalten“, erklärt der Künstler.
„Ich blicke nicht nur in den Himmel, sondern auch zurück in die Vergangenheit – und lasse beides in meine Arbeit einfließen.“

Ausstellungsinfo

„Cosmotechnics“
Fondazione Querini Stampalia
9. Mai – 22. November 2026
Venice

Ein temporäres Townhouse in Mayfair wird zur Hommage an das ikonische Louis Vuitton Monogramm – zwischen Handwerkskunst, Designgeschichte und zeitgenössischer Kultur.

Mit dem Louis Vuitton Hotel eröffnet das Maison in London einen außergewöhnlichen Ort der Begegnung: ein Pop-up-Erlebnis, das 130 Jahre Monogramm feiert und Besucher:innen in die Welt des Reisens, der Handwerkskunst und der ikonischen Taschenmodelle eintauchen lässt.

Ein Haus voller Geschichte – und Zukunft

Im Herzen von Mayfair, einem der elegantesten Viertel Londons, entsteht ein Ort, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verwebt. Das Louis Vuitton Hotel ist kein klassisches Hotel, sondern ein sorgfältig inszeniertes Townhouse, das die Geschichte eines der bekanntesten Symbole der Modewelt erzählt: des Monogramms.

Ursprünglich 1896 von Georges Vuitton als Hommage an seinen Vater Louis Vuitton entworfen, ist das Monogramm heute weit mehr als ein dekoratives Element – es steht für Savoir-faire, Reisegeist und zeitlose Eleganz. Dass London als Standort gewählt wurde, ist kein Zufall: Bereits 1885 eröffnete hier das erste internationale Geschäft des Hauses außerhalb von Paris.

Seit dem 24. April 2026 ist das Louis Vuitton Hotel für Besucher:innen geöffnet und wird für die Dauer von zwei Monaten zugänglich sein – ein bewusst temporäres Erlebnis, das seine Exklusivität zusätzlich unterstreicht.

Ein glanzvoller Auftakt

Schon die Eröffnung des Louis Vuitton Hotels wurde zum gesellschaftlichen Ereignis: Zahlreiche internationale Celebrities, Kreative und Persönlichkeiten aus Mode, Kunst und Kultur folgten der Einladung nach Mayfair. Die Bilder des Abends zeigen eindrucksvoll, wie sehr das Haus nicht nur ein Ort der Geschichte, sondern auch ein zeitgenössischer kultureller Treffpunkt ist – ein Hotspot, der Tradition und Popkultur mühelos verbindet.

Ikonische Taschen als Räume erlebbar gemacht

Das Louis Vuitton Hotel ist eine immersive Reise durch die Geschichte der bedeutendsten Taschenmodelle des Hauses. Jeder Raum ist einem ikonischen Design gewidmet – und verwandelt Funktion in Erlebnis:

• Keepall Lobby: Eine Hommage an die Reisetasche von 1930, die mit ihrem faltbaren Design die moderne Reisekultur revolutionierte.
• Café Alma: Pariser Flair trifft auf Art-Déco-Ästhetik – inspiriert von der strukturierten Silhouette der Alma Bag.
• Speedy Room: Ein lichtdurchflutetes Zimmer, das Geschwindigkeit und Mobilität als Designprinzip feiert.
• Speedy P9 Safe Room: Eine goldene Inszenierung der Neuinterpretation durch Pharrell Williams – Handwerkskunst auf höchstem Niveau.
• Neverfull Gym: Spielerische Leichtigkeit trifft auf Funktionalität – eine Tasche, die für Stärke und Vielseitigkeit steht.
• Bar Noé: Eine intime Champagnerbar, die an die Ursprünge der Noé Bag erinnert – ursprünglich entworfen, um Champagnerflaschen stilvoll zu transportieren.

Erlebnis, Handwerk und Individualität

Neben der ästhetischen Inszenierung steht auch die Handwerkskunst im Mittelpunkt. Ein eigener Care-Service-Bereich bietet die Möglichkeit, Louis Vuitton Stücke restaurieren zu lassen – ein Zeichen für Langlebigkeit und Nachhaltigkeit im Luxussegment.

Darüber hinaus können Besucher:innen ihre persönlichen Stücke individualisieren lassen: Exklusive Patches und Hot-Stamping-Services machen jede Tasche zu einem Unikat.

Kulinarik trifft Kultur

Das Erlebnis wird durch gastronomische Konzepte ergänzt:
Im Café Alma erwartet Gäste ein stilvolles Déjeuner oder Afternoon Tea, während die Bar Noé tagsüber Champagner und abends – in Zusammenarbeit mit dem legendären KOKO – DJ-Sets und vibrierende Londoner Nächte bietet.

Eine Hommage an das „Art of Travel“

Louis Vuitton gelingt mit diesem Pop-up mehr als eine Ausstellung – es ist eine emotionale Inszenierung eines Lebensgefühls.
Das Louis Vuitton Hotel wird so zu einer modernen Interpretation des „Art of Travel“: eine Reise durch Zeit, Design und kulturelle Relevanz.

Zwischen Sichtbarkeit und Erinnerung – eine Ausstellung über das Sehen selbst

Im Espace Louis Vuitton München entfaltet sich mit Grey Eyes eine eindringliche Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Erinnerung und der Macht der Bilder. Die Ausstellung des polnischen Künstlers Wilhelm Sasnal lädt dazu ein, das Sehen neu zu denken – fragmentarisch, ambivalent und zutiefst persönlich.

Vom 24. April bis 12. September 2026 präsentiert der Espace Louis Vuitton München die Ausstellung Grey Eyes, eine kuratierte Auswahl von Werken aus der Collection der Fondation Louis Vuitton sowie aus dem Atelier des Künstlers Wilhelm Sasnal. Die Schau ist Teil des internationalen Hors-les-murs-Programms, das Kunst über institutionelle Grenzen hinaus zugänglich macht und weltweit in den Espaces Louis Vuitton realisiert wird.

Die Poetik des Unklaren

Seit den 1990er Jahren entwickelt Wilhelm Sasnal eine Bildsprache, die sich konsequent mit der Rolle von Bildern in unserer Gegenwart auseinandersetzt. Seine Werke – Malerei, Zeichnung und Film – basieren auf einer reduzierten, präzisen Ästhetik, die das Alltägliche transformiert. Pressebilder, Filmstills oder private Szenen werden nicht reproduziert, sondern fragmentiert, vereinfacht und neu kontextualisiert.

Es entsteht ein Spannungsfeld zwischen Sichtbarkeit und Entzug, in dem das Bild zugleich präsent und flüchtig erscheint. Sasnals Arbeiten laden dazu ein, Unsicherheit nicht als Defizit, sondern als integralen Bestandteil von Wahrnehmung zu akzeptieren.

Formale Freiheit als Methode

Charakteristisch für Sasnals Werk ist seine formale Offenheit: Von glatten Oberflächen bis zu expressiven Pinselstrichen, von Porträts über Landschaften bis hin zu architektonischen Fragmenten – alles existiert gleichwertig nebeneinander. Diese Vielschichtigkeit ist kein stilistischer Zufall, sondern eine bewusste Strategie, die Malweise dem Motiv anzupassen.

Dabei schwingt stets ein leises Unbehagen mit. Hinter scheinbar alltäglichen Motiven öffnen sich historische und politische Dimensionen, insbesondere im Kontext der europäischen Geschichte des 20. Jahrhunderts.

Grey Eyes – Die Ambivalenz des Sehens

Die Ausstellung vereint Werke aus zwei Jahrzehnten und wurde von Sasnal selbst zusammengestellt. Das wiederkehrende Motiv des Auges wird zur Metapher für das Sehen in einer überladenen Bildwelt.

Die Farbe Grau – weder eindeutig opak noch transparent – steht sinnbildlich für Ambiguität:
für müde Augen, für abgewandte Blicke oder für jene, die sehen, ohne wirklich wahrzunehmen.

Die zentrale Frage lautet: Was bedeutet es heute, zu sehen?
Eine klare Antwort bleibt aus – stattdessen entstehen offene, fragile Wahrnehmungsräume, die Raum für individuelle Interpretation lassen.

Der Künstler

Wilhelm Sasnal (1972 in Tarnów, Polen) lebt und arbeitet in Krakau. Nach einem Architekturstudium wandte er sich der Malerei zu und wurde Mitbegründer der Künstlergruppe Ładnie, die eine neue Generation im postkommunistischen Polen prägte. Sein Werk ist international ausgestellt und verbindet persönliche Narrative mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen.

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Zwischen Aneignung und Ikonografie: Eine radikale Reflexion der Bilderwelt

Mit einer umfassenden Retrospektive widmet die ALBERTINA Wien dem US-amerikanischen Künstler Richard Prince eine Ausstellung, die nicht nur sein Werk, sondern auch unser Verständnis von Bildern hinterfragt. Zwischen Ironie, Provokation und analytischer Schärfe eröffnet sich ein faszinierender Blick auf die Mechanismen visueller Kultur.

Eine visuelle Dekonstruktion der Konsumgesellschaft

Richard Prince zählt zu den prägendsten Künstlern der sogenannten Appropriation Art. Seit den 1970er-Jahren untersucht er die Bildwelten der amerikanischen Alltagskultur – von Werbung über Magazine bis hin zu Social Media. Seine Methode ist ebenso einfach wie radikal: Er appropriierte bestehende Bilder, verändert sie minimal und führt sie in einen neuen Kontext über.

Was dabei entsteht, ist weit mehr als bloße Aneignung. Princes Werke legen die verborgenen Codes frei, die unsere Wahrnehmung formen – von Geschlechterrollen bis hin zu Mythen wie Freiheit und Männlichkeit.

Ikonen neu gelesen: Cowboys, Fashion und Gangs

Die Ausstellung in der ALBERTINA zeigt rund 150 Arbeiten aus fünf Jahrzehnten. Im Zentrum steht die Fotografie als Leitmedium seines Schaffens. Ikonische Serien wie Cowboys, Fashion oder Gangs verdeutlichen, wie Prince Bilder nicht nur reproduziert, sondern ihre Bedeutung verschiebt.

Besonders die berühmten Cowboys – basierend auf Marlboro-Werbung – entlarven die Konstruktion eines amerikanischen Mythos. Der Cowboy als Symbol von Freiheit wird gleichzeitig kritisiert und ästhetisch überhöht.

Auch in der Serie Fashion verwandelt Prince Modefotografie in eine Bühne gesellschaftlicher Projektionen. Gesichter werden zu Projektionsflächen – vertraut und doch irritierend fremd.

Zwischen Realität und Fiktion

Spätere Werkgruppen wie Upstate zeigen einen Perspektivwechsel: Statt vorhandene Bilder zu appropriieren, richtet Prince seine Kamera auf seine eigene Umgebung. Doch auch hier bleibt die Frage bestehen – ist das Dokumentation oder Inszenierung?

Die Grenzen verschwimmen. Realität erscheint ebenso konstruiert wie Werbung oder Medienbilder. Genau in dieser Ambivalenz liegt die Stärke seines Werks.

Vom Print zur digitalen Gegenwart

Mit den New Portraits überträgt Prince seine künstlerische Praxis in die digitale Welt. Instagram-Posts werden zu Kunstwerken, Likes und Kommentare Teil der Komposition.

Hier zeigt sich besonders deutlich, wie sich Bildproduktion und -konsum verändert haben: Bilder sind nicht mehr nur Repräsentation – sie sind Währung, Identität und Inszenierung zugleich.

Ein Werk zwischen Kritik und Verführung

Richard Prince gelingt es, gleichzeitig zu analysieren und zu verführen. Seine Arbeiten sind nie eindeutig – sie oszillieren zwischen Kritik und Affirmation.

Gerade diese Spannung macht die Ausstellung in der ALBERTINA zu einem der spannendsten Kunstereignisse des Jahres.

Zwischen Instinkt, Materialität und der Kraft des „Presque“

Manche Wege beginnen nicht mit einer Entscheidung, sondern mit einem inneren Bruch. Für Aurélie Fretti war es genau dieser Moment, der alles veränderte – und sie zu einer künstlerischen Praxis führte, die heute zwischen Skulptur, Design und intuitiver Formensprache oszilliert.

Ein Neuanfang jenseits der Stadt

Aufgewachsen in einem Dorf im Osten Frankreichs, geprägt von einer lebendigen italienischen Arbeiterkultur, trägt Aurélie Fretti ihre Herkunft bis heute in sich. Italienische Wurzeln väterlicherseits, polnische mütterlicherseits – eine Mischung, die sich später auch in ihrer Arbeit widerspiegelt.

Viele Jahre arbeitete sie in der Werbung in Paris. Doch der eigentliche Wendepunkt kam leise. Mutterschaft, Rückzug und die Entscheidung, das urbane Leben hinter sich zu lassen, führten sie zunächst an den Rand des Waldes von Rambouillet und später in den Luberon.

Dort veränderten Isolation, Natur und Entschleunigung ihre Perspektive grundlegend.

„Ich hatte keine Wahl, als mein Leben dem zu widmen. Dramatisch? Vielleicht – einfach italienisch.“

Vom Experiment zur Ausdrucksform

Ohne klassische Ausbildung fand Aurélie intuitiv zur Keramik. Was zunächst als Hobby begann, entwickelte sich rasch zu einer existenziellen Praxis. Die Zusammenarbeit mit Schneider:innen sowie die Arbeit mit Holz und Stein erweiterten ihr Verständnis von Material und Form.

Ihre erste Skulptur – ein Fuß – war „etwas unbeholfen, aber voller Aufrichtigkeit“. Ein Ursprung, der bis heute nachwirkt.

„Diese Stunden waren wie Meditation. Ich habe erkannt, dass ich nicht nur gerne forme, sondern dass ich dadurch ich selbst sein kann.“

Material, Körper und Transformation

Aurélie Frettis Arbeiten bewegen sich zwischen Gegensätzen: roh und sinnlich, kraftvoll und fragil. Sie arbeitet mit gegossenem Harz, versetzt mit Marmor-, Bronze- oder Aluminiumpulver, ebenso wie mit massivem Holz, das sie mit der Kettensäge bearbeitet.

Aus dieser freien Herangehensweise entstand eines ihrer prägendsten Werke: die Babka – benannt nach dem traditionellen polnischen Hefekuchen ihrer Kindheit. Eine organische, großzügige Form, die längst zu ihrer Signatur geworden ist.

Im Zentrum ihres Schaffens steht das Konzept des „presque“ – des „Fast“.
Unvollkommenheit wird hier nicht als Fehler verstanden, sondern als Raum für Entwicklung.

Inspiration: Antike, Italien und der menschliche Körper

Ein weiterer zentraler Einfluss ist Italien. Die Rückbesinnung auf den Körper, wie sie in der Antike verankert ist, übersetzt Aurélie in eine zeitgenössische Formsprache.

Römische Reliefs werden zu Lichtobjekten, sizilianische Vasen verwandeln sich in invertierte Skulpturen – wie bei der Upside Down Lamp, bei der das Gefäß selbst zur Lichtquelle wird.

Der Körper bleibt dabei stets Ausgangspunkt:

„Alles beginnt mit dem Körper – und damit auch mit der Natur.“

Der Moment der Sichtbarkeit

Ein entscheidender Schritt in ihrer Entwicklung war die Begegnung mit Chiara Colombini im Jahr 2024. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete Aurélie noch in einem kleinen Atelier, begleitet von Zweifeln.

Die Anerkennung durch Colombini wurde zum Wendepunkt. Eine erste Ausstellung in Paris folgte – und damit der Eintritt in eine neue künstlerische Dimension.

Gegenwart und Ausblick

Heute lebt und arbeitet Aurélie Fretti im Luberon – ein Ort, der ihr Verständnis von Zeit und Prozess nachhaltig verändert hat.

„Hier hat sich Zeit ausgedehnt.“

Ihre Arbeiten bleiben zutiefst persönlich: Fragmente eines inneren Prozesses, getragen von Intuition, Spannung und einem bewussten Spiel mit Unsicherheit.

Nach der ikonischen Babka-Serie folgt nun ihre neue Kollektion: Drappegio.

Jedes Stück ist ein Unikat. Von Hand gefertigt. Ausdruck eines fortlaufenden Dialogs zwischen Körper, Material und Emotion.