Die Ausstellung „Shringara: The Second Skin“ in New York folgt den Spuren persönlicher Schmuckkultur – von Ohrringen und Textilien bis zu Tätowierungen. Daraus entstehen Möbel und Leuchten, die Geschichten in den Wohnraum tragen.

Ein Sideboard trägt Fransen, ein Barschrank erinnert an traditionellen Ohrschmuck, auf Tischbeinen finden sich abstrahierte Tätowierungen. In der kommenden Ausstellung von House of Santal wandern Formen, die mit dem Körper verbunden sind, in die Einrichtung. Mit dem veränderten Maßstab stellt sich eine interessante Frage: Wie viel von uns selbst steckt in den Dingen, mit denen wir unsere Räume gestalten?

Am 10. November 2026 soll „Shringara: The Second Skin“ mit einer Diwali-Feier eröffnen. Für ihre dritte Ausstellung versammelt die New Yorker Galerie Designschaffende aus Indien und Pakistan, die persönliche und kulturelle Ausdrucksformen in zeitgenössisches Collectible Design übersetzen. Schmuck, Kleidung und rituelle Zeichen bilden den Ausgangspunkt für Arbeiten über Erinnerung, Schutz und Zugehörigkeit.

Die Fransen einer Persönlichkeit

Besonders anschaulich wird dieser Gedanke bei Maya, einer Konsole von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar. Nussbaum und durch Hitze gefärbter Stahl treffen auf einen üppigen Besatz aus Seidenmischfransen. Das Möbel ist angezogen. Seine textile Schicht erzählt von den Seiten einer Persönlichkeit, die wir zeigen, und jenen, die wir für uns behalten.

Auch Abin Chaudhuri aus Kolkata beschäftigt sich mit solchen Schichten. Sein Vastra Cabinet erhält eine Oberfläche aus übereinandergelegten, patchworkartig zusammengesetzten Elementen. Beim Alankaara Coffee Table nimmt er Bezug auf die Trajva-Tätowierungstradition der Rabari und überträgt deren Zeichen in abstrahierter Form auf die Tischbeine. Was ursprünglich auf der Haut getragen wird, prägt hier die Gestalt eines Alltagsgegenstands.

Vom Ohrschmuck zum Barschrank

Avani und Akshay Khurana greifen für ihren Kolam-Barschrank aus der ANI Collection auf zwei unterschiedliche Formensprachen zurück: den traditionellen Thandatti-Ohrschmuck aus Tamil Nadu und die Geometrie von Kolam-Mustern. In Teakholz und gealtertem Aluminium entwickeln sie daraus ein Möbel, das seine Referenzen über Material und Konstruktion weiterträgt.

Parminder Pal Singh aus Gurugram überführt wiederum Techniken traditioneller indischer Schmuckfertigung in Pendelleuchten. Seine Entwürfe Quilon, Madras und Mysore beziehen sich auf einen historischen Edelsteinhandelshafen in Kerala, auf gewebte Karomuster der Koromandelküste und auf die geschweiften Bögen des Palasts von Mysuru. Die Einflüsse reichen vom kleinen Schmuckstück bis zur Architektur; im Lichtobjekt erhalten sie einen gemeinsamen Maßstab.

Ein Sessel in seiner Hülle

Mit dem Verhältnis von Körper und Umfassung spielen Yousaf Shahbaz und Saira Ahsan aus Lahore. Für den Shell Chair setzen sie einen handgeschnitzten Rosenholzstuhl im Stil William IV. in einen Kubus aus gebürstetem Stahl. Die beiden Formen bleiben deutlich lesbar: innen die ausgearbeitete historische Silhouette, außen eine strenge geometrische Hülle.

Ihr Wheat Chair zeigt ein Weizenfeld aus Perlmutt auf Mahagoni. Die handbemalten Pebble Tables erinnern an Flusssteine des Ravi. Hier weitet sich die Perspektive von der persönlichen Schmuckkultur zu Landschaft und Erinnerung.

Gunjan Arora und Rahul Jain aus New Delhi bewegen sich zwischen Textil, Skulptur und Licht. Für die rund fünfeinhalb Meter lange Wandarbeit Pregnant Mysteries verwenden sie zusammengetragene Wolle, Seide, Leinen und Baumwolle. Hinzu kommen die auf Maserholz montierte Messingguss-Skulptur Aayam sowie die Lichtinstallationen Medhyaa und Ithika.

House of Santal wurde von der Designerin und Kuratorin Raksha Sanikam gegründet und widmet sich zeitgenössischem Design aus Südasien. Die Auswahl verbindet handwerkliches Wissen mit den individuellen Perspektiven heutiger Gestalterinnen und Gestalter. Bei „Shringara“ lässt sich diese Verbindung an einer einfachen Verschiebung ablesen: Fransen, Schmuckformen und Zeichen verlassen den Körper. Die Geschichten, die an ihnen haften, ziehen mit ein.

Weitere Informationen: House of Santal

Der Entwurf des führenden dänischen Architekturbüros BIG für Ungarns neues Naturkundemuseum orientiert sich ganz an der Natur. Als innovativer Holzbau mit integrierter nachhaltiger Technologie wird es im jahrhundertealten Großen Wald von Debrecen entstehen.

Naturgeschichte in einem Holzgebäude zu präsentieren, das von Natur umgeben ist und einen klaren Schwerpunkt auf Nachhaltigkeit legt, klingt nach einer ausgezeichneten Idee. Dieser Ansicht war offensichtlich auch die Jury des internationalen Wettbewerbs für den Entwurf des neuen Ungarischen Naturkundemuseums – und entschied sich deshalb für den Entwurf des führenden Architekturbüros Bjarke Ingels Group (BIG). Das dänische Büro setzte sich gegen renommierte Mitbewerber wie Zaha Hadid Architects, 3XN und Mecanoo durch, die ebenfalls Vorschläge für dieses spannende Projekt im jahrhundertealten Großen Wald von Debrecen eingereicht hatten.

Vielfalt und Umweltschutz vermitteln

Der Entwurf, den BIG gemeinsam mit seinen ungarischen Partnern Vikár és Lukács eingereicht hat, ist tatsächlich sehr harmonisch. Und das Konzept entspricht nahezu perfekt der Vision der Jury, wie sie deren Vorsitzender Zsolt Bernert, Generaldirektor des Museums, beschreibt: „Das Ziel des Ungarischen Naturkundemuseums ist es, dass das neue Ausstellungsgebäude zu Ungarns führendem Ort für die Vermittlung von Umweltschutz, Biodiversität und nachhaltiger Entwicklung wird.“ Und darüber hinaus ein „Erlebnis“ zu bieten, das jedes Jahr Hunderttausende Besucher anziehen soll.

Der Neubau wird die bestehende Institution in Budapest ersetzen. Zudem soll er die Vision der Regierung unterstützen, Debrecen bis 2030 als bedeutendes regionales Zentrum für Bildung und Kultur zu etablieren. Er wird auf einem ehemaligen Sportgelände am Rand des Großen Waldes von Debrecen (ungarisch: Nagyerdő) errichtet. Mit anderen Worten: in einem Naturschutzgebiet, das nach seinen riesigen, uralten Bäumen benannt ist, in einem beliebten Naherholungsgebiet, das zahlreiche geschützte Pflanzen- und Tierarten beherbergt.

Naturwunder, passend präsentiert

BIG-Gründer Bjarke Ingels beschreibt den Siegerentwurf seines Büros als eine „Kreuzung von Wegen und Abstammungslinien“: „Sich kreuzende Landschaftsbänder überlagern sich und schaffen eine Reihe von Nischen und Lebensräumen, Hallen und Galerien, wobei Innen und Außen, das Intime und das Gigantische nahtlos ineinander übergehen.“

Das Ergebnis ist laut dem Architekten ein von Menschen geschaffener Hügel auf einer Waldlichtung: „Geometrisch klar und doch sanft organisch – ein angemessenes Zuhause für die Wunder der Natur.“

Das neue Naturkundemuseum besteht aus drei sich überschneidenden Elementen, die sich als Teil der Landschaft nach oben und unten wölben. Mit einer Holzkonstruktion und einer Fassade aus verkohltem Holz sind einige Bereiche in den Boden eingelassen, während andere aus dem Waldboden emporragen. So soll sich der Neubau optisch in den umgebenden Park einfügen, während seine geneigten Dächer Besucher dazu einladen, einzutreten und weite Ausblicke über die Stadt zu genießen.

Zwischen Wald und Stadt

Aus welcher Richtung sich Besucher auch nähern: Das Architekturkonzept von BIG sorgt dafür, dass sie auf offene Flächen, gewundene Waldwege und Ausblicke treffen, die durch das Gebäude hindurch und über dieses hinweg gerahmt werden. Der Komplex ist von allen Seiten zugänglich und fügt sich nahtlos sowohl in das städtische Gefüge als auch in die umgebende Naturlandschaft ein. Der Eingangsbereich des Naturkundemuseums wird durch einen großzügigen Platz im Süden hervorgehoben, der als Treffpunkt und für Museumsaktivitäten vorgesehen ist.

Im Inneren dient die Eingangshalle als zentraler Orientierungspunkt und gewährt Einblicke in die umliegenden Ausstellungsflügel. Diese umfassen fünf Bereiche für Dauerausstellungen und einen für Wechselausstellungen und öffentliche Programme, die radial angeordnet sind. Im Obergeschoss befinden sich eine Bibliothek und ein Restaurant. Beide bieten einen ungehinderten Blick auf die Baumkronen des Waldes.

Erleben und Forschen

Im Untergeschoss ist ein Lernzentrum geplant, das Raum für Workshops, Spielbereiche und Forschungslabore für Studierende, Familien und Mitarbeitende bietet. Darüber hinaus zeigen die Innenraumentwürfe ein markantes, zum Thema passendes Ambiente: Räume mit hohen Decken, die von sichtbaren Holzoberflächen und gefliesten Böden geprägt sind.

„Wir haben uns das Ungarische Naturkundemuseum als integralen Bestandteil seiner Umgebung vorgestellt, der von der umgebenden Landschaft geformt wird und diese zugleich selbst formt“, erklärt BIG-Partnerin Hanna Johansson. Die Holzkonstruktion mit ihrer Fassade aus lokal bezogenen, verkohlten Holzpaneelen, die aus dem Boden emporragen, wird die Grenzen zwischen Architektur und Wildnis verschwimmen lassen. Dass das Projekt jede Schädigung seiner natürlichen Umgebung vermeidet, versteht sich von selbst.

Die Natur im Mittelpunkt

Doch wie Johansson betont, geht der Entwurf von BIG über den bloßen Schutz der Umwelt hinaus: „Anstatt das Gelände lediglich zu bewahren, stellt das Gebäude es wieder her und wertet es auf – es regeneriert die Biodiversität und passt sich dabei unaufdringlich seiner Umgebung an.“ Der siegreiche Wettbewerbsbeitrag zeigt zumindest teilweise, wie all dies erreicht werden soll.

Die Pläne für das neue Ungarische Naturkundemuseum, das eine Fläche von 23.000 Quadratmetern umfassen wird, zeigen, dass das Gebäude teilweise in den Großen Wald selbst eingebettet wird, um seinen Flächenbedarf zu minimieren. Die geneigten Gründächer werden mit heimischen Arten bepflanzt und bieten Lebensraum für die lokale Flora und Fauna. Sie sollen den Park außerdem optisch über das Museum hinaus erweitern. Die Vegetation erstreckt sich über das gesamte Gelände und bis in das Gebäude hinein und schafft Räume, in denen Menschen das ganze Jahr über entspannen und zusammenkommen können.

Nachhaltige Technologie

Eines der zentralen Elemente des Entwurfs ist die Nutzung der thermischen Masse des Erdreichs. Der neue Holzbau integriert Energiesysteme vor Ort, darunter geothermische Kreisläufe und Photovoltaikanlagen, um das ganze Jahr über ein stabiles Raumklima zu gewährleisten.

Dass BIG-Gründer und Kreativdirektor Bjarke Ingels eine derart persönliche Begeisterung für dieses Projekt zeigt, überrascht vielleicht wenig. Schließlich verriet der dänische Stararchitekt unmittelbar nach Bekanntgabe des Wettbewerbsergebnisses: „Naturgeschichte ist ein Thema, das mir am Herzen liegt – so sehr, dass ich meinen ältesten Sohn Darwin genannt habe. In diesem Sinne ist es eine große Ehre, mit dem Entwurf des Ungarischen Naturkundemuseums im Großen Wald von Debrecen betraut worden zu sein.“

Holzbau mit Bildungsauftrag

Die Arbeit von BIG an Bhutans Mindfulness City ist ein weiteres Beispiel dafür, wie behutsam Ingels und sein Team Projekte in sensiblen Umgebungen angehen. Spätestens seit dem spektakulären Projekt CopenHill in Kopenhagen ist das Büro weltweit für seine fachkundige Arbeit an innovativen und nachhaltigen Lösungen bekannt. Entsprechend gespannt wird Ungarns neues Naturkundemuseum erwartet. Als wertvolle Entwicklung für den Großen Wald, der seit Jahren unter Problemen wie Dürre, illegaler Müllentsorgung und der Ausbreitung invasiver Arten leidet. Und als Beispiel für nachhaltigen Holzbau, der in diesem Fall die Natur nicht nur schützt, sondern sie auch unterstützt und den Besuchern näherbringt.

Text: Elisabeth Schneyder
Übersetzung: Rosemary Bridger-Lippe
Bilder: BIG

Sieben Jahre Artycapucines: Im Grand Palais stellt Louis Vuitton die künstlerischen Interpretationen seiner Capucines den Werken ihrer Urheber gegenüber. Eine neue Kollektion widmet sich Keith Haring.

Eine Banane hängt an einer Tasche. Bei Urs Fischer ist diese kleine Irritation Teil einer künstlerischen Sprache, in der Alltagsgegenstände ihre Selbstverständlichkeit verlieren. Im Grand Palais begegnet seine Artycapucines nun der Arbeit Fruits von 2026. Die Gegenüberstellung macht anschaulich, worum es in der diesjährigen Präsentation von Louis Vuitton bei Art Basel Paris geht: Wie wandert eine Idee von einem Medium ins andere? Und was geschieht mit einer Tasche, sobald Künstlerinnen und Künstler ihre Form, Oberfläche und Funktion neu verhandeln?

Als Associate Partner der Messe versammelt Louis Vuitton auf dem Balcon d’Honneur Positionen von insgesamt 14 Kunstschaffenden. Die Retrospektive blickt auf das 2019 gestartete Artycapucines-Projekt zurück und zeigt die Taschen gemeinsam mit ausgewählten Kunstwerken. So werden die gestalterischen Entscheidungen hinter den einzelnen Entwürfen lesbar.

Leder als künstlerisches Material

Die Capucines gibt dem Projekt einen wiedererkennbaren Ausgangspunkt. Was daraus entsteht, unterscheidet sich jedoch erheblich. Gemeinsam mit den Handwerkerinnen und Handwerkern von Louis Vuitton übertragen die Beteiligten ihre Arbeitsweisen auf ein Objekt, das eigene technische Bedingungen mitbringt: Leder muss geformt, eine Konstruktion tragfähig und eine Oberfläche bearbeitbar bleiben.

Besonders interessant wird dieser Austausch dort, wo Material und künstlerische Handschrift eng verbunden sind. Kennedy Yankos Skulptur Because of its blues von 2025 besteht aus Metall und Farbhaut. Ihre geknautschte, bemalte Artycapucines von 2022 greift eine verwandte Vorstellung von Volumen auf. Bei Liza Lou führt der Weg über die Oberfläche: Die bemalten Glasperlen ihrer Arbeit Lost Blue von 2022 finden eine Entsprechung in der aufwendigen Perlenarbeit ihres Taschenentwurfs von 2023.

Billie Zangewa wiederum bringt ihre figurative Bildwelt in bestickter Seide ein. Ihre Arbeit Soldier of Love von 2020 steht neben ihrem ebenfalls mit bestickter Seide gestalteten Beitrag. Hier lässt sich verfolgen, wie eine textile Erzählweise auf einem anderen Gegenstand weiterlebt.

Auch Malerei verändert unter diesen Bedingungen ihren Charakter. Henry Taylors A Young Master von 2017 begleitet seine Auseinandersetzung mit Porträtmalerei auf einer Tasche. Josh Smiths Untitled von 2019 stellt Schrift und gesättigte Farbe in einen räumlichen Zusammenhang mit seinem Entwurf. Die Tasche wird dabei zum Gegenüber des Bildes, mit Kanten, Tiefe und einer beweglichen Form.

Zwischen Transportkiste und Ausstellung

Die Szenografie nimmt einen Bereich auf, der im Ausstellungsbetrieb meist hinter den Kulissen bleibt: das Verpacken, Lagern und Transportieren von Kunst. Offene Kisten, Sockel und kofferartige Strukturen aus gebürstetem Aluminium und Baumwoll-Canvas rahmen die Arbeiten. Ein heller Teppich ist auf den charakteristischen grünen Stahl des Grand Palais abgestimmt.

Das passt zur Geschichte eines Hauses, dessen Anfänge im Verpacken und im Bau von Reisekoffern liegen. Zugleich gibt diese Gestaltung der Präsentation einen interessanten Zwischenzustand. Die Objekte scheinen gerade angekommen zu sein oder könnten bald wieder aufbrechen. Das schärft den Blick für ihren materiellen Charakter: für Oberflächen, Gewicht und die handwerkliche Arbeit, die in ihnen steckt.

Zu sehen sind auch Arbeiten langjähriger Wegbegleiter. Takashi Murakamis Monogramouflage Skull (Black) von 2008 begleitet seine Camouflage-Interpretation aus der Artycapucines-Kollektion von 2025. Yayoi Kusama ist unter anderem mit Great Gigantic Pumpkin und Every Day I Pray for Love, beide von 2023, vertreten. Frank Gehrys fischförmige Leuchten Untitled (Paris II) von 2012 stellen eine Verbindung zwischen seinen bewegten Formen und seinen Lederwarenentwürfen für Louis Vuitton her.

Keith Haring und die Bewegung der Zeichen

Ein neues Kapitel eröffnet die Keith Haring gewidmete Artycapucines-Kollektion. Kleine Figuren, Tänzer, ein laufendes Herz und Ketten grafischer Symbole ziehen sich über die Taschen. Harings Bildsprache bringt dabei einen eigenen Rhythmus mit: Die Zeichen wirken auch dort bewegt, wo die Oberfläche stillsteht.

Daneben wird ein Louis-Vuitton-Koffer aus den 1930er-Jahren gezeigt, den Haring in den 1980er-Jahren mit seiner Signatur versah. Dieses historische Objekt gibt der aktuellen Kollektion einen konkreten Bezugspunkt. Zwischen dem alten Koffer und den neuen Taschen liegen Jahrzehnte; verbunden sind sie durch die Begegnung einer unverwechselbaren Handschrift mit einem Gegenstand des Reisens.

Gerade die Gegenüberstellungen machen die Retrospektive interessant. Sie erlauben, einer Idee über unterschiedliche Materialien hinweg zu folgen: von Glasperlen zu Leder, von einer gemalten Figur zu einer tragbaren Form. Wie viel vom ursprünglichen Werk bleibt dabei erhalten? Und welche Möglichkeiten entstehen erst durch die Übersetzung?

Die Präsentation ist im Rahmen von Art Basel Paris vom 23. bis 25. Oktober 2026 im Grand Palais öffentlich zugänglich. Für den Messebesuch gelten die jeweiligen Ticketbedingungen.

Vulkangestein, Erde und persönliche Erinnerungen: In ihrer Ausstellung LIFELINES in Hamburg lässt Anna van den Hövel Landschaft und Biografie ineinanderfließen.

Eine Landschaft lässt sich auf unterschiedliche Weise festhalten. Als Fotografie, als Erinnerung – oder als Staub, der von einer Reise mit nach Hause kommt. Anna van den Hövel nimmt solche Spuren mit ins Atelier. Vulkangestein, Erde und andere gesammelte Fragmente werden Teil ihrer Gemälde. Was draußen unter dem Einfluss von Zeit, Druck und Bewegung entstanden ist, wirkt auf der Leinwand weiter.

Vom 29. Oktober bis 27. November 2026 zeigt die Galerie Daniel und die Kunst in Hamburg mit LIFELINES Arbeiten der deutschen Malerin. Im Mittelpunkt stehen Bruchlinien: jene Verschiebungen, die Landschaften formen und auch im eigenen Leben Spuren hinterlassen.

Die Landschaft im Material

Markante Formationen ziehen sich durch van den Hövels Bilder. Flächen verdichten sich, brechen auf und treten beinahe körperlich hervor. Sie erinnern an Gesteinsschichten, Gebirgszüge oder Küsten, deren Konturen sich unter dem Einfluss unterschiedlicher Kräfte verändern.

Diese Nähe zur Landschaft beginnt bereits beim Material. Die Künstlerin verbindet ihre Fundstücke mit Acrylfarbe, Kohle, wiederverwendetem Lack und Mörtel. Die mitgebrachte Erde bringt eine eigene Beschaffenheit mit, das Gestein eine andere Dichte. Jede neue Schicht verändert die Bedingungen für die nächste.

So bleibt der Entstehungsprozess in den Arbeiten lesbar. Manche Stellen erscheinen offen und aufgerissen, andere kompakt oder versiegelt. Das Auge folgt Erhebungen, Vertiefungen und Linien, die sich durch die Bildfläche ziehen. Landschaft wird hier als etwas erfahrbar, das unablässig in Bewegung ist.

Vom Blick aus der Luft zur eigenen Erinnerung

Van den Hövel wurde 1996 geboren und wuchs zwischen München, den österreichischen Alpen und der Küste Menorcas auf. Diese unterschiedlichen Umgebungen prägen ihre Arbeit bis heute. Reisen liefern ihr visuelle Eindrücke und Begegnungen, aus denen sich im Atelier neue Zusammenhänge entwickeln. Auch auf ihrer Website beschreibt sie den künstlerischen Prozess als Fortsetzung ihrer Reisen.

Ein Ausgangspunkt ihrer Malerei sind Luftbildaufnahmen. Aus der Distanz werden Landschaften zu Flächen, Verläufen und Übergängen. Einzelheiten treten zurück, während größere Strukturen sichtbar werden. Dieses visuelle Vokabular überträgt van den Hövel in eine abstrakte Malerei, die sich zugleich aus persönlichen Erfahrungen speist.

Konkrete Ereignisse bleiben dabei unausgesprochen. Eine Reise wird nicht nacherzählt, ein Einschnitt nicht illustriert. Erlebtes geht in die Bearbeitung der Oberfläche ein: in die Entscheidung, eine Schicht aufzutragen, eine Stelle offenzuhalten oder eine bestehende Form wieder aufzubrechen. Äußere Eindrücke und innere Bewegung lassen sich im fertigen Bild kaum noch voneinander trennen.

Bruchlinien als formende Kräfte

LIFELINES verbindet die Vorstellung geologischer Verwerfungen mit den Übergängen einer Biografie. Der Titel lenkt den Blick auf Stellen, an denen Kräfte aufeinandertreffen und etwas in Bewegung gerät.

Darin liegt die Spannung dieser Arbeiten: Ein Riss kann eine Fläche unterbrechen und ihr zugleich eine neue Richtung geben. Eine Verdichtung kann etwas verschließen oder zum Ausgangspunkt einer weiteren Schicht werden. Veränderung zeigt sich als materieller Vorgang, dessen Spuren bestehen bleiben.

Van den Hövels Gemälde halten diese Prozesse offen. Wer ihren Linien folgt, kann darin Landschaften erkennen, Erinnerungen vermuten oder zunächst einfach Farbe und Material betrachten. Die mitgebrachten Fragmente haben ihren ursprünglichen Ort verlassen. Auf der Leinwand werden sie Teil einer neuen Geografie.

Ausstellung
Anna van den Hövel | LIFELINES
29. Oktober bis 27. November 2026
Daniel und die Kunst
Am Kaiserkai 30, 20457 Hamburg

Weitere Informationen zur Künstlerin

Das Architekturbüro JK-AR hat in der südkoreanischen Stadt Gyeongju mit dem Haus der Heilung einen Ort geschaffen, der Genesung, Meditation und Besinnung miteinander vereint. Die 150 Jahre alte Klinik verbindet dabei traditionelle koreanische Architektur mit modernen Ansätzen.

Abseits der Hauptstadt Seoul bietet die koreanische Halbinsel zahlreiche weitere sehenswerte Orte. So ist beispielsweise Gyeongju eine der bedeutendsten Kultur- und Geschichtsstädte Südkoreas. Als ehemalige Hauptstadt des antiken Königreichs Silla, eines der drei historischen Reiche Koreas, bietet sie eine besonders hohe Dichte an UNESCO-Welterbestätten. Darunter zahlreiche buddhistische Tempel oder Daereungwon, einen Park mit Grabhügeln königlicher Verstorbener. Kulturelles Erbe ist demnach fest in der DNA der Stadt verankert.

Und nun erhält Gyeongju Zuwachs: Das Haus der Heilung, ein Projekt des südkoreanischen Architekturbüros JK-AR, soll sowohl dem Körper als auch dem Geist dienen. Dafür wurde einer 150 Jahre alten Klinik neues Leben eingehaucht. Seit 2025 können hier Patienten nicht nur medizinische Untersuchungen, sondern auch meditative Aktivitäten – und somit allumfassende Gesundheitsmaßnahmen – in Anspruch nehmen. Sowohl außen als auch innen wurde dieser Ansatz bis ins kleinste Detail durchdacht. 

Drei Ansätze fürs gesund sein

Die Aufteilung des Hauses folgt einer traditionellen Baulogik, die im koreanischen Sprachgebrauch als „Madang“ bezeichnet wird und so viel wie „Hof“ bedeutet. Drei Haupthallen prägen dabei die Anordnung der Räumlichkeiten. Im Mittelpunkt steht die Halle der Heilung, die als Herzstück des Projekts auch im Fokus der Modernisierung stand. Hier sollen künftig Behandlungen nach traditioneller koreanischer Medizin angeboten werden. Die Halle der Meditation wiederum beherbergt Ausstellungsräume, die beispielsweise für Kunstgalerien genutzt werden können. Den Abschluss bildet die Halle der Besinnung. Mit einem traditionellen Teehaus rundet sie die Zielsetzung des Projekts geschickt ab. Gesundheit wird hier über das körperliche Empfinden hinausgedacht, so JK-AR.

Um all das unter ein Dach zu bekommen, orientierten sich die Architekten an der traditionellen Bauweise von Hanok-Gebäuden, die man besonders aus historischen K-Dramas kennt. Für das Konzept verwendeten sie jedoch deutlich weniger Holz als es für Hanoks üblich ist. Zudem verzichtete JK-AR auf eine komplexe Anordnung der Holzträger, um sowohl die Kosten als auch die Bauzeit zu reduzieren. Stattdessen setzen die Architekten auf innovative Timber-Framing-Systeme, mit denen sich ähnliche, jedoch effizientere Ergebnisse erzielen lassen. So bewahrt das Haus der Heilung von außen Tradition und Geschichte, während es im Inneren modernisiert und neu interpretiert wurde. 

An Tradition orientiert

Der Bezug zur Tradition wird trotz der innovativen Bauweise auch in der Struktur des Hauses berücksichtigt. Das Gerüst verfügt über geschwungene Tragstrukturen, die sich sowohl an einem 200 Jahre alten Wohnhaus namens Samguejeong als auch am Jahamun-Tor des Bulguksa-Tempels in Gyeongju orientieren. Für die Materialien verwendete das Architekturbüro hauptsächlich lokales Holz sowie umweltfreundliche Werkstoffe. „Über seine funktionalen Aspekte hinaus ist das Haus der Heilung ein Beispiel für nachhaltige Architektur“, erklären die Architekten.

Laut JK-AR ist die Halle der Besinnung ein herausragendes Beispiel für zeitgenössische ostasiatische Architektur. Auch das schwarze, geschwungene Dach symbolisiert diesen tiefen kulturellen Bezug. Das Teehaus bietet einen weitläufigen Ausblick auf die Umgebung und lädt zum Entspannen ein – eine kleine Auszeit, wie wir sie in europäischen Krankenhäusern so nicht kennen. Dabei ist der Toenmaru, ebenfalls Bestandteil der traditionellen Hanok-Bauweise, eine schmale hölzerne Veranda, die unmittelbar entlang der Wohnbereiche verläuft. Ein solcher Zwischenraum wurde auch im Inneren strategisch eingeplant, um Begegnungen und Austausch zu fördern.

Von Menschen, für Menschen

Große Fenster lassen reichlich natürliches Licht in das Haus der Heilung und unterstreichen den friedlichen Charakter der Räumlichkeiten. Die länglichen Höfe fügen sich zu einem zusammenhängenden System und fungieren als eine Art Organismus, der seine Besucher durch einen zentralen Eingang empfängt. Die Klinik liegt in einer ländlicheren Umgebung, weshalb sich vom vorderen Hof auch ein optimaler Blick auf Gyeongju Namsan eröffnet, einen bekannten Gipfel im gleichnamigen Nationalpark. Dieses Stillleben unterstreicht die ruhige Atmosphäre, die das gesamte Projekt bis in die Holzfasern verinnerlicht hat.

Über die eigentliche Funktionalität hinaus steht das Haus der Heilung beispielhaft für nachhaltige Architektur. Durch die Integration zahlreicher Fenster werden eine natürliche Belichtung und Belüftung ermöglicht. Zudem sollen spezielle Maßnahmen zur Verbesserung der Wärmedämmung beitragen – eine Eigenschaft, die bei traditionellen Hanoks häufig eine Herausforderung darstellt. Das Haus der Heilung versteht sich als Ort der Erneuerung, Genesung und Meditation. Um es mit den Worten der Architekten abzurunden: „Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Haus der Heilung ein bemerkenswertes Beispiel dafür ist, wie traditionelle koreanische Architektur neu interpretiert werden kann, um einen modernen, nachhaltigen und kulturell bedeutsamen Raum zu schaffen“.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Rohspace

Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Die koreanische Künstlerin verwandelt gerolltes Papier in Skulpturen, die an Baumringe, Strömungen und geologische Schichten erinnern. Mit „Striated“ zeigt die Galerie 22MUSE in Antwerpen ihre erste Einzelausstellung in Belgien.

Ein grüner Körper wölbt sich aus einem schwarzen Rand. Über seine Oberfläche ziehen sich unzählige feine Linien, dicht an dicht, bis tief ins Zentrum. Man denkt an Holz, vielleicht an einen Stein, den Wasser über lange Zeit geformt hat. Tatsächlich besteht „JK426 Green and Black“ aus gerolltem Papier. Ein vertrautes Material, das unter Jae Kos Händen eine erstaunliche körperliche Präsenz entwickelt.

Papier begleitet unseren Alltag meist beiläufig. Wir beschreiben es, bedrucken es, werfen es weg. Jae Ko beschäftigt sich seit mehr als vierzig Jahren damit – und entdeckt immer noch neue Möglichkeiten, ihm Form zu geben. In ihren Arbeiten verdichten sich schmale Bahnen zu Spiralen, Wölbungen und verschlungenen Körpern. Jede einzelne Lage bleibt Teil der Oberfläche. Wer genauer hinsieht, erkennt, wie viel Bewegung in diesen scheinbar ruhenden Objekten steckt.

Die kommende Ausstellung „Striated“ bei 22MUSE in Antwerpen versammelt Arbeiten aus einer prägenden Phase dieser langjährigen Auseinandersetzung. Ihr Titel bezeichnet feine Streifen, Rillen oder parallele Linien: jene Strukturen, die sich durch Kos Skulpturen ziehen und zugleich an die Spuren natürlicher Prozesse erinnern.

Eine Papierrolle auseinandernehmen

Am Anfang steht häufig industrielles Rollenpapier, darunter die schmalen Papierbänder von Rechenmaschinen. Ko wickelt die eng gerollten Bahnen ab und rollt sie lockerer wieder auf. So gewinnt sie Spielraum, um das Material zu drehen, zu falten und zu verschieben. Je nach Arbeit kommen weitere Verfahren hinzu: Das Papier wird gestapelt, geschnitten, eingeweicht, vergraben oder dem Sonnenlicht ausgesetzt.

Dabei interessiert sie auch, was sich ihrer unmittelbaren Kontrolle entzieht. Wie reagiert eine bestimmte Papiersorte auf Feuchtigkeit? Was verändert sich beim Trocknen? Welche Spannung entsteht zwischen den einzelnen Lagen?

Für ihre mit Tinte getränkten Skulpturen kann der Trocknungsprozess Monate dauern. Die Form entsteht durch die Arbeit der Künstlerin ebenso wie durch das Verhalten des Materials. Zeit wird auf diese Weise zu einem Bestandteil der Skulptur.

Eine besondere Verbindung liegt in der Verwendung von Sumi-Tinte. Die auf Ruß basierende Kalligrafietinte bringt Ko mit Papier zusammen – zwei Materialien, deren Ursprung sich auf Holz zurückführen lässt. Aus diesem gemeinsamen Ausgangspunkt entstehen Formen, die wiederum an Bäume, Wurzeln oder Samen erinnern. Manche wirken wie ein Schriftzeichen, das Volumen angenommen hat.

Zwischen Baumring und Farbkörper

Die Natur liefert Ko ein weit verzweigtes Repertoire. Jahresringe und Gesteinsschichten, vom Wind gebogene Bäume, Wasserbewegungen und Gletscher finden Entsprechungen in ihrer Arbeit. Ihre Skulpturen lassen diese Assoziationen offen. Eine Spirale kann an Wachstum erinnern, eine Faltung an Druck, eine geschichtete Oberfläche an Ablagerungen über lange Zeit.

Zur organischen Form kommt die Farbe. Der Ausstellungskatalog zeigt Rotviolett, Magenta, Ultramarinblau sowie Grün und Rot auf schwarzem Grund. Bei „JK426 Green and Black“ scheint das Grün aus der dunklen Einfassung hervorzutreten. Die feinen Papierlagen geben der Farbe eine Richtung; der Blick folgt ihnen fast unwillkürlich.

Ko wurde 1961 in Korea geboren, studierte in Japan und später am Maryland Institute College of Art in Baltimore. Heute lebt und arbeitet sie in Maryland. In ihrer Bildsprache begegnen sich die kräftigen Farben traditioneller koreanischer Umgebungen und Eindrücke amerikanischer Landschaften. Mit jedem Wechsel des Umfelds erweitert sich auch das, was sie im Material entdeckt.

Jede Lage bleibt sichtbar

Auch Architektur und der Konstruktivismus des frühen 20. Jahrhunderts gehören zu Kos Bezugspunkten. Das zeigt sich in ihrem Interesse an Volumen, räumlichen Beziehungen und dem Zusammenspiel einzelner Elemente. In ihren großformatigen Installationen werden dicht gepackte Papierbündel nach oben hin lockerer. Falten und Zwischenräume öffnen sich; die Arbeiten können an Hügel, Wellen oder Eislandschaften erinnern.

Die Papierkante bleibt dabei eine Linie, selbst dort, wo sie Teil eines mächtigen Körpers geworden ist. Darin liegt ein besonderer Reiz dieser Kunst: Man kann die Skulptur als Ganzes betrachten und sich im nächsten Moment in einer winzigen Verschiebung zwischen zwei Lagen verlieren.

„Striated“ gibt dieser Aufmerksamkeit einen konkreten Anlass. Ein alltägliches Material zeigt sich mit einer Dichte, die man ihm kaum zugetraut hätte. Und plötzlich möchte man wissen, wohin die nächste Linie führt.

Jae Ko – Striated
22MUSE, Oudaan 22, Antwerpen
Vernissage: 22. Oktober 2026
Ausstellung: 23. Oktober bis 28. November 2026
Montag bis Samstag, 10:30–18:00 Uhr
Weitere Informationen zur Ausstellung

Mit Filmen, Stimmen und vielschichtigen Erzählungen verwandelt Amar Kanwar die Serpentine North in London in einen meditativen Denkraum. Im Zentrum der großen Einzelausstellung steht die neue Sieben-Kanal-Installation The Charcoal Man.

Dunkelheit ist in Amar Kanwars Werk niemals bloß die Abwesenheit von Licht. Sie ist ein Raum der Wahrnehmung, der Erinnerung und der Erkenntnis. Ein Zustand, in dem Gewissheiten verschwimmen und andere Bilder sichtbar werden. Für seine große Einzelausstellung bei Serpentine verwandelt der indische Künstler und Filmemacher die Galerien der Serpentine North in eine immersive visuelle und akustische Landschaft.

Vom 23. September 2026 bis 31. Januar 2027 treffen dort drei zentrale Arbeiten aufeinander: der abendfüllende Film Such a Morning von 2017, die Sieben-Kanal-Installation The Peacock’s Graveyard von 2023 und das neue Werk The Charcoal Man, das in London erstmals öffentlich gezeigt wird.

Ein Kino der Aufmerksamkeit

Seit mehr als zwei Jahrzehnten bewegt sich Amar Kanwar zwischen Dokumentarfilm, poetischem Essay und visueller Erzählung. Seine Arbeiten sind eng mit der Geschichte des indischen Subkontinents verbunden – mit Kolonialismus, der Teilung Indiens und Pakistans, Vertreibung, Gewalt und den Mechanismen politischer Macht.

Doch Kanwar erklärt die Welt nicht. Er verlangsamt sie. Statt eindeutiger Antworten entwickelt er offene Bildräume, in denen Fakten, persönliche Erinnerungen, Fabeln, Musik und Archivmaterial nebeneinander existieren. Das Politische erscheint bei ihm nicht als Botschaft, sondern als Erfahrung: leise, vielschichtig und oft beunruhigend nah.

Diese Haltung bestimmt auch die Ausstellung bei Serpentine. In den abgedunkelten Räumen werden die Besucherinnen und Besucher nicht nur zu Zuschauenden. Sie müssen sich auf einen anderen Rhythmus einlassen – auf Bilder, die Zeit verlangen, und auf Geschichten, deren Bedeutung sich erst allmählich entfaltet.

Vom Pfauengrab zum Kohlenmann

Den Auftakt bildet The Peacock’s Graveyard, ursprünglich für die Sharjah Biennale 15 geschaffen und nun erstmals in London zu sehen. Auf sieben Bildschirmen verbindet Kanwar eigene Texte mit zeitgenössischen und historischen Fabeln, mündlichen Überlieferungen und persönlichen Erfahrungen.

Die Installation kreist um die Flüchtigkeit menschlicher Existenz, um Gewalt und Arroganz, aber auch um Versöhnung, Widerstand und Transformation. Kanwar versteht das Werk weniger als Klage denn als Sammlung von Geschichten, die man bei sich tragen kann – als fragiles Gegengewicht zu einer Wirklichkeit, die immer wieder von Zerstörung geprägt wird.

Mit The Charcoal Man führt er diese Gedanken weiter. Die neue Sieben-Kanal-Arbeit entstand über drei Jahre hinweg und wurde vom Kiran Nadar Museum of Art in Delhi in Auftrag gegeben. Ausgangspunkt ist Kanwars fortdauernde Auseinandersetzung mit der Teilung des indischen Subkontinents im Jahr 1947.

Bilder und Texte verweben sich zu einer Erzählung über Verrat, Rache, Leidenschaft, Eifersucht und Wut. Dabei sucht der Künstler nicht nach einer linearen historischen Darstellung. Vielmehr versucht er, aus dem Zerfall neue Zusammenhänge und aus Geschichten weitere Geschichten entstehen zu lassen. Realität, Fantasie und Fiktion werden zu gleichberechtigten Formen des Erinnerns.

49 Arten der Dunkelheit

In einem der charakteristischen, von Backstein überwölbten Powder Rooms der Serpentine North wird Such a Morning gezeigt. Der 85-minütige Film erzählt von einem angesehenen Mathematikprofessor, der sich unvermittelt aus dem öffentlichen Leben zurückzieht und in einem verlassenen Eisenbahnwaggon in einem Wald Zuflucht sucht.

Er verdunkelt die Fenster und beginnt, sich buchstäblich und geistig an die Dunkelheit heranzutasten. Aus Visionen, Halluzinationen und Erkenntnissen entstehen Briefe über 49 verschiedene Formen der Dunkelheit, zusammengefasst in einem imaginären Almanac of the Dark. Parallel dazu entwickelt sich die Geschichte einer Frau, ohne dass beide Erzählungen zu einer eindeutigen Interpretation zusammenfinden.

Die Briefe setzen sich außerhalb des Films fort. Projektionen, Videos und Texte auf handgefertigtem Ramie- und Baumwollpapier führen das Werk in den angrenzenden Galerien weiter und geben Kanwars immateriellen Bildern eine beinahe körperliche Form.

Sehen als ethische Handlung

Serpentine und Amar Kanwar verbindet eine lange Geschichte. Bereits 2008 war der Künstler Teil der Gruppenausstellung Indian Highway. Es folgten Beiträge zum Map Marathon sowie zum Filmprogramm On Earth, Structure and Sadness. Die aktuelle Ausstellung führt diesen Dialog nun in konzentrierter Form weiter.

Was Kanwars Arbeiten so gegenwärtig macht, ist ihre Weigerung, sich der Geschwindigkeit unserer Zeit anzupassen. Sie fordern Aufmerksamkeit, ohne sie zu erzwingen. Sie sprechen von Gewalt, ohne diese zum Spektakel zu machen. Und sie zeigen, dass Erinnern keine passive Rückschau ist, sondern eine ethische Handlung.

In einer Gegenwart voller Bilder schafft Amar Kanwar Räume, in denen das Sehen wieder Bedeutung bekommt. Vielleicht beginnt genau dort die Möglichkeit zur Veränderung: im Innehalten, im Zweifel – und in der Bereitschaft, auch in der Dunkelheit weiterzuschauen.

Amar Kanwar
Serpentine North, London
23. September 2026 bis 31. Januar 2027
Eintritt frei