Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

Im neuen Hôtel LULU trifft die intellektuelle Eleganz der Rive Gauche auf Sichtbeton, Vintage-Design und mediterrane Farben. Vanessa Scoffier hat damit kein weiteres hübsches Boutiquehotel geschaffen, sondern eine eigenwillige Pariser Persönlichkeit.

Paris braucht eigentlich kein neues Hotel. Was die Stadt braucht, sind neue Orte mit Haltung. Häuser, die nicht versuchen, jedem zu gefallen, sondern eine eigene Vorstellung davon entwickeln, wie man heute wohnen, ankommen und miteinander Zeit verbringen möchte. Das gerade eröffnete Hôtel LULU am Boulevard du Montparnasse ist genau so ein Ort.

Nur wenige Schritte vom Jardin du Luxembourg entfernt treffen rohe Materialien auf weiche Texturen, Designklassiker auf Fundstücke und Pariser Ernsthaftigkeit auf eine gehörige Portion Humor. LULU ist modernistisch, ohne museal zu wirken. Intellektuell, aber nicht unnahbar. Und gerade eigenwillig genug, um neugierig zu machen.

Eine neue Figur am linken Seineufer

Der Name klingt vertraut, fast wie der Kosename einer Person, die man schon lange kennt. Tatsächlich ist LULU eine liebevolle Verkürzung des nahe gelegenen Jardin du Luxembourg. Ein Name, der zugleich an das freie, kreative und manchmal exzentrische Paris der Rive Gauche erinnert.

Hier, zwischen Montparnasse, Quartier Latin und Saint-Germain-des-Prés, eröffnet Vanessa Scoffier ihr zweites Hotelprojekt. Die frühere Modejournalistin, Stylistin, Dekorateurin und Hotelierin wurde mit dem Hôtel Henriette bekannt – einem charmanten, bohemienhaften Haus nahe der Rue Mouffetard. Für LULU wählt sie eine deutlich radikalere Sprache. Statt dekorativer Nostalgie bestimmen Sichtbeton, gebürsteter Edelstahl, Holz, recyceltes Glas und klare Linien das Bild.

Das Ergebnis ist kein kalkuliertes Designkonzept, das sich in drei Stichworten erklären lässt. Es ist eine Collage aus persönlichen Erinnerungen, Architektur, Mode, Kunst und gefundenen Dingen. Genau darin liegt seine Spannung.

Große Namen, persönliche Fundstücke

LULU verfügt über lediglich 27 Zimmer. Klein genug, um nicht in Routinen zu erstarren, und groß genug, um mehr als ein privates Gästehaus zu sein. In den öffentlichen Bereichen begegnen sich Entwürfe von Verner Panton, Tommaso Barbi, Florian Schulz, Curtis Jeré sowie Noomi Backhausen und Paul Brandborg für Søholm. Ein Corbi-Sofa von Klaus Uredat aus den 1970er-Jahren steht neben patinierten Spiegeln, Terrakottavasen, alten Büchern und Türen, die einst zu einem Schloss gehörten.

Dazwischen taucht eine für Vogue entstandene Fotografie von Manolo Campion auf. In den Korridoren durchbricht ein Leopardenmuster die kontrollierte Strenge des Hauses. Es sind genau solche Momente, die LULU davor bewahren, zu einem allzu korrekten Designhotel zu werden.

Hier wird Gestaltung nicht als Übung in Perfektion verstanden. Die Dinge dürfen unterschiedliche Geschichten erzählen. Nicht alles muss aus derselben Epoche stammen, nicht alles muss zusammenpassen. Es genügt, dass die einzelnen Elemente miteinander ins Gespräch kommen.

Auch die Geschichte des Gebäudes bleibt sichtbar. Während der Arbeiten wurde auf dem Dachboden eine alte Leuchtschrift des früheren Hôtel de Nice entdeckt. Sie blieb erhalten – wie eine kleine Erinnerung daran, dass ein Hotel nie ganz neu beginnt.

Vom Beton ans Mittelmeer

In den Zimmern wird der Ton leiser. Dicke Teppiche, naturfarbene Wände, Leinenvorhänge und zurückhaltende Materialien schaffen eine Atmosphäre, die eher an eine sehr gut eingerichtete Pariser Wohnung als an ein klassisches Hotelzimmer erinnert. Licht fällt durch die Fenster und öffnet den Blick über die Dächer der Stadt.

Dann kommt die Überraschung: Die Badezimmer leuchten in Rosa, Grün oder Blau. Vom Boden bis zur Decke verlegte Mosaike erinnern an Swimmingpools und an den Süden Frankreichs. Sie bringen Sonne, Farbe und eine beinahe filmische Stimmung in die reduzierte Welt des Hotels.

Der Kontrast ist präzise gesetzt. Beton und Edelstahl stehen für das Urbane, die farbigen Mosaike für eine imaginäre Reise ans Mittelmeer. Dazwischen entfaltet sich jene Form von Eleganz, die nicht durch Kostbarkeit entsteht, sondern durch eine sehr persönliche Auswahl.

Ein Hotel, das seinen Rhythmus verändert

Besonders interessant wird LULU dort, wo es aufhört, ausschließlich Hotel zu sein. Im Erdgeschoss öffnet sich das Haus zum Quartier. Morgens wird gefrühstückt, tagsüber verwandelt sich der Raum in einen Coffee-Shop, abends übernimmt das Piano.

Unter dem Glasdach des Wintergartens treffen Reisende auf Nachbarn, Kreative auf Flaneure und Hotelgäste auf Menschen, die nur auf einen Kaffee hereingekommen sind. Eine Feuerstelle, Bücher, offene Räume und das Klavier schaffen keine klassische Lobby, sondern eine kleine Bühne für das Pariser Alltagsleben.

Damit folgt LULU einer Entwicklung, die für die zeitgenössische Hotellerie entscheidend geworden ist: Ein relevantes Hotel definiert sich nicht mehr allein über seine Zimmer. Es muss Beziehung zu seinem Umfeld aufnehmen. Es muss Teil eines Viertels werden, statt lediglich darin zu stehen.

Bei LULU wirkt dieser Gedanke nicht wie eine nachträglich entwickelte Strategie. Er scheint vielmehr der Ausgangspunkt des gesamten Hauses gewesen zu sein.

Die Schönheit des Unfertigen

LULU besitzt jene seltene Qualität, zugleich gestaltet und intuitiv zu wirken. Nichts erscheint zufällig, doch auch nichts wurde so lange poliert, bis jede Spur von Persönlichkeit verschwunden ist. Das Hotel lässt Widersprüche zu: rohe und sanfte Materialien, modernistische Klarheit und Leopardenmuster, Pariser Intellekt und mediterrane Lebensfreude.

Vielleicht ist genau das zeitgemäßer Luxus: kein Überfluss und keine zur Schau gestellte Perfektion, sondern die Freiheit, einen Ort konsequent nach den eigenen Vorstellungen zu formen.

Paris hat also doch ein neues Hotel gebraucht. Nicht irgendeines, sondern eines wie LULU.

Hôtel LULU
155 Boulevard du Montparnasse
75006 Paris, Frankreich
27 Zimmer · Coffee-Shop · Wintergarten · Piano-Bar
hotelluluparis.com

Der bekannte Hafermilch-Produzent Oatly hat einen neuen Firmensitz. Gjuteriet, die ehemalige Gießerei in Malmös Hafen, wurde dafür nachhaltig transformiert. Mit ganz viel Holz und wiederverwendeten Baustoffen aus den umliegenden Werfthallen.

Mit seinen zum Teil sehr provokativen Werbeslogans hat sich das schwedische Unternehmen Oatly bereits mehrfach mit der Milchindustrie angelegt. Nahezu geräuschlos, in weißen Elektro-Schwerlastern mit der Aufschrift „Here comes the Post Milk Generation“, erreicht der beliebte Kaffeebegleiter mittlerweile auch die entlegensten Barista-Cafés und Supermarktregale. Authentizität und Nachhaltigkeit sind der Kern seines Marketings. Mit seiner forschen und unkonventionellen Art, diese Message an die Konsumentenschaft zu bringen, ist die Marke zu einem Lifestyle-Symbol für umweltbewusste Werte geworden. Dasselbe kann man auch von Oatlys neuem Firmensitz behaupten, der in der südschwedischen Stadt Malmö liegt. Gjuteriet, die verfallene Gießerei auf dem Areal der ehemaligen Kockums-Werft, hat man nach zirkulären Prinzipien renoviert und mit jeder Menge Holz ausgebaut.

Kreislauffähiges Bauen vom Feinsten

Der Entwickler Varvsstaden, der das gleichnamige Industriegebiet in ein neues Wohn- und Arbeitsviertel verwandelt, hat mit dem Revitalisierungsprojekt städtebauliche Pionierarbeit geleistet. Während ein großer Teil des Bestands erhalten und saniert wird, legte man mit den Materialien aus den rückgebauten Strukturen ein Lager mit wiederverwertbaren Rohstoffen und Bauteilen an. Gespeichert in einer Urban-Mining-Datenbank und direkt auf dem Werftareal zwischengelagert, setzte man die geschürften Materialien anschließend für den Bau von neuen Strukturen am Gelände ein. Das ist kreislauffähiges Bauen vom Feinsten.

Wir konnten Ziegel wiederverwenden, die seit fast 100 Jahren am Grundstück sind. Sie liefern eine Geschichte und eine Verbindung zum Kontext.

Johan Pitura, Leiter der Malmöer Zweigstelle von Kjellander Sjöber

Auch die Architekten des Büros Kjellander Sjöberg, die den Umbau der Gießerei planten, haben sich aus diesem Materialschatz bedient. Der Bestandsbau war zu Projektbeginn in einem sehr schlechten Zustand: Das Dach war eingestürzt und die Längsfassaden stark beschädigt. Gemäß dem Auftrag sollte die Renovierung möglichst behutsam erfolgen und den industriellen Charakter der Gießerei aus dem Jahr 1910 bewahren. 

Dem geschichtlichen Erbe des Ortes wollte man ebenso gerecht werden wie dem Anspruch, so ressourcenschonend wie möglich zu bauen. So flickte man die einstige Ruine mit Baumaterialien, die sowohl einen zeitlichen als auch einen örtlichen Bezug zum Objekt hatten. 

„Wir konnten Ziegel wiederverwenden, die seit fast 100 Jahren am Grundstück sind. Sie liefern eine Geschichte und eine Verbindung zum Kontext“, erzählt Johan Pitura, Leiter des Malmöer Büros von Kjellander Sjöberg. Die Materialbibliothek von Varvsstaden steuerte außerdem Bodenplatten, Treppen und Fassadenpaneele für den Umbau bei.

Nachverdichtet in Holzbauweise

Einen weiteren Hebel für die Schonung von Ressourcen lieferte der Holzbau, der mit massiven Fachwerkträgern an die bestehende Stahlstruktur andockt. Eine neue Holzkonstruktion für das Dach überspannt nun die Halle, und auch beim Innenausbau kam zum Großteil der Naturbaustoff zum Einsatz.

Das Büro besteht aus Räumen, die in diesem größeren Raum schweben.

Johan Pitura, Leiter der Malmöer Zweigstelle von Kjellander Sjöber

„Oatly wollte seinen Firmensitz unter einem Dach haben, und das ist es im wahrsten Sinn des Wortes geworden“, sagt Pitura. „Wir haben den Raum als das bewahrt, was er einst war: eine große Industriehalle.“

Hohe Lufträume, die bis zu den Oberlichtbändern im Dach reichen, schaffen eindrucksvolle Raumerlebnisse, die zu keinem Zeitpunkt vergessen lassen, dass man sich im Inneren eines Industriedenkmals befindet.

Räume in der Schwebe

Anstatt das Volumen in einzelne Geschossebenen zu zerteilen, schlichteten die Architekten Raumeinheiten in die Halle, wie in ein luftiges Regalsystem. Die Raumgefüge sind durch Brücken und Treppen miteinander verbunden, die spannende Blickbezüge herstellen. „Das Büro besteht aus Räumen, die in diesem größeren Raum schweben“, beschreibt es der zuständige Architekt. „Die Nutzer können sich hier ihre eigenen Orte, Routen und Kommunikationswege suchen.“

Die transformierte Gießereianlage Gjuteriet bietet heute auf 4.900 Quadratmetern Platz für rund 300 Arbeitsplätze. Auch wenn es sich um einen privaten Firmensitz handelt, wollte man das geschichtsträchtige Gebäude auch für die Allgemeinheit öffnen. Dazu gibt es im Erdgeschoss ein Restaurant, und im Foyer von Oatly erwartet die Besucherinnen und Besucher ein Café mit Barista-Theke. 

Mit dem CO2-Fußabdruck, der auf jeder Oatly-Packung zu lesen ist, geht das Unternehmen in der Lebensmittelindustrie mit gutem Beispiel voran. Die elektrisch betriebene Schwerlaster-Flotte und das zirkuläre Bauprojekt für das neue Headquarter sind der nächste Schritt auf seiner Agenda, ohne verpflichtende Vorgabe Verantwortung für Mensch und Umwelt zu übernehmen. 

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Rasmus Hjortshøj – COAST

All-Inclusive war lange das Versprechen, sich um nichts kümmern zu müssen. Das neue Mondrian Cancún geht einen Schritt weiter: Es möchte ein Ort sein, an dem man etwas erleben will. Zwischen Karibischem Meer und Nichupté-Lagune verbindet das erste All-Inclusive-Resort der Marke Mondrian zeitgenössisches Design mit mexikanischer Lebensart, Rooftop-Pools, Beach Club und einer Gastronomie, die weit über das klassische Resort-Buffet hinausdenkt.

Cancún kennt man. Oder glaubt zumindest, es zu kennen: weißer Sand, türkisfarbenes Wasser, Palmen und jene großen Resorts, die seit Jahrzehnten das Bild der mexikanischen Karibikküste prägen. Doch genau dieses Bild beginnt sich zu verändern.

Mit dem im August 2026 eröffneten Mondrian Cancún, All Inclusive bringt Mondrian seine eigene Vorstellung von Lifestyle-Hotellerie an die Küste Yucatáns. Auf Grand Island, nur rund 15 Minuten vom internationalen Flughafen entfernt, entstand ein Resort, das die Bequemlichkeit von All-Inclusive mit jener urbanen Energie verbinden möchte, für die Mondrian bekannt ist.

400 Zimmer und Suiten, mehr als zehn Restaurants, sechs Bars, drei Poollandschaften, ein Beach Club und ein umfangreiches Fitness- und Wellnessprogramm machen daraus beinahe eine kleine Welt für sich. Und doch soll Cancún dabei nicht draußen bleiben.

Zwischen Meer und Lagune

Schon die Lage erzählt viel über das Konzept. Auf der einen Seite liegt das Karibische Meer, auf der anderen die ruhigere Nichupté-Lagune. Dazwischen erhebt sich der schlanke Hotelturm – offen, lichtdurchflutet und mit weiten Blickachsen.

Die Architektur setzt weniger auf karibische Folklore als auf eine zeitgenössische Interpretation des Ortes. Klare Linien treffen auf zurückhaltende Farben, haptische Materialien und großzügige Glasflächen. Die eigentliche Hauptrolle spielt ohnehin die Landschaft.

Auch in den Zimmern und Suiten bleibt das Interior bewusst ruhig. Neutrale Töne und raffinierte Oberflächen bilden den Hintergrund für Meer, Himmel und Lagune. Private Balkone und Terrassen verlängern die Räume nach draußen – und machen deutlich, dass man hier trotz aller Angebote vor allem wegen eines gekommen ist: der mexikanischen Karibik.

Eine neue Generation All-Inclusive

Interessant wird das Mondrian Cancún dort, wo es versucht, mit einigen alten Vorstellungen vom All-Inclusive-Urlaub zu brechen.

Statt eines durchgetakteten Resortprogramms steht Freiheit im Mittelpunkt. Ein langsamer Morgen kann genauso dazugehören wie ein Workout, ein Nachmittag am Pool, eine DJ-Session oder ein langer Abend auf dem Rooftop. Übernachtung, Speisen und Getränke, Entertainment, Fitnessangebote sowie zahlreiche Freizeitaktivitäten sind im Aufenthalt inkludiert.

Drei Pools inszenieren die unterschiedlichen Perspektiven des Resorts. Zwei blicken auf die Nichupté-Lagune, während sich auf dem Dach ein Adults-only-Pool mit Panorama über Cancún befindet.

Dazu kommen ein rund um die Uhr geöffnetes Fitnessstudio, tägliche Movement- und Mindfulness-Sessions sowie – im weiteren Verlauf des Jahres – ein Spa mit umfassendem Behandlungsangebot und zusätzliche Fitnessbereiche.

Und der Strand? Der liegt wenige Minuten entfernt. Alle 30 Minuten verbindet ein Shuttle das Resort mit dem Bungalow Beach Club, wo weißer Sand, karibisches Wasser, Sushi, Sharing Plates und tropische Cocktails warten.

Vom Frühstück bis weit nach Sonnenuntergang

Vielleicht zeigt sich der neue All-Inclusive-Gedanke am deutlichsten beim Essen. Statt Gastronomie als notwendige Versorgung zu verstehen, macht Mondrian sie zum Teil des Erlebnisses.

Mehr als zehn Restaurants und sechs Bars begleiten den Tag vom ersten Kaffee bis zum Late-Night-Snack.

Im Cuyo richtet sich der Blick auf die Küste Yucatáns: Seafood, Gerichte aus dem Holzfeuer, Agaven-Cocktails und mexikanische Weine interpretieren die Region auf zeitgemäße Weise. Niko verlegt moderne japanische Küche, Sushi und Drinks hoch über das Resort.

Noch eine Etage exklusiver wird es bei Allegra Rooftop & Bar. Das Konzept ist Mondrian+-Gästen vorbehalten und verbindet Infinity-Pool, Dinner, Cocktails und Entertainment mit jenem fließenden Übergang von Tag zu Nacht, der gut zur DNA der Marke passt.

Denn im Mondrian Cancún soll Gastronomie nicht nur satt machen. Restaurants und Bars werden zu sozialen Räumen – zum Treffpunkt, zur Bühne und manchmal zur Party.

Mondrian+ und die Kunst des Rückzugs

Wer innerhalb des Resorts noch etwas mehr Privatsphäre sucht, findet sie bei Mondrian+, dem erweiterten Adults-only-Konzept.

Dazu gehören großzügigere Zimmer und Suiten, ein persönlicher Kurator, exklusiver Check-in und Check-out sowie Zugang zu THE EXCHANGE+, einer privaten Rooftop-Lounge mit Panorama-Pool. Auch Niko und Allegra gehören zum exklusiven Angebot; hinzu kommen bevorzugte Plätze im Bungalow Beach Club und ein erweitertes Getränkepaket.

So entsteht innerhalb des großen Resorts eine intimere Ebene – für Gäste, die selbst entscheiden möchten, wann sie Teil des Geschehens sein wollen und wann nicht.

Raus aus dem Resort

So verführerisch es sein mag, zwischen Pool, Rooftop und Restaurant zu bleiben: Die Halbinsel Yucatán beginnt direkt vor der Tür.

Zusätzlich buchbare Erlebnisse führen zu Lagunen, Cenoten und archäologischen Stätten der Maya. Golfer können den benachbarten, von Isao Aoki entworfenen Golfplatz besuchen, während private Cabanas, individuelle Dinner und maßgeschneiderte Feiern das Resorterlebnis ergänzen.

Gerade diese Verbindung ist entscheidend. Das neue Mondrian will kein hermetisch abgeschlossener Mikrokosmos sein, sondern Ausgangspunkt für Entdeckungen – auch wenn es seinen Gästen ausgesprochen viele Gründe liefert, einfach dazubleiben.

Mehr als ein Hotel

Mit dem Resort beginnt für Mondrian in Mexiko gleichzeitig ein weiteres Kapitel. Direkt an der Nichupté-Lagune befinden sich die ersten Mondrian Residences des Landes: 328 Wohnungen mit einem, zwei oder drei Schlafzimmern.

Sie übertragen die Ästhetik und Services der Lifestyle-Marke auf das private Wohnen und folgen damit einer Entwicklung, die internationale Hotelmarken zunehmend prägt: Die Grenzen zwischen Hotel, Residence, Club und Lebensraum werden fließender.

Auch das Resort selbst ist noch nicht ganz fertig erzählt. Im Laufe des Jahres sollen das neue Spa, erweiterte Fitnesseinrichtungen, ein Teens Club, Meeting Spaces sowie zusätzliche gastronomische Konzepte folgen – darunter ein italienisches Restaurant und eine kubanisch inspirierte Sunset-Bar.

Vielleicht liegt genau darin die interessanteste Idee des Mondrian Cancún: All-Inclusive nicht als möglichst vorhersehbaren Urlaub zu verstehen, sondern als Freiheit, jeden Tag anders aussehen zu lassen.

Mondrian Cancún, All Inclusive
Cancún, Mexiko
Preise laut Hotel ab ca. 393 Euro pro Nacht.

Einer der spektakulärsten Infrastruktur-Bauten Italiens der letzten Jahre ist fertiggestellt. Mit dem neuen Verkehrs-Hub Centro Direzionale di Napoli setzt die Verwaltung der süditalienischen Metropole ganz auf Holz.

Was lange währt, wird endlich gut. Lange mussten die Neapolitaner auf die Eröffnung des Bahnhofs warten. Nun ist endlich die Beleuchtung montiert und erhellt den Vorplatz, der rund einen Kilometer Luftlinie von der berühmten Kathedrale der süditalienischen Metropole entfernten liegt.

Auch die letzte Hürde wurde vor kurzem genommen: Die statische Überprüfung konnte erfolgreich abgeschlossen werden. Damit geht nicht nur eines der größten Infrastruktur-Projekte Italiens in Betrieb, sonder auch ein Vorzeige-Holzbau von internationaler Strahlkraft. Mit dem 43 Millionen Euro teuren Bauvorhaben hat das in Barcelona ansässige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT der Hauptstadt der Region Kampanien ein neues Wahrzeichen verpasst.

Doch zur Freude, dass die U-Bahn-Linie 1 alle fünf bis sechs Minuten in der Centro Direzionale ein- und ausfahren und die Menschen zu und von diesem wichtigen Verkehrsknotenpunkt Neapels bringen wird, gesellt sich auch Ärger. Denn: Nach der Fertigstellung ist vor der nächsten Baustelle.

Auf zur nächsten Baustelle

Weitere oberirdische Arbeiten, die die Station Centro Direzionale-Tribunale und einen Fußgängerweg betreffen, der den Justizpalast mit der Staatsanwaltschaft verbinden soll, brachten eine Änderung der Verkehrsrichtung.

Anfang November 2024 ging frühmorgens deshalb erst mal gar nichts: Das Chaos auf den Straßen mitsamt fluchender und wild gestikulierender Verkehrsteilnehmer machte dem Klischee süditalienischen Treibens alle Ehre. Die Einwohner Neapels befürchten, dass es noch gut ein Jahr dauern wird, bis der Verkehr wieder seinen gewohnten Lauf nehmen wird.

Das Centro Direzionale, Namensgeber der neuen Station, ist das Top-Geschäftsviertel in Neapel. Die Planungen des Stadtquartiers gehen auf das Jahr 1964 zurück, als die Stadtverwaltung ein brach liegendes Industrieareal im Ausmaß von etwa 110 Hektar festmachte, mit dem man das eigentliche Stadtzentrum entlasten könne.

Dieses Viertel Neapels war von Anfang an hauptsächlich für Büronutzung gedacht. Und die Realisierung nach den Plänen des japanischen Architekten Kenzō Tange orientierte sich an den Ideen von Le Corbusier. Dieser sah Straßenzüge und Verkehr als Organismen, die es zweckmäßig zu organisieren gilt, sodass die oberirdischen Fußgängerbereiche strukturell klar getrennt sind.

Direkte Anbindung an Neapels Ringstraße

Nun wird die neue Station zum Dreh- und Angelpunkt der neapolitanischen urbanen Mobilität – nicht zuletzt durch die Anbindung an die Ringstraße und das Verkehrssystem hinter dem Hauptbahnhof, zu dem es eine direkte Verbindung geben wird.

Das neue Beleuchtungssystem, die Grünanlagen und die Tiefgaragen mit mehr als 2.000 Stellplätze werten das Gelände auf.

Neapels Triple A

Für die Architektur zeichnet Benedetta Miralles Tagliabue verantwortlich. Ihre Überarbeitung des ursprünglichen Baukörpers, bei der ein Teil der Dachplatte und einige Elemente des Zwischengeschosses abgetragen wurden, ließ einen freundlichen, lichtdurchfluteten Bahnhof mit großzügigen Lufträumen entstehen.

Bereits im Jahr 2004 hatte die Stadt Neapel Entwürfe mehrerer international renommierter Architekten wie Sir Norman Foster, Massimiliano Fuksas, Alvaro Siza, Domenique Perault, Karim Rashid und auch Benedetta Tagliabue eingeholt. Das Leitmotiv: „Kunst, Architektur und Archäologie“, auch als „Triple A“ abgekürzt (Art, Architecture, Archeology).

Benedetta Tagliabue entsprach diesem Grundgedanken, indem sie neue Beziehungen herstellte: Der unterirdische Hauptbahnhof verbindet die vulkanische Geologie der Stadt mit dem in den 1970er-Jahren von Kenzō Tange entworfenen Masterplan des Ortes, mit den spiegelnden Wolkenkratzern und Tanges Piazza, die sich gar zu sehr vom Rest Neapels unterschied.

Die Gegend war immer wieder Schauplatz archäologischer Funde, was so manches Bauvorhaben nicht nur zeitlich ausbremste. Als Anspielung an die kulturhistorisch reiche Geschichte Neapels befindet sich ein Kunstwerk an der Decke der Station. Es stellt eine Szene aus einem archäologischen Fund aus dem nahe gelegenen Pompeji dar.

Holz als organischer Kontrast

Der neue Bahnhof wurde über den bestehenden U-Bahn-Trassen errichtet. Er ersetzt das frühere Gebäude, das kaum mehr als eine Überdachung für die Treppe war. Das Material Holz wurde bewusst gewählt, um einen organischen Kontrast zu den Teilen des Viertels aus den 1970er-Jahren zu schaffen.

Der Bau verleiht dem Ort eine Identität mit hohem Wiedererkennungswert, die im Kontrast zu seiner Umgebung und seinem historischen Kontext steht. Er verwandelt ihn in eine komplexe Topografie mit vielen verschiedenen Ebenen für Fußgänger und mit einer ausgefeilten tektonischen Dachstruktur – sinnbildlich für die Bewegungen und Dynamik der Bevölkerung.

„Holz ist ein sehr leichtes Material, das sich perfekt in die vorhandenen Strukturen einfügt. Wir haben es wegen seiner Vielseitigkeit, Nachhaltigkeit und der Wärme, die es in städtische Räume bringt, ausgewählt“, erklärt Benedetta Tagliabue. Die Architekten haben die ursprünglichen Betonstrukturen und -säulen genutzt und sie mit neuen Holzstützen ergänzt. Die Stahlteile des Betons dienten ihnen als Basis.

Gewölbeartige Überdachung

Die charakteristische Form des 10.000 Quadratmeter großen Bahnhofs ist aus Brettschichtholz gefertigt. Die Breite der darunter liegenden Gleise spiegelt sich in der Breite der wellenförmigen Gewölbe wider. Die Decken seien auch eine Anspielung auf klassische Bahnhöfe, die oft gewölbt sind. Die Form des Bahnhofs sollte das Gefühl eines „Waldspaziergangs“ vermitteln.

„In gewisser Weise haben wir versucht, eine Art neue organische, fließende Piazza zu schaffen, als ob wir durch einen Wald gehen würden, obwohl wir uns eigentlich in einem künstlichen Geschäftszentrum befinden“, führt Benedetta Tagliabue aus.

Die 1963 in Mailand geborene Architektin Benedetta Tagliabue ist seit 1990 in Barcelona ansässig. Sie gründete 1993 mit dem katalanischen Architekten Enric Miralles das international tätige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT in Barcelona. Seit dem Tod ihres Mannes im Jahr 2000 führt sie das Unternehmen alleine. Heute hat EMBT auch Niederlassungen in Shanghai und Paris.

Tagliabue hat zahlreiche Preise für ihre Projekte erhalten. Seit 2014 ist sie Mitglied der Jury für den Pritzker-Preis, die renommierte Auszeichnung für Architektur, die seit 1979 von der Hyatt-Stiftung vergeben wird.

Text: Linda Benkö
Fotos: Roland Halbe

Zwischen unvollendeten Gebäuden und gelebter Realität erzählt der Kurzfilm Liminal von NOWNESS eine Geschichte über Räume, die weder Vergangenheit noch Zukunft sind. In Accra wird Architektur dabei nicht zur Kulisse, sondern zum Gegenüber einer Performerin, deren Körper die Spannungen einer Stadt sichtbar macht.

Zwischen Aufbruch und Stillstand

Accra gilt als eine der dynamischsten Metropolen Westafrikas. Die ghanaische Hauptstadt wächst rasant, verändert sich beinahe täglich und steht zugleich vor Herausforderungen, die viele schnell wachsende Städte teilen. Unvollendete Bauprojekte, vernachlässigte Infrastruktur und Orte, die scheinbar auf ihre Zukunft warten, gehören ebenso zum Stadtbild wie neue Visionen.

Genau in diesem Spannungsfeld setzt der Kurzfilm Liminal an. Regisseurin und bildende Künstlerin Naafia Naahemaa verlegt die Handlung in einen nie fertiggestellten brutalistischen Bau. Sichtbeton, offene Treppenhäuser und freistehende Pfeiler bilden eine Architektur, die weder verlassen noch belebt wirkt – ein Ort im Schwebezustand.

Der Körper als Spiegel der Stadt

Im Zentrum steht die Performance-Künstlerin Nana Yaa Poku Asare-Boadu. Ihre Bewegungen folgen keiner klassischen Choreografie. Stattdessen entstehen sie unmittelbar aus der Begegnung mit dem Gebäude selbst. Jeder Schritt, jede Pause und jede Geste scheint auf den Raum zu reagieren und macht sichtbar, wie eng Architektur und menschliche Erfahrung miteinander verbunden sind.

Begleitet von der atmosphärischen Komposition von Malick Koly entwickelt sich ein Dialog zwischen Körper und Bauwerk. Die Architektur wirkt dabei nicht statisch, sondern beinahe lebendig – als würde sie auf jede Bewegung antworten.

Der Film verzichtet bewusst auf eindeutige Botschaften. Stattdessen eröffnet er einen emotionalen Erfahrungsraum, in dem Fragen nach Entwicklung, Veränderung und gesellschaftlicher Verantwortung körperlich erfahrbar werden.

Räume, die Geschichten speichern

Liminal entstand nicht isoliert von seinem Umfeld. Gespräche mit Bewohnerinnen einer in den 1960er-Jahren errichteten Wohnsiedlung im Stadtteil Kaneshie flossen in das Projekt ein. Ihre Erfahrungen mit Verdrängung, ungeklärten Besitzverhältnissen und schleichendem Verlust öffentlicher Infrastruktur bilden den unsichtbaren Hintergrund der Performance.

Gerade dadurch gewinnt der Film an Tiefe. Die Architektur erzählt nicht nur von Beton und Konstruktion, sondern von Erinnerungen, Hoffnungen und den Spuren gesellschaftlicher Entwicklungen.

Wie viele der außergewöhnlichen Kurzfilme auf NOWNESS bewegt sich Liminal zwischen Kunstfilm, Architekturbetrachtung und Performance. Das Ergebnis ist kein klassischer Dokumentarfilm, sondern eine poetische Reflexion darüber, wie Menschen Räume prägen – und wie Räume wiederum ihre Bewohner formen.

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

Hoch über Chora verbindet das Belvedere Hotel seit Generationen die Eleganz eines historischen Anwesens mit zeitgenössischem Design, außergewöhnlicher Gastfreundschaft und einer tiefen Verwurzelung in der Kultur Mykonos‘.

Es gibt Orte, die weit mehr sind als luxuriöse Rückzugsorte. Orte, deren Atmosphäre über Jahrzehnte gewachsen ist und die das Lebensgefühl einer Destination entscheidend mitgeprägt haben. Das Belvedere Hotel Mykonos gehört zweifellos dazu.

Seit 1969 empfängt das familiengeführte Haus Gäste aus aller Welt, doch seine Geschichte reicht wesentlich weiter zurück. Im Zentrum der Anlage steht die historische Mansion Stoupa, deren Ursprünge bis in die Mitte des 19. Jahrhunderts reichen. Rund um dieses Anwesen entwickelte sich im Laufe der Jahrzehnte eines der ikonischsten Boutiquehotels der Kykladen – hoch über den weißen Gassen von Chora mit weitem Blick über die Ägäis.

Zwischen Tradition und zeitgenössischer Eleganz

Die Architektur bleibt den traditionellen Formen der Kykladen treu. Weiß gekalkte Fassaden, schlichte Linien und mediterrane Gärten mit üppiger Bougainvillea schaffen eine Atmosphäre, die zugleich authentisch und zeitlos wirkt.

Behutsame architektonische Weiterentwicklungen sorgen dafür, dass das Hotel seine Geschichte weitererzählt, ohne seinen ursprünglichen Charakter zu verlieren. Ein neuer Zugang verbindet das Anwesen heute noch direkter mit der Altstadt von Mykonos und unterstreicht die besondere Lage zwischen privater Ruhe und urbanem Inselleben.

Ein Ort kreativer Begegnungen

Schon früh entwickelte sich das Belvedere zu einem Treffpunkt für Künstler, Kreative und internationale Persönlichkeiten. Namen wie Julie Andrews, Stephen Rubell oder Prinzessin Soraya von Iran gehören zur bewegten Geschichte des Hauses.

Diese Offenheit für Begegnungen prägt das Hotel bis heute. Die verschiedenen Bereiche der Anlage wurden so gestaltet, dass sie Gemeinschaft ebenso fördern wie Rückzug ermöglichen – eine Balance, die den besonderen Charakter des Belvedere ausmacht.

Passend dazu trägt die neue visuelle Identität des Hotels ein Seepferdchen als zentrales Symbol. Es steht für Freundschaft, Loyalität, Gelassenheit und eine spielerische Leichtigkeit – Werte, die die Philosophie des Hauses widerspiegeln.

Kulinarik, Wellness und Rückzugsorte mit Aussicht

Zum Herzstück des Hotels zählt das legendäre Matsuhisa Mykonos, das seit Jahren internationale Gäste anzieht und japanische Spitzenküche mit mediterraner Atmosphäre verbindet.

Ebenso prägend sind der Pool Club, das Spa sowie die historische Belvedere Bar, deren Cocktailkultur von der Handschrift des legendären Bartenders Dale DeGroff beeinflusst wurde. Gemeinsam bilden sie das gesellschaftliche Zentrum des Hauses.

Wer mehr Privatsphäre sucht, findet sie in den großzügigen Suiten, den Hilltop Rooms oder den privaten Villen mit Blick auf die Ägäis, die Windmühlen von Mykonos und die charakteristische Silhouette der Altstadt. Trotz ihrer ruhigen Lage bleiben sie eng mit den Angeboten des Hotels verbunden.

Die Seele von Mykonos

Während sich Mykonos ständig neu erfindet, bewahrt das Belvedere jene Qualitäten, die die Insel seit Jahrzehnten faszinierend machen: Gastfreundschaft, kulturelle Offenheit und eine besondere Leichtigkeit des Lebens.

Gerade diese Verbindung aus Geschichte, Architektur, Design und authentischer Inselkultur macht das Belvedere zu einem jener Orte, die nicht nur einen Aufenthalt ermöglichen, sondern Erinnerungen schaffen.

PHOTO CREDITS:

For Matsuhisa: 

Nobu Matsuhisa, Matsuhisa Mykonos. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos.

For the shots of the hotel: 

Belvedere Hotel Mykonos, 2025. Photography by Yiorgos Kaplanidis. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos 

The illustration at the end is byLuke Edward Hall

Die Villa Esencia von ELE Interior ist ein zeitgenössisches Wohnprojekt in Dubai, das sich sensibel in die grüne Oase von Al Barari einfügt. Es verweist auf traditionelle arabische Bautypologien, übersetzt sie allerdings in eine moderne Material- und Raumlogik. Dabei setzt ELE Interior bewusst auf das Unspektakuläre.

Dubai ist bekannt für seine faszinierende Skyline: Wolkenkratzer, die wie futuristische Skulpturen in den Himmel ragen, ikonische Bauwerke wie der Burj Khalifa oder das Burj al Arab, die längst globale Architektur-Symbole geworden sind. Gleichzeitig existiert ein architektonisches Erbe, das in den sogenannten Windtürmen, den verschatteten Innenhöfen und den labyrinthischen Gassen der Altstadt sichtbar bleibt. All dies ist Ausdruck einer jahrhundertealten Tradition des Bauens mit Klima, Natur und Gemeinschaft. Zwischen diesen Polen – der hypermodernen, geschäftigen Metropole und den stillen, traditionell verwurzelten Räumen – positioniert sich die Villa Esencia in Al Barari.

Kleiner Exkurs zum Thema Windturm oder auch Malqaf, wie es in der Landessprache heißt, zweifellos für alle Haustechniker interessant: Die interessanten Baukörper ragen in der Region des Persischen Golfes und des Mittelmeerraumes zwischen den „normalen“ Volumen hinauf. Durchaus manchmal als optisches Stilelement gestaltet, haben sie in erster Linie funktionale Aufgaben: Sie werden zur natürlichen Kühlung der Gebäude eingesetzt. Sie reichen von zwei Metern über Erdgeschoß-Niveau bis in eine Höhe von 15 Metern. Was es braucht: Kühlen Seewind und spezielle Leitvorrichtungen an der Oberseite des Turmes. Damit wird der Wind durch die Öffnungen in den schattigen Innenraum und nach unten in die Wohnräume dirigiert.

Das Projekt von ELE Interior dagegen ist weder ein architektonisches Spektakel noch eine nostalgische Reminiszenz. Es ist vielmehr ein bewusst zurückgenommenes Statement: Ein Haus, das den Wert von Ruhe, Materialien und Raum in den Mittelpunkt stellt – und damit als subtile Kritik an der allgegenwärtigen Tendenz Dubais verstanden werden könnte, Wohnarchitektur als Statussymbol zu überhöhen.

Ein Dialog von Architektur und Natur

Al Barari gilt als eine der grünsten Enklaven Dubais. Es ist eine Oase mit dicht bepflanzten Gärten, Wasserläufen und Vogelgesang – fast ein krasser Widerspruch zu den kargen Wüstenflächen ringsum. ELE Interior greift diese Atmosphäre auf, indem es den Innenraum konsequent auf Integration mit der Natur ausrichtet.

Das Herzstück bildet ein zentraler Innenhof, der Licht und Grün ins Haus zieht. Dieses Element erinnert an die traditionelle arabische Architektur. Der Hof spielt(e) freilich nicht nur klimatisch, sondern auch sozial eine zentrale Rolle. In der Villa Esencia wird er zum räumlichen und atmosphärischen Anker. Er ist sichtbar und spürbar von allen Hauptfunktionen des Hauses aus: Küche, Wohnraum, Büro, private Rückzugsräume.

Doch hier bleibt es nicht bei historisch-nostalgischer Anlehnung. Der Hof ist Teil einer biophilen Gestaltungsstrategie, die auf aktuellen Forschungsergebnissen basiert: Tageslicht, Pflanzen und natürliche Materialien steigern nachweislich Wohlbefinden und Regeneration – eine Qualität, die sich Familien in einem hektischen urbanen Umfeld zunehmend wünschen. Das ist in Dubai nicht anders als in Neu-Delhi, New York oder London.

Materialität als Sprache der Ruhe

Die eigentliche Stärke des Projekts liegt in seiner Materialchemie. Statt auf opulente Ornamentik oder laute Gesten zu setzen, verdichtet das Design natürliche Texturen und eine neutrale Farbpalette zu einer Atmosphäre der Stille. Der Name des Einfamilienhauses ist demnach wohl nicht zufällig gewählt: Hier geht es um die Essenz, aber um eine sehr angenehme.

Die Küche mit ihrer Insel aus Taj Mahal-Quarzit wird zum haptischen Zentrum – kühl, widerstandsfähig, doch zugleich warm im Ton. Interessanterweise stammt Taj Mahal aus Brasilien. Es wurde wohl nach dem berühmten Denkmal Indiens benannt, weil es bernsteinfarben mit beiger Untergrundfarbe und leicht transparent aussieht.

Im Innenhof der Villa Esencia prägen Porzellanverkleidungen mit Travertin-Effekt die Wände, wodurch sich ein visuelles Echo zwischen Stein und Grün entfaltet. Selbst die Möbelstücke in der Villa Esencia sind maßgefertigt, so ist der Esstisch sogar aus massivem Travertin. Auch Travertine sind interessante Gesteine. Wird der gewachsene, geschichtete Naturstein, der optisch an Marmor erinnert, gegen ihre Lagerrichtung gesägt, so zeigen sie eine Art Bänderung.

Es ist diese durchgängige Materiallogik, die überzeugt. Während viele Interiors in Dubai in einer Art globaler Luxussprache aus Marmor, Glas und Chrom regelrecht erstarren, schafft ELE Interior eine lokal gefärbte, geerdete Ästhetik. Man könnte sagen: Die Villa wirkt wie eine zurückhaltende Antwort auf den lärmenden Luxus der Stadt.

Villa Esencia: Lob der Unaufdringlichkeit

Eine wesentliche Herausforderung bestand darin, den bestehenden Grundriss wunschgemäß zu transformieren. Gezielte Eingriffe erleichtern den Familienalltag. So wurden zwei Standard-Schlafzimmer im Obergeschoss zu einer Master-Suite zusammengeführt, mit zwei Bädern und einem begehbaren Kleiderschrank.

Eine bedeutende bauliche Veränderung war die Schließung des ursprünglich doppelt so hohen Luftraums im Familienbereich. So konnte im ersten Stock ein spezielles Spielzimmer geschaffen werden – sehr zur Freude des Nachwuchses. Diese Entscheidung mag formal das Gefühl von Großzügigkeit reduzieren. Doch hier gewinnt Nutzung über die reine Repräsentation.

Die Villa Esencia lebt nicht von spektakulären Blickachsen oder ikonischen Gesten, sondern von einer leisen Raffinesse. Stoffbespannte Wände, bronzefarbenes Glas, LVT-Bodenbeläge. Jedes Detail ist sorgfältig austariert, um nicht aufdringlich zu wirken – wobei LVT für „Luxury Vinyl Tiles“ steht.

„Generation Alltagstauglichkeit“

Wenn man durch die Räume geht, erlebt man eine Qualität, die sich erst in der Berührung mit den Oberflächen, im Spiel des Lichts über den Stein, in der Ruhe des Innenhofs erschließt. Damit unterscheidet sich das Projekt von den vielen Villen, die in Dubai mit visueller Dominanz um die Blicke von Freunden, Nachbarn oder Gästen konkurrieren.

ELE Interior positioniert sich mit der Villa Esencia in eine Linie mit einer jungen Generation von Designstudios in den Emiraten, die versuchen, jenseits von ikonischer Formensprache eine alltagstaugliche Moderne zu entwickeln. Eine Moderne, die nicht nur globalen Trends folgt, sondern sich aus lokalen Ressourcen, klimatischen Bedingungen und kulturellen Erinnerungen speist.

Dass das Designstudio mit Sitz in Dubai, ELE Interior, mit seinem goldrichtig liegt, zeigt auch die Nominierung als Finalist bei den SBID Awards der Society of British and International Design in der Kategorie
„Wohnhaus unter eine Million Pfund Bauvolumen“.

Text: Linda Benkö
Fotos: Aasiya Jagadeesh, Diego Delso

„Water, Get Enemy?“ zeigt eine Seite von Lagos, in der Surfen zu Gemeinschaft, Identität und Hoffnung wird.

Wer an Lagos denkt, hat meist das Bild einer pulsierenden Millionenmetropole vor Augen. Der Kurzfilm „Water, Get Enemy?“ des nigerianischen Fotografen und Filmemachers Daniel Obasi richtet den Blick jedoch auf einen Ort, der in internationalen Erzählungen über die Stadt kaum vorkommt: die Küste von Tarkwa Bay.

Dort begleitet Obasi eine Gruppe junger Surferinnen und Surfer, deren Alltag eng mit dem Atlantik verbunden ist. Was zunächst wie ein Film über eine Sportart wirkt, entwickelt sich zu einem eindringlichen Porträt über Gemeinschaft, Identität und die Kraft eines Ortes, der Menschen zusammenführt.

Surfen als Lebensgefühl

Für die jungen Menschen von Tarkwa Bay ist Surfen weit mehr als Freizeitbeschäftigung. Es ist ein Raum, in dem Freundschaften entstehen, Selbstvertrauen wächst und Perspektiven entstehen. Viele kennen sich seit ihrer Kindheit, teilen Erinnerungen an das Meer und unterstützen sich gegenseitig weit über das Surfen hinaus.

Obasi erzählt ihre Geschichten in ruhigen Bildern und persönlichen Gesprächen. Statt spektakulärer Wellen stehen die Menschen im Mittelpunkt – ihre Hoffnungen, ihre Herausforderungen und die Freiheit, die sie auf dem Wasser finden.

„Für die Surferinnen und Surfer von Tarkwa Bay ist das Wellenreiten nicht einfach ein Hobby – es ist eine Lebensweise, eine Quelle der Hoffnung und Ausdruck ihrer Identität.“
— Daniel Obasi

Eine andere Perspektive auf Lagos

Der Film eröffnet einen selten gezeigten Blick auf die nigerianische Metropole. Abseits von Verkehr, Tempo und urbaner Dichte erscheint der Atlantik als Ort der Heilung, der Begegnung und der Selbstentfaltung.

Gerade darin liegt die besondere Stärke von „Water, Get Enemy?“: Der Film erzählt keine Geschichte über Mangel oder Konflikte, sondern über Zugehörigkeit, Optimismus und die Fähigkeit junger Menschen, sich ihren eigenen Raum für Lebensfreude zu schaffen.

Es ist genau diese Perspektive, die den Kurzfilm weit über das Thema Surfen hinaus relevant macht. Er erinnert daran, dass Gemeinschaft oft dort entsteht, wo Menschen eine gemeinsame Leidenschaft teilen – unabhängig von Herkunft oder gesellschaftlichen Umständen.