Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

Europäisches Küchenhandwerk, japanische Einflüsse und drei Gründer zwischen Gastronomie und Musik: Am 20. Oktober 2026 soll SISU in Berlin-Kreuzberg eröffnen.

Ein Musikstudio und ein Restaurant haben auf den ersten Blick wenig gemeinsam. Für Christian Hubert Raab liegen sie erstaunlich nah beieinander. Der Songwriter und Musikproduzent kennt beide Welten: 2012 eröffnete er das Café Bald Neu in München, später schuf er mit HAUS2000 in Berlin einen kreativen Ort für Songwriter und Produzenten. Hier wie dort geht es um Timing, Balance und die Atmosphäre, in der etwas zusammenkommt. Mit SISU erhält dieser Gedanke nun eine neue Adresse: die Köpenicker Straße 174 in Berlin-Kreuzberg.

Gemeinsam mit dem Gastronomen Daniel Nini und dem Musik- und Medienmanager Belmin Sehovic plant Raab ein Restaurant, in dem Essen, Musik, Kunst und Kultur zusammenfinden. Die Küche verantwortet Michael Englhart. Sein Ansatz passt zu einem Haus, das handwerklich viel vorhat und seinen Gästen einen unkomplizierten Abend ermöglichen möchte.

Viel Arbeit für einen klaren Geschmack

Englhart bringt rund 13 Jahre Erfahrung aus der gehobenen Gastronomie und aus Sternerestaurants mit. Im SISU verbindet er europäische Kochtradition mit japanischen Einflüssen. Klassische Fonds, Jus und Saucen bilden das Fundament; Koji, Miso und Kombu erweitern das geschmackliche Spektrum. Fermentation, Säure und Umami gehören zu den Werkzeugen einer Küche, die vieles selbst herstellt.

Hinzu kommt das Feuer. Fisch, Fleisch und Gemüse werden auf dem Konro oder über offenem Feuer gegart. Röstaromen sollen den Eigengeschmack vertiefen und dem jeweiligen Produkt Raum lassen. Wie viel Vorbereitung und Präzision dahinterstecken, muss sich beim Essen nicht in den Vordergrund drängen.

„Komplexität darf in der Entstehung liegen. Auf dem Teller soll sie sich nicht kompliziert anfühlen“, beschreibt Englhart seinen Ansatz.

Das ist ein sympathischer Gedanke für Fine Dining: Der Anspruch liegt im Produkt und in seiner Zubereitung. Am Tisch darf daraus einfach Genuss werden.

Gastgeber mit Gespür für Menschen

Für die Gastfreundschaft steht Daniel Nini, Geschäftsführer, Partner und Gastgeber des SISU. Der gebürtige Hamburger hat unter anderem im Fischereihafen Restaurant, im Grill Royal, im Borchardt und im Telegraphenamt gearbeitet, zuletzt als Restaurant Manager im GRACE. Was ihn an seinem Beruf fasziniert, ist die Energie, die entsteht, wenn Menschen zusammenkommen – und das gute Gefühl, mit dem sie später wieder gehen.

Ein Restaurant kann für ihn Treffpunkt, Wohnzimmer, Nachtclub und Salon zugleich sein. Diese Offenheit prägt die Idee hinter SISU. Raab bringt seine Erfahrung mit Musik, Kaffee und Gestaltung ein, Sehovic mehr als zehn Jahre im Musik- und Medienmanagement sowie Kontakte in die Kreativ- und Kulturszene. Wie sich das Zusammenspiel von Gastronomie und Kultur im Alltag entfalten wird, bleibt mit der Eröffnung zu entdecken. Die Voraussetzungen dafür liegen jedenfalls in den unterschiedlichen Lebenswegen der Gründer.

Ein finnisches Wort in Kreuzberg

SISU steht im Finnischen für innere Stärke, Ausdauer, Mut und Entschlossenheit. Für die Gründer beschreibt der Name den Wunsch, einen eigenen Weg konsequent zu verfolgen. Kulinarisch führt dieser Weg durch Europa und Japan; als Restaurant soll SISU in Berlin verwurzelt sein, offen für die Menschen und Ideen, die an seinen Tischen zusammenkommen.

Vielleicht liegt darin die schönste Verbindung zum Musikstudio: Ein guter Abend lässt sich sorgfältig vorbereiten. Seinen eigenen Rhythmus entwickelt er mit den Menschen, die ihn miteinander verbringen.

SISU
Köpenicker Straße 174, Forum-Gebäude, Berlin-Kreuzberg
Angekündigte Eröffnung: 20. Oktober 2026
Öffnungszeiten ab Eröffnung: Dienstag und Mittwoch 18–22 Uhr, Donnerstag bis Samstag 18–24 Uhr
Reservierungen: www.sisu-restaurant.com

Im Das Graseck bei Garmisch-Partenkirchen wird die Bergluft ganz nebenbei zum Rezept. Mit der Gondel geht es hinauf zu einem Ort, an dem Erholung und Gesundheitsvorsorge zusammenfließen.

Der Blick schweift über die Gipfel. Ein stetes Auf und Ab zeichnet sich am Horizont ab – fast wie die Linie eines Herzschlags. Während die Berge von Beständigkeit erzählen, erinnert ihr Profil daran, wie fragil selbst das Selbstverständlichste sein kann. Gesundheit ist ein leiser Luxus. Sie fordert keine Aufmerksamkeit und macht sich selten bemerkbar. Sie ist einfach da – bis sie es nicht mehr ist. Dass Vorsorge besser als Nachsorge ist, mag bekannt sein. Dennoch gerät sie im Alltag oft in Vergessenheit. Umso wertvoller sind jene Orte, die Raum dafür schaffen.

Check-in fürs Check-up

Das Graseck – mountain hideaway & health care im Wettersteingebirge verbindet Wellness mit Prävention. Wer hier auf 900 Metern Höhe eincheckt, bekommt nicht nur die Ruhe der Berge verschrieben, sondern bei Bedarf auch die ein oder andere Vorsorgeuntersuchung. So lassen sich Risikofaktoren und bestimmte Erkrankungen frühzeitig erkennen und rechtzeitig behandeln.

Inhaberin Dr. Sylvia Weingart, selbst Kardiologin, führt im Graseck unter anderem Herz-Check-ups und Belastungstests durch. Gemeinsam mit ihrem Mann Dr. Vincens Weingart, der neben seiner Tätigkeit als Chefarzt der Gastroenterologie im Klinikum Garmisch auch im Graseck endoskopische Untersuchungen übernimmt, hat sie ein Team aus Ärztinnen und Ärzten aufgebaut. Diese kommen für die Vorsorgeuntersuchungen in die eigens eingerichteten Praxisräume des Hotels. Genauso wie die Gäste auch reisen sie dabei mit der Seilbahn an.

Von der Bergstation der Gondel geht es direkt in das vielleicht schönste Wartezimmer Bayerns. Dass dabei jedoch kaum Zeit bleibt, die Aussicht zu genießen, liegt daran, dass es praktisch keine Wartezeiten gibt. Die Untersuchungen werden so koordiniert, dass sie sich je nach Umfang auf einen Tag oder entspannt auf mehrere Tage verteilen lassen. Was dabei auf dem Plan steht, wird vorab individuell beschlossen – egal, ob für Individualreisende oder als Teamevent.

Hoch über dem Alltag

Zeit und Raum, die Aussicht nach den Untersuchungen zu genießen, bleibt vor allem den Übernachtungsgästen. Denn abgesehen von der einzigartigen Lage oberhalb der Partnachklamm bei Garmisch-Partenkirchen, bringt das Graseck die Ruhe der bayrischen Berge auch in seine Räumlichkeiten. In den breiten Sesseln des Leseraums mit großzügiger Verglasung und Panoramablick versinkt man mit Achtsamkeitsliteratur, Alpen-Bildbändern oder einer THE Stylemate-Ausgabe in der Hand. Ein paar Schritte hinunter, verschwimmt der Horizont mit dem Infinity Pool. Im großzügigen Sauna- und Ruhebereich schmelzen dann die letzten Alltagsgedanken dahin.

Selbst wenn eine endoskopische Untersuchung bevorsteht, genießt man nur gerinfügig modifiziert die mehrgängigen Fine-Dining-Menüs. Frische, regionale Zutaten sind selbstverständlich, Verzicht gehört jedoch nicht zur Philosophie des Hauses. Stattdessen steht die Kunst der Balance im Mittelpunkt, sowohl in der Komposition als auch in der Größe der einzelnen Gänge.

Und dann schweift der Blick wieder über die Gipfel – ein Moment, der nicht nur das Auge, sondern auch das Herz berührt.

Das Graseck is a member of Lifestylehotels

Fotos: Gordon Kohlstock, Lucas Adrian, Oliver Nieder

Die neue Ghidini1961 Collection 2026 versteht Design nicht als Objekt, sondern als räumliche Choreografie aus Material, Licht und Bewegung.

Es gibt Kollektionen, die neue Möbel präsentieren. Und es gibt Kollektionen, die eine neue Haltung zum Wohnen formulieren. Die 2026 Collection von Ghidini1961 gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Anstatt einzelne Produkte in den Mittelpunkt zu stellen, entwickelt das italienische Designlabel ein zusammenhängendes Universum, in dem Sofas, Tische und Leuchten miteinander kommunizieren. Gemeinsam definieren sie Räume nicht über Dekoration, sondern über Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Dabei bleibt Ghidini1961 seiner DNA treu: Metall ist nicht bloß Konstruktion, sondern Ausdruck handwerklicher Präzision, während Marmor, Glas und Textilien zu gleichwertigen Protagonisten werden.

Räume in Bewegung

Besonders deutlich wird diese Haltung im modularen Sofa Settebello, entworfen von Lorenza Bozzoli. Seine großzügigen, weich modellierten Elemente lösen sich bewusst von klassischen orthogonalen Grundrissen. Trapezförmige Module und skulpturale Halbinseln erlauben immer neue Konfigurationen, die sich den Menschen anpassen – und nicht umgekehrt.

Das Sofa wird dadurch weniger zu einem Möbelstück als zu einer Landschaft. Ein Ort, der Begegnung ermöglicht, unterschiedliche Nutzungen zulässt und sich jederzeit neu organisieren lässt. Wohnen erscheint hier nicht als statischer Zustand, sondern als fortlaufender Prozess.

Licht als Architektur

Auch die Beleuchtung folgt diesem Gedanken. Mit Ypsilon entwickelt Lorenza Bozzoli ein modulares Lichtsystem, dessen lineare Elemente sich verzweigen und zu beinahe schwebenden Lichtarchitekturen verbinden.

Licht wird dabei nicht nur funktional eingesetzt, sondern strukturiert den Raum selbst. Linien werden zu Wegen, Verbindungen zu Knotenpunkten, während geriffeltes Glas das Licht weich in die Umgebung streut. Die Leuchte wirkt dadurch fast wie eine gezeichnete Architektur im Raum.

Skulpturen des Alltags

Die übrigen Neuheiten greifen dieselbe Idee auf: Möbel entstehen aus klaren geometrischen Grundformen, entwickeln jedoch eine überraschende skulpturale Kraft.

Der runde Tria-Tisch interpretiert seine zentrale Säule als monumentale Skulptur aus Naturstein, während Paolo Rizzattos Lancillotto klassische Architektur mit zeitgenössischer Reduktion verbindet. Die neue Unduetre-Leuchte bringt Marmor, Messing und Glas in ein fein austariertes Gleichgewicht zwischen Schwere und Leichtigkeit.

Auch kleinere Objekte wie die Cono-Beistelltische oder das weiterentwickelte Cards-System folgen derselben gestalterischen Logik: Jedes Objekt besitzt eine starke Identität, bleibt dabei jedoch offen für unterschiedliche räumliche Situationen.

Design als lebendiges System

Bemerkenswert ist zudem, dass Ghidini1961 seine bestehenden Entwürfe kontinuierlich weiterentwickelt. Die Leuchte Dash erscheint nun als hexagonale Version, Andrea Branzis ikonisches Regal Incrocio und die Stehleuchte Giotto erhalten eine neue Chromoberfläche, während die skulpturale Wandleuchte Kaleidos der Campana Brothers ihr faszinierendes Spiel aus Reflexion und Licht fortsetzt. Die Kollektion wächst dadurch organisch weiter, anstatt ständig nach radikaler Neuerfindung zu suchen.

Italienisches Design zwischen Handwerk und Zukunft

Seit seiner Gründung verbindet Ghidini1961 die jahrzehntelange Metallkompetenz von Ghidini Giuseppe Bosco mit einer zeitgenössischen Designsprache. Die neue Kollektion führt diesen Weg konsequent weiter. Sie zeigt, dass Luxus heute nicht zwangsläufig durch Opulenz entsteht, sondern durch Materialqualität, Präzision und Objekte, die mit dem Raum und seinen Bewohnern in Beziehung treten.

So entsteht eine Kollektion, die weniger Möbel präsentiert als Möglichkeiten. Möglichkeiten, Räume immer wieder neu zu denken – und sie dadurch lebendig werden zu lassen.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Das Bvlgari Hotel Paris erhält die begehrte „Palace“-Auszeichnung und bestätigt damit eine neue Form von Luxus, die weniger auf Inszenierung als auf Haltung setzt.

In Paris gibt es Hotels. Und es gibt Palaces.

Mit der Verleihung des prestigeträchtigen „Palace“-Titels gehört das Bvlgari Hotel Paris nun offiziell zu jenem exklusiven Kreis von Häusern, die als Aushängeschilder französischer Gastlichkeit gelten. Eine Auszeichnung, die nicht allein für außergewöhnlichen Service steht, sondern für eine ganzheitliche Vision von Luxus.

Seit seiner Eröffnung im Jahr 2021 hat sich das Haus an der Avenue George V als eine der spannendsten Adressen im Goldenen Dreieck von Paris etabliert. Nicht durch lautstarken Glamour, sondern durch eine stille Form von Exzellenz, die tief in der DNA der römischen Maison Bvlgari verwurzelt ist.

Italienische Seele, Pariser Eleganz

Schon beim Betreten des Hotels wird deutlich, dass hier zwei Kulturen auf besondere Weise miteinander verschmelzen. Das italienische Verständnis von Gastfreundschaft trifft auf die Raffinesse von Paris.

Das von ACPV Architects Antonio Citterio Patricia Viel entworfene Gebäude interpretiert Luxus zeitgenössisch. Dunkle Holzoberflächen, edle Natursteine und eine zurückhaltende Farbpalette schaffen Räume, die gleichermaßen elegant wie beruhigend wirken. Statt opulenter Inszenierung entsteht eine Atmosphäre von Ruhe und Beständigkeit.

Die 76 Zimmer und Suiten spiegeln diesen Ansatz wider. Viele verfügen über private Loggien oder Balkone mit Blick auf die Avenue George V. Hochwertige Materialien, subtile Farbakzente und großzügige Badezimmer – teilweise mit eigenem Hammam – schaffen Rückzugsorte mitten in einer der lebendigsten Metropolen Europas.

Luxus ohne Lautstärke

Interessant ist vor allem die Philosophie, die hinter dem Haus steht. Während Luxus vielerorts noch immer über Größe, Sichtbarkeit oder Exklusivität definiert wird, setzt das Bvlgari Hotel Paris auf Individualität und Präzision.

Jeder Aufenthalt wird als maßgeschneiderte Erfahrung verstanden. Personalisierung ist hier kein Serviceversprechen, sondern Teil der Identität des Hauses. Das Ergebnis ist eine Form von Gastlichkeit, die auf Aufmerksamkeit statt auf Inszenierung setzt und emotionale Erlebnisse über spektakuläre Effekte stellt.

Kulinarik und Wellness als Ausdruck eines Lebensgefühls

Auch gastronomisch bleibt das Hotel seiner italienischen Herkunft treu. Im Il Ristorante – Niko Romito interpretiert der mit drei Michelin-Sternen ausgezeichnete Koch die Klassiker Italiens neu. Seine Küche konzentriert sich auf Klarheit, Produktqualität und die Essenz des Geschmacks – eine Haltung, die erstaunlich gut zur Gesamtphilosophie des Hauses passt.

Ein weiterer Mittelpunkt ist das 1.300 Quadratmeter große Bvlgari Spa. Inspiriert von der römischen Badekultur verbindet es zeitgenössisches Wellnessverständnis mit einem traditionsreichen Ritual der Regeneration. Es ist ein Ort, an dem Entschleunigung nicht als Trend verstanden wird, sondern als selbstverständlicher Bestandteil eines guten Lebens.

Ein neues Kapitel

Die Palace-Auszeichnung würdigt nicht nur Architektur, Design und Servicequalität. Sie ist vor allem eine Anerkennung jener Menschen, die täglich dazu beitragen, dass aus einem Hotel eine besondere Erfahrung wird.

Für das Bvlgari Hotel Paris markiert sie einen weiteren Schritt auf dem Weg zu einer der prägenden Luxusadressen Europas. Und vielleicht zeigt sie zugleich, wohin sich zeitgemäßer Luxus entwickelt: weg von der Inszenierung, hin zur Kunst der feinen Details.

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zwischen mediterraner Leichtigkeit, außergewöhnlicher Vielfalt und einem Angebot, das selbst in der Welt des Luxusreisens selten geworden ist.

Es gibt Hotels, die beeindrucken. Und es gibt Orte, die eine eigene Welt erschaffen.

Das Forte Village an der Südküste Sardiniens gehört zur zweiten Kategorie.

Wer zum ersten Mal durch die weitläufige Gartenlandschaft spaziert, vorbei an Palmen, Pinien und dem Duft des Mittelmeers, versteht schnell, warum dieses Resort seit Jahrzehnten zu den bekanntesten Adressen Europas zählt. Auf über 50 Hektar erstreckt sich hier eine kleine Welt aus Hotels, Villen, Restaurants, Sportanlagen, Wellnessbereichen und einem der schönsten Sandstrände Sardiniens.

Und doch fühlt sich das Forte Village nie wie eine klassische Hotelanlage an.

Vielleicht liegt es daran, dass man hier nicht zwischen Aktivität und Entspannung wählen muss. Beides existiert nebeneinander. Während manche Gäste den Tag am Meer verbringen, trainieren andere mit internationalen Coaches in den Sportakademien oder ziehen ihre Bahnen im Pool. Kinder verschwinden in ihre eigene Abenteuerwelt, während Erwachsene endlich jene selten gewordenen Stunden finden, in denen nichts geplant werden muss.

Sardinien von seiner schönsten Seite

Die Lage allein wäre bereits Grund genug für eine Reise.

Das Forte Village befindet sich in Santa Margherita di Pula, einer jener Küstenlandschaften, die Sardinien seinen legendären Ruf eingebracht haben. Kristallklares Wasser, feine Sandstrände und eine Natur, die zwischen mediterraner Gelassenheit und ursprünglicher Schönheit oszilliert.

Direkt vor dem Resort erstreckt sich ein langer, heller Strand, der sanft ins Meer übergeht. Die Farben wechseln je nach Tageszeit zwischen Türkis, Smaragdgrün und tiefem Blau. Es sind jene Momente, die man auf Fotos kaum festhalten kann, weil sie weniger mit dem Blick als mit einem Gefühl zu tun haben.

Hier beginnt der Tag nicht mit einem Programm, sondern mit einer Entscheidung: Meer oder Pool? Spaziergang oder Espresso? Nichts tun oder alles erleben?

Luxus bedeutet Auswahl

Was das Forte Village besonders macht, ist weniger ein einzelnes Hotel als vielmehr die Vielfalt des gesamten Resorts.

Mehrere Hotels, exklusive Villen, unterschiedlichste Restaurants und ein Angebot, das von Familienurlaub über Sport bis hin zu Wellness reicht, schaffen eine seltene Freiheit. Jeder Gast findet hier seinen eigenen Rhythmus.

Die Kulinarik spielt dabei eine zentrale Rolle. Von authentischer sardischer Küche bis hin zu internationalen Fine-Dining-Konzepten entsteht eine Vielfalt, die den Charakter der gesamten Anlage widerspiegelt: weltoffen, entspannt und dennoch von hoher Qualität geprägt.

Gleichzeitig bleibt die Atmosphäre überraschend ungezwungen. Barfuß zum Mittagessen zu gehen, fühlt sich hier genauso selbstverständlich an wie ein elegantes Dinner unter freiem Himmel.

Wellness mit Meerblick

Lange bevor Wellness zum globalen Trend wurde, beschäftigte man sich im Forte Village bereits mit der regenerierenden Kraft des Meeres.

Das Acquaforte Spa zählt bis heute zu den renommiertesten Thalassotherapie-Zentren Europas. Meerwasser unterschiedlicher Temperatur und Salzkonzentration bildet die Grundlage eines Konzepts, das Regeneration nicht als Luxus versteht, sondern als Teil eines bewussten Lebensstils.

Wer möchte, verbringt hier Stunden zwischen den verschiedenen Pools, Behandlungen und Ruhezonen. Wer weniger Programm sucht, nimmt einfach jenes Gefühl von Leichtigkeit mit, das entsteht, wenn Meer, Sonne und Zeit wieder ihren natürlichen Rhythmus finden.

Ein Resort für mehrere Generationen

Es gibt nur wenige Orte, an denen Großeltern, Eltern und Kinder gleichzeitig das Gefühl haben, genau am richtigen Platz zu sein.

Im Forte Village scheint genau das erstaunlich mühelos zu funktionieren. Während Kinder zwischen Wasserparks, Kreativprogrammen und Sportakademien wählen können, genießen Erwachsene die Freiheit, ihren Urlaub wieder als Urlaub zu erleben.

Vielleicht erklärt genau das den außergewöhnlichen Ruf des Resorts. Über viele Jahre hinweg wurde das Forte Village international ausgezeichnet und gilt bis heute als Referenz für anspruchsvollen Familienurlaub am Mittelmeer.

Sieben Nächte Sardinien – in einer Liga für sich

Die Qualität eines Ortes zeigt sich oft daran, wie viele Möglichkeiten er bietet. Im Forte Village reicht das Spektrum von stilvollen Zimmern bis zu großzügigen Suiten und privaten Rückzugsorten – verteilt auf mehrere Hotels innerhalb des Resorts.

Genau hier setzt der aktuelle THE Stylemate Smart Deal an.

Der Gutschein umfasst sieben Nächte für bis zu drei Personen inklusive Halbpension und kann in sämtlichen Zimmer- und Suitenkategorien des Forte Village eingelöst werden. Damit eröffnet sich eine außergewöhnliche Freiheit, das Resort ganz nach den eigenen Vorstellungen zu erleben.

Bemerkenswert ist dabei nicht nur die Flexibilität, sondern auch der Gegenwert des Angebots. Während ein vergleichbarer Aufenthalt regulär mit rund 24.997 Euro bewertet wird, ist der Smart Traveller Gutschein aktuell für 9.999 Euro erhältlich.

Gerade bei einer Destination wie dem Forte Village entsteht daraus eine seltene Gelegenheit. Nicht nur, weil eines der renommiertesten Resorts Europas zugänglich wird, sondern weil ausreichend Zeit bleibt, seine Vielfalt tatsächlich zu erleben: die Restaurants, den Strand, das Spa, die Gärten und jene besondere Atmosphäre, die Gäste seit Jahrzehnten immer wieder zurückkehren lässt.

Denn oftmals sind es nicht die spektakulären Erlebnisse, die eine Reise besonders machen. Sondern die zusätzlichen Tage. Die Zeit für einen weiteren Morgen am Meer. Für ein langes Mittagessen. Für einen Sonnenuntergang mehr.

THE Stylemate Smart Deal

Sieben Nächte im Forte Village auf Sardinien. Für bis zu drei Personen. Inklusive Halbpension. Einlösbar in sämtlichen Hotels sowie allen Zimmer- und Suitenkategorien des Resorts.

9.999,– Euro

Vielleicht ist genau das der wahre Luxus: die Freiheit, sich nicht zwischen den schönsten Seiten eines Ortes entscheiden zu müssen. Sondern genügend Zeit zu haben, sie alle kennenzulernen.

Denn manche Reisen dauern eine Woche.

Andere bleiben deutlich länger in Erinnerung.

OLM NATURE ESCAPE

Kreisrundes energieautarkes Eco-Aparthotel im Südtiroler Ahrntal mit außergewöhnlicher Architektur und visionärer regionaler Küche.

Kulinarik mit Persönlichkeit

Seine Menüs sind außergewöhnlich. Unsere Fragen sind es auch. Berni Aichner ist Kulinarik-Chef im hauseigenen Restaurant PRENN° des Eco-Aparthotel OLM Nature Escape und wird für seine Warmherzigkeit, Kreativität und Bodenständigkeit geschätzt. Im Gespräch mit THE Stylemate erfahren wir, welche außergewöhnliche Kreation es doch nicht auf die Karte geschafft hat, welche Südtiroler Zutat Geschichte erzählt und welches runde Gericht er am liebsten hat.

Bewusster Umgang mit Lebensmitteln

Gibt es ein Lebensmittel(teil), das Sie früher verschwendet hätten, aber heute für Sie „heilig“ ist?
Schon in meiner Lehrzeit habe ich gelernt, mit Lebensmitteln verantwortungsvoll umzugehen, auch als Wertschätzung dem Produzenten gegenüber. Aus Abschnitten werden die besten Saucen und Fonds zubereitet.

Teamwork in der Küche

Chef und Sous-Chef – wie funktioniert die Rangordnung zwischen Ihnen? Wie schaffen Sie es, dass der Sous-Chef nicht untergeht und der Chef den Überblick behält?
Egon ist genial und ich könnte mir keinen besseren Stellvertreter vorstellen. Wir sind nicht nur Arbeitskollegen, sondern auch richtig gute Freunde. Er unterstützt und motiviert mich und genießt mein volles Vertrauen. Bei Entscheidungen ist mir seine Meinung enorm wichtig.

Die Zutaten für ein gutes Miteinander

Ein Lächeln, ein besonderer Löffel, die Lieblingstasse – welche sieben „Zutaten“ dürfen im täglichen Miteinander in Ihrer Küche nicht fehlen?
Humor, gegenseitiger Respekt, Wertschätzung, ein Plausch im Team, ein Espresso, Spaß an der Arbeit und der Blick nach vorne.

Was manchmal fehlt

Und welche „Zutaten“ fehlen Ihnen manchmal in der Küche im täglichen Miteinander?
Zeit und Geduld und manchmal auch die nötige Gelassenheit.

Drei Worte für die Küche

Wenn O, L und M jeweils für ein Wort in Bezug zu Ihrer kulinarischen Arbeit stehen würden – welche wären das?
Originell
Leidenschaft
Menschen begeistern

Lieblingsgerichte

Pizza, Mochi, Arancini – welches runde Gericht mögen Sie am liebsten?
Die Pressknödel. Mein Lieblingsgericht, und nebenbei spiegeln sie in ihrer Form die Architektur des OLM wider.

Kindheit neu interpretiert

Wenn Sie ein Gericht aus Ihrer Kindheit in ein modernes Fine-Dining-Konzept umsetzen: Wie sieht es aus und wie schmeckt es?
Ich erinnere mich gerne an die Brennsuppe meines Großvaters. Die einfache Suppe aus gebräuntem Mehl, Butter, Wasser, Salz und etwas Kümmel gab es täglich zum Frühstück. In meiner Küche wird das Wasser mit einem gehaltvollen Rinderfond ausgetauscht und mit brauner Butter aufmontiert. Mit Schwarzbrotchips, gehobelten rohen Steinpilzen und Schnittlauchöl – ein Traum!

Mutige Zutaten

Welche Zutat lieben Sie, könnte aber vielleicht den einen oder anderen Gast abschrecken?
Ich liebe Innereien, habe diese aber fast zur Gänze aus dem Angebot gestrichen. Diese werden inzwischen von vielen Gästen abgelehnt. Auf Nachfrage und für Liebhaber bereiten wir sie aber gerne zu.

Regionale Geschichten

Welche Zutat aus Südtirol erzählt für Sie die spannendste Geschichte?
Der Ahrntaler Graukäse: Vom Arme-Leute-Essen ist er zum kulinarischen Highlight avanciert. Er ist vielseitig einsetzbar und von „Slow Food“ geschützt.

Kulinarik ohne Grenzen

Welche Speise sehen Sie als universell an und kann von allen Kulturen verstanden werden?
Tolle Pasta mit frischen Zutaten macht weltweit jeden glücklich, ob Alt oder Jung.

Ideen, die es nicht auf die Karte schaffen

Welches Gericht haben Sie zum Spaß entwickelt, ist aber nie auf der Karte gelandet?
Das Wiener Schnitzel in Knödelform, gefüllt mit Kartoffelsalat. Geniale Klassiker sollen das auch bleiben.

Eine Zutat, unendliche Möglichkeiten

Wenn Sie nur eine Zutat auswählen dürften, mit der Sie ein gesamtes Menü kochen müssten, welche wäre das?
Der Spargel. Vom rohen Spargelsalat über ein sämiges Süppchen bis hin zum cremigen Risotto – oder einfach Spargel mit Bozner Sauce.

Fotos: Andreas Gruber, Kottersteger, Andreas Niederkogler, Julia Rieck