Sieben Jahre Artycapucines: Im Grand Palais stellt Louis Vuitton die künstlerischen Interpretationen seiner Capucines den Werken ihrer Urheber gegenüber. Eine neue Kollektion widmet sich Keith Haring.

Eine Banane hängt an einer Tasche. Bei Urs Fischer ist diese kleine Irritation Teil einer künstlerischen Sprache, in der Alltagsgegenstände ihre Selbstverständlichkeit verlieren. Im Grand Palais begegnet seine Artycapucines nun der Arbeit Fruits von 2026. Die Gegenüberstellung macht anschaulich, worum es in der diesjährigen Präsentation von Louis Vuitton bei Art Basel Paris geht: Wie wandert eine Idee von einem Medium ins andere? Und was geschieht mit einer Tasche, sobald Künstlerinnen und Künstler ihre Form, Oberfläche und Funktion neu verhandeln?

Als Associate Partner der Messe versammelt Louis Vuitton auf dem Balcon d’Honneur Positionen von insgesamt 14 Kunstschaffenden. Die Retrospektive blickt auf das 2019 gestartete Artycapucines-Projekt zurück und zeigt die Taschen gemeinsam mit ausgewählten Kunstwerken. So werden die gestalterischen Entscheidungen hinter den einzelnen Entwürfen lesbar.

Leder als künstlerisches Material

Die Capucines gibt dem Projekt einen wiedererkennbaren Ausgangspunkt. Was daraus entsteht, unterscheidet sich jedoch erheblich. Gemeinsam mit den Handwerkerinnen und Handwerkern von Louis Vuitton übertragen die Beteiligten ihre Arbeitsweisen auf ein Objekt, das eigene technische Bedingungen mitbringt: Leder muss geformt, eine Konstruktion tragfähig und eine Oberfläche bearbeitbar bleiben.

Besonders interessant wird dieser Austausch dort, wo Material und künstlerische Handschrift eng verbunden sind. Kennedy Yankos Skulptur Because of its blues von 2025 besteht aus Metall und Farbhaut. Ihre geknautschte, bemalte Artycapucines von 2022 greift eine verwandte Vorstellung von Volumen auf. Bei Liza Lou führt der Weg über die Oberfläche: Die bemalten Glasperlen ihrer Arbeit Lost Blue von 2022 finden eine Entsprechung in der aufwendigen Perlenarbeit ihres Taschenentwurfs von 2023.

Billie Zangewa wiederum bringt ihre figurative Bildwelt in bestickter Seide ein. Ihre Arbeit Soldier of Love von 2020 steht neben ihrem ebenfalls mit bestickter Seide gestalteten Beitrag. Hier lässt sich verfolgen, wie eine textile Erzählweise auf einem anderen Gegenstand weiterlebt.

Auch Malerei verändert unter diesen Bedingungen ihren Charakter. Henry Taylors A Young Master von 2017 begleitet seine Auseinandersetzung mit Porträtmalerei auf einer Tasche. Josh Smiths Untitled von 2019 stellt Schrift und gesättigte Farbe in einen räumlichen Zusammenhang mit seinem Entwurf. Die Tasche wird dabei zum Gegenüber des Bildes, mit Kanten, Tiefe und einer beweglichen Form.

Zwischen Transportkiste und Ausstellung

Die Szenografie nimmt einen Bereich auf, der im Ausstellungsbetrieb meist hinter den Kulissen bleibt: das Verpacken, Lagern und Transportieren von Kunst. Offene Kisten, Sockel und kofferartige Strukturen aus gebürstetem Aluminium und Baumwoll-Canvas rahmen die Arbeiten. Ein heller Teppich ist auf den charakteristischen grünen Stahl des Grand Palais abgestimmt.

Das passt zur Geschichte eines Hauses, dessen Anfänge im Verpacken und im Bau von Reisekoffern liegen. Zugleich gibt diese Gestaltung der Präsentation einen interessanten Zwischenzustand. Die Objekte scheinen gerade angekommen zu sein oder könnten bald wieder aufbrechen. Das schärft den Blick für ihren materiellen Charakter: für Oberflächen, Gewicht und die handwerkliche Arbeit, die in ihnen steckt.

Zu sehen sind auch Arbeiten langjähriger Wegbegleiter. Takashi Murakamis Monogramouflage Skull (Black) von 2008 begleitet seine Camouflage-Interpretation aus der Artycapucines-Kollektion von 2025. Yayoi Kusama ist unter anderem mit Great Gigantic Pumpkin und Every Day I Pray for Love, beide von 2023, vertreten. Frank Gehrys fischförmige Leuchten Untitled (Paris II) von 2012 stellen eine Verbindung zwischen seinen bewegten Formen und seinen Lederwarenentwürfen für Louis Vuitton her.

Keith Haring und die Bewegung der Zeichen

Ein neues Kapitel eröffnet die Keith Haring gewidmete Artycapucines-Kollektion. Kleine Figuren, Tänzer, ein laufendes Herz und Ketten grafischer Symbole ziehen sich über die Taschen. Harings Bildsprache bringt dabei einen eigenen Rhythmus mit: Die Zeichen wirken auch dort bewegt, wo die Oberfläche stillsteht.

Daneben wird ein Louis-Vuitton-Koffer aus den 1930er-Jahren gezeigt, den Haring in den 1980er-Jahren mit seiner Signatur versah. Dieses historische Objekt gibt der aktuellen Kollektion einen konkreten Bezugspunkt. Zwischen dem alten Koffer und den neuen Taschen liegen Jahrzehnte; verbunden sind sie durch die Begegnung einer unverwechselbaren Handschrift mit einem Gegenstand des Reisens.

Gerade die Gegenüberstellungen machen die Retrospektive interessant. Sie erlauben, einer Idee über unterschiedliche Materialien hinweg zu folgen: von Glasperlen zu Leder, von einer gemalten Figur zu einer tragbaren Form. Wie viel vom ursprünglichen Werk bleibt dabei erhalten? Und welche Möglichkeiten entstehen erst durch die Übersetzung?

Die Präsentation ist im Rahmen von Art Basel Paris vom 23. bis 25. Oktober 2026 im Grand Palais öffentlich zugänglich. Für den Messebesuch gelten die jeweiligen Ticketbedingungen.

Die französische Schauspielerin über Kreativität, Intuition und die unsichtbaren Welten, die ihren Blick prägen – und ihre Rolle als künstlerische Leiterin von Oh La La! bei der Art Basel Paris 2026.

Die Natur folgt ihren eigenen Rhythmen, ihrer eigenen scheinbaren Unordnung. Philippine Leroy-Beaulieu fühlt sich darin zu Hause. Im Gewächshaus des Pariser Jardin des Plantes spricht die Schauspielerin über Schönheit, künstlerische Freiheit und jene Dinge, die wir spüren, ohne sie ganz zu verstehen.

International bekannt als Sylvie Grateau aus Emily in Paris, wuchs Leroy-Beaulieu in Rom auf, umgeben von den Künstlerfreunden ihrer Eltern. Eine Kindheit, die ihre Neugier und ihren Sinn für Freiheit förderte – und bis heute ihren Blick auf die Welt prägt.

„Ich tue mir schwer mit einer Welt, die zu starr und standardisiert ist“, erzählt sie NOWNESS. „Für mich ist das Leben etwas viel … Wellenförmigeres.“

Raum für das Unerwartete

Als künstlerische Leiterin der diesjährigen Initiative Oh La La! bei der Art Basel Paris bringt Leroy-Beaulieu diese Offenheit in die Galerieräume. Das zweitägige Programm lädt Galerien dazu ein, ihre Messestände neu zu gestalten und mit anderen Werken neue Perspektiven und Gespräche anzustoßen.

Unter dem Thema Myths and Legends präsentieren 45 Galerien Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern wie Nina Childress, Leonora Carrington, Ed Ruscha und Diedrick Brackens.

Was Leroy-Beaulieu an Kunstschaffenden fasziniert, ist ihre Bereitschaft, sich auf etwas einzulassen, das über das eigene Verständnis hinausgeht. Sie beschreibt eine Offenheit gegenüber dem Unbekannten – und die Fähigkeit, vertraute Sichtweisen durch neue Erfahrungen infrage stellen zu lassen.

Ein Gespür für das Unsichtbare

Zwischen den Pflanzen kehren ihre Gedanken zur Natur zurück: zur Ordnung in deren scheinbarem Chaos und zu Verbindungen, die sich dem Auge entziehen und dennoch spürbar werden. Intuition und plötzliche Eingebungen lenken ihre Aufmerksamkeit.

„Die andere Welt, die unsichtbare Welt, zieht immer wieder meine Aufmerksamkeit auf sich“, sagt sie. „Ich weiß, dass sie existiert; ich brauche dafür nicht einmal einen Beweis.“

In dieser Folge von Inner Worlds zeichnet NOWNESS das persönliche Porträt einer Schauspielerin, deren Neugier weit über die Leinwand hinausreicht – bis in jenen schwer greifbaren Bereich, in dem Empfindung zu Vorstellungskraft wird.

Über NOWNESS
NOWNESS ist ein globaler Videokanal für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen, der mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden zusammenarbeitet.

50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Pelagia Kolotouros bringt Bewegung in das vertraute Bild von Lacoste. Wir Tennisfans bei THE Stylemate sind begeistert.

Ein weißes Polo nach einem langen Match hat mit seinem frisch gebügelten Gegenstück wenig gemeinsam. Es klebt am Körper, ist zerknittert, am Saum bleibt rote Erde hängen. Genau dieser Moment macht Lacostes Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 für uns so spannend.

Am 4. Oktober zeigte Kreativdirektorin Pelagia Kolotouros auf dem Court Philippe-Chatrier in Roland-Garros eine Garderobe, die den Sport über seine körperlichen Spuren erzählt. Weiße Stoffe wirken von Sandplatzstaub gezeichnet, Oberflächen erscheinen feucht und knittrig. Kleidung bekommt etwas Erlebtes.

Ein wenig Unordnung steht dem Krokodil

Als ausgesprochene Tennisfans mögen wir die Verbindung von Lacoste und dem Court schon lange. Umso mehr begeistert uns dieser Shift. Das vertraute Polo verliert seine brave Selbstverständlichkeit: Kragen lassen sich eigenwillig formen, das Krokodil steht plötzlich Kopf, Silhouetten spielen mit Weite und Körpernähe.

Die Tennisreferenz bekommt dadurch eine andere Spannung. Schweiß, Reibung und die vermeintlichen Abnutzungserscheinungen werden zu gestalterischen Mitteln. Diese bewusst erzeugten Spuren geben den Entwürfen eine Sinnlichkeit, die dem gepflegten Lacoste-Bild ausgesprochen gut steht.

Für uns liegt darin der Reiz dieser Kollektion: Eine Marke mit so klaren Erkennungszeichen lässt Bewegung zu. Ihre Geschichte bleibt sichtbar und fühlt sich plötzlich wieder offen an.

Wie das auf dem Laufsteg aussieht? Das Video der Show findet ihr hier. Wir sind gespannt, was ihr darin seht.

Patricio Campillo entwirft in Mexico City Mode, die Familiengeschichte weiterträgt und vertraute Bilder von Männlichkeit in Bewegung bringt.

Ein Anzug kann lange auf seinen nächsten Auftritt warten. Der des Vaters von Patricio Campillo wurde zum Ausgangspunkt einer ganzen gestalterischen Sprache. In seinen Jacken und Hosen lebt die mexikanische Charro-Kultur weiter – mit einer Sinnlichkeit, die andere Möglichkeiten in den vertrauten Formen entdeckt.

Eine Familiengeschichte zum Anziehen

2020 entdeckte Campillo einen Charro-Anzug, den sein Vater zum 18. Geburtstag vom Großvater erhalten hatte. Dessen Schnitt wurde zur Grundlage vieler seiner Entwürfe. So steckt in der Kleidung des Labels auch eine sehr persönliche Weitergabe: vom Großvater zum Vater zum Sohn.

Die Verbindung reicht in seine Kindheit zurück. Campillo wuchs in Mexico City mit Pferden und der Charro-Kultur auf. Bevor er selbst Mode entwarf, arbeitete er im Modejournalismus, im Styling und in der Art Direction. Eine Zeit in Paris bei der Moderedakteurin Tiffany Godoy bestärkte ihn darin, sich das Entwerfen selbst beizubringen. Seine erste Kollektion entstand 2015, sein Label gründete er 2017. 2024 gehörte er zu den Halbfinalisten des LVMH Prize.

Dieser Weg erklärt vielleicht auch seinen Blick: Campillo kennt die Bilder, durch die Mode Bedeutung erhält. Und er kennt die Erinnerungen, die in einem Kleidungsstück stecken können. Bei ihm begegnen sich beide.

Wie viel Freiheit steckt in einer Form?

Der Charro-Anzug gibt eine Silhouette vor. Campillo untersucht, was sich innerhalb dieser Vorgabe verändern lässt. Für Herbst/Winter 2026 beschäftigte er sich mit Einschränkung, Korsetterie und der sinnlichen Lesart traditioneller Männerkleidung. Rosshaar und fließende Seide brachten unterschiedliche körperliche Erfahrungen ins Spiel.

Darin liegt für uns die Spannung dieser Mode. Eine Form, die Zugehörigkeit ausdrückt, kann zugleich Raum für einen sehr individuellen Auftritt schaffen. Die Herkunft bleibt lesbar; ihre Bedeutung darf sich verschieben.

Auch das Handwerk gehört zu dieser Bewegung. In der Frühjahr/Sommer-Kollektion 2026 wurden geflochtene Seidenbahnen und Lederstreifen zu Shorts, Jacken und Hemden verarbeitet. Techniken, die mit Alltagsgegenständen verbunden sind, erhielten eine neue Aufgabe am Körper. Luxus lässt sich hier als Aufmerksamkeit lesen: für Material, für Arbeit, für die Möglichkeiten einer Konstruktion.

Ein Sonnenuntergang reist nach New York

Für Frühjahr/Sommer 2027 führte eine Wanderung mit seiner Mutter in Chiapas Campillo zu Erinnerungen an Freude und Freiheit. Auf dem New Yorker Laufsteg erschienen Rot, Pink und goldgelbe Töne. Eine Seidenoberfläche erhielt durch oxidierende Metallplatten eine Rostpatina.

Das passt zu einem Designer, der Erinnerungen immer wieder in Material übersetzt. Etwas bleibt erhalten und verändert dabei seine Gestalt. Ein Familienanzug findet einen neuen Körper. Eine Wanderung wird zur Farbe.

CAMPILLO macht Lust, Kleidung auf diese Weise anzusehen: als etwas, das schon eine Geschichte hat und mit uns eine weitere beginnen kann.

Bei Untitled Art in Houston bringt Sapar Contemporary aus New York sieben künstlerische Positionen zusammen. Zwischen Seerosen, gerissenem Papier, gewebten Flächen und Skulpturen aus Kabelbindern lässt sich entdecken, wie unterschiedlich Kunst dem Lebendigen eine Form geben kann.

Ein roter Fisch zieht durch dunkles Wasser. Um ihn herum öffnen sich Blätter und Blüten, ihre Ränder in Rosa gefasst. Mizue Sawanos „Goldfish“ ist ein guter Ausgangspunkt für diese Reise: ein Gemälde, das den Blick einfängt und ihn anschließend zwischen all den kleinen Bewegungen seiner Oberfläche wandern lässt.

Vom 2. bis 4. Oktober 2026 kehrt Untitled Art für seine zweite Houston-Ausgabe ins George R. Brown Convention Center zurück; die VIP- und Pressepreview findet am 1. Oktober statt. Die aktuelle Galerieliste umfasst 99 Teilnehmer. Sapar Contemporary zeigt an Stand E4 eine Auswahl, die mehrere Generationen, Herkunftsländer und Arbeitsweisen miteinander ins Gespräch bringt.

Vom Wasser zur Linie

Die japanisch-amerikanische Malerin Mizue Sawano hat ihre künstlerische Praxis zwischen Tokio, Paris und New York entwickelt. Naturmotive ziehen sich durch ihr Werk; ihre Ausbildung verbindet japanische und westliche Kunsttraditionen. In der Houston-Auswahl begegnen uns unter anderem „White Water lily“ von 1991, mehrere kleine Seerosenbilder von 1993 und „Freedom“ von 2010.

Schon diese zeitliche Spannweite macht neugierig. Hier erscheint Natur als ein Motiv, zu dem man über Jahrzehnte zurückkehren kann. In „Goldfish“ von 2001 treffen die flächigen Blätter auf die dunkle Tiefe des Wassers. Dazwischen setzt der Fisch einen leuchtenden Akzent. Das Auge folgt ihm und bleibt dann doch an einer Blüte hängen.

Bei Bilgé, der türkisch-amerikanischen Künstlerin Bilge Civelekoğlu Friedlaender, wird die Begegnung mit Natur abstrakter. Ihre Beschäftigung mit Horizonten, Wasser und räumlicher Weite findet ihren Ausdruck in einer reduzierten Sprache aus Linien, Papier und Zwischenräumen.

Sapar versammelt mehrere Arbeiten von 1975, darunter „Poem On a Depressed Day“, „Tide’s in #4“ und ein Werk der „Horizontal Line Life Span Series“. Papier wird dabei selbst zum gestalterischen Material: gerissen, geschichtet, mit Pastell, Bleistift oder Aquarell verbunden. Eine Linie kann gezeichnet sein – oder dort entstehen, wo ein Blatt auseinandergerissen wird. Gerade diese Nähe von präziser Setzung und unberechenbarer Materialkante macht die Arbeiten reizvoll.

Was eine Oberfläche alles kann

Mit Ethel Stein und Benigna Chilla rückt die Konstruktion der Oberfläche in den Vordergrund. Steins „Rust Abstract“ von 2005 ist eine Webarbeit aus mercerisierter Baumwolle, ausgeführt in Lampas-Technik mit Ikat-Schuss. Der dafür verwendete Webstuhl besitzt einen von der Künstlerin angefertigten Zugwebaufsatz. Hinter dem Bild steht damit auch die Entwicklung eines Werkzeugs.

Chillas „In Motion“ von 1996 kombiniert bemalte Leinwand mit zwei Lagen bemalten Siebgewebes. In „Pavage en Diagonale II“ von 2000 treffen bedrucktes und bemaltes Rohleinen auf eine weitere bedruckte Gewebeschicht. Das Bild erhält tatsächliche Tiefe. Zwischen den Ebenen entsteht Raum, und mit ihm eine zusätzliche Möglichkeit, Farbe und Struktur wahrzunehmen.

Sui Park führt diese Auseinandersetzung mit Material in eine andere Richtung. Ihre Werke „Flow Blue“ von 2025 und „Microcosm Blue-Green Gradient“ von 2026 bestehen aus handgefärbten Kabelbindern. Aus einem industriellen Alltagsprodukt entstehen skulpturale Gebilde, deren Formensprache an organische Strukturen erinnert. Die variable Größe der Arbeiten erlaubt unterschiedliche räumliche Anordnungen. Schon die Titel öffnen einen gedanklichen Raum zwischen Strömung und kleiner Welt.

Eine Geste, eine ganze Welt

Die Auswahl wird durch Sofia Cacciapaglia und Uuriintuya Dagvasambuu ergänzt. Cacciapaglias kleine Ölbilder tragen Titel wie „Gaze + Hands“, „Gaze: Red Profile“ und „Gestures: Three hands“. Blick und Handbewegung werden zum Ausgangspunkt einer Malerei, die sich auf Ausschnitte menschlicher Präsenz konzentriert.

Dagvasambuu entwickelt die mongolische Maltradition Mongol Zurag weiter. Sie verbindet traditionelle mongolische und buddhistische Motive mit gegenwärtigen Themen und dem Alltag von Frauen in ihrer Heimat. In der Messeauswahl stehen die Acrylbilder „Vignette: The Scent“ von 2025 und „Vignette: Bird’s eye view“. Ihre Titel laden dazu ein, auch an das zu denken, was ein Bild nur indirekt vermitteln kann: einen Geruch, eine veränderte Perspektive, die Erinnerung an einen Moment.

So lässt sich Sapars Präsentation als eine Folge von Begegnungen lesen. Wasser und Papier, Faden und Kunststoff, Blick und Geste: Immer wieder verändert das Material, wie wir eine Form erleben. Ein reizvoller Anlass, auf einer Kunstmesse länger bei einem einzelnen Werk zu bleiben. Vielleicht beginnt es tatsächlich mit einem Goldfisch.

Was macht ein Kleidungsstück zum Sammlerstück? In seinem Kurzfilm Passport besucht Regisseur Glenn Kitson Menschen, die Stone Island nicht nur tragen, sondern erforschen, archivieren und über Generationen weitergeben.

Seit Massimo Osti Stone Island 1982 gründete, prägen Experimente mit Materialien, Färbungen und Funktionen die italienische Marke. Aus dieser Neugier ist weit mehr als eine Kollektion entstanden: In verschiedenen Städten haben Sammler eigene Archive aufgebaut, seltene Stücke aufgespürt und Wissen über ihre Herkunft zusammengetragen.

Sieben Städte, viele Perspektiven

Für Passport spricht Kitson mit Mitgliedern dieser internationalen Community. In London kommen die Archivare Arco Maher und HOLSALES sowie der Vintage-Store 194 Local zu Wort. Weitere Begegnungen führen zu SimJae in Seoul, Metallic Curtain in Paris, Better Gift Shop in Toronto, PEZZE in Neapel und Vintage-Kurator ‘bout in Tokio.

Der Film zeigt, wie unterschiedlich die Wege zu Stone Island sein können. Was die Beteiligten verbindet, ist ihre Aufmerksamkeit für Gestaltung und Funktion – und der Wunsch, die Geschichten hinter den Kleidungsstücken lebendig zu halten. Kitsons Aufnahmen mit älteren Digitalkameras geben diesen Begegnungen eine Bildsprache, die selbst etwas von einem Fundstück hat.

Fotografie: Glenn Kitson und Jago Stock

Im neuen Hôtel LULU trifft die intellektuelle Eleganz der Rive Gauche auf Sichtbeton, Vintage-Design und mediterrane Farben. Vanessa Scoffier hat damit kein weiteres hübsches Boutiquehotel geschaffen, sondern eine eigenwillige Pariser Persönlichkeit.

Paris braucht eigentlich kein neues Hotel. Was die Stadt braucht, sind neue Orte mit Haltung. Häuser, die nicht versuchen, jedem zu gefallen, sondern eine eigene Vorstellung davon entwickeln, wie man heute wohnen, ankommen und miteinander Zeit verbringen möchte. Das gerade eröffnete Hôtel LULU am Boulevard du Montparnasse ist genau so ein Ort.

Nur wenige Schritte vom Jardin du Luxembourg entfernt treffen rohe Materialien auf weiche Texturen, Designklassiker auf Fundstücke und Pariser Ernsthaftigkeit auf eine gehörige Portion Humor. LULU ist modernistisch, ohne museal zu wirken. Intellektuell, aber nicht unnahbar. Und gerade eigenwillig genug, um neugierig zu machen.

Eine neue Figur am linken Seineufer

Der Name klingt vertraut, fast wie der Kosename einer Person, die man schon lange kennt. Tatsächlich ist LULU eine liebevolle Verkürzung des nahe gelegenen Jardin du Luxembourg. Ein Name, der zugleich an das freie, kreative und manchmal exzentrische Paris der Rive Gauche erinnert.

Hier, zwischen Montparnasse, Quartier Latin und Saint-Germain-des-Prés, eröffnet Vanessa Scoffier ihr zweites Hotelprojekt. Die frühere Modejournalistin, Stylistin, Dekorateurin und Hotelierin wurde mit dem Hôtel Henriette bekannt – einem charmanten, bohemienhaften Haus nahe der Rue Mouffetard. Für LULU wählt sie eine deutlich radikalere Sprache. Statt dekorativer Nostalgie bestimmen Sichtbeton, gebürsteter Edelstahl, Holz, recyceltes Glas und klare Linien das Bild.

Das Ergebnis ist kein kalkuliertes Designkonzept, das sich in drei Stichworten erklären lässt. Es ist eine Collage aus persönlichen Erinnerungen, Architektur, Mode, Kunst und gefundenen Dingen. Genau darin liegt seine Spannung.

Große Namen, persönliche Fundstücke

LULU verfügt über lediglich 27 Zimmer. Klein genug, um nicht in Routinen zu erstarren, und groß genug, um mehr als ein privates Gästehaus zu sein. In den öffentlichen Bereichen begegnen sich Entwürfe von Verner Panton, Tommaso Barbi, Florian Schulz, Curtis Jeré sowie Noomi Backhausen und Paul Brandborg für Søholm. Ein Corbi-Sofa von Klaus Uredat aus den 1970er-Jahren steht neben patinierten Spiegeln, Terrakottavasen, alten Büchern und Türen, die einst zu einem Schloss gehörten.

Dazwischen taucht eine für Vogue entstandene Fotografie von Manolo Campion auf. In den Korridoren durchbricht ein Leopardenmuster die kontrollierte Strenge des Hauses. Es sind genau solche Momente, die LULU davor bewahren, zu einem allzu korrekten Designhotel zu werden.

Hier wird Gestaltung nicht als Übung in Perfektion verstanden. Die Dinge dürfen unterschiedliche Geschichten erzählen. Nicht alles muss aus derselben Epoche stammen, nicht alles muss zusammenpassen. Es genügt, dass die einzelnen Elemente miteinander ins Gespräch kommen.

Auch die Geschichte des Gebäudes bleibt sichtbar. Während der Arbeiten wurde auf dem Dachboden eine alte Leuchtschrift des früheren Hôtel de Nice entdeckt. Sie blieb erhalten – wie eine kleine Erinnerung daran, dass ein Hotel nie ganz neu beginnt.

Vom Beton ans Mittelmeer

In den Zimmern wird der Ton leiser. Dicke Teppiche, naturfarbene Wände, Leinenvorhänge und zurückhaltende Materialien schaffen eine Atmosphäre, die eher an eine sehr gut eingerichtete Pariser Wohnung als an ein klassisches Hotelzimmer erinnert. Licht fällt durch die Fenster und öffnet den Blick über die Dächer der Stadt.

Dann kommt die Überraschung: Die Badezimmer leuchten in Rosa, Grün oder Blau. Vom Boden bis zur Decke verlegte Mosaike erinnern an Swimmingpools und an den Süden Frankreichs. Sie bringen Sonne, Farbe und eine beinahe filmische Stimmung in die reduzierte Welt des Hotels.

Der Kontrast ist präzise gesetzt. Beton und Edelstahl stehen für das Urbane, die farbigen Mosaike für eine imaginäre Reise ans Mittelmeer. Dazwischen entfaltet sich jene Form von Eleganz, die nicht durch Kostbarkeit entsteht, sondern durch eine sehr persönliche Auswahl.

Ein Hotel, das seinen Rhythmus verändert

Besonders interessant wird LULU dort, wo es aufhört, ausschließlich Hotel zu sein. Im Erdgeschoss öffnet sich das Haus zum Quartier. Morgens wird gefrühstückt, tagsüber verwandelt sich der Raum in einen Coffee-Shop, abends übernimmt das Piano.

Unter dem Glasdach des Wintergartens treffen Reisende auf Nachbarn, Kreative auf Flaneure und Hotelgäste auf Menschen, die nur auf einen Kaffee hereingekommen sind. Eine Feuerstelle, Bücher, offene Räume und das Klavier schaffen keine klassische Lobby, sondern eine kleine Bühne für das Pariser Alltagsleben.

Damit folgt LULU einer Entwicklung, die für die zeitgenössische Hotellerie entscheidend geworden ist: Ein relevantes Hotel definiert sich nicht mehr allein über seine Zimmer. Es muss Beziehung zu seinem Umfeld aufnehmen. Es muss Teil eines Viertels werden, statt lediglich darin zu stehen.

Bei LULU wirkt dieser Gedanke nicht wie eine nachträglich entwickelte Strategie. Er scheint vielmehr der Ausgangspunkt des gesamten Hauses gewesen zu sein.

Die Schönheit des Unfertigen

LULU besitzt jene seltene Qualität, zugleich gestaltet und intuitiv zu wirken. Nichts erscheint zufällig, doch auch nichts wurde so lange poliert, bis jede Spur von Persönlichkeit verschwunden ist. Das Hotel lässt Widersprüche zu: rohe und sanfte Materialien, modernistische Klarheit und Leopardenmuster, Pariser Intellekt und mediterrane Lebensfreude.

Vielleicht ist genau das zeitgemäßer Luxus: kein Überfluss und keine zur Schau gestellte Perfektion, sondern die Freiheit, einen Ort konsequent nach den eigenen Vorstellungen zu formen.

Paris hat also doch ein neues Hotel gebraucht. Nicht irgendeines, sondern eines wie LULU.

Hôtel LULU
155 Boulevard du Montparnasse
75006 Paris, Frankreich
27 Zimmer · Coffee-Shop · Wintergarten · Piano-Bar
hotelluluparis.com

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.

Einer der spektakulärsten Infrastruktur-Bauten Italiens der letzten Jahre ist fertiggestellt. Mit dem neuen Verkehrs-Hub Centro Direzionale di Napoli setzt die Verwaltung der süditalienischen Metropole ganz auf Holz.

Was lange währt, wird endlich gut. Lange mussten die Neapolitaner auf die Eröffnung des Bahnhofs warten. Nun ist endlich die Beleuchtung montiert und erhellt den Vorplatz, der rund einen Kilometer Luftlinie von der berühmten Kathedrale der süditalienischen Metropole entfernten liegt.

Auch die letzte Hürde wurde vor kurzem genommen: Die statische Überprüfung konnte erfolgreich abgeschlossen werden. Damit geht nicht nur eines der größten Infrastruktur-Projekte Italiens in Betrieb, sonder auch ein Vorzeige-Holzbau von internationaler Strahlkraft. Mit dem 43 Millionen Euro teuren Bauvorhaben hat das in Barcelona ansässige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT der Hauptstadt der Region Kampanien ein neues Wahrzeichen verpasst.

Doch zur Freude, dass die U-Bahn-Linie 1 alle fünf bis sechs Minuten in der Centro Direzionale ein- und ausfahren und die Menschen zu und von diesem wichtigen Verkehrsknotenpunkt Neapels bringen wird, gesellt sich auch Ärger. Denn: Nach der Fertigstellung ist vor der nächsten Baustelle.

Auf zur nächsten Baustelle

Weitere oberirdische Arbeiten, die die Station Centro Direzionale-Tribunale und einen Fußgängerweg betreffen, der den Justizpalast mit der Staatsanwaltschaft verbinden soll, brachten eine Änderung der Verkehrsrichtung.

Anfang November 2024 ging frühmorgens deshalb erst mal gar nichts: Das Chaos auf den Straßen mitsamt fluchender und wild gestikulierender Verkehrsteilnehmer machte dem Klischee süditalienischen Treibens alle Ehre. Die Einwohner Neapels befürchten, dass es noch gut ein Jahr dauern wird, bis der Verkehr wieder seinen gewohnten Lauf nehmen wird.

Das Centro Direzionale, Namensgeber der neuen Station, ist das Top-Geschäftsviertel in Neapel. Die Planungen des Stadtquartiers gehen auf das Jahr 1964 zurück, als die Stadtverwaltung ein brach liegendes Industrieareal im Ausmaß von etwa 110 Hektar festmachte, mit dem man das eigentliche Stadtzentrum entlasten könne.

Dieses Viertel Neapels war von Anfang an hauptsächlich für Büronutzung gedacht. Und die Realisierung nach den Plänen des japanischen Architekten Kenzō Tange orientierte sich an den Ideen von Le Corbusier. Dieser sah Straßenzüge und Verkehr als Organismen, die es zweckmäßig zu organisieren gilt, sodass die oberirdischen Fußgängerbereiche strukturell klar getrennt sind.

Direkte Anbindung an Neapels Ringstraße

Nun wird die neue Station zum Dreh- und Angelpunkt der neapolitanischen urbanen Mobilität – nicht zuletzt durch die Anbindung an die Ringstraße und das Verkehrssystem hinter dem Hauptbahnhof, zu dem es eine direkte Verbindung geben wird.

Das neue Beleuchtungssystem, die Grünanlagen und die Tiefgaragen mit mehr als 2.000 Stellplätze werten das Gelände auf.

Neapels Triple A

Für die Architektur zeichnet Benedetta Miralles Tagliabue verantwortlich. Ihre Überarbeitung des ursprünglichen Baukörpers, bei der ein Teil der Dachplatte und einige Elemente des Zwischengeschosses abgetragen wurden, ließ einen freundlichen, lichtdurchfluteten Bahnhof mit großzügigen Lufträumen entstehen.

Bereits im Jahr 2004 hatte die Stadt Neapel Entwürfe mehrerer international renommierter Architekten wie Sir Norman Foster, Massimiliano Fuksas, Alvaro Siza, Domenique Perault, Karim Rashid und auch Benedetta Tagliabue eingeholt. Das Leitmotiv: „Kunst, Architektur und Archäologie“, auch als „Triple A“ abgekürzt (Art, Architecture, Archeology).

Benedetta Tagliabue entsprach diesem Grundgedanken, indem sie neue Beziehungen herstellte: Der unterirdische Hauptbahnhof verbindet die vulkanische Geologie der Stadt mit dem in den 1970er-Jahren von Kenzō Tange entworfenen Masterplan des Ortes, mit den spiegelnden Wolkenkratzern und Tanges Piazza, die sich gar zu sehr vom Rest Neapels unterschied.

Die Gegend war immer wieder Schauplatz archäologischer Funde, was so manches Bauvorhaben nicht nur zeitlich ausbremste. Als Anspielung an die kulturhistorisch reiche Geschichte Neapels befindet sich ein Kunstwerk an der Decke der Station. Es stellt eine Szene aus einem archäologischen Fund aus dem nahe gelegenen Pompeji dar.

Holz als organischer Kontrast

Der neue Bahnhof wurde über den bestehenden U-Bahn-Trassen errichtet. Er ersetzt das frühere Gebäude, das kaum mehr als eine Überdachung für die Treppe war. Das Material Holz wurde bewusst gewählt, um einen organischen Kontrast zu den Teilen des Viertels aus den 1970er-Jahren zu schaffen.

Der Bau verleiht dem Ort eine Identität mit hohem Wiedererkennungswert, die im Kontrast zu seiner Umgebung und seinem historischen Kontext steht. Er verwandelt ihn in eine komplexe Topografie mit vielen verschiedenen Ebenen für Fußgänger und mit einer ausgefeilten tektonischen Dachstruktur – sinnbildlich für die Bewegungen und Dynamik der Bevölkerung.

„Holz ist ein sehr leichtes Material, das sich perfekt in die vorhandenen Strukturen einfügt. Wir haben es wegen seiner Vielseitigkeit, Nachhaltigkeit und der Wärme, die es in städtische Räume bringt, ausgewählt“, erklärt Benedetta Tagliabue. Die Architekten haben die ursprünglichen Betonstrukturen und -säulen genutzt und sie mit neuen Holzstützen ergänzt. Die Stahlteile des Betons dienten ihnen als Basis.

Gewölbeartige Überdachung

Die charakteristische Form des 10.000 Quadratmeter großen Bahnhofs ist aus Brettschichtholz gefertigt. Die Breite der darunter liegenden Gleise spiegelt sich in der Breite der wellenförmigen Gewölbe wider. Die Decken seien auch eine Anspielung auf klassische Bahnhöfe, die oft gewölbt sind. Die Form des Bahnhofs sollte das Gefühl eines „Waldspaziergangs“ vermitteln.

„In gewisser Weise haben wir versucht, eine Art neue organische, fließende Piazza zu schaffen, als ob wir durch einen Wald gehen würden, obwohl wir uns eigentlich in einem künstlichen Geschäftszentrum befinden“, führt Benedetta Tagliabue aus.

Die 1963 in Mailand geborene Architektin Benedetta Tagliabue ist seit 1990 in Barcelona ansässig. Sie gründete 1993 mit dem katalanischen Architekten Enric Miralles das international tätige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT in Barcelona. Seit dem Tod ihres Mannes im Jahr 2000 führt sie das Unternehmen alleine. Heute hat EMBT auch Niederlassungen in Shanghai und Paris.

Tagliabue hat zahlreiche Preise für ihre Projekte erhalten. Seit 2014 ist sie Mitglied der Jury für den Pritzker-Preis, die renommierte Auszeichnung für Architektur, die seit 1979 von der Hyatt-Stiftung vergeben wird.

Text: Linda Benkö
Fotos: Roland Halbe