Mit der achten Artycapucines Collection übersetzt Louis Vuitton Keith Harings Bildsprache in 13 Taschen – und bringt die Energie seiner Zeichnungen in eine neue Form.

Ein Herz hat Beine bekommen. Es läuft los, als könnte es die nächste Begegnung kaum erwarten. Keith Harings „Running Heart“ braucht wenige Linien, um etwas auszulösen: Bewegung, Zuneigung, vielleicht auch die Lust, einfach mitzulaufen. Diese Unmittelbarkeit prägt das Werk des Künstlers. Und sie macht den Reiz der neuen Keith Haring Artycapucines Collection von Louis Vuitton aus.

In enger Zusammenarbeit mit der Keith Haring Foundation widmet die Maison das achte Kapitel ihrer Artycapucines-Reihe dem 1990 verstorbenen Künstler. 13 Neuinterpretationen der Capucines greifen seine Motive auf: das „Running Heart“, das „Radiant Baby“, tanzende Figuren, Tiere und grafische Kompositionen. Bilder, die vielen längst vertraut sind – und deren Wirkung sich dennoch nicht im Wiedererkennen erschöpft.

Ein paar Linien, und alles bewegt sich

Harings Figuren haben keine ausgearbeiteten Gesichter. Ihre Körper sprechen durch Gesten, ihre Umgebung durch kurze Striche. Ein Arm hebt sich, ein Körper beugt sich, ein Baby strahlt. Man versteht diese Bilder oft, bevor man darüber nachdenkt.

Im New York der 1980er-Jahre fand Haring sein Publikum auch auf den Bahnsteigen der Subway. Mit weißer Kreide zeichnete er auf schwarze, ungenutzte Werbeflächen. Seine Kunst begegnete Menschen unterwegs, mitten in ihrem Alltag. Die direkte Beziehung zum Publikum gehörte zu ihrem Wesen.

Die Leichtigkeit seiner Bildsprache konnte dabei ernste Anliegen tragen. Haring setzte seine Kunst unter anderem für die Aufklärung über AIDS und gegen Apartheid ein. Lebensfreude und gesellschaftliches Engagement stehen in seinem Werk nah beieinander. Seine Figuren erinnern daran, wie viel sich durch eine Geste ausdrücken lässt: Nähe, Verletzlichkeit, Zusammenhalt.

Die Zeichnung bekommt einen Körper

Auf der Capucines verändert sich das Verhältnis zwischen Bild und Oberfläche. Leder besitzt eine eigene Struktur, eine Tasche Volumen. Eine Linie muss hier über eine dreidimensionale Form hinweg lesbar bleiben; ein Motiv begegnet uns aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Louis Vuitton nutzt für die Kollektion Techniken von traditioneller Leder-Marketerie bis zu modernstem Laser-Druck. Darin liegt der gestalterisch interessante Teil dieser Begegnung: Harings scheinbar mühelose Zeichnungen werden zum Ausgangspunkt einer aufwendigen handwerklichen Übersetzung. Entscheidend ist, ob ihr Rhythmus dabei spürbar bleibt.

Die Kollektion führt zugleich einen Dialog fort, den Nicolas Ghesquière mit seiner Cruise-2027-Kollektion begonnen hat, präsentiert im Mai 2026 in der Frick Collection in New York. Harings Bildwelt wandert weiter – durch unterschiedliche Materialien, Formen und Zusammenhänge.

Ein Herz läuft weiter

Seit dem Debüt von Artycapucines 2019 haben über 35 zeitgenössische Künstler:innen die Capucines als gestalterische Fläche genutzt. Mehr als 50 Designs sind daraus hervorgegangen, unter anderem von Takashi Murakami, Beatriz Milhazes, Daniel Buren und Vik Muniz.

Das neue Kapitel richtet den Blick auf eine Bildsprache, deren Energie bis heute unmittelbar ankommt. Ein laufendes Herz bleibt ein merkwürdiges, schönes Bild: Gefühle haben plötzlich Füße. Und man möchte wissen, wohin sie unterwegs sind.

Die 13 Modelle der Keith Haring Artycapucines Collection erscheinen ab 1. Jänner 2027 als limitierte Editionen in Louis-Vuitton-Boutiquen weltweit.

Europäisches Küchenhandwerk, japanische Einflüsse und drei Gründer zwischen Gastronomie und Musik: Am 20. Oktober 2026 soll SISU in Berlin-Kreuzberg eröffnen.

Ein Musikstudio und ein Restaurant haben auf den ersten Blick wenig gemeinsam. Für Christian Hubert Raab liegen sie erstaunlich nah beieinander. Der Songwriter und Musikproduzent kennt beide Welten: 2012 eröffnete er das Café Bald Neu in München, später schuf er mit HAUS2000 in Berlin einen kreativen Ort für Songwriter und Produzenten. Hier wie dort geht es um Timing, Balance und die Atmosphäre, in der etwas zusammenkommt. Mit SISU erhält dieser Gedanke nun eine neue Adresse: die Köpenicker Straße 174 in Berlin-Kreuzberg.

Gemeinsam mit dem Gastronomen Daniel Nini und dem Musik- und Medienmanager Belmin Sehovic plant Raab ein Restaurant, in dem Essen, Musik, Kunst und Kultur zusammenfinden. Die Küche verantwortet Michael Englhart. Sein Ansatz passt zu einem Haus, das handwerklich viel vorhat und seinen Gästen einen unkomplizierten Abend ermöglichen möchte.

Viel Arbeit für einen klaren Geschmack

Englhart bringt rund 13 Jahre Erfahrung aus der gehobenen Gastronomie und aus Sternerestaurants mit. Im SISU verbindet er europäische Kochtradition mit japanischen Einflüssen. Klassische Fonds, Jus und Saucen bilden das Fundament; Koji, Miso und Kombu erweitern das geschmackliche Spektrum. Fermentation, Säure und Umami gehören zu den Werkzeugen einer Küche, die vieles selbst herstellt.

Hinzu kommt das Feuer. Fisch, Fleisch und Gemüse werden auf dem Konro oder über offenem Feuer gegart. Röstaromen sollen den Eigengeschmack vertiefen und dem jeweiligen Produkt Raum lassen. Wie viel Vorbereitung und Präzision dahinterstecken, muss sich beim Essen nicht in den Vordergrund drängen.

„Komplexität darf in der Entstehung liegen. Auf dem Teller soll sie sich nicht kompliziert anfühlen“, beschreibt Englhart seinen Ansatz.

Das ist ein sympathischer Gedanke für Fine Dining: Der Anspruch liegt im Produkt und in seiner Zubereitung. Am Tisch darf daraus einfach Genuss werden.

Gastgeber mit Gespür für Menschen

Für die Gastfreundschaft steht Daniel Nini, Geschäftsführer, Partner und Gastgeber des SISU. Der gebürtige Hamburger hat unter anderem im Fischereihafen Restaurant, im Grill Royal, im Borchardt und im Telegraphenamt gearbeitet, zuletzt als Restaurant Manager im GRACE. Was ihn an seinem Beruf fasziniert, ist die Energie, die entsteht, wenn Menschen zusammenkommen – und das gute Gefühl, mit dem sie später wieder gehen.

Ein Restaurant kann für ihn Treffpunkt, Wohnzimmer, Nachtclub und Salon zugleich sein. Diese Offenheit prägt die Idee hinter SISU. Raab bringt seine Erfahrung mit Musik, Kaffee und Gestaltung ein, Sehovic mehr als zehn Jahre im Musik- und Medienmanagement sowie Kontakte in die Kreativ- und Kulturszene. Wie sich das Zusammenspiel von Gastronomie und Kultur im Alltag entfalten wird, bleibt mit der Eröffnung zu entdecken. Die Voraussetzungen dafür liegen jedenfalls in den unterschiedlichen Lebenswegen der Gründer.

Ein finnisches Wort in Kreuzberg

SISU steht im Finnischen für innere Stärke, Ausdauer, Mut und Entschlossenheit. Für die Gründer beschreibt der Name den Wunsch, einen eigenen Weg konsequent zu verfolgen. Kulinarisch führt dieser Weg durch Europa und Japan; als Restaurant soll SISU in Berlin verwurzelt sein, offen für die Menschen und Ideen, die an seinen Tischen zusammenkommen.

Vielleicht liegt darin die schönste Verbindung zum Musikstudio: Ein guter Abend lässt sich sorgfältig vorbereiten. Seinen eigenen Rhythmus entwickelt er mit den Menschen, die ihn miteinander verbringen.

SISU
Köpenicker Straße 174, Forum-Gebäude, Berlin-Kreuzberg
Angekündigte Eröffnung: 20. Oktober 2026
Öffnungszeiten ab Eröffnung: Dienstag und Mittwoch 18–22 Uhr, Donnerstag bis Samstag 18–24 Uhr
Reservierungen: www.sisu-restaurant.com

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

Wie viel Einfluss haben wir tatsächlich auf unsere Energie, unseren Schlaf, unsere Konzentration und unser Wohlbefinden? Neurowissenschaftler Andrew Huberman versucht mit seinem neuen Buch Protocols eine Antwort – und macht aus wissenschaftlichen Erkenntnissen konkrete Werkzeuge für den Alltag.

Morgen, am 15. September 2026, erscheint eines jener Bücher, die schon vor ihrer Veröffentlichung eine beträchtliche Community haben: Protocols: An Operating Manual for the Human Body von Andrew Huberman. Der Neurowissenschaftler und Professor an der Stanford School of Medicine hat mit seinem Podcast Huberman Lab Wissenschaft zu einem globalen Medienphänomen gemacht. Nun bringt er viele jener Erkenntnisse, über die er seit Jahren spricht, in Buchform zusammen.

Vom Wissen zum Tun

Das Grundprinzip von Protocols ist erstaunlich einfach: Wissen über den menschlichen Körper ist nur dann wirklich hilfreich, wenn wir daraus etwas machen können.

Huberman unterscheidet deshalb zwischen grundlegenden Verhaltensweisen, die unseren körperlichen und mentalen Zustand langfristig beeinflussen, und gezielten Werkzeugen für bestimmte Situationen oder Ziele. Es geht um Schlaf und Regeneration, Bewegung, Stressregulation, Ernährung und Licht ebenso wie um Konzentration, Motivation, Lernen und persönliche Entwicklung.

Im Mittelpunkt steht dabei das Nervensystem. Hubermans zentrale Idee: Unser körperlicher und mentaler Zustand ist weniger statisch, als wir häufig annehmen. Licht, Bewegung, Atmung, Schlaf, Ernährung oder bestimmte Formen der Erholung beeinflussen unsere Physiologie – und damit auch, wie konzentriert, belastbar, energiegeladen oder ausgeglichen wir uns fühlen.

Gesundheit als tägliche Praxis

Gerade darin liegt die Attraktivität des Buches. Protocols versteht Gesundheit nicht primär als etwas, mit dem wir uns beschäftigen, sobald etwas nicht mehr funktioniert. Gesundheit wird vielmehr zu einer täglichen Praxis.

Viele der Grundgedanken wirken dabei beinahe unspektakulär: Tageslicht nach dem Aufstehen, ausreichend Schlaf, regelmäßige Bewegung, gezielte Regeneration oder Techniken zur Stressregulation. Hubermans Stärke liegt weniger darin, völlig neue menschliche Bedürfnisse zu entdecken, als darin, wissenschaftliche Zusammenhänge zu erklären und daraus konkrete Routinen abzuleiten.

Das macht Protocols weniger zu einem klassischen Gesundheitsratgeber als zu einer Art Werkzeugkasten. Nicht jeder Mensch muss jedes Protokoll übernehmen. Vielmehr sollen die einzelnen Methoden an Lebensstil, Bedürfnisse und persönliche Ziele angepasst werden können.

Zwischen Selbstoptimierung und Selbstwirksamkeit

Interessant wird das Buch dort, wo eine größere gesellschaftliche Frage auftaucht: Wie weit wollen wir uns eigentlich optimieren?

Man kann Hubermans Welt durchaus als Ausdruck einer Zeit lesen, in der Schlaf, Training, Ernährung und selbst Erholung messbar und optimierbar geworden sind. Aus Lebensführung kann schnell ein permanentes Verbesserungsprojekt werden.

Doch man kann Protocols auch anders lesen: als Plädoyer für Selbstwirksamkeit. Nicht alles in unserem Leben lässt sich kontrollieren – aber erstaunlich viele kleine Faktoren unseres körperlichen und mentalen Zustands können wir beeinflussen.

Genau hier dürfte die eigentliche Stärke des Buches liegen. Huberman verspricht keinen neuen Menschen. Er versucht vielmehr zu zeigen, wie wir den vorhandenen Körper und das vorhandene Gehirn besser verstehen und mit ihnen arbeiten können.

Und vielleicht ist das die zeitgemäßere Form von Wellness: nicht immer mehr zu tun, sondern besser zu verstehen, was uns tatsächlich guttut.

All-Inclusive war lange das Versprechen, sich um nichts kümmern zu müssen. Das neue Mondrian Cancún geht einen Schritt weiter: Es möchte ein Ort sein, an dem man etwas erleben will. Zwischen Karibischem Meer und Nichupté-Lagune verbindet das erste All-Inclusive-Resort der Marke Mondrian zeitgenössisches Design mit mexikanischer Lebensart, Rooftop-Pools, Beach Club und einer Gastronomie, die weit über das klassische Resort-Buffet hinausdenkt.

Cancún kennt man. Oder glaubt zumindest, es zu kennen: weißer Sand, türkisfarbenes Wasser, Palmen und jene großen Resorts, die seit Jahrzehnten das Bild der mexikanischen Karibikküste prägen. Doch genau dieses Bild beginnt sich zu verändern.

Mit dem im August 2026 eröffneten Mondrian Cancún, All Inclusive bringt Mondrian seine eigene Vorstellung von Lifestyle-Hotellerie an die Küste Yucatáns. Auf Grand Island, nur rund 15 Minuten vom internationalen Flughafen entfernt, entstand ein Resort, das die Bequemlichkeit von All-Inclusive mit jener urbanen Energie verbinden möchte, für die Mondrian bekannt ist.

400 Zimmer und Suiten, mehr als zehn Restaurants, sechs Bars, drei Poollandschaften, ein Beach Club und ein umfangreiches Fitness- und Wellnessprogramm machen daraus beinahe eine kleine Welt für sich. Und doch soll Cancún dabei nicht draußen bleiben.

Zwischen Meer und Lagune

Schon die Lage erzählt viel über das Konzept. Auf der einen Seite liegt das Karibische Meer, auf der anderen die ruhigere Nichupté-Lagune. Dazwischen erhebt sich der schlanke Hotelturm – offen, lichtdurchflutet und mit weiten Blickachsen.

Die Architektur setzt weniger auf karibische Folklore als auf eine zeitgenössische Interpretation des Ortes. Klare Linien treffen auf zurückhaltende Farben, haptische Materialien und großzügige Glasflächen. Die eigentliche Hauptrolle spielt ohnehin die Landschaft.

Auch in den Zimmern und Suiten bleibt das Interior bewusst ruhig. Neutrale Töne und raffinierte Oberflächen bilden den Hintergrund für Meer, Himmel und Lagune. Private Balkone und Terrassen verlängern die Räume nach draußen – und machen deutlich, dass man hier trotz aller Angebote vor allem wegen eines gekommen ist: der mexikanischen Karibik.

Eine neue Generation All-Inclusive

Interessant wird das Mondrian Cancún dort, wo es versucht, mit einigen alten Vorstellungen vom All-Inclusive-Urlaub zu brechen.

Statt eines durchgetakteten Resortprogramms steht Freiheit im Mittelpunkt. Ein langsamer Morgen kann genauso dazugehören wie ein Workout, ein Nachmittag am Pool, eine DJ-Session oder ein langer Abend auf dem Rooftop. Übernachtung, Speisen und Getränke, Entertainment, Fitnessangebote sowie zahlreiche Freizeitaktivitäten sind im Aufenthalt inkludiert.

Drei Pools inszenieren die unterschiedlichen Perspektiven des Resorts. Zwei blicken auf die Nichupté-Lagune, während sich auf dem Dach ein Adults-only-Pool mit Panorama über Cancún befindet.

Dazu kommen ein rund um die Uhr geöffnetes Fitnessstudio, tägliche Movement- und Mindfulness-Sessions sowie – im weiteren Verlauf des Jahres – ein Spa mit umfassendem Behandlungsangebot und zusätzliche Fitnessbereiche.

Und der Strand? Der liegt wenige Minuten entfernt. Alle 30 Minuten verbindet ein Shuttle das Resort mit dem Bungalow Beach Club, wo weißer Sand, karibisches Wasser, Sushi, Sharing Plates und tropische Cocktails warten.

Vom Frühstück bis weit nach Sonnenuntergang

Vielleicht zeigt sich der neue All-Inclusive-Gedanke am deutlichsten beim Essen. Statt Gastronomie als notwendige Versorgung zu verstehen, macht Mondrian sie zum Teil des Erlebnisses.

Mehr als zehn Restaurants und sechs Bars begleiten den Tag vom ersten Kaffee bis zum Late-Night-Snack.

Im Cuyo richtet sich der Blick auf die Küste Yucatáns: Seafood, Gerichte aus dem Holzfeuer, Agaven-Cocktails und mexikanische Weine interpretieren die Region auf zeitgemäße Weise. Niko verlegt moderne japanische Küche, Sushi und Drinks hoch über das Resort.

Noch eine Etage exklusiver wird es bei Allegra Rooftop & Bar. Das Konzept ist Mondrian+-Gästen vorbehalten und verbindet Infinity-Pool, Dinner, Cocktails und Entertainment mit jenem fließenden Übergang von Tag zu Nacht, der gut zur DNA der Marke passt.

Denn im Mondrian Cancún soll Gastronomie nicht nur satt machen. Restaurants und Bars werden zu sozialen Räumen – zum Treffpunkt, zur Bühne und manchmal zur Party.

Mondrian+ und die Kunst des Rückzugs

Wer innerhalb des Resorts noch etwas mehr Privatsphäre sucht, findet sie bei Mondrian+, dem erweiterten Adults-only-Konzept.

Dazu gehören großzügigere Zimmer und Suiten, ein persönlicher Kurator, exklusiver Check-in und Check-out sowie Zugang zu THE EXCHANGE+, einer privaten Rooftop-Lounge mit Panorama-Pool. Auch Niko und Allegra gehören zum exklusiven Angebot; hinzu kommen bevorzugte Plätze im Bungalow Beach Club und ein erweitertes Getränkepaket.

So entsteht innerhalb des großen Resorts eine intimere Ebene – für Gäste, die selbst entscheiden möchten, wann sie Teil des Geschehens sein wollen und wann nicht.

Raus aus dem Resort

So verführerisch es sein mag, zwischen Pool, Rooftop und Restaurant zu bleiben: Die Halbinsel Yucatán beginnt direkt vor der Tür.

Zusätzlich buchbare Erlebnisse führen zu Lagunen, Cenoten und archäologischen Stätten der Maya. Golfer können den benachbarten, von Isao Aoki entworfenen Golfplatz besuchen, während private Cabanas, individuelle Dinner und maßgeschneiderte Feiern das Resorterlebnis ergänzen.

Gerade diese Verbindung ist entscheidend. Das neue Mondrian will kein hermetisch abgeschlossener Mikrokosmos sein, sondern Ausgangspunkt für Entdeckungen – auch wenn es seinen Gästen ausgesprochen viele Gründe liefert, einfach dazubleiben.

Mehr als ein Hotel

Mit dem Resort beginnt für Mondrian in Mexiko gleichzeitig ein weiteres Kapitel. Direkt an der Nichupté-Lagune befinden sich die ersten Mondrian Residences des Landes: 328 Wohnungen mit einem, zwei oder drei Schlafzimmern.

Sie übertragen die Ästhetik und Services der Lifestyle-Marke auf das private Wohnen und folgen damit einer Entwicklung, die internationale Hotelmarken zunehmend prägt: Die Grenzen zwischen Hotel, Residence, Club und Lebensraum werden fließender.

Auch das Resort selbst ist noch nicht ganz fertig erzählt. Im Laufe des Jahres sollen das neue Spa, erweiterte Fitnesseinrichtungen, ein Teens Club, Meeting Spaces sowie zusätzliche gastronomische Konzepte folgen – darunter ein italienisches Restaurant und eine kubanisch inspirierte Sunset-Bar.

Vielleicht liegt genau darin die interessanteste Idee des Mondrian Cancún: All-Inclusive nicht als möglichst vorhersehbaren Urlaub zu verstehen, sondern als Freiheit, jeden Tag anders aussehen zu lassen.

Mondrian Cancún, All Inclusive
Cancún, Mexiko
Preise laut Hotel ab ca. 393 Euro pro Nacht.

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der indischen Wildnis. Nicht nur ist es ein Ort des Staunens und der Kreativität. Es wird zudem höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht.

Das Wendy House im südindischen Kozhinjampara heißt nicht zufällig so: Patin für den Namen stand Wendy Darling aus „Peter Pan“, der Disney-Verfilmung der Kindergeschichten aus der Feder des schottischen Schriftstellers J. M. Barrie. Peter Pan zeichnet sich dadurch aus, dass er als einziges aller Kinder niemals erwachsen wird und in „Neverland“ lebt. Wendy und ihre beiden jüngeren Brüder sind fasziniert und lassen sich auf zahlreiche Abenteuer mit Peter Pan ein.

Kindliche Fantasie trifft ökologisches Bewusstsein

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der Wildnis, das Schutz und Abenteuer zugleich verspricht. Diese erzählerische Dimension wurde von den Architekten bewusst als gestalterisches Motiv aufgegriffen.

Das Haus soll nicht nur funktionaler Wohnraum, sondern ein Ort des Staunens, der Kreativität und des Spiels sein – für Kinder wie Erwachsene. Und so spricht die Realisierung des Baus mit seiner skurrilen Formensprache, den erdigen Farbtönen und den liebevoll gestalteten Details alle Sinne an.

Wendy House: Vorbild für Nachhaltigkeit in Indien

Daneben lädt das Haus dazu ein, die Umgebung zu erkunden, in ihr aufzugehen und eine neue, achtsame Beziehung zur Natur einzugehen.

Denn das Wendy House ist inmitten eines üppigen Waldes gelegen. Auf dem acht Hektar großen Privatgrundstück im indischen Bundesstaat Kerala steht nun eine Art Bauernhaus, das sich nicht nur harmonisch in seine natürliche Umgebung einfügt, sondern auch höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht wird.

Der Wunsch, die dichte Vegetation des Grundstücks vollständig zu erhalten, war von Beginn an Vorgabe und zentraler Bestandteil des Entwurfs von Earthscape Studio unter der Leitung von Petchimuthu Kennedy.

Das Team entwickelte daher vor Ort einen Raster, mit dessen Hilfe das Gebäude exakt auf die bestehende Baumlandschaft abgestimmt werden konnte. So musste kein einziger Baum dem Bau weichen. Die Architektur reagiert somit unmittelbar auf die Gegebenheiten des Ortes und integriert die Natur nicht nur als Kulisse, sondern als strukturgebenden Bestandteil der Gestaltung.

Innovativ: Timbrel-Gewölbe statt Beton

Kennedys Entwurf verzichtet bewusst auf Stahl- und Betonkonstruktionen, um die ökologische Belastung gering zu halten. Stattdessen greift er auf die Timbrel-Gewölbetechnik zurück. Dies ist ein Konstruktionsprinzip, das auf sich überlagernde, flache Ziegelstrukturen setzt. Ein Timbrel-Gewölbe ist demnach ein geschlossenes System von in Mörtel-Schichten liegenden Keramikziegeln, die eine solide Kuppel bilden.

Die beiden geschwungenen Gewölbe des Hauses (36 und 32 Fuß breit, 13 und 11 Fuß hoch respektive 10,9 und 9,7 Meter breit und 3,9 sowie 3,3 Meter hoch) sind inspiriert von sogenannten Kettengewölben, wie sie einst von Kennedys Mentor Senthil Kumar Doss, Gründer von Play Architecture, entwickelt wurden. Derartige Gewölbe folgen einer Kurve, die eine idealisierte hängende Kette unter ihrem eigenen Gewicht annimmt, wenn sie nur an ihren Enden in einem gleichmäßigen Gravitationsfeld gehalten wird. Die organische Form der Doppelgewölbe schmiegt sich an die Konturen des Geländes und verleiht dem Baukörper eine natürliche Präsenz.

Lokale Materialien und traditionelle Techniken

Die Nachhaltigkeit des Wendy House kommt auch bei der Materialwahl zum Ausdruck. Verwendet wurden fast ausschließlich lokal verfügbare Rohstoffe.

Die Gewölbe bestehen aus sogenannten Sithu-kal-Ziegeln. Das sind kleine, dreischichtige Ziegel, die traditionell für die Madras-Terrassendachtechnik eingesetzt wurden. Heute jedoch finden sie kaum noch Verwendung. Durch ihre Nutzung unterstützt das Projekt daher nicht nur regionale Handwerker, sondern trägt auch zum Erhalt alter Bauweisen bei.

Zudem wurden gebrochene Ziegel und wiederverwendete Stahlstäbe in den Bau integriert – Materialien, die andernfalls entsorgt worden wären. Diese fanden nicht nur in der Tragstruktur, sondern auch beim Bau von Einbaumöbeln, Frühstückstheken und Betten sowie bei der Deckenkonstruktion erneut Verwendung. Die Ziegel für die Decke stammen aus einem Umkreis von 15 Kilometern, was den ökologischen Fußabdruck des Transports minimieren half.

Um die beiden Gewölbe zu fassen und zusätzliche thermische Masse zu schaffen, wurde ein Erdwall errichtet. Der Lehm dafür wurde direkt auf dem Grundstück entnommen. Diese Methode spart Ressourcen und vermeidet durch den Transport verursachte Emissionen. Gleichzeitig verleiht sie dem Gebäude eine urtümliche Ästhetik, die eng mit der Landschaft verbunden ist.

Wohnen mit der Natur
– und mit Innenhof

Auch das Holz für Türen und Möbel stammt aus regionalen Abfällen. So entstand ein Gebäude, das nicht nur formal, sondern auch materiell tief mit seiner Umgebung verwurzelt ist.

Der zentrale Innenhof zwischen den Gewölben bildet das kommunikative und klimatische Zentrum des Hauses. Mit einem kleinen Wasserlauf ausgestattet, sorgt er für eine angenehme Mikroklimatik und bringt Tageslicht in alle angrenzenden Räume.

Transparente Raumbeziehungen und offene Übergänge zum Hof schaffen eine ständige Verbindung zwischen Innen- und Außenraum – ein bewusst gesetztes Gegengewicht zu den häufig hermetisch abgeschlossenen Wohnhäusern der Gegenwart.

Architektur als kollektiver Prozess

Die Entstehung des Wendy House war nicht nur ein architektonisches, sondern auch ein soziales Projekt. Die Architekten wohnten während der gesamten achtmonatigen Bauzeit auf dem Grundstück und arbeiteten eng mit lokalen Handwerkern zusammen.

Unterstützt wurden sie von Mentor Vinu Daniel, einem Pionier der nachhaltigen Bauweise in Indien. Er ermutigte das Team zum Experimentieren mit natürlichen Materialien und unkonventionellen Techniken, was dem Projekt seinen innovativen Charakter verlieh. Daniels Credo: „In einem Architekturbüro sollte es nicht darum gehen, einen Haufen Papiere vom Büro auf die Baustelle zu bringen.“

Verantwortungsvoller indischer Hausbau

The Wendy House steht exemplarisch für einen neuen Weg im indischen Hausbau – jenseits der anonymen Betonbauten und klimatisch ineffizienten Glaspaläste. Es vereint traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischer Formensprache, soziale Verantwortung mit technischem Know-how.

Jeder Aspekt des Entwurfs – von der Wahl des Standorts über die Materialbeschaffung bis hin zur Gestaltung des Innenhofs – folgt einem ökologisch und sozial verantwortlichen Leitgedanken. Das Haus produziert wenig Abfall, verbraucht wenig Energie und respektiert die natürlichen Ressourcen seiner Umgebung. Gleichzeitig bietet es seinen Bewohnern ein sinnlich erfahrbares, inspirierendes Lebensumfeld.

Text: Linda Benkö
Fotos: Syam Sreesylam

New York im Glas, Wien im Herzen

Mit dem Sanatorium bringen Jakob und Albert Trummer ihre internationale Erfahrung zurück nach Wien. Anfang September eröffnet am Dr.-Karl-Lueger-Platz ein Ort zwischen Cocktailbar, Salon, Kulinarik und Kultur – und mit einer durchaus ambitionierten Idee davon, was Gastfreundschaft heute sein kann.

Eine Bar ist zunächst einmal ein Ort, an dem man etwas trinkt. In ihren besten Momenten war sie aber immer viel mehr: Treffpunkt, Bühne, Rückzugsort, manchmal sogar ein kleines gesellschaftliches Labor. Genau an diese Tradition wollen Jakob und Albert Trummer mit dem Sanatorium anknüpfen.

Anfang September 2026 eröffnet das neue Konzept in der Wiener Innenstadt. Und schon der Name verrät, dass hier nicht einfach eine weitere Cocktailbar entstehen soll. Wissenschaft, Kräuterkunde, Kulinarik, Kunst und Nightlife treffen auf die Wiener Tradition von Kaffeehaus und Salon – ergänzt um jene internationale Dynamik, die Jakob und Albert Trummer über Jahre vor allem in New York geprägt hat.

Von New York zurück nach Wien

Jakob Trummer kehrt mit viel internationaler Hospitality-Erfahrung in seine Heimatstadt zurück. Seine Arbeit führte ihn unter anderem in das Umfeld erfolgreicher Konzepte wie Tao Group und Bagatelle Group. Dabei geht es ihm weniger um Luxus im klassischen Sinn als um die Atmosphäre, die einen Ort unverwechselbar macht.

Albert Trummer wiederum gilt als Pionier einer pharmazeutisch inspirierten Mixologie. Kräuter, botanische Infusionen und präzise komponierte Zutaten werden bei ihm zu Cocktails, die fast wie Rezepturen gedacht sind. Im Sanatorium sollen seine bekannten Kreationen weiterentwickelt und mit saisonalen Zutaten neu interpretiert werden.

Der Austausch mit New York bleibt dabei bestehen: Die Barteams aus Wien und New York sollen regelmäßig die Plätze wechseln und damit neue Ideen, Techniken und Einflüsse in die jeweilige Stadt bringen.

Cocktails als Rezepturen

Die Nähe zur Welt der Pharmazie ist im Sanatorium mehr als eine ästhetische Spielerei. Cocktails werden hier als Kompositionen verstanden, in denen Geschmack, Wirkung, Handwerk und botanisches Wissen zusammenspielen.

Ein wichtiger Einfluss stammt dabei vom 2024 verstorbenen New Yorker Spitzenkoch David Bouley, der ein enger Freund und Mentor der Trummers war. Seine Vorstellung von Gastfreundschaft, die Genuss mit Qualität, Saisonalität und Wohlbefinden verbindet, soll im neuen Wiener Konzept weiterleben.

Tagsüber versteht sich das Sanatorium als Ort für Essen, Gespräche und Begegnungen. Abends verändert sich die Atmosphäre: Cocktails, Musik, Kunst und Nightlife rücken in den Mittelpunkt. Intime Salons und kuratierte Ausstellungen sollen zusätzlich dafür sorgen, dass aus der Bar ein kultureller Treffpunkt wird.

Ein neuer Ort für den X Club

Auch unterhalb des Sanatoriums beginnt ein neues Kapitel der Wiener Nachtkultur. Der X Club von Martin Hos RICEMONEY HOSPITALITY GROUP zieht nach rund 15 Jahren von der Wollzeile in das Souterrain des Hauses.

Der Private Members Club bleibt seinem Konzept treu, bekommt jedoch eine neue kulinarische Dimension. Serviert wird ein Auszug aus der Welt von Ay-Vy, dem neuen Restaurantkonzept der Gruppe. Nach der ersten Eröffnung am 20. August 2026 in Hanoi folgt Mitte September Dubai.

Verantwortlich für die Küche ist Yuki Sakamoto, Sushimeister in vierter Generation. Neben seinem Omakase-Konzept sollen auch einige jener avantgardistischen Sushi-Kreationen weiterleben, die über viele Jahre die DOTS-Restaurants in Wien geprägt haben.

Die Bar als sozialer Raum

Am spannendsten ist am Sanatorium vielleicht weniger ein einzelner Cocktail oder ein bestimmtes Gericht als die Idee hinter dem gesamten Haus. Jakob und Albert Trummer wollen die Bar wieder als einen Ort verstehen, an dem Menschen nicht nur konsumieren, sondern miteinander in Kontakt kommen, Geschichten entstehen und ein Abend eine unerwartete Richtung nehmen kann.

Damit verbindet das Sanatorium zwei Städte, deren Barkultur auf sehr unterschiedliche Weise legendär geworden ist: die Eleganz und Salonkultur Wiens mit der Energie und Experimentierfreude New Yorks.

Ob daraus tatsächlich eine neue Wiener Institution entsteht, wird sich zeigen. Die Zutaten dafür jedenfalls sind ungewöhnlich genug.

Lorenzo Agius und Izzy Weissgerber zeigen auf Mallorca, wie Fotografie und Malerei zu einer gemeinsamen Bildsprache verschmelzen

Mit ICONIC zieht eine Ausstellung in die HMH Galeria in Port Andratx ein, die Fotografie und Malerei nicht als Gegensätze versteht, sondern als gleichberechtigte Gesprächspartner. Vom 22. August 2026 bis 6. Januar 2027 treffen die ikonischen Porträts des international renommierten Fotografen Lorenzo Agius auf die intuitiven, emotionalen Interventionen der Berliner Künstlerin Izzy Weissgerber. Das Ergebnis ist keine klassische Kooperation, sondern eine neue visuelle Sprache, in der Kontrolle und Hingabe, Schönheit und Verletzlichkeit miteinander verschmelzen.

Zwischen Glamour und Menschlichkeit

Seit den 1990er-Jahren gehört Lorenzo Agius zu den bedeutendsten Porträtfotografen der internationalen Film- und Modeszene. Seine Fotografien von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Madonna, Ewan McGregor, Jude Law, Jack Nicholson oder Valentino haben längst Kultstatus erreicht. Doch Agius interessiert sich weniger für Prominenz als für den flüchtigen Moment dahinter.

Seine Bilder entstehen dort, wo Perfektion für einen Augenblick ihre Fassade verliert und Authentizität sichtbar wird. Statt Inszenierung sucht er emotionale Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie führt einen stillen Dialog mit ihrem Gegenüber.

Diese Fähigkeit machte ihn bereits mit seinen ikonischen Fotografien rund um Trainspotting und später während der Ära der britischen „Cool Britannia“ zu einem der prägendsten visuellen Chronisten seiner Generation. Heute befinden sich seine Werke unter anderem in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.

Wenn Farbe Emotion sichtbar macht

Wo Agius mit Licht arbeitet, setzt Izzy Weissgerber auf Intuition. Die deutsch-amerikanische Künstlerin verbindet Malerei, Zeichnung und Mixed Media zu Arbeiten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen.

Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Kunst ist ihre Synästhesie – die Fähigkeit, Menschen als individuelle Farben und Zahlen wahrzunehmen. Diese unsichtbaren Codes übersetzt sie in expressive Eingriffe, die Fotografien nicht übermalen, sondern emotional erweitern.

Ihre charakteristischen Porträts verzichten häufig auf den direkten Blickkontakt. Die Augen verschwinden hinter kräftigen Farbfeldern, wodurch sich der Fokus vom Äußeren auf die innere Energie der dargestellten Persönlichkeit verschiebt. Bekannt wurde Weissgerber international, nachdem Joe Dallesandro – Schauspieler und Muse Andy Warhols – eines ihrer Werke entdeckte und ein Porträt in Auftrag gab.

Ein kreativer Dialog statt einer Überarbeitung

Der besondere Reiz von ICONIC liegt nicht darin, dass Malerei Fotografien verändert. Vielmehr entstehen Werke, die sich zwischen beiden Disziplinen bewegen.

Weissgerbers Eingriffe überdecken die Fotografien von Agius nicht, sondern verdichten sie. Jede Farbschicht eröffnet neue emotionale Ebenen, ohne die ursprüngliche fotografische Sprache auszulöschen. Dadurch entwickelt sich zwischen beiden Künstlern eine geteilte Autorenschaft – eine visuelle Kommunikation, die weder der Fotografie noch der Malerei allein gehört.

Gerade in einer Zeit permanenter Bilderflut wirkt dieser Ansatz bemerkenswert entschleunigend. Statt Aufmerksamkeit durch Lautstärke zu erzeugen, fordert ICONIC Konzentration. Die Ausstellung lädt dazu ein, länger hinzusehen und jene Zwischentöne wahrzunehmen, die im digitalen Bilderstrom oft verloren gehen.

Port Andratx als Bühne für internationale Kunst

Nach ihrer viel beachteten Präsentation während des Gallery Weekends Berlin macht ICONIC nun Station auf Mallorca. In der HMH Galeria werden unter anderem Arbeiten mit Cate Blanchett, Madonna, Jude Law und Diana Ross gezeigt.

Die Ausstellung macht deutlich, dass Porträts weit mehr sein können als Abbilder prominenter Gesichter. Sie werden zu Projektionsflächen für Erinnerung, Emotion und Identität – und zeigen, wie kraftvoll Kunst wird, wenn unterschiedliche Handschriften nicht konkurrieren, sondern miteinander arbeiten.

Die KK3 Residences von VAstudio fügen sich still und selbstbewusst in die raue Schönheit der kretischen Berglandschaft ein – eine Hommage an die Natur, das kulturelle Erbe und den Luxus der Einfachheit.

Oben an den Berghängen von Stalos, unweit der historischen Hafenstadt Chania auf Kreta, dort wo sonnen- und meerhungrige Urlauber entweder mit der Fähre ankommen oder mit dem Flugzeug landen, scheinen die KK3 Residences förmlich aus dem felsigen Gelände herausgewachsen zu sein. Das Athener Büro VAstudio, mit Wurzeln und Hauptsitz in Chania, hat dort ein Wohnensemble geschaffen, das nicht nur durch seine ästhetische Zurückhaltung, sondern vor allem durch seine tiefe Verbindung zum Ort beeindruckt.

KK3 Residences: Gebäude, die dazugehören

Die drei individuell gestalteten Häuser, eingebettet in die wilde Topografie der Insel, sind Ausdruck einer Architekturhaltung, die dem Genius Loci nicht nur Rechnung trägt. Nein, er erhebt ihn zum zentralen Gestaltungsprinzip. Denn anstatt sich der Umgebung aufzudrängen, lässt sich VAstudio von ihr führen – in Form, Materialität, Farbgebung und Atmosphäre. Das Ergebnis: Gebäude, die nicht dominieren, sondern dazugehören.

Schon aus der Ferne wirken die KK3 Residences wie ein organischer Teil der Landschaft. Ockerfarbene Steinmauern, verputzte Flächen in Lehm- und Kalktönen und hölzerne Details nehmen die sonnenverwaschene Farbpalette der umliegenden Berge auf. Die Texturen sind rau, erdig, handwerklich – fast so, als wären sie schon immer da gewesen.

Absage an museale Repliken

Die Architekten von VAstudio wollten keine museale Replik traditioneller kretischer Bauweisen schaffen, sondern deren Essenz neu interpretieren: Schlichtheit, Dauerhaftigkeit, Materialehrlichkeit. „Es geht nicht um Nostalgie“, betont das Büro, „sondern um zeitgenössische Resonanz.“

Die KK3 Residences reagieren auf die Topografie: Sie schmiegen sich horizontal an den Hang. Und andererseits wachsen sie kompakt in die Höhe – wie aus dem Felsen herausgemeißelt. Jede der drei Residenzen ist individuell entworfen – mit einem jeweils spezifischen Grundriss.

Allen gemeinsam ist eine architektonische Sprache, die mit natürlichen Übergängen arbeitet: Innenhöfe, tiefe Überhänge, offene Wohnbereiche und großzügige Fensterflächen schaffen fließende Grenzen zwischen innen und außen.

Diese fließende Raumdramaturgie ermöglicht ein Leben im Rhythmus des Ortes. Morgensonne auf der Terrasse, ein Kaffee mit Blick auf das Kretische Meer, Zikadenklänge im Olivenhain … Es sind Bilder des bewussten Verweilens, die hier zum baulichen Konzept werden.

Raum für Ruhe, Rückzug und Reflexion

Die KK3 Residences sind Rückzugsorte. Kein Ort für Hast oder Spektakel, sondern für Stille und Langsamkeit. Schattige Lounges, überdachte Terrassen und tiefer gelegte Innenhöfe schaffen intime Zonen im Freien. Sie sind ebenso bedeutungsvoll wie die Innenräume selbst. Die Architektur tritt in den Dialog mit Wind, Sonne und Ausblick. Jeder Raum ist darauf ausgelegt, die Natur zu rahmen – nicht zu kontrollieren.

Auch im Inneren wird diese Haltung spürbar. Reduzierte Materialität, handgefertigte Details und eine zurückhaltende Farbpalette prägen das Ambiente. Holzbalkendecken, Terrazzoböden, Steinoberflächen und maßgefertigte Möbel zeugen von einem leisen, fast meditativen Luxus. Die Innenräume sind nicht Kulisse, sondern Lebensraum. Und zwar einer, der sich an den Bedürfnissen der Bewohner und Nutzerinnen orientiert, nicht an Trends.

Nachhaltigkeit ohne Schlagzeilen

Was auffällt: In einer Zeit, in der ökologische Konzepte oft plakativ inszeniert werden, ist die Nachhaltigkeit der KK3 Residences leise – dafür aber tiefgreifend. Die dicke Steinbauweise wirkt als thermische Masse und reguliert das Raumklima ganzjährig. Die Kühlung ist passiv.

Große Fenster und durchdachte Öffnungen ermöglichen Querlüftung und reduzieren den Bedarf an mechanischer Klimatisierung. Tiefe Überhänge schützen vor der hochstehenden Mittelmeersonne, während die Ausrichtung der Gebäude sowohl Blickbeziehungen als auch solare Energiegewinnung optimiert.

Die Landschaftsgestaltung ist bewusst zurückhaltend. Anstelle exotischer Zierpflanzen setzt VAstudio auf einheimische Vegetation: Olivenbäume, niedrige mediterrane Sträucher, lokale Palmen. So verschmelzen Architektur und Natur zu einer Einheit, die sich nicht als Eingriff, sondern als Erweiterung des Ökosystems versteht.

Keine Prestigeobjekte

Die kulturelle DNA der Insel Kreta ist in den KK3 Residences tief eingeschrieben. So fand Vastudio etwa Inspiration aus den umliegenden kretischen Klosteranlagen und Bauernhöfen – mit ihren dicken Mauern, introvertierten Höfen, klaren Volumina. Doch das Architekturbüro transformiert diese Anleihen in eine zeitgemäße Formensprache. Hier wird nicht rekonstruiert, sondern respektvoll weiterentwickelt.

Diese Balance zwischen Altem und Neuem, zwischen kulturellem Gedächtnis und architektonischer Gegenwart, prägt die Häuser. Das Ergebnis ist eine wohltuende, neue, mediterrane Wohnkultur. Weniger ist eben manchmal doch mehr als Repräsentierenwollen, Stille kann auch ein Statement sein.

VAstudio gelingt es, mit sparsamen Mitteln eine starke, verdichtete Atmosphäre zu schaffen. In einer Zeit, in der Architektur oft um Sichtbarkeit kämpft, ist das fast schon radikal.

Text: Linda Benkö
Fotos: VAstudio

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.