3D-gedruckte Leuchten aus recycelten und bio-basierten Kunststoffen: Lucas Zito verbindet digitale Fertigung mit einer klaren, ressourcenschonenden Designhaltung.

Lucas Zito ist Designer mit Fokus auf Lichtobjekte. Seine Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Materialforschung, neuer Technologie und nachhaltigem Denken. Auf Basis recycelter und bio-basierter Kunststoffe entstehen Leuchten, die nicht nur funktional sind, sondern eine bewusste Haltung gegenüber Material und Prozess transportieren.

Gestaltung als präziser Prozess

Ausgehend von seiner Ausbildung an der Design Academy Eindhoven entwickelte Lucas Zito einen Ansatz, der Design als kontrollierbaren, präzisen Prozess versteht. Zentrale Rolle spielt dabei der 3D-Druck, der es ermöglicht, Form, Struktur und Materialeinsatz exakt zu steuern. Ziel ist es, mit möglichst wenig Material maximale räumliche Wirkung zu erzielen.

Seine Leuchten entstehen aus reclaimed oder bio-sourced plastics und werden in Paris entworfen und gefertigt. Technologie dient dabei nicht der Effekthascherei, sondern als Werkzeug für Ressourcenschonung und formale Klarheit.

Die BUOY Collection: Schwerelosigkeit in Form gebracht

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Lucas Zito mit der BUOY Collection, die seit 2021 als seine gestalterische Signatur gilt. Der Name leitet sich von buoyancy – dem physikalischen Prinzip des Auftriebs – ab. Dieses Konzept übersetzt Zito in Leuchten, die trotz ihrer Größe visuell leicht wirken und scheinbar im Raum schweben.

Die modular aufgebauten Lichtobjekte werden von Hand assembliert und sind bewusst so konstruiert, dass auch großformatige Leuchten mit überraschend wenig Material realisiert werden können. BUOY steht exemplarisch für Zitos Designverständnis: technisch präzise, poetisch in der Wirkung und konsequent ressourcenschonend.

Lucas Zitos Arbeit zeigt, wie zeitgenössisches Design Verantwortung übernehmen kann, ohne an Ästhetik zu verlieren. Seine Leuchten stehen für bewusste Materialwahl, Langlebigkeit und eine neue Form von technischer Eleganz – Werte, die den Gedanken von mindful living auf stille, überzeugende Weise widerspiegeln.

Beverly Hills wird zum Schauplatz einer Design-Revolution: Star-Designer Kelly Wearstler öffnet ihr Zuhause für ein kreatives Experiment, das Grenzen zwischen Kunst, Design, Musik und Performance verschwimmen lässt.

Wenn eine Pionierin der Designwelt ein neues Kapitel aufschlägt, dann lohnt es sich, genau hinzusehen. Mit Side Hustle hat Kelly Wearstler, eine der einflussreichsten Gestalterinnen unserer Zeit, eine Plattform geschaffen, die weit über klassische Ausstellungen hinausgeht. Die Kelly Wearstler Side Hustle Galerie ist gleichzeitig kuratorischer Raum, kreative Werkstatt und digitale Bühne für Talente aus aller Welt.

Was Side Hustle so besonders macht, ist die interdisziplinäre Ausrichtung:
Von Skulptur über Malerei, Schmuck, Performance, Film, Musik, Kulinarik bis hin zu Automobildesign und Sport ‒ Wearstler versammelt kreative Stimmen unterschiedlichster Disziplinen unter einem Dach. Die Plattform versteht sich als lebendiges, wachsendes Archiv außergewöhnlicher Arbeiten und Editionen, die die gewohnten Kategorien sprengen.

Ein Zuhause als Galerie
Dass Wearstler für dieses Projekt keinen neutralen Saal, sondern ihr privates Anwesen in Beverly Hills gewählt hat, spricht Bände über ihre persönliche Verbundenheit mit Side Hustle. Das historische Poolhouse ihres Hauses, einst privater Kinoraum mit James-Bond-Atmosphäre, dient als Ausstellungsort der Debütshow „Again, Differently“. Dort zeigt sie Werke internationaler Künstler:innen wie Dozie Kanu, Joana Schneider oder Sam Klemick und setzt damit einen neuen, lebendigen Impuls für kreativen Austausch.

Wearstler selbst erklärt, dass die Idee zu Side Hustle organisch aus ihrer langjährigen Praxis entstanden sei, Künstler:innen regelmäßig in ihre Innenarchitektur- und Produktwelt einzubinden. Mit dieser Galerie wolle sie nun die Dynamik umkehren: nicht Kunst in Räume zu integrieren, sondern Räume zu schaffen, die Kunst und Design gleichberechtigt atmen lassen.

Fördern statt präsentieren
Im Gespräch mit dem AD Magazin betont Wearstler, dass Side Hustle mehr als nur ein Verkaufsraum sei:

„Es geht darum, einen tieferen Dialog zwischen Design und Kunst zu fördern und Kreative dazu zu ermutigen, wirklich disziplinübergreifend zu denken und mit Allerlei zu experimentieren.“

Sie sieht ihre Rolle nicht als traditionelle Galeristin, sondern als Unterstützerin, Kuratorin und Sparringspartnerin für aufregende neue Stimmen der Kreativwelt.

Mit einer digitalen Plattform und Präsenz in sozialen Medien verknüpft Side Hustle den physischen Raum mit einem globalen Publikum, sodass Künstler:innen, Sammler:innen und Designbegeisterte gleichermaßen eingeladen sind, die kreative Zukunft mitzugestalten.

Design als Haltung – und als Versprechen an die Zukunft

Mit der Kollektion Delirium für TM Leader, präsentiert 2025 auf dem Salone del Mobile in Mailand, beweist Karim Rashid einmal mehr, warum er auch nach Jahrzehnten im internationalen Designdiskurs eine unangefochtene Instanz ist. In einer Zeit, in der viele Entwürfe von Reduktion, Neutralität und Nostalgie geprägt sind, setzt Rashid bewusst auf das Gegenteil: Farbe, Emotion, digitale Ästhetik und radikalen Optimismus.

Delirium ist kein leises Design. Es ist ein selbstbewusstes Statement – und genau darin liegt seine Relevanz.

Karim Rashid: Produktivität als kulturelle Kraft

Mit über 4.000 realisierten Designs, mehr als 300 Auszeichnungen und Projekten in über 40 Ländern zählt Karim Rashid zu den produktivsten Designern unserer Zeit. Doch Quantität ist bei ihm nie Selbstzweck. Seine enorme Arbeitsethik ist Ausdruck einer klaren Haltung: Design muss das tägliche Leben verbessern, emotional berühren und zugänglich sein.

Rashid denkt nicht in Objekten, sondern in Systemen, Lebenswelten und Zukunftsszenarien. Seine Entwürfe sind stets Teil eines größeren Narrativs – geprägt von Technologie, Humanismus und der Vision einer besseren, inklusiveren Welt.

Delirium by TM Leader: Eine Kollektion als Gegenwartskommentar

Die Kollektion Delirium, entstanden für TM Leader, übersetzt Rashids Design-DNA in eine neue, expressive Möbelsprache. Organische Formen, fließende Linien und intensive Farben treffen auf präzise Handwerkskunst und innovative Materialien.

Präsentiert auf dem Salone del Mobile, positioniert sich Delirium bewusst jenseits kurzlebiger Trends. Stattdessen formuliert die Kollektion eine klare Antwort auf die Gegenwart: Design darf – und muss – emotional sein. Es darf Freude machen. Und es darf Haltung zeigen.

Farbe, Futurismus und emotionale Intelligenz

Was Rashids Arbeit seit jeher auszeichnet, ist sein kompromissloser Umgang mit Farbe. Wo andere Zurückhaltung üben, setzt er auf visuelle Energie. Doch diese Farbigkeit ist nie dekorativ. Sie ist funktional im emotionalen Sinne.

Rashid versteht Farbe als Werkzeug der Kommunikation, als Mittel gegen visuelle Monotonie und mentale Erschöpfung. Gerade in einer Welt permanenter Krisen wirken seine Entwürfe wie ein bewusstes Gegenprogramm – ein Plädoyer für Optimismus, Sinnlichkeit und digitale Eleganz.

Warum Karim Rashid heute relevanter ist denn je

In einer Designlandschaft, die sich zunehmend im Zitat der Vergangenheit verliert, bleibt Karim Rashid konsequent zukunftsorientiert. Er gestaltet für das Jetzt – und für das, was kommt. Seine Entwürfe reflektieren unsere digitale Realität, unsere Sehnsucht nach Individualität und unser Bedürfnis nach emotionaler Verbindung.

Delirium zeigt eindrucksvoll: Rashids Vision ist nicht gealtert. Sie ist gereift.

„Design ist kein Luxus. Es ist eine Notwendigkeit für ein besseres Leben.“ – Karim Rashid

Mit Delirium für TM Leader unterstreicht Karim Rashid seine Rolle als radikaler Humanist des Designs. Seine Arbeiten sind laut, farbenfroh und unbequem – und genau deshalb unverzichtbar. Sie erinnern uns daran, dass Design mehr sein kann als Funktion und Form: nämlich eine kulturelle Kraft mit emotionaler Tiefe und gesellschaftlicher Relevanz.

Wer gut schlafen, sitzen oder liegen möchte, braucht vor allem eines: eine hochwertige Unterlage. Bei Wittmann im Kamptal weiß man um dieses Geheimnis seit bald 130 Jahren Bescheid. In Toni Mörwalds neuem Gutshof, in dem Polstermöbel von Wittmann im ganzen Haus verteilt sind, gehen Kulinarik und Komfort eine feine Symbiose ein.

Es gibt viele gute Gründe, warum sich der Weg ins Kamptal lohnt. Die malerische Landschaft mit den sanft geschwungenen Weinbergen und Flussschleifen ist einer davon – ebenso wie der daraus hervorgehende Grüne Veltliner. Ein anderer sind die klassischen Konzerte im architektonisch markanten Wolkenturm in Grafenegg. Und zwischen atemberaubendem Weitblick, warmen Geigenklängen und dem Duft reifer Trauben, verbirgt sich noch ein weiterer schöner Grund.

Hier bei Wittmann im ruhigen Etsdorf entstehen seit bald 130 Jahren formschöne Polstermöbel in Handarbeit mit Klassikern wie dem Alleegasse-Sofa von Josef Hoffmann und Neuzugängen wie dem Tuya-Ohrensessel von Jaime Hayon. Und unweit davon entfernt, macht man es sich im neu eröffneten Gutshof von Toni Mörwald auf Wittmann-Betten und -Sesseln gemütlich.

Manche Geschenke verlieren nie ihren Wert. So wie mein erstes Presse-Goodie: ein schlichter Schlüsselanhänger aus Leder mit acht eingeprägten Buchstaben: W I T T M A N N. Seit damals, es ist wohl 15 Jahre her, bündelt er diverse Schlüssel, Mal kommen neue dazu, Mal kommen welche weg, doch das Lederband hält jedem Job- und Wohnungswechsel stand.

Ein Begleiter fürs Leben, genau so beständig wie die Möbel, für die er steht.

Schon die Fassade des Unternehmens, ein Raster aus quadratischen Fenstern und metallenen Details in Otto-Wagner-Grün, deutet Zeitlosigkeit an. Doch was man von außen nicht sieht: Hinter ihr erstreckt sich ein Geflecht aus Werkshallen, in denen Sessel, Sofas und Betten vollständig unter einem Dach entstehen: vom Metallrahmen bis zur Matratze. Wittmann steht für Handwerk als Gesamtkunstwerk, seit bald 130 Jahren. Es hat Historie, aber ohne historisch zu sein.

Seit Kurzem wird der österreichische Möbelhersteller von einem Dänen mit viel Vorerfahrung in der Branche und einer besonderen Liebe und Expertise für Möbel geleitet. Und während mich CEO Bo Thuesen bei meinem Besuch durch das weitläufige Areal führt und die einzelnen Stationen erklärt, schwingt etwas von „Sendung mit der Maus“-Staunen mit.

In der Schlosserei startet der Produktionsprozess mit maßgefertigten Metallrahmen. Von dort führt der Weg durch die Lagerhalle mit ihren vorgefertigten Holzkonstruktionen weiter zur Begurtung und dann in die Vorpolsterei. Hier fallen zuerst die Farben ins Auge – Schaumstoffe in Gelb, Blau, Rosa. Nicht etwa aus gestalterischer Absicht, jede Farbe steht schlichtweg für eine andere Dichte. Schicht um Schicht werden sie wie ein Sandwich verklebt, manchmal sogar auf derselben Ebene kombiniert, um genau jene feinen Eigenschaften zu erzeugen, die man später nicht mehr sieht.

Verborgen im Inneren, unsichtbar im Endprodukt und doch das Element, das den entscheidenden Unterschied macht. Der Sitz- und Liegekomfort ist die Kernkompetenz von Wittmann, weshalb Bo Thuesen vieles aus dem Sortiment verbannt hat, was nicht direkt der Bequemlichkeit dient, etwa Leuchten oder Tische. In der Näherei nehmen dann unterschiedlichste Stoff- und Leder-Bahnen Form an, bevor sie um den Rohling drapiert und straffgezogen werden. Anschließend werden die fertigen Stücke noch einmal kontrolliert, mit einer Plakette versehen, verpackt und in die Welt geschickt – oder eben auch einfach ins Nachbardorf nach Feursbrunn am Wagram.

Hier, wo Spitzenkoch Toni Mörwald seinem Heimatdorf neues Leben einhaucht und verlassene Gasthäuser, Pensionen und Weinkeller revitalisiert und in Orte von Genuss und Gastlichkeit verwandelt. So wie dem neuen Gutshof, in dem man unmittelbar spürt, wie viel Komfort in Wittmann steckt. Etwa anhand der Leslie Stühle und Barhocker von Soda Designers, mit ihrem Material-Mix aus Leder und Holz. Oder mit den farbigen Vuelta Sofas und Sesseln von Jaime Hayon, deren Rücken und Seiten in einer einzigen, fließenden Linie verlaufen, um jene, die Platz nehmen, beinahe zärtlich zu umfangen.

Die Küche von Toni Mörwald trägt dann ihr Übriges zur guten Polsterung bei. Im Michelin-Stern gekrönten Gourmetrestaurant Toni M. genießt man österreichische Küche mit weltoffenem Blick und dazu das ein oder andere Gläschen Wein, bevor es an die Bar oder zurück ins Zimmer geht.

Vom warmen Licht der Occhio-Leuchten umhüllt, wartet hier schließlich auch noch ein Wittmann-Möbelstück geduldig darauf, dem Gast die Ruhe zu schenken, die in ihm wohnt: nämlich ein handgemachtes Bett mit Matratze, für deren Herstellung alleine 115 Arbeitsschritte notwendig sind. Muss ich also erwähnen, wie gut ich geschlafen habe? Vermutlich nicht. Oder vielleicht doch, denn am nächsten Tag wurde ich von meinem Mann empfangen mit den Worten: „Du siehst so entspannt aus.“ Und das ist wohl der beste Grund, um ins Kamptal zu fahren.

Fotos: CWN; Wittmann

Zwei Sessel, zwei Persönlichkeiten, ein Dialog aus Gegensätzen

Es gibt Möbel, die den Raum nicht einfach füllen, sondern ihn prägen. Sie erzählen von Charakter, Haltung und Emotion – leise, aber eindrucksvoll. Die Sessel Belt und Mac von cierre1972 sind zwei solcher Protagonisten. Sie verkörpern Eleganz als Ausdruck von Persönlichkeit – in zwei unterschiedlichen Stimmen, die sich zu einer harmonischen Melodie aus Design und Gefühl verbinden.

Belt – diskrete Verführung

Design: Marco Fumagalli

Zart und entschlossen zugleich – der Sessel Belt ist ein Symbol feiner Provokation. Sein charakteristischer Ledergürtel umschließt die sanft gepolsterte Sitzfläche und trennt sie vom kühlen Glanz des Metalls – ein spannender Kontrast aus Material, Textur und Emotion. Mit einem 360°-Drehmechanismus, Memory-Funktion und einer Komposition aus Raps-, Kokos- und Olivenwachs bewegt sich Belt leicht, folgt jeder Geste – und bleibt dennoch in sich ruhend.

Eleganz, die nicht auffallen will, aber bleibt.

Mac – die Kraft der Form

Design: Maurizio Manzoni

Wo Belt flüstert, spricht Mac mit fester Stimme. Er füllt den Raum mit Präsenz, ohne ihn zu dominieren – geometrisch, klar und doch einladend. Seine Struktur aus matt lackiertem Metall rahmt ein weiches Inneres aus Polyurethanschaum und silikonisierter Mikrofaser. Ein Gleichgewicht zwischen Strenge und Komfort, Präzision und Wärme.

Jede Linie, jeder Reflex seiner metallischen Kanten erzählt von der Kunst, Gegensätze in Balance zu bringen. So wird Mac zur modernen Ikone eines Raumes, der Stil nicht zeigt, sondern lebt.

Design im Dialog

Belt verführt. Mac behauptet. Beide sind Teil eines Ganzen – eines Wohnkonzepts, das auf Gegensätzen aufbaut und sie in Harmonie verwandelt. Bei cierre1972 wird Eleganz nicht als Stilrichtung verstanden, sondern als Charaktereigenschaft. Eine Haltung, die Räume verwandelt – und Geschichten erzählt.

Die Kunst des Spiels: Neue Entwürfe von Basaglia + Rota Nodari

Das italienische Traditionsunternehmen FAS Pendezza, bekannt für seine ikonischen Kickertische, führt diese Idee mit einer neuen Kollektion fort, die von den Architekten und Art Directors Basaglia + Rota Nodari entworfen wurde.
Die Modelle Boss, Brooklyn und Cornelius transformieren Klassiker des Spiels in Objekte zeitgenössischer Designkultur – zwischen Funktion, Stil und Freude am Detail.

Boss – Präzision mit Haltung

Der Boss ist mehr als ein Kickertisch – er ist ein Statement.

Seine Materialität aus Metall und Iroko-Holz verbindet industrielle Klarheit mit haptischer Wärme.
Die Designer Basaglia + Rota Nodari verleihen dem Klassiker eine neue Sprache: klare Linien, makellose Proportionen, eine zurückhaltende Farbpalette in Blau, Orange oder Grün.

Das Ergebnis ist ein Objekt, das sich ebenso in Hotel-Lounges und modernen Offices wie in privaten Räumen zu Hause fühlt. Ein Spielgerät, das Haltung zeigt – robust, elegant und von jener italienischen Leichtigkeit getragen, die Design und Emotion vereint.

Brooklyn – Brückenschlag zwischen Architektur und Spiel

Inspiriert von der ikonischen Konstruktion der Brooklyn Bridge, steht der gleichnamige Shuffleboard-Tisch für Balance und Präzision.

Die charakteristischen konischen Metallbeine – ein Markenzeichen von FAS Pendezza – verleihen Stabilität und eine skulpturale Präsenz.

Das Spielfeld aus solidem Core-Material ist so fein gearbeitet, dass es sowohl professionelles Spiel als auch pure Ästhetik ermöglicht. Brooklyn bringt urbane Eleganz in Räume, die mehr wollen als Funktion – Orte, an denen Begegnung und Gestaltung eins werden.

Cornelius – Das Spiel im Freien neu gedacht

Cornelius, eine zeitgenössische Interpretation des klassischen Cornhole-Spiels, überträgt das Prinzip des Wettbewerbs in eine minimalistische Designsprache.

Die Konstruktion aus pulverbeschichtetem Metall und wetterfestem Iroko-Holz verbindet Beständigkeit mit Leichtigkeit.

So entsteht ein Objekt, das ebenso gut in private Gärten wie in urbane Rooftop-Lounges passt – robust, langlebig und mit einem Hauch Nostalgie.

Design trifft Emotion

Mit dieser Kollektion schafft FAS Pendezza eine neue Kategorie des Design-Spielobjekts:
ästhetisch anspruchsvoll, funktional präzise und emotional verbindend.
Das Spiel wird zur Kultur, die Form zum Ausdruck von Freude, Handwerk und Gemeinschaft.
Ein Manifest für 2025 – „A world of games“, das nicht nur zum Spielen, sondern zum Verweilen, Staunen und Fühlen einlädt.

Skulpturen der Wärme: Wie TUBES das Heizen neu definiert

Wärme ist mehr als Funktion – sie ist Emotion, Form und Ausdruck. Mit dem Projekt „Beyond Warmth“ zeigt das italienische Designlabel TUBES, wie sich Heizkörper in autonome Objekte verwandeln: sinnlich, skulptural und überraschend poetisch.

Jenseits der Funktion

Mit der Plug&Play-Linie, die 2018 lanciert wurde, war TUBES das erste Unternehmen weltweit, das eine Kollektion von unabhängigen Design-Heizkörpern auf den Markt brachte – mobile, installationfreie Objekte, entworfen von renommierten Kreativen.
Diese Heizobjekte sind weit mehr als funktionale Elemente oder dekorative Accessoires: Sie sind autonome Skulpturen der Wärme, die Räume nicht schmücken, sondern bewohnen.

Beyond Warmth – Wärme als visuelle Sprache

Mit dem Kommunikationsprojekt „Beyond Warmth“ führt TUBES diese Vision weiter. Die Plug&Play-Heizkörper werden in natürliche, unerwartete und poetische Szenarien gestellt – in symbolische Landschaften, die mithilfe von künstlicher Intelligenz geschaffen wurden. Unter der kreativen Leitung von Filename Studio entstand eine Serie von Bildern, die Wärme und Form als narrative Sprache begreifen.

In diesen imaginären Umgebungen überschreiten die Produkte ihren funktionalen Kontext und offenbaren ihre wahre Natur: Skulpturale Präsenz, die mit Licht, Materialität und Raum interagiert.

Ein Manifest der Vision

„Beyond Warmth“ ist mehr als eine Kampagne – es ist ein Manifest. Es verkörpert die Haltung eines Unternehmens, das seit seiner Gründung über Grenzen hinausdenkt:

• über die Funktion hinaus, indem es Heizkörper zu Designobjekten erhebt,
• über die Wand hinaus, indem es sie in den Mittelpunkt des Raumes rückt,
• über Konventionen hinaus, indem es Wärme als kreativen Ausdruck versteht.

Denn TUBES produziert nicht nur Wärme – TUBES verwandelt sie in eine Sprache des Designs, der Forschung und der Freiheit.

Über TUBES

Gegründet 1992 von der Familie Crosetta, steht TUBES Radiatori für italienische Exzellenz, Innovation und Handwerkskunst. Seit über drei Jahrzehnten definiert die Marke den Heizkörper neu – vom technischen Element zum ikonischen Designobjekt.
Gemeinsam mit Ludovica Serafini + Roberto Palomba entstand 2004 die Kollektion Elements, gefolgt von der visionären Plug&Play-Linie. Heute arbeitet TUBES mit internationalen Designer:innen zusammen und wurde 2018 mit dem Compasso d’Oro ADI ausgezeichnet – einem der wichtigsten Designpreise der Welt.

Privater Showroom, große Geste – Paris, 6. Arrondissement

In einem historischen Stadthaus in Saint-Germain-des-Prés öffnet Maison LELEU seinen neuen privaten Showroom – ein intimer Ort, an dem französische „haute décoration“ zwischen Archiv und Gegenwart neu verhandelt wird. Terminbasiert, kuratiert, kompromisslos sinnlich.

Zwischen Erbe und Avantgarde

Seit 1910 steht der Name Maison LELEU für die seltene Allianz aus meisterhaftem Handwerk und klarer Formensprache – Möbel, Leuchten, Textilien und Teppiche, die im 20. Jahrhundert zu Ikonen wurden. Im neuen Pariser Showroom wird dieses Erbe nicht museal inszeniert, sondern lebendig weitergedacht: Re-Editionen aus dem Archiv treffen auf zeitgenössische Entwürfe, gefertigt von spezialisierten Ateliers für Holz, Metall, Stein, Lack und Stickerei. Die Räume wirken wie stille Kompositionen – gedämpfte Töne, taktile Oberflächen, präzise Proportionen.

Der Ort

15 rue des Saints-Pères, 75006 Paris – im Herzen von Saint-Germain-des-Prés, nur wenige Schritte vom Boulevard Saint-Germain. Der neue Showroom fügt sich in das literarisch-künstlerische Gefüge des Viertels ein. Hier gilt: „Showroom sur rendez-vous“ – ein diskreter Rahmen, der Raum für Dialog schafft. Kein Ort für Laufkundschaft, sondern für Architekt:innen, Sammler:innen und Interior-Designer:innen, die Materialität und Handwerk im Original erleben wollen.

Handschrift

Die aktuelle kuratierte Auswahl zeigt sanfte Volumen, grafische Linien und Textil-Handwerk mit Couture-Anmutung. Typisch LELEU: Möbel, die architektonisch denken, Leuchten, die Atmosphäre modellieren, Teppiche, die Räume erden. Understatement ist hier kein Widerspruch zur Exklusivität, sondern ihre Essenz.

Zugang & Termin

Der Showroom ist ausschließlich nach Vereinbarung zugänglich. Anfragen erfolgen über contact@maisonleleu.com

Zeitloser Glanz für die gedeckte Tafel

Sieben Modelle. Zwei Finishes. Ein Versprechen: zeitlose Eleganz in Sterlingsilber – ganzjährig verfügbar.

Silber – das edelste aller Metalle – hat seit Jahrhunderten einen festen Platz in der Kultur des Genießens.
Bereits in der Antike zierte es die Tafel der Wohlhabenden, im 16. Jahrhundert nahm es jene Form an, die wir heute als Besteck kennen. Seitdem steht Tafelsilber für Stil, Tradition und die Kunst des feinen Handwerks.

Die Geschichte der Marke Pott ist eng mit dieser Tradition verbunden. 1932 trat Carl Pott mit nur 26 Jahren in den Familienbetrieb ein und richtete den Fokus des Unternehmens auf die Gestaltung eigener Bestecke. Seine Entwürfe – geprägt von einer klaren, modernen Formsprache – legten den Grundstein für den unverwechselbaren Pott-Stil.

Im Jahr 1948 übertrug Pott diesen Designanspruch erstmals auf das Material Silber. Mit dem Modell Pott 81 des Gestalter Hermann Gretsch wurde das erste Sterlingsilber-Besteck der Marke vorgestellt – der Beginn einer neuen Ära, in der Handwerkskunst und Design eine vollkommene Einheit bilden. In den folgenden Jahren entstanden zahlreiche weitere Entwürfe – von Carl Pott selbst und von namhaften Designgrößen seiner Zeit.

Heute umfasst das Pott-Besteckprogramm 19 Modelle, davon sieben in 925er Sterlingsilber. Neu ist: Diese Modelle – Pott 33, Pott 35, Pott 40, Pott 81, Pott 84, Pott 86 und Pott 89 – sind ab sofort ganzjährig bestell- und lieferbar. Damit bricht Pott mit der bisherigen Tradition der saisonalen Fertigung und macht Silber zum festen Bestandteil der Gegenwart.

 Als ergänzende Neuerung, sind die Sterling Bestecke ab sofort wahlweise in zwei edlen Oberflächen erhältlich: matt gebürstet oder brillant poliert. Beide Finishes unterstreichen die klare, zeitlose Formsprache, für die Pott seit Jahrzehnten steht.

Pott Sterling ist mehr als Tafelsilber – es ist ein Stück gelebter Kulturgeschichte, neu interpretiert für die Gegenwart.

Ab 05. November 2025 im Pott Onlineshop sowie im ausgewählten Fachhandel erhältlich.
Preise auf Anfrage.

Der Wiener Architekt und Designer gestaltet Räume und Objekte mit derselben Konsequenz: klar, präzise und immer aus der Logik des Materials heraus.

Der österreichische Architekt und Designer Martin Mostböck setzt darauf, Gestaltung auf den Punkt zu bringen: klar, konsequent, materialbewusst. Seine Entwürfe – ob Haus, Interieur oder Sitzmöbel – folgen einer Haltung, die über bloßes Styling hinausgeht: sie sind konzeptionell durchdacht, im besten Sinn – „Design mit Haltung“.

Geboren 1966 in Wien, studierte Martin Mostböck Architektur an der Technischen Universität Wien (Diplom 1994). Nach Stationen, u. a. im Büro Coop Himmelb(l)au, gründete er 2001 sein eigenes Studio.

Mostböck sieht Architektur, Interieur und Designobjekt nicht als getrennte Felder, sondern als Varianten derselben Denkhaltung: Materialien, Kontext und Nutzung sind im Fokus. Er verzichtet auf oberflächliches Dekor und setzt stattdessen auf Essenz, Klarheit und Funktion. Seine Entwürfe sind durchdacht, reduziert aber keineswegs kalt. Seine Arbeiten zeigen eine spielerische Auseinandersetzung mit Maß, Proportion, Raum und Objekt – mit einem deutlichen Augenmerk auf Herstellung, Details und Kontext.

Mezzasferas – der jüngste Entwurf im Fokus

Die jüngste Möbelserie Mezzasferas (2025) zeigt einen anderen Blick: ein Lounge-Programm, das kugelartige Formen, Segmente und Kappen ins Zentrum stellt.

„We want to see round, plump, spherical shapes and bubbles back in contemporary design.“

Hier definiert Mostböck Möbel als ortsschaffende Objekte mit Eigenständigkeit – keine schlichte Erweiterung, sondern ein bewusster Schritt in die Zukunft. Aus dem Architekten entsteht ein Möbeldesigner, der auch utopische Potentiale entfaltet.

Gefertigt wird Mezzasferas von Kohlmaier, Wien – einem Traditionsunternehmen, das seit Jahrzehnten für handwerkliche Qualität, maßgeschneiderte Polsterarbeiten und die Verbindung von Handwerk und zeitgenössischem Design steht. Gemeinsam mit Martin Mostböck entsteht hier ein Dialog zwischen präziser Entwurfsidee und perfekter Ausführung.

Weitere Projekte & Designobjekte

• Der Stuhl „Garcia“ (2001), heute Teil der Sammlung des MAK – Museum für angewandte Kunst Wien.
• Das Möbel- und Leuchtenprogramm „FLAXX“ – ein Beispiel für materialtechnische Neuausrichtung und formale Reduktion.
• Architektur- und Innenraumprojekte wie das Wohnhaus „Living Garden“ in Wien-Seestadt, die zeigen, wie Mostböck seine Möbelhaltung konsequent in Architektur überträgt.

Auszeichnungen & Sammlungen

Martin Mostböck wurde mit zahlreichen nationalen und internationalen Design- und Architekturpreisen ausgezeichnet. Seine Arbeiten sind in wichtigen Sammlungen vertreten – etwa dem MAK Wien, dem Museum of Arts and Design, New York und dem Design Museum Holon in Tel Aviv.

Martin Mostböck AID

198 pages, German/English, Verlag Anton Pustet (publisher)

Essays by Michael Hausenblas, Matthias Boeckl, Gudrun Hausegger, Zachary Edelson and Lisbeth Legat

ISBN: 978-3-7025-1090-9
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Martin Mostböck denkt Gestaltung ganzheitlich. Architektur, Innenraum und Möbel – bei ihm sind das keine getrennten Felder, sondern Varianten derselben Haltung. Mit dem Konstantin Chair zeigt er, wie Objekt und Nutzung in höchster Präzision verschmolzen werden; mit Mezzasferas lässt er Möbel als eigenständige Gestaltungsmomente erscheinen. Seine Arbeit ist unaufgeregt, stringent und dennoch sinnlich – ein Modell für Design mit Anspruch.