Paper Moon eröffnet neues Restaurant in Porto Cervo – mit Outdoor-Möbeln von Unopiù

Es gibt Restaurants, die man wegen ihrer Küche besucht. Andere beeindrucken mit ihrer Architektur oder ihrer Lage. Und dann gibt es Orte, an denen all diese Elemente zu einem stimmigen Ganzen verschmelzen. Mit Paper Moon Porto Cervo entsteht an der Costa Smeralda genau ein solcher Ort.

Die renommierte Restaurantmarke aus Mailand hat im Herzen des Cervo Hotels ihren neuesten internationalen Standort eröffnet und bringt ihre unverwechselbare Interpretation italienischer Gastlichkeit an einen der exklusivsten Plätze des Mittelmeers. Zwischen mediterraner Architektur, eleganter Piazza und Blick auf den Hafen entsteht ein Restaurant, das weit mehr sein möchte als eine neue kulinarische Adresse. Es versteht sich als Bühne für den italienischen Lifestyle – stilvoll, entspannt und offen für lange Sommerabende.

Von Mailand in die Welt

Seit der Eröffnung des ersten Paper Moon im Mailänder Modeviertel im Jahr 1977 steht der Name für authentische italienische Küche in einem eleganten, kosmopolitischen Ambiente. Was einst als Treffpunkt der Mailänder Design-, Mode- und Kunstszene begann, entwickelte sich in den vergangenen Jahrzehnten zu einer international erfolgreichen Restaurantmarke mit Standorten in Metropolen und exklusiven Destinationen weltweit.

Mit Paper Moon Porto Cervo setzt die Marke diesen Weg fort. Die neue Dependance verbindet die kulinarische Handschrift Mailands mit der entspannten Atmosphäre Sardiniens und schafft einen Ort, an dem mediterrane Leichtigkeit und italienische Raffinesse selbstverständlich zusammenfinden.

Die Speisekarte folgt dabei derselben Philosophie, für die Paper Moon weltweit bekannt ist: hochwertige Zutaten, frische Pasta, klassische italienische Gerichte und eine sorgfältig kuratierte Weinkarte, die den Charakter der italienischen Küche unterstreicht.

Der Außenbereich wird zum eigentlichen Erlebnis

Gerade an der Costa Smeralda spielt sich das Leben jedoch nicht im Inneren eines Restaurants ab. Die Terrasse wird zum Wohnzimmer, zum Treffpunkt und zur Bühne des Sommers.

Genau hier setzt Unopiù an.

Für den neuen Standort entschied sich Paper Moon für die Igea Collection, entworfen von Matteo Thun und Benedetto Fasciana. Mit ihrer klaren Formensprache, hochwertigen Materialien und zeitlosen Eleganz prägt sie den gesamten Außenbereich des Restaurants und fügt sich harmonisch in die mediterrane Architektur Porto Cervos ein.

Die Möbel verstehen sich dabei nicht als dekoratives Element, sondern als Teil der räumlichen Inszenierung. Komfort, Proportionen und Materialität tragen dazu bei, dass sich der Außenbereich wie selbstverständlich in das gastronomische Erlebnis integriert – vom ersten Espresso am Nachmittag bis zum letzten Glas Wein unter freiem Himmel.

Italienisches Design als Lebensgefühl

Seit 1978 verfolgt Unopiù eine Idee, die heute aktueller wirkt denn je: Außenräume sollen mit derselben Sorgfalt gestaltet werden wie Innenräume. Der Markenname – sinngemäß „ein Raum mehr“ – beschreibt genau diesen Anspruch.

Mit individuell kombinierbaren Outdoor-Kollektionen hat sich das Unternehmen international einen Namen gemacht und stattet heute zahlreiche renommierte Hotels, Resorts und Restaurants mit hochwertigem Outdoor-Mobiliar aus. Dabei verbindet Unopiù italienische Designtradition mit langlebigen Materialien und einer zeitlosen Ästhetik, die den Außenraum als vollwertigen Lebensraum versteht.

Mehr als eine Neueröffnung

Mit Paper Moon Porto Cervo ist an der Costa Smeralda nicht einfach ein weiteres Restaurant entstanden. Vielmehr zeigt das Projekt, wie eng Kulinarik, Architektur und Design heute miteinander verbunden sind.

Die Küche erzählt von italienischer Tradition, die Architektur öffnet sich zur mediterranen Landschaft und Unopiù schafft jene Atmosphäre, die einen Ort erst vollständig macht. So entsteht ein Gesamterlebnis, das den Charakter der Costa Smeralda auf elegante Weise widerspiegelt – authentisch, hochwertig und ganz selbstverständlich italienisch.

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.

Design ist dann zeitlos, wenn es sich nicht an Trends orientiert, sondern an Menschen. Die österreichische Möbelmanufaktur Wittmann zeigt zum 130-jährigen Bestehen, warum wahre Klassiker Jahrzehnte überdauern – und inszeniert ihre bedeutendsten Entwürfe in einem kraftvollen Farbtrio aus Rot, Schwarz und Weiß.

Es gibt Möbel, die einen Raum einrichten. Und es gibt Möbel, die ihm Charakter verleihen. Seit 130 Jahren verfolgt die niederösterreichische Manufaktur Wittmann einen Anspruch, der weit über Funktionalität hinausgeht: Möbel entstehen hier als Ausdruck von Haltung, Handwerkskunst und zeitloser Gestaltung.

Zum Jubiläum richtet das Unternehmen den Blick bewusst auf jene Entwürfe, die seine Geschichte geprägt haben. Statt nostalgisch zurückzublicken, werden die ikonischen Modelle in einer reduzierten, beinahe musealen Inszenierung neu erlebbar – konzentriert auf Form, Material und Proportion.

Design, das Generationen verbindet

Die Geschichte Wittmanns erzählt zugleich ein Stück europäischer Designgeschichte. Bereits lange bevor Nachhaltigkeit zum Schlagwort wurde, setzte die Manufaktur auf Möbel, die für Jahrzehnte geschaffen werden. Nicht kurzfristige Trends bestimmten die Gestaltung, sondern Qualität, Komfort und handwerkliche Präzision.

Diese Philosophie führte früh zur Zusammenarbeit mit einigen der bedeutendsten Designer und Architekten ihrer Zeit. Gemeinsam entstanden Möbel, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

Allen voran stehen die Entwürfe von Josef Hoffmann. Der KUBUS Fauteuil gilt als Ikone geometrischer Klarheit und zählt zu den bekanntesten Sitzmöbeln der Wiener Moderne. Ebenso prägen der elegante ALLEEGASSE Fauteuil sowie die legendären FLEDERMAUS Stühle bis heute das Erscheinungsbild der Wittmann Classics Collection und zeigen Hoffmanns Verständnis eines harmonischen Zusammenspiels von Architektur, Interieur und Funktion.

Zeitlos statt nostalgisch

Dass Designklassiker keineswegs museal wirken müssen, beweisen auch die späteren Entwürfe der Kollektion. Der AURA Fauteuil von Paolo Piva gehört seit Jahrzehnten zu den erfolgreichsten Modellen der Manufaktur. Seine weichen, organischen Linien schaffen eine einladende Präsenz, ohne sich jemals in den Vordergrund zu drängen.

Mit dem VUELTA Fauteuil ergänzt Wittmann die Auswahl um einen Entwurf, der moderne Eleganz mit außergewöhnlichem Sitzkomfort verbindet. Klare Linien, hochwertige Materialien und eine sinnliche Haptik zeigen jene Zurückhaltung, die langlebiges Design oft auszeichnet.

Gemeinsam entsteht eine Kollektion, die unterschiedliche Epochen vereint und dennoch wie aus einem Guss wirkt.

Drei Farben, eine Designphilosophie

Zum Jubiläum verzichtet Wittmann bewusst auf dekorative Inszenierungen. Stattdessen stehen die Möbel ausschließlich in den Unternehmensfarben Rot, Schwarz und Weiß im Mittelpunkt.

Das intensive Rot setzt kraftvolle Akzente, Schwarz unterstreicht die architektonische Klarheit der Formen und Weiß lenkt den Blick auf die Silhouetten und Proportionen. Hochwertige Leder- und Stoffbezüge verstärken diese Wirkung und machen sichtbar, wie wenig ein guter Entwurf benötigt, um zeitlos zu wirken.

Die reduzierte Farbwelt funktioniert dabei nicht als Styling, sondern als Verdichtung der Markenidentität: Sie lenkt die Aufmerksamkeit konsequent auf das Wesentliche – die Qualität des Designs.

Handwerk als Zukunftsmodell

Während viele Möbel heute industriell und für kurze Lebenszyklen produziert werden, bleibt Wittmann seinem Ursprung treu. Seit der Gründung im Jahr 1896 entstehen sämtliche Möbel in der eigenen Manufaktur in Niederösterreich.

Hier treffen traditionelle Polsterhandwerkskunst, hochwertige Materialien und moderne Fertigungstechnologien aufeinander. Jeder Entwurf wird mit derselben Sorgfalt gefertigt, mit der bereits frühere Generationen Möbel geschaffen haben.

Gerade in einer Zeit, in der Nachhaltigkeit zunehmend über Langlebigkeit definiert wird, gewinnen solche Möbel eine neue Bedeutung. Sie sind nicht für den schnellen Austausch gedacht, sondern dafür, über Jahrzehnte Teil des eigenen Lebens zu werden.

Wittmann zeigt damit eindrucksvoll, dass gutes Design nicht lauter werden muss, um relevant zu bleiben. Es genügt, wenn Form, Komfort und Handwerk so konsequent zusammenspielen, dass Möbel entstehen, die Generationen überdauern.

Die neue Ghidini1961 Collection 2026 versteht Design nicht als Objekt, sondern als räumliche Choreografie aus Material, Licht und Bewegung.

Es gibt Kollektionen, die neue Möbel präsentieren. Und es gibt Kollektionen, die eine neue Haltung zum Wohnen formulieren. Die 2026 Collection von Ghidini1961 gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Anstatt einzelne Produkte in den Mittelpunkt zu stellen, entwickelt das italienische Designlabel ein zusammenhängendes Universum, in dem Sofas, Tische und Leuchten miteinander kommunizieren. Gemeinsam definieren sie Räume nicht über Dekoration, sondern über Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Dabei bleibt Ghidini1961 seiner DNA treu: Metall ist nicht bloß Konstruktion, sondern Ausdruck handwerklicher Präzision, während Marmor, Glas und Textilien zu gleichwertigen Protagonisten werden.

Räume in Bewegung

Besonders deutlich wird diese Haltung im modularen Sofa Settebello, entworfen von Lorenza Bozzoli. Seine großzügigen, weich modellierten Elemente lösen sich bewusst von klassischen orthogonalen Grundrissen. Trapezförmige Module und skulpturale Halbinseln erlauben immer neue Konfigurationen, die sich den Menschen anpassen – und nicht umgekehrt.

Das Sofa wird dadurch weniger zu einem Möbelstück als zu einer Landschaft. Ein Ort, der Begegnung ermöglicht, unterschiedliche Nutzungen zulässt und sich jederzeit neu organisieren lässt. Wohnen erscheint hier nicht als statischer Zustand, sondern als fortlaufender Prozess.

Licht als Architektur

Auch die Beleuchtung folgt diesem Gedanken. Mit Ypsilon entwickelt Lorenza Bozzoli ein modulares Lichtsystem, dessen lineare Elemente sich verzweigen und zu beinahe schwebenden Lichtarchitekturen verbinden.

Licht wird dabei nicht nur funktional eingesetzt, sondern strukturiert den Raum selbst. Linien werden zu Wegen, Verbindungen zu Knotenpunkten, während geriffeltes Glas das Licht weich in die Umgebung streut. Die Leuchte wirkt dadurch fast wie eine gezeichnete Architektur im Raum.

Skulpturen des Alltags

Die übrigen Neuheiten greifen dieselbe Idee auf: Möbel entstehen aus klaren geometrischen Grundformen, entwickeln jedoch eine überraschende skulpturale Kraft.

Der runde Tria-Tisch interpretiert seine zentrale Säule als monumentale Skulptur aus Naturstein, während Paolo Rizzattos Lancillotto klassische Architektur mit zeitgenössischer Reduktion verbindet. Die neue Unduetre-Leuchte bringt Marmor, Messing und Glas in ein fein austariertes Gleichgewicht zwischen Schwere und Leichtigkeit.

Auch kleinere Objekte wie die Cono-Beistelltische oder das weiterentwickelte Cards-System folgen derselben gestalterischen Logik: Jedes Objekt besitzt eine starke Identität, bleibt dabei jedoch offen für unterschiedliche räumliche Situationen.

Design als lebendiges System

Bemerkenswert ist zudem, dass Ghidini1961 seine bestehenden Entwürfe kontinuierlich weiterentwickelt. Die Leuchte Dash erscheint nun als hexagonale Version, Andrea Branzis ikonisches Regal Incrocio und die Stehleuchte Giotto erhalten eine neue Chromoberfläche, während die skulpturale Wandleuchte Kaleidos der Campana Brothers ihr faszinierendes Spiel aus Reflexion und Licht fortsetzt. Die Kollektion wächst dadurch organisch weiter, anstatt ständig nach radikaler Neuerfindung zu suchen.

Italienisches Design zwischen Handwerk und Zukunft

Seit seiner Gründung verbindet Ghidini1961 die jahrzehntelange Metallkompetenz von Ghidini Giuseppe Bosco mit einer zeitgenössischen Designsprache. Die neue Kollektion führt diesen Weg konsequent weiter. Sie zeigt, dass Luxus heute nicht zwangsläufig durch Opulenz entsteht, sondern durch Materialqualität, Präzision und Objekte, die mit dem Raum und seinen Bewohnern in Beziehung treten.

So entsteht eine Kollektion, die weniger Möbel präsentiert als Möglichkeiten. Möglichkeiten, Räume immer wieder neu zu denken – und sie dadurch lebendig werden zu lassen.

Mit der Opus-Kollektion verbindet ETRO Home Interiors traditionelle Handwerkskunst, ikonische Textilien und zeitgenössisches Design zu Möbeln mit unverwechselbarer Persönlichkeit. Ornament wird dabei nicht als Dekoration verstanden, sondern als Teil der Form selbst.

Während viele aktuelle Möbelkollektionen auf Reduktion und Zurückhaltung setzen, geht ETRO Home Interiors bewusst einen anderen Weg. Die neue Opus-Serie versteht Ornament nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als integralen Bestandteil des Designs. Jeder Entwurf erzählt eine Geschichte von Materialität, Handwerkskunst und der unverwechselbaren Design-DNA des Hauses.

Zeitgenössischer Komfort mit klassischer Inspiration

Charakteristisch für die Opus-Kollektion sind ihre klaren, modernen Proportionen, die durch raffinierte Details eine außergewöhnliche Tiefe erhalten. Inspiriert vom klassischen Capitonné interpretiert ETRO diese traditionelle Polstertechnik neu und verbindet sie mit einer zeitgemäßen Formensprache. Gepolsterte Rollen an Rückenlehnen und Armlehnen verleihen den Möbeln eine markante Silhouette und schaffen zugleich hohen Sitzkomfort.

Dabei entsteht eine spannende Balance zwischen architektonischer Klarheit und dekorativer Opulenz – ein Spannungsfeld, das die Handschrift von ETRO seit Jahrzehnten prägt.

Handwerk erzählt Geschichten

Besonders eindrucksvoll zeigt sich die Liebe zum Detail in den feinen Kordelabschlüssen entlang der Polsterrollen sowie den charakteristischen Quasten, die den Möbeln Bewegung und eine besondere Haptik verleihen. Diese Elemente sind weit mehr als Dekoration – sie werden zu einem gestalterischen Ausdrucksmittel, in dem traditionelles Kunsthandwerk und zeitgenössisches Möbeldesign miteinander verschmelzen.

Die unterschiedlichen Stoffe und Oberflächen unterstreichen den individuellen Charakter der Kollektion. Florale Jacquards, opulente Paisley-Muster oder edle Samtbezüge greifen die ikonische Textilwelt von ETRO auf und übersetzen sie in ausdrucksstarke Möbelstücke.

Möbel mit Persönlichkeit

Zur Opus-Familie gehören Armlehnstuhl, Lounge-Sessel und Barhocker. Gemeinsam ist allen Modellen eine sorgfältig ausgearbeitete Konstruktion aus massivem Buchenholz sowie hochwertige Polsterungen mit mehrschichtigem Aufbau. Je nach Ausführung ergänzen glänzend lackierte Oberflächen oder goldfarbene Metallakzente den charakteristischen Materialmix.

So entstehen Möbel, die Räume nicht nur einrichten, sondern prägen. Sie schaffen Atmosphäre, setzen Akzente und verleihen Interieurs jene erzählerische Tiefe, für die ETRO Home Interiors bekannt ist.

Mit der Opus-Kollektion zeigt ETRO, dass zeitgenössisches Design nicht auf Reduktion angewiesen ist. Stattdessen entstehen Möbel, in denen Ornament, Material und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen – ausdrucksstark, kultiviert und unverkennbar ETRO.

Mit Fuji, Sherazade und Tokyo präsentiert Jumbo Collection drei neue Möbelstücke, die luxuriöses Interior Design als erzählerische Kunstform verstehen. Zwischen italienischer Manufakturtradition, fernöstlicher Inspiration und zeitloser Eleganz entstehen Objekte, die Räume nicht nur einrichten, sondern inszenieren.

Es gibt Möbel, die einen funktionalen Zweck erfüllen. Und es gibt Möbel, die Geschichten erzählen. Jumbo Collection gehört seit Jahrzehnten zu jenen italienischen Manufakturen, die luxuriöses Wohnen als kulturellen Ausdruck verstehen. Die neuesten Entwürfe der Marke knüpfen genau an diese Philosophie an: Sie verbinden außergewöhnliche Handwerkskunst mit dekorativer Raffinesse und einer Formensprache, die Inspiration aus unterschiedlichen Kulturen schöpft.

Mit der Vitrine Fuji, dem Sideboard Sherazade und dem modularen Sofa Tokyo entsteht eine Kollektion, die klassische Eleganz neu interpretiert und gleichzeitig überraschend zeitgemäß wirkt.

Fuji: Transparenz als Kunstwerk

Die neue Fuji-Vitrine ist weit mehr als ein Möbelstück zur Präsentation kostbarer Objekte. Sie selbst wird zum Blickfang.

Gravierte Glastüren mit filigranen orientalischen Motiven verleihen der Vitrine eine poetische Leichtigkeit. Dahinter entsteht durch verspiegelte Rückwände, Glasböden und ein integriertes Beleuchtungssystem ein faszinierendes Spiel aus Licht, Reflexion und Tiefe. Das neue Ahornfurnier mit aufwendig gearbeitetem Sonnenstrahlmuster verleiht der Holzstruktur zusätzliche Eleganz, während goldene Profile und Messingdetails den luxuriösen Charakter der Kollektion unterstreichen.

Das Ergebnis ist ein Möbelstück, das gleichermaßen Vitrine, Lichtobjekt und dekorative Skulptur ist.

Sherazade: Die Eleganz einer Erzählung

Bereits der Name erinnert an die legendäre Geschichtenerzählerin aus Tausendundeiner Nacht. Genau diese poetische Atmosphäre transportiert auch das neue Sherazade Sideboard.

Die weiß lackierte Oberfläche wird von feinen goldenen Naturmotiven durchzogen, die beinahe wie handgemalte Landschaften wirken. Getragen wird der Korpus von einem aus Messing im Wachsausschmelzverfahren gefertigten Gestell, dessen Bambusform asiatische Einflüsse aufgreift und gleichzeitig eine außergewöhnliche Leichtigkeit erzeugt.

Sherazade verbindet dekorative Opulenz mit überraschender Zurückhaltung – luxuriös, ohne laut zu sein.

Tokyo: Organische Großzügigkeit

Mit dem modularen Sofa Tokyo schlägt Jumbo Collection einen weicheren, beinahe skulpturalen Ton an.

Großzügige Rundungen, fließende Linien und tief gesteppte Polster schaffen eine Sitzlandschaft, die Komfort und Eleganz miteinander verbindet. Die geschwungene Form strukturiert den Raum auf natürliche Weise und lädt dazu ein, sich dem Möbel anzunähern statt es lediglich zu betrachten.

Bezogene Samtrückenlehnen, hochwertige Materialien und ein goldfarben ausgeführter Sockel unterstreichen den dekorativen Charakter des Sofas, ohne dessen wohnliche Ausstrahlung zu verlieren.

Luxus als Atmosphäre

Gemeinsam zeigen Fuji, Sherazade und Tokyo, wofür Jumbo Collection seit Jahrzehnten steht: luxuriöse Möbel, die klassische Handwerkskunst mit internationaler Designkultur verbinden.

Anstelle minimalistischer Reduktion setzt die italienische Marke auf Materialität, Ornament, handwerkliche Präzision und emotionale Wirkung. Es entstehen Möbel, die nicht dem Trend folgen, sondern eine Atmosphäre schaffen – geprägt von Eleganz, Charakter und zeitloser Schönheit.

Eine duftige Rose aus den 1920er Jahren, eine Champagner-Schale in Form von Marie Antoinettes Busen und eine täuschend echte Semmel, die definitiv nicht essbar ist? Um das Augarten Porzellan ranken sich zahlreiche Geschichten. Bekannte und weniger bekannte. In einer Manufakturführung in Wien kommt man der ein oder anderen auf die Spur…

Neben einer lieben Tante, die mir zu besonderen Anlässen ausgewählte Stücke der Wiener Rose schenkte und akribisch festhielt, welches Teil des Services ich bereits besaß, sind mir vor allem die warnenden Blicke meiner Mutter in Erinnerung geblieben. Diese warf sie mir zu, wenn ich mich dem Bücherregal näherte, auf dem ihre Sammlung aus Keramikhunden und -pferden der Manufaktur thronte.

Mit genau dieser Mischung aus Ehrfurcht, Vorsicht und kindlicher Erinnerung betrete ich das Schloss der zweitältesten Porzellanmanufaktur Europas — stets in Sorge, selbst zum sprichwörtlichen Elefanten im Porzellanladen zu werden.

Regelmäßig öffnen sich hier die Türen für Führungen, die einen seltenen Blick hinter die Kulissen dieser Wiener Institution erlauben. Eine feine Gelegenheit, Mäuschen und hoffentlich nicht Elefant zu spielen.

Vom Gießen der Rohmasse über das Brennen bis hin zum Bemalen: Schritt für Schritt bewegen wir uns von einem Raum zum nächsten und damit durch 300 Jahre Unternehmensgeschichte. Dass eine Figur aus Dutzenden gegossenen Einzelteilen von Hand zusammengesetzt wird, dass schon gebrannte Teile liebevoll nachbearbeitet werden und, dass stundenlang präzise ein Pinselstrich nach dem anderen gesetzt wird, zeigt, wie anspruchsvoll dieses Handwerk ist. Kein Wunder also, dass sein Erlernen mehrere Jahre dauert.

Dass hier etwas zu Bruch geht, ist dennoch selten. Und wenn, dann mit Absicht — darauf deutet zumindest eine Kiste samt Hammer und sorgfältig zerschlagenem Porzellan hin. Ob es sich dabei um eine „Wutbox“ für den Pausenraum handelt, bleibt offen. Der Gedanke daran wirkt inmitten der konzentrierten Präzision der Manufaktur jedenfalls fast beruhigend menschlich.

Jacob & Co. Haute Living interpretiert mit der neuen CRONO Collection Präzision als Lebenskunst

Zwischen Beschleunigung und Gelassenheit

Unsere Zeit scheint immer schneller zu werden.

Termine, Benachrichtigungen und permanente Erreichbarkeit bestimmen den Rhythmus des Alltags. Dabei wächst gleichzeitig die Sehnsucht nach Orten, an denen Zeit nicht verloren geht, sondern bewusst erlebt werden kann.

Genau hier setzt die erste Möbelkollektion von Jacob & Co. Haute Living an. Mit der CRONO Collection, die erstmals während des Salone del Mobile präsentiert wurde, übersetzt das Maison seine jahrzehntelange Erfahrung aus der Haute Horlogerie in eine völlig neue Form des Interior Designs.

Dabei entstehen Möbel, die weniger vom Messen der Zeit erzählen als von ihrer Qualität.

Chronos als Inspiration

Namensgeber der Kollektion ist Chronos, der griechische Gott der Zeit.

Doch statt Zeit als starre Größe zu verstehen, interpretiert CRONO sie als Rhythmus. Weiche Radien treffen auf klare Linien, kraftvolle Volumen scheinen gleichzeitig leicht und schwebend zu wirken. Jedes Möbelstück bewegt sich gestalterisch zwischen Dynamik und Ruhe – als würde ein präziser Zeitmesser für einen Moment stillstehen.

Gerade diese Balance macht die Kollektion bemerkenswert.

Nicht Geschwindigkeit wird gefeiert.

Sondern die Kunst, den richtigen Moment entstehen zu lassen.

Design mit Zuversicht

Während viele Luxusinterieurs heute auf zurückhaltende Neutralität setzen, entscheidet sich Jacob & Co. bewusst für einen anderen Weg.

Warme Bernsteintöne, kräftiges Senfgelb, helles Himmelblau und glänzende Goldakzente verleihen der Kollektion eine überraschende Leichtigkeit. Die mutigen Farbkombinationen, kontrastierenden Flächen und präzise gesetzten Paspelierungen erzeugen eine grafische Spannung, die zugleich elegant und optimistisch wirkt.

Es ist eine Gestaltung, die Präsenz zeigt, ohne laut zu sein.

Und vielleicht genau deshalb ein Statement für eine neue Form von Luxus wird.

Wohnen als Ausdruck einer Haltung

Die CRONO Linie umfasst ein modulares Sofa, Sessel, Bank, Pouf sowie ein großzügiges Bett. Trotz ihrer unterschiedlichen Funktionen folgen sämtliche Objekte derselben gestalterischen Sprache: weiche, skulpturale Silhouetten, sorgfältig abgestimmte Materialien und metallische Details, die an die Präzision der legendären Jacob-&-Co.-Zeitmesser erinnern.

Dabei geht es weniger um einzelne Möbelstücke als um eine Atmosphäre.

Eine Umgebung, die Ruhe nicht als Verzicht versteht, sondern als Luxus.

Die neue Ästhetik der Zeit

Vielleicht ist genau das die eigentliche Botschaft dieser Kollektion.

In einer Welt, die immer schneller wird, entsteht echter Luxus nicht durch mehr Geschwindigkeit, sondern durch bewusst gestaltete Momente.

Die CRONO Collection erinnert daran, dass Design weit mehr sein kann als Funktion oder Dekoration. Es kann unseren Alltag entschleunigen, unseren Blick verändern und Räume schaffen, in denen Zeit wieder zu etwas Wertvollem wird.

Nicht, weil sie langsamer vergeht.

Sondern weil sie bewusster erlebt wird.

Schimmernde Oberflächen, ikonisches Design und die Renaissance der analogen Schreibkultur

Manche Designobjekte erfüllen einen Zweck. Andere erzählen eine Geschichte. Der neue Kaweco LUNAR Sport verbindet beides und macht den Blick zum Himmel zum Ausgangspunkt einer außergewöhnlichen Farbwelt.

Inspiriert von den geheimnisvollen Reflexionen des Mondes erweitert Kaweco seine beliebte Sport-Serie um zwei irisierende Farbvarianten, die Licht und Schatten in ständigem Wandel erscheinen lassen. Je nach Perspektive verändern sich die Farben, schimmern zwischen Grün- und Bronzetönen und verleihen jedem Schreibgerät einen ganz eigenen Charakter.

Ein Farbspiel zwischen Licht und Schatten

Mit den beiden neuen Nuancen Light Green und Shadow Green interpretiert Kaweco die Atmosphäre einer Mondlandschaft auf unterschiedliche Weise.

Während Light Green an das sanfte Leuchten des Mondlichts erinnert, wirkt Shadow Green tiefer und kontrastreicher – wie eine klare Frühlingsnacht unter sternenklarem Himmel. Bewegt man den Stift im Licht, entstehen faszinierende Farbwechsel zwischen Grün und Bronze. Die Oberfläche scheint zu leben und verändert ihre Wirkung mit jedem Blickwinkel.

Gerade dieser irisierende Effekt macht den LUNAR Sport zu mehr als einem klassischen Schreibgerät. Er wird zum kleinen Designobjekt für den Schreibtisch, die Jackentasche oder das Notizbuch.

Leichtigkeit trifft Funktion

Typisch für die Sport-Serie bleibt auch der LUNAR Sport seiner Funktionalität treu. Das leichte ABS-Material sorgt für ein nahezu schwereloses Schreibgefühl und ermöglicht komfortables Schreiben auch über längere Zeiträume. Gleichzeitig überzeugt das Material durch die Robustheit, für die Kaweco seit Jahrzehnten bekannt ist.

So verbindet der LUNAR Sport Alltagstauglichkeit mit einer außergewöhnlichen visuellen Präsenz – eine Kombination, die funktionales Produktdesign besonders reizvoll macht.

Ein Schreibgerät für individuelle Ansprüche

Der Kaweco LUNAR Sport ist in fünf verschiedenen Ausführungen erhältlich: als Füllhalter, Kugelschreiber, Rollerball, Druckbleistift oder Fallbleistift. Unterschiedliche Federstärken sowie verschiedene Minen ermöglichen eine individuelle Anpassung an persönliche Schreibgewohnheiten.

Passend dazu ergänzen optionale Clips in Gold, Silber, Bronze oder Schwarz sowie hochwertige Kaweco Etuis das System und machen den LUNAR Sport zu einem stilvollen Begleiter für Alltag, Beruf oder kreative Projekte.

Mit seiner Kombination aus ikonischem Design, hochwertiger Verarbeitung und einem faszinierenden Farbspiel zeigt Kaweco einmal mehr, dass auch analoge Schreibkultur Raum für Innovation bietet – und dass gutes Design manchmal einfach nur das richtige Licht braucht.

Zwischen künstlicher Intelligenz, Myzel und Handwerk entsteht eine neue Designsprache

Die Geschichte des Designs war lange Zeit von einer zentralen Idee geprägt: Form folgt Funktion. Ornament galt spätestens seit der Moderne als überflüssig, Reduktion wurde zum Qualitätsmerkmal. Doch eine neue Generation von Gestalterinnen und Gestaltern beginnt, diese Gewissheiten zu hinterfragen.

Einer der spannendsten Vertreter dieser Entwicklung ist der belgische Designer und Künstler Vito Boox. Seine Arbeiten wirken wie Fundstücke aus einer zukünftigen Naturgeschichte – als hätten Pilze, Korallen oder Erosionsprozesse begonnen, Möbel, Leuchten und Objekte selbst hervorzubringen.

Was zunächst surreal erscheint, folgt einer erstaunlich logischen Idee.

Boox nennt sie Neo-Ornamentalismus.

Ornament entsteht nicht mehr durch Dekoration

Während Ornament in der Vergangenheit meist nachträglich hinzugefügt wurde, entwickelt Boox eine vollkommen andere Sichtweise. In seiner Arbeit entsteht Ornament nicht auf der Oberfläche – sondern im Inneren der Form selbst.

Mithilfe von CGI, 3D-Modelling und computergestützter Gestaltung simuliert er natürliche Wachstumsprozesse wie Erosion, Zellbildung oder organische Expansion. Anschließend werden diese digitalen Strukturen durch traditionelles Handwerk in physische Objekte übersetzt.

So entstehen Möbel und Leuchten, die wirken, als wären sie nicht gefertigt, sondern gewachsen.

Es ist eine Designhaltung, in der Natur nicht länger als Inspirationsquelle dient, sondern selbst zum Mitgestalter wird.

Das Debüt bei Van Rossum

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Boox mit seinem Debüt beim niederländischen Möbelhersteller Van Rossum während des Salone del Mobile in Mailand.

Für die traditionsreiche Marke entwickelte er die DATSU Collection – bestehend aus Esstischen und Hockern, deren weich modellierte Volumen an über Jahrtausende geformte Felsen erinnern.

Massives Holz trifft hier auf digitale Präzision. Die Objekte besitzen kaum sichtbare Kanten, sondern scheinen sich langsam aus dem Material heraus entwickelt zu haben.

Es entsteht eine skulpturale Ruhe, die zwischen Möbelstück und Kunstobjekt oszilliert.

Mit der Erweiterung um Leuchten, Spiegel und Accessoires öffnet Van Rossum zugleich ein neues Kapitel seiner Designgeschichte – eines, das stärker auf Atmosphäre als auf reine Funktion setzt.

Design aus Pilzwachstum

Noch konsequenter verfolgt Boox seine gestalterische Vision in der Zusammenarbeit mit dem niederländischen Unternehmen Aifunghi.

Hier entstehen Leuchten und Spiegel aus einem Material, das ebenso futuristisch wie natürlich wirkt: Mycelium-Based Composite (MBC) – einem vollständig recycelbaren Verbundwerkstoff aus Hanffasern und Pilzmyzel.

Die Leuchten der Serie Morchella erinnern an die charakteristische Oberfläche der gleichnamigen Speisemorchel. Gleichzeitig wirken sie beinahe außerirdisch – irgendwo zwischen biologischem Organismus, Art-Nouveau-Skulptur und digital generierter Architektur.

Auch die Tremella Mirrors greifen organische Wachstumsformen auf. Ihre skulpturalen Rahmen scheinen langsam über die spiegelnde Oberfläche zu fließen und verbinden nachhaltige Materialentwicklung mit einer neuen Form von Luxus.

Hier wird Nachhaltigkeit nicht über Verzicht kommuniziert, sondern über Schönheit.

Die Zukunft könnte organischer aussehen

Was Boox‚ Arbeiten besonders interessant macht, ist weniger ihre Ästhetik als ihre Haltung.

Während große Teile des zeitgenössischen Designs auf Vereinfachung, industrielle Effizienz und maximale Funktionalität setzen, schlägt er den entgegengesetzten Weg ein.

Komplexität wird nicht reduziert.

Sie wird kultiviert.

Digitale Werkzeuge dienen dabei nicht der Perfektion, sondern der Simulation natürlicher Prozesse. Technologie wird nicht als Gegensatz zur Natur verstanden, sondern als Mittel, ihre Logik sichtbar zu machen.

Gerade darin liegt die Aktualität seiner Arbeiten.

Sie zeigen, dass digitale Gestaltung nicht zwangsläufig zu glatten, anonymen Produkten führen muss. Sie kann ebenso zu Objekten führen, die emotional wirken, Geschichten erzählen und uns an biologische Prozesse erinnern, die weit älter sind als jede Software.

Eine neue Generation des Designs

Mit seinem Debüt bei Van Rossum, der Zusammenarbeit mit Aifunghi und seinen freien Arbeiten gehört Vito Boox zu jener Generation junger Designer, die Design nicht länger als rein funktionale Disziplin verstehen.

Sie verbinden digitale Technologien mit traditioneller Handwerkskunst, Nachhaltigkeit mit sinnlicher Materialität und künstliche Intelligenz mit den Prinzipien organischen Wachstums.

Vielleicht ist genau das der Beginn einer neuen Epoche.

Nicht Minimalismus.

Nicht Dekoration.

Sondern Neo-Ornamentalismus – eine Designsprache, in der Natur selbst zur Gestalterin wird.