Zwischen Instinkt, Materialität und der Kraft des „Presque“

Manche Wege beginnen nicht mit einer Entscheidung, sondern mit einem inneren Bruch. Für Aurélie Fretti war es genau dieser Moment, der alles veränderte – und sie zu einer künstlerischen Praxis führte, die heute zwischen Skulptur, Design und intuitiver Formensprache oszilliert.

Ein Neuanfang jenseits der Stadt

Aufgewachsen in einem Dorf im Osten Frankreichs, geprägt von einer lebendigen italienischen Arbeiterkultur, trägt Aurélie Fretti ihre Herkunft bis heute in sich. Italienische Wurzeln väterlicherseits, polnische mütterlicherseits – eine Mischung, die sich später auch in ihrer Arbeit widerspiegelt.

Viele Jahre arbeitete sie in der Werbung in Paris. Doch der eigentliche Wendepunkt kam leise. Mutterschaft, Rückzug und die Entscheidung, das urbane Leben hinter sich zu lassen, führten sie zunächst an den Rand des Waldes von Rambouillet und später in den Luberon.

Dort veränderten Isolation, Natur und Entschleunigung ihre Perspektive grundlegend.

„Ich hatte keine Wahl, als mein Leben dem zu widmen. Dramatisch? Vielleicht – einfach italienisch.“

Vom Experiment zur Ausdrucksform

Ohne klassische Ausbildung fand Aurélie intuitiv zur Keramik. Was zunächst als Hobby begann, entwickelte sich rasch zu einer existenziellen Praxis. Die Zusammenarbeit mit Schneider:innen sowie die Arbeit mit Holz und Stein erweiterten ihr Verständnis von Material und Form.

Ihre erste Skulptur – ein Fuß – war „etwas unbeholfen, aber voller Aufrichtigkeit“. Ein Ursprung, der bis heute nachwirkt.

„Diese Stunden waren wie Meditation. Ich habe erkannt, dass ich nicht nur gerne forme, sondern dass ich dadurch ich selbst sein kann.“

Material, Körper und Transformation

Aurélie Frettis Arbeiten bewegen sich zwischen Gegensätzen: roh und sinnlich, kraftvoll und fragil. Sie arbeitet mit gegossenem Harz, versetzt mit Marmor-, Bronze- oder Aluminiumpulver, ebenso wie mit massivem Holz, das sie mit der Kettensäge bearbeitet.

Aus dieser freien Herangehensweise entstand eines ihrer prägendsten Werke: die Babka – benannt nach dem traditionellen polnischen Hefekuchen ihrer Kindheit. Eine organische, großzügige Form, die längst zu ihrer Signatur geworden ist.

Im Zentrum ihres Schaffens steht das Konzept des „presque“ – des „Fast“.
Unvollkommenheit wird hier nicht als Fehler verstanden, sondern als Raum für Entwicklung.

Inspiration: Antike, Italien und der menschliche Körper

Ein weiterer zentraler Einfluss ist Italien. Die Rückbesinnung auf den Körper, wie sie in der Antike verankert ist, übersetzt Aurélie in eine zeitgenössische Formsprache.

Römische Reliefs werden zu Lichtobjekten, sizilianische Vasen verwandeln sich in invertierte Skulpturen – wie bei der Upside Down Lamp, bei der das Gefäß selbst zur Lichtquelle wird.

Der Körper bleibt dabei stets Ausgangspunkt:

„Alles beginnt mit dem Körper – und damit auch mit der Natur.“

Der Moment der Sichtbarkeit

Ein entscheidender Schritt in ihrer Entwicklung war die Begegnung mit Chiara Colombini im Jahr 2024. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete Aurélie noch in einem kleinen Atelier, begleitet von Zweifeln.

Die Anerkennung durch Colombini wurde zum Wendepunkt. Eine erste Ausstellung in Paris folgte – und damit der Eintritt in eine neue künstlerische Dimension.

Gegenwart und Ausblick

Heute lebt und arbeitet Aurélie Fretti im Luberon – ein Ort, der ihr Verständnis von Zeit und Prozess nachhaltig verändert hat.

„Hier hat sich Zeit ausgedehnt.“

Ihre Arbeiten bleiben zutiefst persönlich: Fragmente eines inneren Prozesses, getragen von Intuition, Spannung und einem bewussten Spiel mit Unsicherheit.

Nach der ikonischen Babka-Serie folgt nun ihre neue Kollektion: Drappegio.

Jedes Stück ist ein Unikat. Von Hand gefertigt. Ausdruck eines fortlaufenden Dialogs zwischen Körper, Material und Emotion.

Wo Textil zur Erzählung wird und Handwerk zur Haltung

Zwischen Kunst und Design, zwischen Poesie und Materialität bewegt sich das Werk von Giulio Caponi. Der italienische Künstler erschafft textile Unikate, die Erinnerungen, Gedanken und Emotionen in eine visuelle Sprache übersetzen – leise, präzise und zutiefst persönlich.

Design als poetischer Prozess

Ein ehemaliger Journalist, Autodidakt und Dichter aus innerer Berufung: Giulio Caponi verfolgt eine künstlerische Praxis, in der Wort, Bild und Material miteinander verschmelzen. Seine Arbeiten entstehen aus Fragmenten – Erinnerungen, Gedanken, Beobachtungen –, die sich zunächst als Intuition formen, dann als Zeichnung konkretisieren und schließlich als Stickerei materialisieren.

So entstehen Teppiche und Tapisserien, die weit mehr sind als funktionale Objekte. Sie sind Träger von Geschichten, visuelle Gedichte, die eine Balance zwischen künstlerischem Ausdruck und gestalterischer Funktion schaffen.

Langsamkeit als Qualität

Caponis Atelier ist ein Ort der Entschleunigung. Der kreative Prozess folgt keiner industriellen Logik, sondern einer fast meditativen Praxis. Jede Arbeit beginnt mit einer bewussten Geste – einer Skizze, einer Vision, einem inneren Bild.

Durch traditionelle Sticktechniken wie Stielstich und Kreuzstich wird der Faden zum erzählerischen Medium. Linien werden zu Schriftzügen, Flächen zu Denklandschaften. Das Handwerk ist dabei nicht bloß Mittel zum Zweck, sondern essenzieller Bestandteil des Werks: Zeit wird sichtbar, spürbar, greifbar.

Authentizität und Erinnerungskultur

Im Zentrum von Caponis Schaffen steht eine klare Haltung: Authentizität. Seine Arbeiten bewahren den Wert des Handgemachten und verleihen scheinbar alltäglichen Dingen eine poetische Würde.

Postkarten, Schallplatten, Widmungen oder imaginäre Korrespondenzen werden zu erzählerischen Elementen. Jedes Werk ist ein Unikat – unwiederholbar, geprägt von der Intensität des Moments, aus dem es hervorgegangen ist.

„Cartolina – A Design e Arte“: Eine textile Hommage

Ein exemplarisches Werk aus der Serie CARTOLINE ist die Arbeit „Cartolina – A Design e Arte“. Inspiriert von der nostalgischen Bedeutung von Postkarten als verbindendes Medium zwischen Menschen, erschafft Caponi eine textile Erzählung über Nähe, Distanz und Imagination.

Die Arbeit besteht aus Filz aus naturbelassener Alpenwolle aus Südtirol und ist vollständig von Hand im Stielstich gefertigt. Mit einer Größe von 150 x 225 cm wird sie zur begehbaren Erinnerung – ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Caponi beschreibt seinen Ansatz selbst als eine Art „literarischer DJ“: Er mischt Zitate, Gedanken und fiktive Botschaften zu neuen Narrativen, die sich zwischen Realität und Vorstellung bewegen.

Zwischen Kunst und Funktion

Caponis Werke bewegen sich in einem Spannungsfeld: zwischen künstlerischer Geste und dekorativer Funktion, zwischen persönlicher Geschichte und universeller Resonanz. Sein Atelier wird zum Ort, an dem sich Imagination in Material einschreibt – und Design eine zutiefst menschliche Dimension erhält.

Intuitive AI, Privacy auf Pixelebene und Hi-Fi Sound für ein vernetztes Leben

Mit der neuen Galaxy S26 Serie und den Galaxy Buds4 definiert Samsung das Zusammenspiel von künstlicher Intelligenz, Design und Audioqualität neu. Das Ergebnis ist ein ganzheitliches Ökosystem, das Technologie intuitiver, persönlicher und diskreter in den Alltag integriert – leistungsstark, ästhetisch und konsequent auf Nutzer:innen zugeschnitten.

Galaxy S26 Serie: Das bislang intuitivste Galaxy AI Smartphone

Mit dem Samsung Galaxy S26 Ultra, dem Samsung Galaxy S26+ und dem Samsung Galaxy S26 präsentiert Samsung seine dritte Generation der Galaxy AI Smartphones.

Im Zentrum steht eine Vision: AI soll nicht kompliziert sein – sondern selbstverständlich.

Privacy neu gedacht: Das erste integrierte Privacy Display

Das Galaxy S26 Ultra setzt als erstes Smartphone der Branche auf ein integriertes Privacy Display, das Privatsphäre auf Pixelebene ermöglicht.

Durch gezielte Lichtstreuung bleiben Inhalte für Nutzer:innen klar sichtbar, während sie für seitliche Betrachter:innen ab einem Winkel von über 45 Grad stark eingeschränkt werden. Anders als bei herkömmlichen Folien bleibt die volle Bildqualität erhalten, wenn die Funktion deaktiviert ist.

Gerade im öffentlichen Raum – in Cafés, Zügen oder Co-Working-Spaces – wird das Smartphone so zum diskreten Begleiter.

Performance & Kamera: AI trifft Präzision

Im Inneren arbeitet der maßgeschneiderte Snapdragon® 8 Elite Gen 5 for Galaxy Prozessor, der CPU-, GPU- und NPU-Leistung deutlich steigert. Verbesserte Wärmeableitung sorgt selbst bei Gaming oder Videoaufnahmen für konstante Performance.

Die bisher beste Galaxy Kamera

Das S26 Ultra überzeugt mit größeren Blendenöffnungen für mehr Lichtaufnahme und klarere Details – selbst bei schwierigen Lichtverhältnissen.

Features wie:

• Nightography Video für lebendige Low-Light-Aufnahmen
• Optimiertes SuperSteady für stabilere Videos
• AI-gestützte Bildbearbeitung via Photo Assist

machen Content Creation intuitiver denn je.

Mit Creative Studio lassen sich Skizzen, Fotos oder Text-Prompts direkt in ausgefeilte Designs verwandeln – ohne App-Wechsel, ohne kreative Unterbrechung.

Proaktive Galaxy AI im Alltag

Galaxy AI denkt mit.

• Now Nudge schlägt kontextbezogen passende Fotos oder Termine vor
• Now Brief liefert personalisierte Updates wie Trainings-Playlists oder Reminder
• Finder versteht semantische Suchanfragen wie „Wann geht mein Flug diese Woche?“
• Circle to Search mit Google erkennt mehrere Objekte gleichzeitig

Die AI arbeitet im Hintergrund – Nutzer:innen erleben nur die Leichtigkeit.

Galaxy Buds4 Serie: Hi-Fi Sound trifft adaptive Intelligenz

Parallel zur Smartphone-Serie stellt Samsung die neue Samsung Galaxy Buds4 Pro und Samsung Galaxy Buds4 vor.

Digital entwickeltes Design

Basierend auf über 100 Millionen globalen Ohrdatenpunkten und mehr als 10.000 Simulationen wurde die ergonomische Passform optimiert.

Das ultraschlanke Design sorgt für ganztägigen Komfort und Stabilität.

24-Bit Hi-Fi Audio & adaptives ANC

Die Galaxy Buds4 Pro verfügen über einen breiteren Tieftonlautsprecher mit rund 20 % größerer effektiver Lautsprecherfläche.

Gemeinsam mit Hochtonlautsprechern unterstützen sie 24-Bit/96-kHz-Audio für klangtreuen Hi-Fi-Sound.

Die verbesserte adaptive ANC/EQ-Technologie analysiert Tragebedingungen und Ohrform in Echtzeit und passt Klang sowie Geräuschunterdrückung intelligent an.

Ob Flugzeug, Straßenbahn oder Restaurant – der Sound bleibt klar und immersiv.

AI zum Hören: Sprachsteuerung & Head Gesture

In Kombination mit der Galaxy S26 Serie ermöglichen die Buds4:

• Starten von AI-Agenten per Sprachbefehl
• Anrufe annehmen oder ablehnen via Kopfbewegung
• Freihändige Steuerung im Alltag

Technologie wird unsichtbar – und genau dadurch relevanter.

Verfügbarkeit & Preise in Österreich

Galaxy S26 Serie:

• S26 Ultra ab EUR 1.449,- (UVP)
• S26+ ab EUR 1.249,- (UVP)
• S26 ab EUR 999,- (UVP)
• Verkaufsstart: 11.03.2026

Galaxy Buds4 Serie:

• Buds4 Pro ab EUR 249,- (UVP)
• Buds4 ab EUR 179,- (UVP)

Vorbestell-Aktion  

Kundinnen und Kunden, die vom 25.02.2026 bis inklusive 10.03.2026 im Samsung Online Shop oder im ausgewählten österreichischen Handel ein Samsung Galaxy S26 Ultra, Galaxy S26+ oder Galaxy S26 vorbestellen, erhalten einen 200€ Vorteil (im Vergleich zum UVP) beim Kauf der größeren Speichervariante z.B. 512GB zum Preis von 256GB)²⁵ Zusätzlich gibt es auf die neuen Galaxy Buds4 Pro oder Galaxy Buds4 -10% Rabatt beim gleichzeitigen Kauf einer Galaxy S26 Serie.

Es gelten die Teilnahmebedingungen auf vorbestellung.samsung.at.  

Mit der Galaxy S26 Serie und den Galaxy Buds4 verschiebt Samsung die Grenze zwischen Technologie und Intuition.

AI wird persönlicher. Privatsphäre wird smarter. Klang wird immersiver.

Ein Schritt in Richtung eines vernetzten, bewussteren digitalen Lebens – ganz im Sinne eines modernen Mindful Tech-Lifestyles.

Pocket Poetry für neue Alltagsroutinen

Ein schlankes Essential für bewusste Entdecker:innen: Mit dem neuen Flexwallet interpretiert Secrid Funktionalität neu – flexibel, reduziert und nachhaltig gedacht.

Design als Haltung

Unter dem Leitmotiv „Pocket Poetry – For Pocket Pioneers“ präsentiert Secrid eine Geldbörse, die mehr ist als ein funktionales Accessoire. Das Flexwallet richtet sich an Menschen, die Design nicht als Dekoration verstehen, sondern als Ausdruck ihrer Haltung – bewusst, reduziert und verantwortungsvoll.

In einer Zeit, in der sich Routinen verändern und Mobilität neu definiert wird, reagiert Secrid mit einem Produkt, das diese Bewegung aufgreift. Kompakt in der Form, vielseitig im Gebrauch und klar in der Ästhetik, verbindet das Flexwallet präzise Funktionalität mit nachhaltigem Anspruch.

Flexibilität im Format

Basierend auf dem bewährten Cardprotector+ kombiniert das neue Modell ein schlankes Profil mit einer elastischen, textilen Hülle. Statt starrer Fächer passt sich das Material dem tatsächlichen Inhalt an – intuitiv und flexibel.

Bis zu sechs Karten sind RFID-geschützt untergebracht. Zusätzlich bietet das Flexwallet Raum für gefaltete Geldscheine, Belege, Münzen oder kleine Essentials. Die Maße von 63 × 102 × 8 Millimetern unterstreichen die minimalistische Silhouette.

Ein Begleiter für neue Wege, neue Ideen und neue Rhythmen – leise im Design, stark in der Funktion.

Nachhaltigkeit als Selbstverständlichkeit

Montiert in geschützten Werkstätten und gestaltet für Langlebigkeit, verkörpert das Flexwallet jene Form von verantwortungsvollem Design, die nicht laut sein muss. Es steht für Qualität, Reduktion und bewussten Konsum.

Montiert in sozialen Werkstätten in den Niederlanden und gestaltet für Langlebigkeit, verkörpert das Flexwallet jene Form von verantwortungsvollem Design, die nicht laut sein muss. Es steht für Qualität, Reduktion und bewussten Konsum und wird ausschließlich aus Materialien gefertigt, die aus der EU stammen.

Erhältlich in den Farben Black, Kelp, Mauve, Orange und Teal, setzt es subtile Akzente im Alltag.

Preis: 49,00 €

Handwerk, Materialbewusstsein und zeitlose Eleganz

Nachhaltigkeit ist bei Warli kein Trend, sondern gelebte Haltung. Seit der Gründung im Jahr 1998 steht das italienische Designunternehmen für zeitgenössische Teppiche und Wohnaccessoires, die aus der tiefen Auseinandersetzung mit Materialien, handwerklichen Techniken und kulturellen Textiltraditionen entstehen. Was einst mit handgewebten Teppichen begann, hat sich zu einer ganzheitlichen Designwelt entwickelt – von Indoor- und Outdoor-Rugs über Möbel bis hin zu Leuchten.

Im firmeneigenen „Laboratory of Ideas“ in Mailand entstehen Entwürfe, die durch ihre stille Eleganz überzeugen. Warli richtet sich an Menschen, die Design als bewusste Entscheidung verstehen – für Qualität, Langlebigkeit, Anpassungsfähigkeit und ökologische Verantwortung. Oder, wie es die Marke selbst formuliert: an echte Design Weavers, die ihren Alltag mit Sinn und Stil verweben.

Materialien als Haltung

Im Zentrum der Kollektionen stehen Naturfasern wie Wolle, Leinen und Seide – ergänzt durch innovative Alternativen wie Bambus- oder Bananenseide sowie Tencel, eine umweltfreundliche Zellulosefaser aus Holz. Für den Außenbereich kommen hochwertige synthetische Garne zum Einsatz, die natürliche Materialien imitieren, extrem langlebig und am Ende ihres Lebenszyklus recyclebar sind.

Darüber hinaus arbeitet Warli mit recycelten Materialien wie Econyl®, Raytent® sowie wiederverwertetem PET und Aluminium. Design wird dabei ganzheitlich gedacht – von der Idee über die Produktion bis hin zur Wiederverwertung.

Ausgewählte Neuheiten

Islas Coffee Tables
Entworfen von Paolo Zani, besteht Islas aus drei unterschiedlich hohen Beistelltischen für den Außenbereich. Die Tischplatten mit Zementoptik ruhen auf Sockeln aus zu 100 % recyceltem Aluminium. Die bewusste Entscheidung für Gussformen aus Ton lässt kleine Unregelmäßigkeiten sichtbar – ein ehrlicher Ausdruck von Material und Prozess.

Tatami Outdoor Rug – Plein Sud Collection
Inspiriert von der klaren Ästhetik traditioneller japanischer Wohnräume, überzeugt dieser handgewebte Outdoor-Teppich durch Zurückhaltung und Balance. Wetterfest, UV-beständig und angenehm unter den Füßen – ideal für meditative Momente im Freien.

Scilla Lamp
Die neue Leuchtenkollektion Scilla verbindet mundgeblasenes, handgraviertes Glas mit Edelstahl. Tragbar, dimmbar und für Indoor wie Outdoor geeignet, schafft sie eine warme, poetische Lichtstimmung – funktional und zugleich emotional.

Barona Table Lamp
Eine Hommage an Mailands industrielles Erbe: Die Barona Tischleuchte besteht vollständig aus recyceltem Aluminium. Mit direktem und indirektem Licht setzt sie kraftvolle Akzente und bleibt dabei bewusst reduziert.

Design als bewusste Lebensentscheidung

Warli zeigt, wie zeitgenössisches Design Verantwortung übernehmen kann – ohne auf Ästhetik zu verzichten. Jedes Objekt erzählt von Respekt gegenüber Materialien, Handwerk und Umwelt. Eine leise, aber überzeugende Form von Luxus, die perfekt in eine bewusste Lebensweise passt.

Ein neues Kapitel des Branded Living zwischen Dschungel, Handwerkskunst und zeitloser Eleganz

Wenn Mode zur Lebensform wird, entstehen Räume mit Charakter.
Mit den ETRO Residences Phuket präsentiert das italienische Traditionshaus ETRO sein erstes Residential-Projekt in Südostasien – und übersetzt dabei seine ikonische Designhandschrift in ein ganzheitliches Wohnkonzept, das Natur, Ästhetik und Lebensqualität miteinander verbindet.

Eingebettet in die üppige Landschaft der exklusiven Gardens of Eden an Phukets Westküste, offenbaren die nun veröffentlichten Interior Designs eine neue Interpretation von luxuriösem Wohnen: sinnlich, ruhig und tief verwurzelt in der Umgebung.

Design als Erlebnisraum

Entwickelt von Amal Development und gestaltet von den internationalen Branded-Real-Estate-Spezialisten The One Atelier, umfasst das Projekt lediglich acht exklusive Residenzen – drei Schlafzimmer Apartments sowie großzügige Penthouses mit privaten Terrassen.

Die Innenräume folgen keiner lauten Inszenierung, sondern einer fein austarierten Komposition aus Licht, Proportion und Materialität. ETROs charakteristische Muster, Farben und Texturen wurden behutsam in ein ruhiges, architektonisches Narrativ übersetzt – als Rückzugsort, nicht als Bühne.

Italienische Handwerkskunst im Dialog mit der Natur

Maßgefertigte Möbel aus der ETRO Home Interiors Kollektion – realisiert in Zusammenarbeit mit der ONIRO Group – treffen auf skulpturale Formen, edle Marmorflächen, samtige Stoffe und handveredelte Holzoberflächen. Farbwelten aus Ozeanblau, Dschungelgrün und warmen Naturtönen spiegeln die umliegende Landschaft wider und schaffen fließende Übergänge zwischen Innen und Außen.

Italienische Designtradition wird hier nicht zitiert, sondern gelebt – als leise Erzählung von Qualität, Materialbewusstsein und Sinnlichkeit.

Ein Rückzugsort im Herzen der Gardens of Eden

Die ETRO Residences liegen inmitten eines 33 Hektar großen, naturnahen Masterplans, in dem über 70 Prozent der Fläche Grünzonen, Seen und tropischen Gärten vorbehalten sind. Nur wenige Schritte vom Bang Tao Beach entfernt, verbindet der Standort Privatsphäre mit Nähe zu Phukets kulturellen und kulinarischen Highlights.

Yoga-Lawns, Meditationspfade, verschiedene Poollandschaften sowie personalisierte Wellness- und Concierge-Services unterstreichen den ganzheitlichen Anspruch des Projekts: Luxus als Erfahrung – nicht als Statussymbol.

Mit den ETRO Residences Phuket gelingt die Übersetzung einer ikonischen Modemarke in ein Wohnkonzept, das Design nicht als Dekoration, sondern als Lebensgefühl versteht. Ein leises, aber kraftvolles Statement für die Zukunft des Branded Living – naturverbunden, kultiviert und zeitlos.

3D-gedruckte Leuchten aus recycelten und bio-basierten Kunststoffen: Lucas Zito verbindet digitale Fertigung mit einer klaren, ressourcenschonenden Designhaltung.

Lucas Zito ist Designer mit Fokus auf Lichtobjekte. Seine Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Materialforschung, neuer Technologie und nachhaltigem Denken. Auf Basis recycelter und bio-basierter Kunststoffe entstehen Leuchten, die nicht nur funktional sind, sondern eine bewusste Haltung gegenüber Material und Prozess transportieren.

Gestaltung als präziser Prozess

Ausgehend von seiner Ausbildung an der Design Academy Eindhoven entwickelte Lucas Zito einen Ansatz, der Design als kontrollierbaren, präzisen Prozess versteht. Zentrale Rolle spielt dabei der 3D-Druck, der es ermöglicht, Form, Struktur und Materialeinsatz exakt zu steuern. Ziel ist es, mit möglichst wenig Material maximale räumliche Wirkung zu erzielen.

Seine Leuchten entstehen aus reclaimed oder bio-sourced plastics und werden in Paris entworfen und gefertigt. Technologie dient dabei nicht der Effekthascherei, sondern als Werkzeug für Ressourcenschonung und formale Klarheit.

Die BUOY Collection: Schwerelosigkeit in Form gebracht

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Lucas Zito mit der BUOY Collection, die seit 2021 als seine gestalterische Signatur gilt. Der Name leitet sich von buoyancy – dem physikalischen Prinzip des Auftriebs – ab. Dieses Konzept übersetzt Zito in Leuchten, die trotz ihrer Größe visuell leicht wirken und scheinbar im Raum schweben.

Die modular aufgebauten Lichtobjekte werden von Hand assembliert und sind bewusst so konstruiert, dass auch großformatige Leuchten mit überraschend wenig Material realisiert werden können. BUOY steht exemplarisch für Zitos Designverständnis: technisch präzise, poetisch in der Wirkung und konsequent ressourcenschonend.

Lucas Zitos Arbeit zeigt, wie zeitgenössisches Design Verantwortung übernehmen kann, ohne an Ästhetik zu verlieren. Seine Leuchten stehen für bewusste Materialwahl, Langlebigkeit und eine neue Form von technischer Eleganz – Werte, die den Gedanken von mindful living auf stille, überzeugende Weise widerspiegeln.

Beverly Hills wird zum Schauplatz einer Design-Revolution: Star-Designer Kelly Wearstler öffnet ihr Zuhause für ein kreatives Experiment, das Grenzen zwischen Kunst, Design, Musik und Performance verschwimmen lässt.

Wenn eine Pionierin der Designwelt ein neues Kapitel aufschlägt, dann lohnt es sich, genau hinzusehen. Mit Side Hustle hat Kelly Wearstler, eine der einflussreichsten Gestalterinnen unserer Zeit, eine Plattform geschaffen, die weit über klassische Ausstellungen hinausgeht. Die Kelly Wearstler Side Hustle Galerie ist gleichzeitig kuratorischer Raum, kreative Werkstatt und digitale Bühne für Talente aus aller Welt.

Was Side Hustle so besonders macht, ist die interdisziplinäre Ausrichtung:
Von Skulptur über Malerei, Schmuck, Performance, Film, Musik, Kulinarik bis hin zu Automobildesign und Sport ‒ Wearstler versammelt kreative Stimmen unterschiedlichster Disziplinen unter einem Dach. Die Plattform versteht sich als lebendiges, wachsendes Archiv außergewöhnlicher Arbeiten und Editionen, die die gewohnten Kategorien sprengen.

Ein Zuhause als Galerie
Dass Wearstler für dieses Projekt keinen neutralen Saal, sondern ihr privates Anwesen in Beverly Hills gewählt hat, spricht Bände über ihre persönliche Verbundenheit mit Side Hustle. Das historische Poolhouse ihres Hauses, einst privater Kinoraum mit James-Bond-Atmosphäre, dient als Ausstellungsort der Debütshow „Again, Differently“. Dort zeigt sie Werke internationaler Künstler:innen wie Dozie Kanu, Joana Schneider oder Sam Klemick und setzt damit einen neuen, lebendigen Impuls für kreativen Austausch.

Wearstler selbst erklärt, dass die Idee zu Side Hustle organisch aus ihrer langjährigen Praxis entstanden sei, Künstler:innen regelmäßig in ihre Innenarchitektur- und Produktwelt einzubinden. Mit dieser Galerie wolle sie nun die Dynamik umkehren: nicht Kunst in Räume zu integrieren, sondern Räume zu schaffen, die Kunst und Design gleichberechtigt atmen lassen.

Fördern statt präsentieren
Im Gespräch mit dem AD Magazin betont Wearstler, dass Side Hustle mehr als nur ein Verkaufsraum sei:

„Es geht darum, einen tieferen Dialog zwischen Design und Kunst zu fördern und Kreative dazu zu ermutigen, wirklich disziplinübergreifend zu denken und mit Allerlei zu experimentieren.“

Sie sieht ihre Rolle nicht als traditionelle Galeristin, sondern als Unterstützerin, Kuratorin und Sparringspartnerin für aufregende neue Stimmen der Kreativwelt.

Mit einer digitalen Plattform und Präsenz in sozialen Medien verknüpft Side Hustle den physischen Raum mit einem globalen Publikum, sodass Künstler:innen, Sammler:innen und Designbegeisterte gleichermaßen eingeladen sind, die kreative Zukunft mitzugestalten.

Design als Haltung – und als Versprechen an die Zukunft

Mit der Kollektion Delirium für TM Leader, präsentiert 2025 auf dem Salone del Mobile in Mailand, beweist Karim Rashid einmal mehr, warum er auch nach Jahrzehnten im internationalen Designdiskurs eine unangefochtene Instanz ist. In einer Zeit, in der viele Entwürfe von Reduktion, Neutralität und Nostalgie geprägt sind, setzt Rashid bewusst auf das Gegenteil: Farbe, Emotion, digitale Ästhetik und radikalen Optimismus.

Delirium ist kein leises Design. Es ist ein selbstbewusstes Statement – und genau darin liegt seine Relevanz.

Karim Rashid: Produktivität als kulturelle Kraft

Mit über 4.000 realisierten Designs, mehr als 300 Auszeichnungen und Projekten in über 40 Ländern zählt Karim Rashid zu den produktivsten Designern unserer Zeit. Doch Quantität ist bei ihm nie Selbstzweck. Seine enorme Arbeitsethik ist Ausdruck einer klaren Haltung: Design muss das tägliche Leben verbessern, emotional berühren und zugänglich sein.

Rashid denkt nicht in Objekten, sondern in Systemen, Lebenswelten und Zukunftsszenarien. Seine Entwürfe sind stets Teil eines größeren Narrativs – geprägt von Technologie, Humanismus und der Vision einer besseren, inklusiveren Welt.

Delirium by TM Leader: Eine Kollektion als Gegenwartskommentar

Die Kollektion Delirium, entstanden für TM Leader, übersetzt Rashids Design-DNA in eine neue, expressive Möbelsprache. Organische Formen, fließende Linien und intensive Farben treffen auf präzise Handwerkskunst und innovative Materialien.

Präsentiert auf dem Salone del Mobile, positioniert sich Delirium bewusst jenseits kurzlebiger Trends. Stattdessen formuliert die Kollektion eine klare Antwort auf die Gegenwart: Design darf – und muss – emotional sein. Es darf Freude machen. Und es darf Haltung zeigen.

Farbe, Futurismus und emotionale Intelligenz

Was Rashids Arbeit seit jeher auszeichnet, ist sein kompromissloser Umgang mit Farbe. Wo andere Zurückhaltung üben, setzt er auf visuelle Energie. Doch diese Farbigkeit ist nie dekorativ. Sie ist funktional im emotionalen Sinne.

Rashid versteht Farbe als Werkzeug der Kommunikation, als Mittel gegen visuelle Monotonie und mentale Erschöpfung. Gerade in einer Welt permanenter Krisen wirken seine Entwürfe wie ein bewusstes Gegenprogramm – ein Plädoyer für Optimismus, Sinnlichkeit und digitale Eleganz.

Warum Karim Rashid heute relevanter ist denn je

In einer Designlandschaft, die sich zunehmend im Zitat der Vergangenheit verliert, bleibt Karim Rashid konsequent zukunftsorientiert. Er gestaltet für das Jetzt – und für das, was kommt. Seine Entwürfe reflektieren unsere digitale Realität, unsere Sehnsucht nach Individualität und unser Bedürfnis nach emotionaler Verbindung.

Delirium zeigt eindrucksvoll: Rashids Vision ist nicht gealtert. Sie ist gereift.

„Design ist kein Luxus. Es ist eine Notwendigkeit für ein besseres Leben.“ – Karim Rashid

Mit Delirium für TM Leader unterstreicht Karim Rashid seine Rolle als radikaler Humanist des Designs. Seine Arbeiten sind laut, farbenfroh und unbequem – und genau deshalb unverzichtbar. Sie erinnern uns daran, dass Design mehr sein kann als Funktion und Form: nämlich eine kulturelle Kraft mit emotionaler Tiefe und gesellschaftlicher Relevanz.

Wer gut schlafen, sitzen oder liegen möchte, braucht vor allem eines: eine hochwertige Unterlage. Bei Wittmann im Kamptal weiß man um dieses Geheimnis seit bald 130 Jahren Bescheid. In Toni Mörwalds neuem Gutshof, in dem Polstermöbel von Wittmann im ganzen Haus verteilt sind, gehen Kulinarik und Komfort eine feine Symbiose ein.

Es gibt viele gute Gründe, warum sich der Weg ins Kamptal lohnt. Die malerische Landschaft mit den sanft geschwungenen Weinbergen und Flussschleifen ist einer davon – ebenso wie der daraus hervorgehende Grüne Veltliner. Ein anderer sind die klassischen Konzerte im architektonisch markanten Wolkenturm in Grafenegg. Und zwischen atemberaubendem Weitblick, warmen Geigenklängen und dem Duft reifer Trauben, verbirgt sich noch ein weiterer schöner Grund.

Hier bei Wittmann im ruhigen Etsdorf entstehen seit bald 130 Jahren formschöne Polstermöbel in Handarbeit mit Klassikern wie dem Alleegasse-Sofa von Josef Hoffmann und Neuzugängen wie dem Tuya-Ohrensessel von Jaime Hayon. Und unweit davon entfernt, macht man es sich im neu eröffneten Gutshof von Toni Mörwald auf Wittmann-Betten und -Sesseln gemütlich.

Manche Geschenke verlieren nie ihren Wert. So wie mein erstes Presse-Goodie: ein schlichter Schlüsselanhänger aus Leder mit acht eingeprägten Buchstaben: W I T T M A N N. Seit damals, es ist wohl 15 Jahre her, bündelt er diverse Schlüssel, Mal kommen neue dazu, Mal kommen welche weg, doch das Lederband hält jedem Job- und Wohnungswechsel stand.

Ein Begleiter fürs Leben, genau so beständig wie die Möbel, für die er steht.

Schon die Fassade des Unternehmens, ein Raster aus quadratischen Fenstern und metallenen Details in Otto-Wagner-Grün, deutet Zeitlosigkeit an. Doch was man von außen nicht sieht: Hinter ihr erstreckt sich ein Geflecht aus Werkshallen, in denen Sessel, Sofas und Betten vollständig unter einem Dach entstehen: vom Metallrahmen bis zur Matratze. Wittmann steht für Handwerk als Gesamtkunstwerk, seit bald 130 Jahren. Es hat Historie, aber ohne historisch zu sein.

Seit Kurzem wird der österreichische Möbelhersteller von einem Dänen mit viel Vorerfahrung in der Branche und einer besonderen Liebe und Expertise für Möbel geleitet. Und während mich CEO Bo Thuesen bei meinem Besuch durch das weitläufige Areal führt und die einzelnen Stationen erklärt, schwingt etwas von „Sendung mit der Maus“-Staunen mit.

In der Schlosserei startet der Produktionsprozess mit maßgefertigten Metallrahmen. Von dort führt der Weg durch die Lagerhalle mit ihren vorgefertigten Holzkonstruktionen weiter zur Begurtung und dann in die Vorpolsterei. Hier fallen zuerst die Farben ins Auge – Schaumstoffe in Gelb, Blau, Rosa. Nicht etwa aus gestalterischer Absicht, jede Farbe steht schlichtweg für eine andere Dichte. Schicht um Schicht werden sie wie ein Sandwich verklebt, manchmal sogar auf derselben Ebene kombiniert, um genau jene feinen Eigenschaften zu erzeugen, die man später nicht mehr sieht.

Verborgen im Inneren, unsichtbar im Endprodukt und doch das Element, das den entscheidenden Unterschied macht. Der Sitz- und Liegekomfort ist die Kernkompetenz von Wittmann, weshalb Bo Thuesen vieles aus dem Sortiment verbannt hat, was nicht direkt der Bequemlichkeit dient, etwa Leuchten oder Tische. In der Näherei nehmen dann unterschiedlichste Stoff- und Leder-Bahnen Form an, bevor sie um den Rohling drapiert und straffgezogen werden. Anschließend werden die fertigen Stücke noch einmal kontrolliert, mit einer Plakette versehen, verpackt und in die Welt geschickt – oder eben auch einfach ins Nachbardorf nach Feursbrunn am Wagram.

Hier, wo Spitzenkoch Toni Mörwald seinem Heimatdorf neues Leben einhaucht und verlassene Gasthäuser, Pensionen und Weinkeller revitalisiert und in Orte von Genuss und Gastlichkeit verwandelt. So wie dem neuen Gutshof, in dem man unmittelbar spürt, wie viel Komfort in Wittmann steckt. Etwa anhand der Leslie Stühle und Barhocker von Soda Designers, mit ihrem Material-Mix aus Leder und Holz. Oder mit den farbigen Vuelta Sofas und Sesseln von Jaime Hayon, deren Rücken und Seiten in einer einzigen, fließenden Linie verlaufen, um jene, die Platz nehmen, beinahe zärtlich zu umfangen.

Die Küche von Toni Mörwald trägt dann ihr Übriges zur guten Polsterung bei. Im Michelin-Stern gekrönten Gourmetrestaurant Toni M. genießt man österreichische Küche mit weltoffenem Blick und dazu das ein oder andere Gläschen Wein, bevor es an die Bar oder zurück ins Zimmer geht.

Vom warmen Licht der Occhio-Leuchten umhüllt, wartet hier schließlich auch noch ein Wittmann-Möbelstück geduldig darauf, dem Gast die Ruhe zu schenken, die in ihm wohnt: nämlich ein handgemachtes Bett mit Matratze, für deren Herstellung alleine 115 Arbeitsschritte notwendig sind. Muss ich also erwähnen, wie gut ich geschlafen habe? Vermutlich nicht. Oder vielleicht doch, denn am nächsten Tag wurde ich von meinem Mann empfangen mit den Worten: „Du siehst so entspannt aus.“ Und das ist wohl der beste Grund, um ins Kamptal zu fahren.

Fotos: CWN; Wittmann