Mit der Geschirrserie Aberta bringt das Kölner Label onomao klare Formen und handgemalte Farbe an den Tisch. Gefertigt wird das Steinzeug in einer portugiesischen Manufaktur.

Ein blauer oder orangefarbener Pinselstrich am Rand: Viel mehr braucht Aberta nicht, um auf dem Tisch einen eigenen Charakter zu entwickeln. Die Geschirrserie von onomao öffnet sich konisch nach oben, wirkt standfest und bleibt in ihrer Gestaltung angenehm zurückhaltend. Ihr Name beschreibt diese Bewegung bereits: Aberta bedeutet auf Portugiesisch „offen“.

Acht grundlegende Produkte bilden die Kollektion. Gedacht sind sie für den täglichen Gebrauch – und damit für jene Mahlzeiten, die zwischen Terminen und Gewohnheiten manchmal allzu beiläufig stattfinden. Ein sorgfältig gedeckter Tisch kann ihnen etwas Aufmerksamkeit zurückgeben. Auch an einem ganz gewöhnlichen Dienstag.

Blau, Orange und die Linie dazwischen

Das gestalterische Prinzip von Aberta ist schnell erfasst: Eine reduzierte Form trifft auf einen handbemalten Rand. Die Farbe zeichnet die Öffnung der Gefäße nach und betont damit genau das Detail, das der Serie ihren Namen gibt.

Blau und Orange lassen sich dabei auch miteinander kombinieren. So entsteht Spielraum beim Decken: eine durchgehend blaue Linie, ein warmer orangefarbener Akzent oder beides nebeneinander. Der gemeinsame Formenkanon hält das Ensemble zusammen.

Gefertigt wird Aberta aus Steinzeug in einer Manufaktur in der Mitte Portugals. Der handbemalte Rand macht die handwerkliche Arbeit unmittelbar sichtbar. Gerade bei einer so klaren Gestaltung bekommt diese einzelne Linie Gewicht.

Von den Wellen zu den Werkstätten

Die Verbindung zu Portugal reicht bei den onomao-Gründern Arthur und Felix Wystrychowski weit vor die Gründung ihres Labels zurück. Beide Brüder, gemeinsam in München aufgewachsen, zog es schon früh zum Surfen ans Meer. Arthur wurde mehrfach Deutscher Meister im Wellenreiten und studierte später Landschaftsarchitektur in Berlin. Felix lebte mehrere Jahre in Portugal, ließ sich dort zum Koch ausbilden und absolvierte anschließend in Köln eine Ausbildung zum Grafiker.

2018 gründeten sie onomao. Ihre Suche führte sie zu kleinen portugiesischen Manufakturen, mit denen sie langfristig und auf Augenhöhe zusammenarbeiten wollten. Heute entstehen dort das Geschirr und die Wohnaccessoires des Kölner Interiorlabels.

Die unterschiedlichen Erfahrungen der Brüder geben dem Projekt einen nachvollziehbaren Hintergrund: Kochen, Gestaltung, Räume und eine über Jahre gewachsene Nähe zu Portugal. Am Tisch kommen diese Interessen zusammen.

Für den nächsten gemeinsamen Abend

Vier Geschirrkollektionen gehören zum Sortiment von onomao. Traditionell, Klassik und Aberta bestehen aus Steinzeug; Pura ist die einzige Porzellankollektion des Labels. Jede setzt einen anderen gestalterischen Schwerpunkt – vom steilen Tellerrand bei Traditionell bis zum Zusammenspiel matter und glänzender Oberflächen bei Pura.

Aberta konzentriert sich auf wenige Mittel: die sich öffnende Form, das robuste Material und die farbige Kontur. Daraus entsteht Geschirr, das sich leicht in den Alltag einfügt und dem gedeckten Tisch dennoch etwas Eigenes gibt.

Vielleicht liegt darin sein Reiz. Die Stücke müssen auf keinen besonderen Anlass warten. Der nächste gemeinsame Abend reicht.

Weitere Informationen: onomao.com

Für Pavimenti Sansone entwickeln Icona Architetti Associati fünf Zementfliesen-Kollektionen, die Farbe und Geometrie mit sizilianischem Handwerk verbinden. Die beiden jüngsten Entwürfe beginnen mit einer einfachen Kurve.

Eine Zementfliese ist ein kleines Stück Wiederholung. Gleiche Maße, gleiche Formen, ein Muster, das sich über den Boden fortsetzt. Bei Pavimenti Sansone bleibt dabei jede einzelne Fliese ein wenig anders. Feine Unterschiede in Farbe und Oberfläche erzählen von ihrer Herstellung: von Hand, Stück für Stück, im Südosten Siziliens.

Diese Variationen bilden den Ausgangspunkt der Zusammenarbeit mit Icona Architetti Associati. Das von Federica Poggio und Marco Orto gegründete Mailänder Architekturbüro übernahm vor zwei Jahren die kreative Leitung des Herstellers. Seither entstehen Kollektionen, deren Wirkung sich aus dem Zusammenspiel von Material, Farbe und Verlegung entwickelt. Nach Sessanta, Twist und Line, vorgestellt 2025, erweitern 2026 die Entwürfe Novilunio und Pura das Sortiment.

Die Hände bleiben sichtbar

Pavimenti Sansone wurde Anfang des 20. Jahrhunderts als kleine Handwerkswerkstatt gegründet. In der Gegend um Comiso fertigt das Unternehmen bis heute Zementfliesen einzeln von Hand. Marmorpulver, Zement und mineralische Pigmente werden mithilfe von Metallschablonen in Form gebracht, gepresst und anschließend an der Luft getrocknet. Die Fliesen werden weder gebrannt noch poliert.

Das Verfahren hinterlässt Spuren. Nuancen im Farbton und kleine Unregelmäßigkeiten gehören zur Oberfläche – und damit zur späteren Wirkung eines Raumes. Ein Boden aus solchen Fliesen besitzt eine Lebendigkeit, die sich aus vielen feinen Abweichungen zusammensetzt.

Für ihre Entwürfe beschäftigten sich Poggio und Orto zunächst mit den Abläufen in der Werkstatt: mit Werkzeugen, Handgriffen und dem Verhalten der Pigmente. Ihre gestalterische Arbeit setzt bei diesen Eigenschaften an. Farbe, Modul und Wiederholung werden zu Bausteinen einer zeitgemäßen Formensprache, in der die handwerkliche Herkunft ablesbar bleibt.

Ein Muster mit Spielraum

Die 2025 präsentierte Icona Collection umfasst Sessanta, Twist und Line. Klare geometrische Formen treffen auf unterschiedliche Farbkombinationen und Verlegemöglichkeiten. Die Palette reicht von zurückhaltenden, an Naturtönen orientierten Farben bis zu kräftigeren Kontrasten.

Wie die fertige Fläche aussieht, entscheidet sich auch beim Verlegen. Die einzelnen Module können unterschiedliche Rhythmen bilden; Farbe verstärkt Verbindungen oder setzt Akzente. Damit wird die Gestaltung des Bodens zu einem Teil des räumlichen Entwurfs. Eine Fliese liefert einen Baustein, dessen Wirkung sich erst im Zusammenhang entfaltet.

Zwei Wege entlang einer Kurve

Mit Novilunio und Pura führen Icona Architetti Associati diesen Gedanken 2026 weiter. Beide Kollektionen gehen von derselben geometrischen Grundform aus: der Kurve.

Bei Novilunio verbinden sich vier Fliesen zu einem zentralen Motiv. Das Zusammenspiel von Farbflächen und ausgesparten Bereichen erzeugt eine weiche Geometrie, die sich über den Boden wiederholt. Je nach Farbwahl treten die Formen deutlicher hervor oder fügen sich ruhiger in die Fläche ein.

Pura lässt die Anordnung offener. Die Kurve bildet hier den Ausgangspunkt für wechselnde Sequenzen. Das Muster entsteht aus den Beziehungen zwischen benachbarten Fliesen; neue Kombinationen verändern seinen Rhythmus.

Darin liegt der Reiz dieser Zusammenarbeit: Eine seit Generationen vertraute Herstellung eröffnet neue gestalterische Möglichkeiten. Das Handwerk bleibt in jeder Fliese sichtbar, während sich das Bild des Bodens mit ihrer Anordnung wandelt. Sizilien steckt dabei in der Tiefe der Farben, im Material und in den kleinen Unterschieden von Stück zu Stück.

An der toskanischen Küste hat Pierattelli Architetture eine Residenz aus den 1950er-Jahren neu gestaltet. Ihre Architektur folgt dem felsigen Gelände – und einem Horizont, der die Räume prägt.

Von einigen Bereichen dieser Villa aus ist ausschließlich das Meer zu sehen. Kein Küstenstreifen, kein benachbartes Gebäude lenkt den Blick ab. Dieses besondere Verhältnis zum Wasser wurde zum Ausgangspunkt für Pierattelli Architetture: Das Büro hat eine bestehende Residenz am Argentario so umgebaut, dass der mediterrane Horizont im ganzen Haus spürbar wird.

Die 450 Quadratmeter große Villa liegt auf einem felsigen Küstenvorsprung, verteilt sich über drei terrassierte Ebenen und verfügt über einen direkten Zugang zum Meer. Ihre ursprünglichen Formen und Volumen blieben erhalten. Die Veränderung liegt vor allem darin, wie sich die Räume öffnen, miteinander verbinden und in die Landschaft übergehen.

Ein Gedanke aus der Nautik

Die Vorstellung, sich an Bord einer Yacht zu befinden, begleitete den Entwurf. Sie erklärt die lang gezogenen, dezent getönten Bänder entlang der Terrassen und des Dachprofils ebenso wie die neu gestalteten Außenflächen. Die Terrassen wurden erweitert und teilweise neu geordnet, um die Nähe zum Wasser stärker erlebbar zu machen.

Große Glasflächen holen Tageslicht ins Haus und geben den Blick auf das Mittelmeer frei. Die ursprünglichen Steinflächen der Fassade halten die Verbindung zum felsigen Standort. Dazwischen entsteht eine Architektur, deren nautische Anklänge zurückhaltend bleiben: Entscheidend sind die Proportionen, die horizontalen Linien und die Ausrichtung zum Meer.

Auch im Inneren wurden die Wege und Raumbeziehungen neu organisiert. Der Haupteingang liegt auf der oberen Terrasse, auf der Ebene der Schlafräume. Eine ergänzte Außentreppe führt zu den tiefer gelegenen Terrassen. Darunter befindet sich der Mittelpunkt des Hauses: Wohnbereich, Küche und Esszimmer, die sich zu Außenflächen mit Sitzgelegenheiten und Platz für gemeinsame Mahlzeiten öffnen.

Holz, Travertin und wenige Farbakzente

Die Innenräume greifen die Farben und Materialien des Ortes auf. Holz trifft auf Travertin, einen Stein mit langer Tradition in der toskanischen Baukultur. Beige und Weiß bestimmen die Palette; einzelne Elemente in Rot oder Blau setzen Akzente.

Sitzmöbel mit fließenden Konturen ergänzen diese ruhige Grundlage. Leuchten von Flos und Tische von Gervasoni stehen neben zahlreichen Entwürfen des Architekturbüros. Küchen, einige Betten und die Portale zwischen den Räumen wurden eigens für das Haus gestaltet. Dadurch zieht sich eine gemeinsame gestalterische Sprache durch die unterschiedlichen Ebenen.

Die Holzböden entstanden in Zusammenarbeit mit Fiemme 3000. Auf den Terrassen kommen ebenfalls Holzböden zum Einsatz, während auf der untersten Ebene helle Resinböden und äußere Wege aus Naturstein die Materialpalette erweitern. Bei den Fenster- und Türelementen aus gebürstetem Stahl und Cortenstahl schützt eine spezielle Beschichtung vor der salzhaltigen Meeresluft. Die exponierte Lage bestimmt damit auch Details, die im fertigen Raum kaum auffallen.

Eine Landschaft, die weiterwächst

Zum Projekt gehören rund 1.800 Quadratmeter Außenflächen. Ihre Neugestaltung nutzt die vorhandene Terrassierung und schafft zusätzliche begrünte Bereiche. Ein Infinitypool mit Blick auf das Meer fügt sich in diese Struktur ein.

Die Bepflanzung ist auf Entwicklung angelegt. Mit der Zeit soll sie die Stützmauern bewachsen, die stellenweise bis zu fünf Meter hoch sind, und die Präsenz des Gebäudes an der Küste mildern. Während die Innenräume bereits ihre neue Ordnung gefunden haben, wird sich das Verhältnis zwischen Haus und Landschaft weiter verändern.

Darin liegt eine besondere Qualität dieses Umbaus: Die Villa behält ihre Geschichte und gewinnt zugleich eine neue Offenheit. Der Blick führt hinaus aufs Wasser; die Vegetation wird allmählich näher an die Architektur heranrücken. Beides gibt dem Haus seinen Rhythmus.

Architektur: Pierattelli Architetture
Fotografie: Thomas Pagani
Styling: Giulia Red

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Bei Catellani & Smith beginnt Design nicht mit einer vollkommenen Oberfläche, sondern mit einer Geste. Aluminium wird geflochten, Messing gebogen, Kupfer zu feinen Spiralen geformt. So entstehen Leuchten, deren Charakter aus dem Dialog zwischen Hand, Material und Licht erwächst.

Es gibt Materialien, die erst dann wirklich zu sprechen beginnen, wenn man ihnen Zeit lässt. Wenn ihre Widerstände, Eigenheiten und Möglichkeiten nicht überwunden, sondern verstanden werden. Bei Catellani & Smith ist genau diese Aufmerksamkeit die Grundlage des Gestaltungsprozesses. Messing, Aluminium, Kupfer und Glas werden nicht einfach verarbeitet. Sie werden erforscht, geformt und in ihrer individuellen Ausdruckskraft sichtbar gemacht.

Das Ergebnis sind Lichtobjekte, die nicht nach industrieller Perfektion streben. Sie bewahren die Spuren ihrer Entstehung – und damit jene subtilen Abweichungen, die aus einem Produkt ein Einzelstück machen.

Die Hand denkt mit

Biegen, Flechten, Formen: Hinter den Leuchten von Catellani & Smith stehen präzise ausgeführte Handgriffe, Erfahrung und ein sensibles Verständnis für das jeweilige Material. Handwerk ist hier mehr als eine Produktionsmethode. Es ist ein aktiver Teil des kreativen Denkens.

Die Hand führt eine Idee nicht bloß aus, sondern entwickelt sie weiter. Eine leichte Unregelmäßigkeit, eine unerwartete Reflexion oder eine kaum wahrnehmbare Veränderung der Oberfläche kann die Erscheinung eines Entwurfs entscheidend prägen. Kleine Imperfektionen werden deshalb nicht verborgen. Sie erzählen von der Berührung des Materials und verleihen jeder Leuchte ihre eigene Identität.

Keine zwei Exemplare sind vollkommen gleich. Gerade darin liegt ihre Qualität: in einer Form von Individualität, die nicht künstlich inszeniert werden muss, sondern unmittelbar aus dem Herstellungsprozess entsteht.

Material wird Atmosphäre

Oberflächen besitzen bei Catellani & Smith keine rein ästhetische Funktion. Sie bestimmen, wie Licht reflektiert, gebrochen, gestreut oder vervielfacht wird. Texturen, Transparenzen und bewusst unregelmäßige Strukturen verändern nicht nur die Wahrnehmung der Leuchte, sondern auch die Atmosphäre des Raumes.

Licht macht das Material sichtbar – und das Material gibt dem Licht eine Form. Diese Wechselwirkung lässt die Objekte je nach Perspektive, Tageszeit und Umgebung immer wieder anders erscheinen. Reflexionen verschieben sich, Tiefen treten hervor, Konturen lösen sich auf. Die Leuchte bleibt dabei nie statisch, obwohl ihr Körper unverändert ist.

Vier Leuchten, vier Gesten

Besonders deutlich wird diese Haltung in einigen der bekanntesten Entwürfe des Hauses. Die ikonische Lichtkugel Fil de Fer entsteht aus geduldig von Hand verflochtenem Aluminiumdraht. Ihre offene Struktur scheint zugleich Volumen und Leere zu umfassen; zahllose kleine Lichtpunkte verwandeln das Metallgeflecht in eine schwebende Konstellation.

Bei Pòta! wird Messing sorgsam gebogen, bis ein leichter, beinahe schwereloser Körper entsteht. Präsenz und Transparenz finden dabei eine fragile Balance. Jackie O wiederum übersetzt Kupfer in feine, zarte Windungen und erreicht mit wenigen gestalterischen Mitteln eine bemerkenswerte Eleganz.

Für Gold Moon werden schwarze Scheiben bewusst mit unregelmäßigen Oberflächen versehen. Sie fangen das Licht ein, vervielfachen seine Reflexe und erzeugen überraschende Tiefen. Aus der handwerklichen Bearbeitung entsteht ein lebendiges Spiel, das sich mit jeder Veränderung des Blickwinkels neu ordnet.

So erzählt jede Leuchte von jener Geste, durch die sie entstanden ist. Catellani & Smith gestaltet nicht allein Objekte, die Licht spenden. Das Unternehmen schafft Körper, an denen das Licht weiterarbeitet – und mit der Zeit immer neue Details sichtbar werden lässt.

Ein Sofa ohne Vorder- und Rückseite

Was passiert, wenn Möbel uns nicht länger vorschreiben, wie ein Raum genutzt werden soll? Mit Gibson machen Cattelan Italia und Designer Sergio Bicego das Sofa zum offenen System – weich, skulptural und bereit, seine Richtung zu ändern, sobald das Leben es tut.

Es gab eine Zeit, in der das Wohnzimmer einer ziemlich eindeutigen Choreografie folgte. Sofa an die Wand. Couchtisch davor. Fernseher gegenüber. Alles hatte seinen Platz – und im wahrsten Sinne des Wortes seine Richtung.

Unser Leben ist weniger vorhersehbar geworden. Wir arbeiten dort, wo wir entspannen, treffen uns dort, wo wir wohnen, und ziehen uns an Orte zurück, an denen wir gerade noch gemeinsam Zeit verbracht haben. Räume sind fließender geworden. Vielleicht sollten es die Dinge darin ebenfalls sein.

Mit Gibson hat Designer Sergio Bicego für Cattelan Italia ein modulares Sitzsystem entworfen, das diesen Gedanken erstaunlich konsequent verfolgt. Statt ein weiteres Sofa zu gestalten, das einen vorgegebenen Platz im Raum einnimmt, entwirft er beinahe eine Landschaft.

Eine Landschaft, die sich verändern darf.

Keine Vorderseite. Keine Rückseite.

Gibson setzt sich aus unabhängigen, gepolsterten Volumen zusammen. Sitze, Rücken- und Armlehnen lassen sich entsprechend der jeweiligen Architektur kombinieren und neu positionieren. Selbst ihre Funktionen sind nicht endgültig festgelegt: Eine Armlehne kann zur Rückenlehne werden, zusätzliche Module verlängern den Sitz zur Chaise Longue.

Der vielleicht interessanteste Gedanke liegt jedoch im Verschwinden der klassischen Unterscheidung zwischen vorne und hinten.

Als doppelseitiges Sofa lässt sich Gibson aus unterschiedlichen Richtungen nutzen. Statt auf einen einzigen Fixpunkt im Raum ausgerichtet zu sein, kann es verschiedene Bereiche miteinander verbinden. Plötzlich ist das Sofa keine Grenze mehr.

Es wird zur Schnittstelle.

Dieser kleine Perspektivwechsel erzählt viel über zeitgenössische Innenräume.

Architektur soll heute innerhalb ein und desselben Raumes unterschiedliche Zustände ermöglichen: Kommunikation und Rückzug, Konzentration und Entspannung, Bewegung und Ruhe. Gibson beantwortet diese Anforderungen nicht mit zusätzlicher Komplexität, sondern indem es Möglichkeiten offenlässt.

Möbel werden zu Architektur

Besonders deutlich wird das außerhalb des privaten Wohnraums. Cattelan Italia sieht Gibson auch für Hotellounges und Lobbys, Retail-Flächen, hybride Arbeitswelten und gemeinschaftlich genutzte Räume vor – also überall dort, wo Möbel im Laufe eines Tages unterschiedliche Aufgaben übernehmen müssen.

Die einzelnen Module können in größeren Räumen Inseln schaffen, ohne dass dafür fixe Wände oder starre Trennungen notwendig werden. Sie lassen sich kombinieren, drehen und neu arrangieren – für Kommunikation ebenso wie für Ruhebereiche oder strukturiertere Warte- und Empfangssituationen.

Hier beginnt Möbelgestaltung beinahe unmerklich in Innenarchitektur überzugehen.

Gibson möbliert den Raum nicht nur. Es komponiert ihn.

Eine Komposition aus Rhythmus

Dass dieser Begriff passt, ist kein Zufall. Der Name Gibson ist von der Welt der Musikproduktion inspiriert und spielt mit Begriffen wie Rhythmus, Modulation und Harmonie. Die einzelnen Elemente funktionieren beinahe wie Noten einer Partitur: Ihre Beziehungen zueinander können sich verändern, ohne dass die Komposition ihre Identität verliert.

Dieser konzeptionellen Offenheit stellt Sergio Bicego eine ausgesprochen weiche Formensprache gegenüber.

Großzügige Sitze treffen auf abgerundete Kanten; gesteppte Details betonen Volumen und Weichheit der Polyurethanpolsterung. Lose Kissen sind in der Stoffpalette von Cattelan Italia erhältlich und können bewusste farbliche Kontrapunkte setzen oder in Ton-in-Ton-Kombinationen feine Nuancen innerhalb einer Farbwelt erzeugen. Ergänzt werden kann das System durch ein Couchtischmodul aus Keramik.

Das Ergebnis wirkt einladend statt technisch. Gibson ist modular, sieht aber nicht nach einem Möbel aus, das erst noch konfiguriert werden muss. Seine technische Logik verschwindet hinter seiner Weichheit.

Für Veränderung entworfen

Vielleicht liegt genau darin Gibsons zeitgemäßeste Qualität.

Gutes Design wurde lange mit Beständigkeit verbunden. Doch Beständigkeit muss nicht Stillstand bedeuten. Ein Objekt kann gerade deshalb lange bestehen, weil es auf neue Situationen reagieren kann.

Gibson wurde für diese Entwicklung konzipiert. Jedes einzelne Modul lässt sich unabhängig neu positionieren, sodass sich das System an veränderte Räume, Funktionen und Gewohnheiten anpassen kann. Cattelan Italia greift dafür erneut auf ein musikalisches Bild zurück: eine fortlaufende Komposition aus Volumen und Leerräumen, Präsenz und Leichtigkeit, Klang und Stille.

Und vielleicht ist genau das der Moment, in dem aus einem Sofa mehr wird als ein Sofa.

Eine Einladung, nicht alles im Voraus festlegen zu müssen.

Mit Brezza Relax Indoor bringt S-CAB einen Entwurf von Alessandro Stabile vom Außenraum ins Interior. Aus einem Loungesessel wird dabei ein modulares System, das zeigt, wie selbstverständlich sich die Grenzen zwischen drinnen und draußen inzwischen verschieben.

Es gab eine Zeit, da ließ sich ziemlich genau sagen, welches Möbelstück wohin gehörte. Der schwere Polstersessel ins Wohnzimmer, die robuste Sitzgruppe auf die Terrasse. Heute verliert diese Trennung zunehmend an Bedeutung. Wohnräume öffnen sich nach außen, Terrassen werden zu Wohnzimmern unter freiem Himmel – und Möbel beginnen, sich zwischen diesen Welten zu bewegen.

Brezza Relax Indoor von S-CAB ist ein schönes Beispiel für diese neue Freiheit.

Die von Alessandro Stabile entworfene Kollektion entstand ursprünglich für den Außenbereich. Nun zieht sie nach drinnen – ohne dabei ihren entspannten Charakter abzulegen.

Vom Outdoor-Sessel zum Interior-System

Das Prinzip bleibt bewusst erhalten: klare Linien, großzügige Proportionen und große, weiche Kissen, die weniger nach formeller Sitzordnung als nach Zurücklehnen aussehen.

Für die Indoor-Version wurde Brezza Relax jedoch weitergedacht. Recycelbare Stoffe verleihen den Polstern eine Haptik und Optik, die auf Wohnräume abgestimmt ist. Aus dem ursprünglichen Lounge Chair entwickelt S-CAB damit ein Möbel, das seine Herkunft nicht verleugnet und trotzdem selbstverständlich im Interior funktioniert.

Dahinter steht eine größere Idee: Möbel nicht länger ausschließlich für einen bestimmten Ort zu entwerfen, sondern als anpassungsfähige Systeme, deren Charakter sich über Materialien, Oberflächen, Bezüge und Konfiguration verändern lässt.

Ein Sofa ohne starre Regeln

Besonders deutlich wird dieser Ansatz in der Erweiterung der Kollektion. Brezza Relax Indoor ist nicht einfach nur ein Sessel, der nun auch in Stoff für Innenräume angeboten wird. Das Konzept wächst zu einem modularen System.

Ein neues Armlehnen-Element ermöglicht Sofakonfigurationen mit unterschiedlich vielen Sitzplätzen. Dazu kommt ein Pouf, der als Eckelement eingesetzt werden kann, aber ebenso eigenständig als Sitzbank, zusätzliche Sitzgelegenheit oder Fußablage funktioniert.

Ein integrierbarer kleiner Tisch schafft zudem eine Ablagefläche, ohne die Leichtigkeit der Komposition zu stören.

Damit lässt sich Brezza Relax je nach Raum immer wieder neu zusammensetzen. Das Möbel gibt keine bestimmte Nutzung vor – vielmehr passt es sich ihr an.

Komfort wird informeller

Das passt zu einer Entwicklung, die im zeitgenössischen Interior Design immer sichtbarer wird. Polstermöbel werden großzügiger, weicher und weniger repräsentativ. Statt einer perfekten Sitzlandschaft geht es zunehmend um Komfort, Beweglichkeit und darum, Räume unterschiedlich nutzen zu können.

Das Wohnzimmer ist längst nicht mehr ausschließlich Wohnzimmer. Hotel-Lobbys werden zu Aufenthalts- und Arbeitsorten, Büros bekommen Lounge-Charakter und Hospitality Interiors orientieren sich stärker am privaten Wohnen.

Brezza Relax Indoor bewegt sich genau zwischen diesen Welten.

Mit einer Höhe von nur 70 Zentimetern bleibt das Lounge-Chair-Modul bewusst niedrig und entspannt. Die voluminösen Kissen stehen dabei im Kontrast zur reduzierten Konstruktion – ein Zusammenspiel, das dem Entwurf seine visuelle Leichtigkeit gibt.

Ein Möbel auf Wanderschaft

Vielleicht ist gerade seine Herkunft das Interessanteste an Brezza Relax Indoor. Normalerweise werden Möbel für den Innenraum adaptiert, damit sie draußen bestehen können. Hier funktioniert die Bewegung in die andere Richtung.

Ein Outdoor-Möbel zieht ins Haus.

Und bringt etwas von der Ungezwungenheit des Lebens im Freien mit.

So kann Brezza Relax Indoor im privaten Wohnzimmer ebenso seinen Platz finden wie in Hotelhallen, Lounges, Coworking-Spaces oder Büros. Nicht weil diese Räume gleich geworden wären, sondern weil wir sie heute weniger streng voneinander trennen.

Vielleicht liegt genau darin die zeitgemäße Qualität des Entwurfs: Brezza Relax Indoor definiert nicht, wie ein Raum genutzt werden soll. Es lässt dem Raum – und den Menschen darin – die Freiheit, das selbst zu entscheiden.

Wie Kartell auf dem Salone del Mobile 2026 Textur, Material und Persönlichkeit in den Mittelpunkt rückt

Lange Zeit schien sich gutes Design vor allem über Reduktion zu definieren. Klare Linien, ruhige Farben und möglichst wenig visuelle Ablenkung bestimmten viele Interior-Kollektionen. Auf dem Salone del Mobile 2026 zeigt Kartell nun eine andere Richtung auf. Die italienische Designmarke rückt nicht das Objekt selbst in den Mittelpunkt, sondern seine Oberfläche, seine Materialität und die Geschichten, die dadurch entstehen.

Die Kollektion versteht sich weniger als Ansammlung neuer Möbel, sondern als Einladung, Räume emotionaler zu denken. Farben, Texturen und Materialien werden zu Gestaltungsmitteln, die Atmosphäre schaffen und den Charakter eines Interieurs prägen. Kartell verbindet dabei industrielle Präzision mit handwerklicher Anmutung und nutzt technologische Innovationen sowie künstliche Intelligenz nicht als Selbstzweck, sondern als Werkzeuge, um Design neue erzählerische Dimensionen zu verleihen.

Teppiche als architektonische Landschaften

Besonders eindrucksvoll zeigen das die neuen Teppichkollektionen. Ferruccio Laviani interpretiert mit GRID und BEMBO textile Oberflächen als grafische Kompositionen. Während GRID von der Struktur traditioneller Webtechniken inspiriert ist und mit feinen Linien architektonische Tiefe erzeugt, erinnert BEMBO an einen spontanen Tuschestrich, der Bewegung und Dynamik in den Raum bringt. Die Teppiche wirken dadurch weniger dekorativ als vielmehr wie Kunstwerke, die den Charakter eines Raumes definieren.

Auch Patricia Urquiola denkt den Teppich neu. Ihre Kollektion PINCEL übersetzt den freien Pinselstrich in ein textiles Objekt. Linien verlaufen organisch, Farben wirken wie von Hand aufgetragen und verändern ihre Wirkung je nach Lichteinfall und Perspektive. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die lebendig wirkt und zwischen Design, Malerei und Handwerk vermittelt.

Design mit Charakter

Einen spannenden Gegenpol setzt Philippe Starck mit PRINCE OHOH. Der skulpturale Hocker spielt mit einer sanduhrähnlichen Geometrie und übernimmt ganz selbstverständlich unterschiedliche Rollen – als Sitzgelegenheit, Beistelltisch oder dekoratives Objekt. Humor, Funktion und skulpturale Präsenz verschmelzen hier zu einem Möbelstück, das bewusst Persönlichkeit zeigt.

Kartell beweist damit, dass zeitgenössisches Design längst nicht mehr nur von neuen Formen lebt. Entscheidend ist die Fähigkeit, Materialien fühlbar zu machen und Objekte zu schaffen, die über ihre Funktion hinaus Emotionen auslösen. Gerade in einer Zeit digitaler Perfektion scheint genau diese sinnliche Qualität der wahre Luxus zu sein.

Ein Boutique-Konzept zwischen Atelier, Galerie und gelebter Handwerkskunst

Luxus muss nicht laut sein. Manchmal entsteht seine größte Wirkung gerade durch Zurückhaltung, durch Materialien, Licht und die Art, wie ein Raum Geschichten erzählt. Genau diesen Ansatz verfolgt das Londoner Architekturstudio Bureau de Change mit der neuen Boutique des griechischen Fine-Jewellery-Labels Nikos Koulis in Paris.

Nach ihrer ersten gemeinsamen Boutique in Athen führt die zweite Zusammenarbeit den gestalterischen Dialog konsequent weiter – ohne ihn zu wiederholen. Stattdessen übersetzt das Projekt die Identität der Marke in einen neuen kulturellen Kontext und schafft einen Ort, der sich weniger wie ein klassisches Luxusgeschäft als vielmehr wie das Atelier eines Pariser Künstlers anfühlt.

Die Sprache des Ortes

Das historische Gebäude aus dem 18. Jahrhundert wurde nicht als Kulisse verstanden, sondern als Ausgangspunkt des gesamten Entwurfs. Die Architekten beschäftigten sich intensiv mit der Geschichte des Hauses und entwickelten daraus eine Architektur, die lokale Handwerkskunst, Materialität und Atmosphäre in den Mittelpunkt stellt.

Warme Fischgrät-Holzböden, sanft strukturierte Putzoberflächen und monolithische Sockel aus Naturstein schaffen eine ruhige Bühne für die Schmuckkollektionen. Metallrahmen, feine Details und sorgfältig gesetzte Vitrinen verleihen dem Raum Präzision, ohne seine poetische Leichtigkeit zu verlieren. Das Licht fällt weich durch die Fenster und macht den Besuch zu einer entschleunigten Erfahrung – weit entfernt von den üblichen Inszenierungen luxuriöser Retailflächen.

Möbel als Skulpturen

Im Zentrum der Boutique steht eine eigens entwickelte Familie modularer Steinsockel mit integrierten Glasvitrinen. Sie sind weit mehr als Präsentationsmöbel – sie wirken wie eigenständige Skulpturen, die den Schmuck in einen räumlichen Dialog mit Material und Licht setzen.

Die Elemente lassen sich flexibel neu arrangieren und reagieren damit auf wechselnde Kollektionen, limitierte Editionen oder besondere Veranstaltungen. Dieses wandelbare Konzept verleiht dem Raum eine Dynamik, die dennoch ruhig und selbstverständlich wirkt.

Die Kunst der Entdeckung

Auch im Obergeschoss bleibt die Boutique ihrer Idee treu, Besucher nicht zu beeindrucken, sondern sie auf Entdeckungsreise zu schicken. Unterschiedliche Texturen, ausgewählte Möbel und Kunstwerke aus der Sammlung von Nikos Koulis schaffen die Atmosphäre eines privaten Apartments.

Besonders eindrucksvoll sind zwei freistehende, kreuzförmige Schränke, die sich beim Öffnen in achteckige Räume verwandeln. Einer präsentiert Schmuck in einem tiefblauen Kabinett, der andere dient als Bar und Objektmöbel. Überraschung wird hier zum architektonischen Prinzip – jede Bewegung durch den Raum eröffnet eine neue Perspektive.

Architektur, die den Schmuck begleitet

Anstatt Aufmerksamkeit auf sich selbst zu ziehen, versteht sich die Architektur als stiller Begleiter der Schmuckstücke. Materialien, Proportionen und Licht bilden keine Konkurrenz zu den Kollektionen, sondern verstärken deren Wirkung.

Gerade darin liegt die besondere Qualität dieses Projekts. Bureau de Change zeigt, dass zeitgenössischer Luxus nicht durch Überinszenierung entsteht, sondern durch Präzision, handwerkliche Qualität und die Fähigkeit, Räume zu schaffen, die Emotionen wecken. Die Boutique wird damit selbst zu einem Sammlerstück – nicht nur für Schmuck, sondern für Architektur.

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.