Sieben Jahre Artycapucines: Im Grand Palais stellt Louis Vuitton die künstlerischen Interpretationen seiner Capucines den Werken ihrer Urheber gegenüber. Eine neue Kollektion widmet sich Keith Haring.

Eine Banane hängt an einer Tasche. Bei Urs Fischer ist diese kleine Irritation Teil einer künstlerischen Sprache, in der Alltagsgegenstände ihre Selbstverständlichkeit verlieren. Im Grand Palais begegnet seine Artycapucines nun der Arbeit Fruits von 2026. Die Gegenüberstellung macht anschaulich, worum es in der diesjährigen Präsentation von Louis Vuitton bei Art Basel Paris geht: Wie wandert eine Idee von einem Medium ins andere? Und was geschieht mit einer Tasche, sobald Künstlerinnen und Künstler ihre Form, Oberfläche und Funktion neu verhandeln?

Als Associate Partner der Messe versammelt Louis Vuitton auf dem Balcon d’Honneur Positionen von insgesamt 14 Kunstschaffenden. Die Retrospektive blickt auf das 2019 gestartete Artycapucines-Projekt zurück und zeigt die Taschen gemeinsam mit ausgewählten Kunstwerken. So werden die gestalterischen Entscheidungen hinter den einzelnen Entwürfen lesbar.

Leder als künstlerisches Material

Die Capucines gibt dem Projekt einen wiedererkennbaren Ausgangspunkt. Was daraus entsteht, unterscheidet sich jedoch erheblich. Gemeinsam mit den Handwerkerinnen und Handwerkern von Louis Vuitton übertragen die Beteiligten ihre Arbeitsweisen auf ein Objekt, das eigene technische Bedingungen mitbringt: Leder muss geformt, eine Konstruktion tragfähig und eine Oberfläche bearbeitbar bleiben.

Besonders interessant wird dieser Austausch dort, wo Material und künstlerische Handschrift eng verbunden sind. Kennedy Yankos Skulptur Because of its blues von 2025 besteht aus Metall und Farbhaut. Ihre geknautschte, bemalte Artycapucines von 2022 greift eine verwandte Vorstellung von Volumen auf. Bei Liza Lou führt der Weg über die Oberfläche: Die bemalten Glasperlen ihrer Arbeit Lost Blue von 2022 finden eine Entsprechung in der aufwendigen Perlenarbeit ihres Taschenentwurfs von 2023.

Billie Zangewa wiederum bringt ihre figurative Bildwelt in bestickter Seide ein. Ihre Arbeit Soldier of Love von 2020 steht neben ihrem ebenfalls mit bestickter Seide gestalteten Beitrag. Hier lässt sich verfolgen, wie eine textile Erzählweise auf einem anderen Gegenstand weiterlebt.

Auch Malerei verändert unter diesen Bedingungen ihren Charakter. Henry Taylors A Young Master von 2017 begleitet seine Auseinandersetzung mit Porträtmalerei auf einer Tasche. Josh Smiths Untitled von 2019 stellt Schrift und gesättigte Farbe in einen räumlichen Zusammenhang mit seinem Entwurf. Die Tasche wird dabei zum Gegenüber des Bildes, mit Kanten, Tiefe und einer beweglichen Form.

Zwischen Transportkiste und Ausstellung

Die Szenografie nimmt einen Bereich auf, der im Ausstellungsbetrieb meist hinter den Kulissen bleibt: das Verpacken, Lagern und Transportieren von Kunst. Offene Kisten, Sockel und kofferartige Strukturen aus gebürstetem Aluminium und Baumwoll-Canvas rahmen die Arbeiten. Ein heller Teppich ist auf den charakteristischen grünen Stahl des Grand Palais abgestimmt.

Das passt zur Geschichte eines Hauses, dessen Anfänge im Verpacken und im Bau von Reisekoffern liegen. Zugleich gibt diese Gestaltung der Präsentation einen interessanten Zwischenzustand. Die Objekte scheinen gerade angekommen zu sein oder könnten bald wieder aufbrechen. Das schärft den Blick für ihren materiellen Charakter: für Oberflächen, Gewicht und die handwerkliche Arbeit, die in ihnen steckt.

Zu sehen sind auch Arbeiten langjähriger Wegbegleiter. Takashi Murakamis Monogramouflage Skull (Black) von 2008 begleitet seine Camouflage-Interpretation aus der Artycapucines-Kollektion von 2025. Yayoi Kusama ist unter anderem mit Great Gigantic Pumpkin und Every Day I Pray for Love, beide von 2023, vertreten. Frank Gehrys fischförmige Leuchten Untitled (Paris II) von 2012 stellen eine Verbindung zwischen seinen bewegten Formen und seinen Lederwarenentwürfen für Louis Vuitton her.

Keith Haring und die Bewegung der Zeichen

Ein neues Kapitel eröffnet die Keith Haring gewidmete Artycapucines-Kollektion. Kleine Figuren, Tänzer, ein laufendes Herz und Ketten grafischer Symbole ziehen sich über die Taschen. Harings Bildsprache bringt dabei einen eigenen Rhythmus mit: Die Zeichen wirken auch dort bewegt, wo die Oberfläche stillsteht.

Daneben wird ein Louis-Vuitton-Koffer aus den 1930er-Jahren gezeigt, den Haring in den 1980er-Jahren mit seiner Signatur versah. Dieses historische Objekt gibt der aktuellen Kollektion einen konkreten Bezugspunkt. Zwischen dem alten Koffer und den neuen Taschen liegen Jahrzehnte; verbunden sind sie durch die Begegnung einer unverwechselbaren Handschrift mit einem Gegenstand des Reisens.

Gerade die Gegenüberstellungen machen die Retrospektive interessant. Sie erlauben, einer Idee über unterschiedliche Materialien hinweg zu folgen: von Glasperlen zu Leder, von einer gemalten Figur zu einer tragbaren Form. Wie viel vom ursprünglichen Werk bleibt dabei erhalten? Und welche Möglichkeiten entstehen erst durch die Übersetzung?

Die Präsentation ist im Rahmen von Art Basel Paris vom 23. bis 25. Oktober 2026 im Grand Palais öffentlich zugänglich. Für den Messebesuch gelten die jeweiligen Ticketbedingungen.

Für Frühjahr/Sommer 2027 rückt das Münchner Label Leinen in Denim-Optik in den Mittelpunkt. Die Geschichte dahinter beginnt mit 2.000 alten Leinensäcken.

Verwaschenes Blau, angedeutete Bleichungen, die Optik einer längst eingetragenen Jeans. Das Auge erkennt Denim. Auf der Haut liegt reines Leinen. elemente clemente löst mit dieser Verschiebung eine vertraute Verbindung auf: Wie ein Kleidungsstück aussieht, muss nicht bestimmen, wie es sich anfühlt. In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 wird daraus „The Denim (R)Evolution“.

Eine Jeans gehört zu jenen Kleidungsstücken, über die man morgens kaum nachdenken muss. Sie passt zu einem weißen T-Shirt, einem Hemd, einem Blazer. Ihre Gebrauchsspuren mögen wir oft genauso gern wie ihren Schnitt. An heißen Tagen kann der schwere Stoff allerdings an Selbstverständlichkeit verlieren. Die Lust auf den Look bleibt, die auf eine dicke Baumwollhose eher weniger.

Genau dort setzt elemente clemente an. Seit 2023 führt das Label Leinen in Denim-Optik im Sortiment. Europäisches Leinen wird dafür mit wasserbasierten Farben digital bedruckt. Blauabstufungen und Waschungseffekte bilden die Oberfläche von getragenem Denim nach, während die natürliche Struktur des Leinens sichtbar bleibt. Der Stoff behält seine Leichtigkeit und seinen beweglichen Fall.

Eine Materialgeschichte mit 2.000 Säcken

Dass ausgerechnet Leinen diese Rolle übernimmt, lässt sich weit in die Geschichte von Gründer Clemens Dörr zurückverfolgen. 1988, noch vor elemente clemente, gründete er Kandis & Kandismann. Auf einem Flohmarkt entdeckte französische Leinensäcke brachten ihn auf eine Idee: Aus einem französischen Staatsdepot kaufte er 2.000 unbenutzte Säcke aus der Zeit des Ersten Weltkriegs und verarbeitete sie zu seiner ersten Herrenkollektion.

Die Stücke wurden unter anderem bei Ludwig Beck und Uli Knecht verkauft. Für Dörr war es eine frühe Erfahrung damit, wie lange ein Material bestehen kann – und wie viel gestalterischer Spielraum in etwas steckt, das ursprünglich einen ganz anderen Zweck hatte.

2002 gründete er in München elemente clemente. Leinen blieb ein zentrales Material, großzügige Schnitte und klare Linien wurden Teil der Formensprache. Auch die Arbeit mit vorhandenen Reststoffen gehört zum Selbstverständnis der Marke.

Blau mit Bewegungsfreiheit

In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 begegnet der Denim-Look weiten Hosen, Shorts, lässigen Hemden und fließenden Kleidern. Die in Tunesien gefertigten Modelle aus europäischem Leinen greifen die unkomplizierte Kombinierbarkeit von Jeans auf. Elastische Hosenbünde und lockere Silhouetten geben dem Körper Raum.

Gestalterisch reicht die Kollektion von zurückhaltenden, monochromen Looks bis zu markanten Wascheffekten. Interessant ist dabei gerade das Zusammenspiel der Oberflächen: Die aufgedruckten Spuren von Denim treffen auf die eigenständige Struktur des Leinens. Das vertraute Blau bekommt einen anderen Fall, die Silhouette verändert sich mit dem Material.

Die Frage hinter dem Look

Mit der Kampagne „No More Dirty Denim“ thematisiert elemente clemente den Ressourcenverbrauch und die Arbeitsbedingungen konventioneller Jeansproduktion. Die eigene Alternative setzt bei der Faser und der Gestaltung der Oberfläche an. Einen langjährigen Produktionspartner hat das Unternehmen in Tunesien; weitere Hersteller sitzen in Europa.

Die Kollektion macht damit auch eine gestalterische Frage anschaulich: Was genau wollen wir behalten, wenn wir ein Kleidungsstück neu denken? Bei der Jeans sind es vielleicht das Blau, die lässige Wirkung, die Leichtigkeit des Kombinierens. elemente clemente übernimmt diese vertrauten Eigenschaften und verändert das Material darunter. Das Ergebnis lässt sich am Ende ganz körperlich verstehen: an der Bewegung einer weiten Hose und daran, wie sich Leinen an einem warmen Tag trägt.

Das Architekturbüro JK-AR hat in der südkoreanischen Stadt Gyeongju mit dem Haus der Heilung einen Ort geschaffen, der Genesung, Meditation und Besinnung miteinander vereint. Die 150 Jahre alte Klinik verbindet dabei traditionelle koreanische Architektur mit modernen Ansätzen.

Abseits der Hauptstadt Seoul bietet die koreanische Halbinsel zahlreiche weitere sehenswerte Orte. So ist beispielsweise Gyeongju eine der bedeutendsten Kultur- und Geschichtsstädte Südkoreas. Als ehemalige Hauptstadt des antiken Königreichs Silla, eines der drei historischen Reiche Koreas, bietet sie eine besonders hohe Dichte an UNESCO-Welterbestätten. Darunter zahlreiche buddhistische Tempel oder Daereungwon, einen Park mit Grabhügeln königlicher Verstorbener. Kulturelles Erbe ist demnach fest in der DNA der Stadt verankert.

Und nun erhält Gyeongju Zuwachs: Das Haus der Heilung, ein Projekt des südkoreanischen Architekturbüros JK-AR, soll sowohl dem Körper als auch dem Geist dienen. Dafür wurde einer 150 Jahre alten Klinik neues Leben eingehaucht. Seit 2025 können hier Patienten nicht nur medizinische Untersuchungen, sondern auch meditative Aktivitäten – und somit allumfassende Gesundheitsmaßnahmen – in Anspruch nehmen. Sowohl außen als auch innen wurde dieser Ansatz bis ins kleinste Detail durchdacht. 

Drei Ansätze fürs gesund sein

Die Aufteilung des Hauses folgt einer traditionellen Baulogik, die im koreanischen Sprachgebrauch als „Madang“ bezeichnet wird und so viel wie „Hof“ bedeutet. Drei Haupthallen prägen dabei die Anordnung der Räumlichkeiten. Im Mittelpunkt steht die Halle der Heilung, die als Herzstück des Projekts auch im Fokus der Modernisierung stand. Hier sollen künftig Behandlungen nach traditioneller koreanischer Medizin angeboten werden. Die Halle der Meditation wiederum beherbergt Ausstellungsräume, die beispielsweise für Kunstgalerien genutzt werden können. Den Abschluss bildet die Halle der Besinnung. Mit einem traditionellen Teehaus rundet sie die Zielsetzung des Projekts geschickt ab. Gesundheit wird hier über das körperliche Empfinden hinausgedacht, so JK-AR.

Um all das unter ein Dach zu bekommen, orientierten sich die Architekten an der traditionellen Bauweise von Hanok-Gebäuden, die man besonders aus historischen K-Dramas kennt. Für das Konzept verwendeten sie jedoch deutlich weniger Holz als es für Hanoks üblich ist. Zudem verzichtete JK-AR auf eine komplexe Anordnung der Holzträger, um sowohl die Kosten als auch die Bauzeit zu reduzieren. Stattdessen setzen die Architekten auf innovative Timber-Framing-Systeme, mit denen sich ähnliche, jedoch effizientere Ergebnisse erzielen lassen. So bewahrt das Haus der Heilung von außen Tradition und Geschichte, während es im Inneren modernisiert und neu interpretiert wurde. 

An Tradition orientiert

Der Bezug zur Tradition wird trotz der innovativen Bauweise auch in der Struktur des Hauses berücksichtigt. Das Gerüst verfügt über geschwungene Tragstrukturen, die sich sowohl an einem 200 Jahre alten Wohnhaus namens Samguejeong als auch am Jahamun-Tor des Bulguksa-Tempels in Gyeongju orientieren. Für die Materialien verwendete das Architekturbüro hauptsächlich lokales Holz sowie umweltfreundliche Werkstoffe. „Über seine funktionalen Aspekte hinaus ist das Haus der Heilung ein Beispiel für nachhaltige Architektur“, erklären die Architekten.

Laut JK-AR ist die Halle der Besinnung ein herausragendes Beispiel für zeitgenössische ostasiatische Architektur. Auch das schwarze, geschwungene Dach symbolisiert diesen tiefen kulturellen Bezug. Das Teehaus bietet einen weitläufigen Ausblick auf die Umgebung und lädt zum Entspannen ein – eine kleine Auszeit, wie wir sie in europäischen Krankenhäusern so nicht kennen. Dabei ist der Toenmaru, ebenfalls Bestandteil der traditionellen Hanok-Bauweise, eine schmale hölzerne Veranda, die unmittelbar entlang der Wohnbereiche verläuft. Ein solcher Zwischenraum wurde auch im Inneren strategisch eingeplant, um Begegnungen und Austausch zu fördern.

Von Menschen, für Menschen

Große Fenster lassen reichlich natürliches Licht in das Haus der Heilung und unterstreichen den friedlichen Charakter der Räumlichkeiten. Die länglichen Höfe fügen sich zu einem zusammenhängenden System und fungieren als eine Art Organismus, der seine Besucher durch einen zentralen Eingang empfängt. Die Klinik liegt in einer ländlicheren Umgebung, weshalb sich vom vorderen Hof auch ein optimaler Blick auf Gyeongju Namsan eröffnet, einen bekannten Gipfel im gleichnamigen Nationalpark. Dieses Stillleben unterstreicht die ruhige Atmosphäre, die das gesamte Projekt bis in die Holzfasern verinnerlicht hat.

Über die eigentliche Funktionalität hinaus steht das Haus der Heilung beispielhaft für nachhaltige Architektur. Durch die Integration zahlreicher Fenster werden eine natürliche Belichtung und Belüftung ermöglicht. Zudem sollen spezielle Maßnahmen zur Verbesserung der Wärmedämmung beitragen – eine Eigenschaft, die bei traditionellen Hanoks häufig eine Herausforderung darstellt. Das Haus der Heilung versteht sich als Ort der Erneuerung, Genesung und Meditation. Um es mit den Worten der Architekten abzurunden: „Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Haus der Heilung ein bemerkenswertes Beispiel dafür ist, wie traditionelle koreanische Architektur neu interpretiert werden kann, um einen modernen, nachhaltigen und kulturell bedeutsamen Raum zu schaffen“.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Rohspace

Nach dem Soft Opening gehört das familiengeführte Haus bei Leiria zur Lifestylehotels Kollektion – mit 16 Zimmern, weitläufigen Gärten und einer Geschichte, die als persönliche Rückkehr begann.

16 Zimmer und Suiten auf einem 40 Hektar großen Anwesen: Quinta Filippa bringt viel Raum und einen persönlichen Maßstab in die Lifestylehotels Kollektion. Das neue Mitglied liegt in Lage bei Leiria, im ländlichen Portugal zwischen Lissabon und Porto. Hinter dem Hotel steht eine Familie, deren Verbindung zu diesem Ort weit vor den ersten Übernachtungsgästen beginnt.

Eine Rückkehr wird zum Hotel

Als Mike und Nikki das Anwesen 2017 entdeckten, suchten sie zunächst ein Ferienhaus. Für Mike war das Projekt zugleich eine Rückkehr zu seinen portugiesischen Wurzeln: Seine Mutter wuchs ganz in der Nähe mit neun Geschwistern auf. Die Quinta, früher ein Ort des gemeinschaftlichen Brotbackens im Dorf, benannten sie nach seiner ältesten Tochter Filippa. Aus dem privaten Vorhaben entwickelte sich über die Jahre das heutige Hotel.

Gemeinsam mit der Interior Designerin Nanouk Souren van Ramshorst gestalteten Mike Schwalbach und Nikki Mol ein Haus, in dem historische Bausubstanz und moderne Betonerweiterungen zusammenfinden. Wiederverwendetes Holz, Naturstein und natürliche Textilien prägen die Zimmer. Individuell gefertigte Möbel ergänzen die Räume. Wohnbereiche, Gärten und ein Gemeinschaftstisch führen den Gedanken eines geteilten Zuhauses weiter.

Vom Garten an den Tisch

Die Küche folgt dem, was auf dem eigenen Land und in der Umgebung gerade wächst. Gemüse und Kräuter stehen im Mittelpunkt, ausgewählter Fisch und Fleisch ergänzen das Angebot. Küchenchef Paolo bringt internationale Erfahrung mit; seine Menüs orientieren sich an der Ernte der Gärten und den Produkten regionaler Betriebe.

Frühstück, Mittag- und Abendessen gehören zum Aufenthalt. Wer Gesellschaft sucht, nimmt am Gemeinschaftstisch Platz. Für ruhigere Mahlzeiten stehen private Tische zur Verfügung. Diese Wahlmöglichkeit passt zum persönlichen Charakter des Hauses: Begegnung darf entstehen, der eigene Rhythmus bleibt.

Ein neues Mitglied mit eigener Geschichte

Mit Quinta Filippa erweitert Lifestylehotels seine Präsenz in Portugal um ein Haus, dessen Profil aus familiärer Verbundenheit, Gestaltung und dem Leben auf dem Land entsteht. Zum Aufenthalt gehören ein beheizter, 25 Meter langer Salzwasserpool, Sauna, Infrarotsaunen und Dampfbad. Pilates, persönliche Trainingsstunden und individuelle Behandlungen können das Angebot ergänzen.

Geführte Spaziergänge, Aktivitäten auf der Farm und Workshops mit lokalen Handwerkern öffnen den Blick für die Umgebung. Auch im historischen Ofen wird wieder Brot gebacken. Ein früherer Treffpunkt des Dorfes wird damit Teil der nächsten Geschichte dieses Hauses – die Quinta Filippa nun als Mitglied von Lifestylehotels weiterschreibt.

Weitere Informationen zu Quinta Filippa

Ein Palast von 1861, Porträts portugiesischer Dichter in kunstvollen Stuckdecken, zeitgenössische Kunst in historischen Räumen und ein Restaurant, das von einem der bekanntesten Romane José Saramagos inspiriert wurde. Die Geschichte des Torel Palace Porto begann lange bevor das Haus zum Hotel wurde – und genau darin liegt die Idee für das, was es heute ist.

Der Blick geht nach oben. Von der Decke eines Hotelzimmers schaut Luís de Camões zurück. Und er war schon lange dort, bevor irgendjemand entschieden hatte, dass dieser Palast einmal ein Hotel werden würde. Der Palacete Campos Navarro wurde 1861 für António de Campos Navarro als eine der prachtvollsten Privatresidenzen Portos erbaut. Das Interesse der Familie an Kunst und Literatur hinterließ Spuren im Haus: In den kunstvollen Stuckdecken fanden portugiesische Persönlichkeiten der Literatur ihren Platz. Mehr als eineinhalb Jahrhunderte später waren es genau diese Details, die mitbestimmten, welche Geschichte das Gebäude weitererzählen sollte.

Der Anfang an der Decke

Die originale Büste von Luís de Camões befindet sich noch heute in einem der Zimmer. Ebenso jene von Almeida Garrett. Sie landeten nicht in einer Vitrine, sondern wurden zum Ausgangspunkt für etwas Neues. Heute sind die 24 Zimmer und Suiten portugiesischen Schriftstellern und Dichtern gewidmet – darunter Fernando Pessoa, Florbela Espanca, Sophia de Mello Breyner Andresen, Camões und Eça de Queiroz. Zu den historischen Porträts kamen zeitgenössische Arbeiten von Jorge Curval, während in den alten Räumen überraschend moderne Elemente auftauchen.

In manchen Zimmern steht zum Beispiel ein großer, vollständig verspiegelter Kubus. Sieht aus wie zeitgenössische Kunst. Ist das Badezimmer. Und vielleicht erzählt gerade dieses Detail besonders viel über das Torel Palace Porto. Die Vergangenheit ist geblieben, aber niemand versucht so zu tun, als wäre noch immer 1861.

Was es zu bewahren galt

Zu den eindrucksvollsten historischen Elementen des Palastes gehört die Claraboia, das kunstvoll gestaltete Oberlicht über dem Gebäude. Unter ihren acht dekorativen Motiven finden sich neben pflanzlichen Elementen auch Merkur, Minerva sowie Symbole für Industrie und Schifffahrt. Ihre Restaurierung war so aufwendig, dass sich die Arbeiten am Gebäude dadurch um mehrere Monate verlängerten. Darin zeigt sich auch das Gleichgewicht, das sich durch das gesamte Haus zieht: Bestimmte Details wurden sorgfältig bewahrt, während direkt daneben etwas Neues entstehen durfte. Historischer Stuck und zeitgenössische Porträts. Camões an der Decke und ein modernes Hotel darunter. Man musste sich nicht zwischen beidem entscheiden.

Wenn man ein Buch nicht mehr liest, sondern erlebt

Die Literatur endet allerdings nicht an den Zimmertüren. Das Restaurant BLIND ist von José Saramagos Roman Die Stadt der Blinden inspiriert. Was das mehrgängige Menü bereithält, wissen die Gäste nicht im Voraus. Während des Erlebnisses kann das Sehen zeitweise in den Hintergrund treten, während Geschmack, Duft, Klang und Textur umso wichtiger werden. Literatur ist hier plötzlich nicht mehr etwas, das wir an der Decke betrachten oder im Namen eines Zimmers wiedererkennen. Sondern etwas, das wir erleben.

Eine Geschichte, die weitergeschrieben wird

Bei der Bewahrung eines historischen Gebäudes geht es schnell darum, die Zeit möglichst anzuhalten. Im Torel Palace Porto ist etwas anderes passiert. Die Camões-Büste blieb. Der Stuck blieb. Die Claraboia blieb. Gleichzeitig kamen neue Porträts zu den alten, die Namen von Schriftstellern an die Zimmertüren und aus einem Roman wurde ein kulinarisches Erlebnis. Die Geschichte des Palacete Campos Navarro endete also weder 1861 noch in dem Moment, als daraus ein Hotel wurde.

Das Torel Palace Porto geht mit seiner Vergangenheit vielmehr um wie mit einem Buch, dessen letzte Seite jemand ganz bewusst leer gelassen hat.

Damit noch Platz bleibt, sie weiterzuschreiben.

An der toskanischen Küste hat Pierattelli Architetture eine Residenz aus den 1950er-Jahren neu gestaltet. Ihre Architektur folgt dem felsigen Gelände – und einem Horizont, der die Räume prägt.

Von einigen Bereichen dieser Villa aus ist ausschließlich das Meer zu sehen. Kein Küstenstreifen, kein benachbartes Gebäude lenkt den Blick ab. Dieses besondere Verhältnis zum Wasser wurde zum Ausgangspunkt für Pierattelli Architetture: Das Büro hat eine bestehende Residenz am Argentario so umgebaut, dass der mediterrane Horizont im ganzen Haus spürbar wird.

Die 450 Quadratmeter große Villa liegt auf einem felsigen Küstenvorsprung, verteilt sich über drei terrassierte Ebenen und verfügt über einen direkten Zugang zum Meer. Ihre ursprünglichen Formen und Volumen blieben erhalten. Die Veränderung liegt vor allem darin, wie sich die Räume öffnen, miteinander verbinden und in die Landschaft übergehen.

Ein Gedanke aus der Nautik

Die Vorstellung, sich an Bord einer Yacht zu befinden, begleitete den Entwurf. Sie erklärt die lang gezogenen, dezent getönten Bänder entlang der Terrassen und des Dachprofils ebenso wie die neu gestalteten Außenflächen. Die Terrassen wurden erweitert und teilweise neu geordnet, um die Nähe zum Wasser stärker erlebbar zu machen.

Große Glasflächen holen Tageslicht ins Haus und geben den Blick auf das Mittelmeer frei. Die ursprünglichen Steinflächen der Fassade halten die Verbindung zum felsigen Standort. Dazwischen entsteht eine Architektur, deren nautische Anklänge zurückhaltend bleiben: Entscheidend sind die Proportionen, die horizontalen Linien und die Ausrichtung zum Meer.

Auch im Inneren wurden die Wege und Raumbeziehungen neu organisiert. Der Haupteingang liegt auf der oberen Terrasse, auf der Ebene der Schlafräume. Eine ergänzte Außentreppe führt zu den tiefer gelegenen Terrassen. Darunter befindet sich der Mittelpunkt des Hauses: Wohnbereich, Küche und Esszimmer, die sich zu Außenflächen mit Sitzgelegenheiten und Platz für gemeinsame Mahlzeiten öffnen.

Holz, Travertin und wenige Farbakzente

Die Innenräume greifen die Farben und Materialien des Ortes auf. Holz trifft auf Travertin, einen Stein mit langer Tradition in der toskanischen Baukultur. Beige und Weiß bestimmen die Palette; einzelne Elemente in Rot oder Blau setzen Akzente.

Sitzmöbel mit fließenden Konturen ergänzen diese ruhige Grundlage. Leuchten von Flos und Tische von Gervasoni stehen neben zahlreichen Entwürfen des Architekturbüros. Küchen, einige Betten und die Portale zwischen den Räumen wurden eigens für das Haus gestaltet. Dadurch zieht sich eine gemeinsame gestalterische Sprache durch die unterschiedlichen Ebenen.

Die Holzböden entstanden in Zusammenarbeit mit Fiemme 3000. Auf den Terrassen kommen ebenfalls Holzböden zum Einsatz, während auf der untersten Ebene helle Resinböden und äußere Wege aus Naturstein die Materialpalette erweitern. Bei den Fenster- und Türelementen aus gebürstetem Stahl und Cortenstahl schützt eine spezielle Beschichtung vor der salzhaltigen Meeresluft. Die exponierte Lage bestimmt damit auch Details, die im fertigen Raum kaum auffallen.

Eine Landschaft, die weiterwächst

Zum Projekt gehören rund 1.800 Quadratmeter Außenflächen. Ihre Neugestaltung nutzt die vorhandene Terrassierung und schafft zusätzliche begrünte Bereiche. Ein Infinitypool mit Blick auf das Meer fügt sich in diese Struktur ein.

Die Bepflanzung ist auf Entwicklung angelegt. Mit der Zeit soll sie die Stützmauern bewachsen, die stellenweise bis zu fünf Meter hoch sind, und die Präsenz des Gebäudes an der Küste mildern. Während die Innenräume bereits ihre neue Ordnung gefunden haben, wird sich das Verhältnis zwischen Haus und Landschaft weiter verändern.

Darin liegt eine besondere Qualität dieses Umbaus: Die Villa behält ihre Geschichte und gewinnt zugleich eine neue Offenheit. Der Blick führt hinaus aufs Wasser; die Vegetation wird allmählich näher an die Architektur heranrücken. Beides gibt dem Haus seinen Rhythmus.

Architektur: Pierattelli Architetture
Fotografie: Thomas Pagani
Styling: Giulia Red

Für Frühjahr/Sommer 2027 stellt Nicolas Ghesquière die Bewegung ins Zentrum. Unter dem Titel „Ergonomie“ entsteht eine Louis Vuitton Kollektion, deren Leichtigkeit auf präziser Konstruktion beruht.

Ein Kleidungsstück verändert sich mit jedem Schritt. Stoff verschiebt sich, eine Kontur löst sich auf, eine andere entsteht. Genau dort setzt Nicolas Ghesquière mit der Louis Vuitton Damenkollektion für Frühjahr/Sommer 2027 an: beim Körper, der sich bewegt und seiner Kleidung immer wieder eine neue Form gibt.

„Ergonomie“ lautet der Titel. Ein Begriff, den man zunächst mit einem Stuhl, einem Werkzeug oder der Gestaltung eines Arbeitsplatzes verbindet. Auf Mode übertragen, führt er zu einer spannenden Frage: Wie lässt sich Kleidung vom Körper und seinen Bewegungen her denken?

Schnitt in Bewegung

Ghesquières Ausgangspunkt ist die Anatomie. Die Kleidungsstücke sollen den wechselnden Konturen des Körpers folgen, sich mit ihm verschieben und anpassen. Struktur bleibt dabei wesentlich, ihre Steifheit wird jedoch aufgelöst.

Was auf den ersten Blick unkompliziert wirkt, ist konstruktiv anspruchsvoll. Unterschiedliche Spannungen innerhalb der Materialien erzeugen ein Gefüge, das auf den Körper reagiert. Stoffe und Leder liegen am Menschen an; die Vorstellung einer zweiten Haut beschreibt hier vor allem ein Gefühl und eine Funktion.

Darin liegt der Reiz des Entwurfs: Die technische Arbeit soll sich beim Tragen als Leichtigkeit bemerkbar machen. Eine präzise Konstruktion ermöglicht Bewegungsfreiheit.

Die Arbeit hinter der Leichtigkeit

Mehrlagige Chiffon-Konstruktionen, Carré-Seiden sowie Tuchstoffe aus Seide und Kaschmir ziehen sich durch unterschiedliche Kleidungsstücke. Materialien, die man mit Schals und fließenden Accessoires verbindet, werden zum Ausgangspunkt einer ganzen Garderobe.

Auch die klassische Schneiderkunst wird auf ihr Gewicht hin untersucht. Innere Lagen werden entfernt, Aufbauten reduziert, Kleidungsstücke neu konstruiert. Strick zeichnet den Körper nach. Das Schuhwerk setzt den scheinbar schwerelosen Formen einen geerdeten Akzent entgegen.

Diese Suche nach Leichtigkeit verbindet Ghesquière mit der Reisegeschichte von Louis Vuitton. Form, Funktion und Beweglichkeit gehören zum Erbe des Hauses. Für Frühjahr/Sommer 2027 wird dieser Gedanke unmittelbar am Körper weitergeführt: Kleidung soll das Unterwegssein erleichtern.

Eine Stadt steht still

Die Szenografie macht das Prinzip sichtbar. Eine statische Stadtlandschaft bildet den Hintergrund für einzelne Figuren in Bewegung. Ihre Leichtigkeit erinnert an eine Feder oder einen Ballon; die unbewegte Umgebung lässt jede körperliche Veränderung deutlicher hervortreten.

So richtet die Kollektion den Blick auf etwas, das in der Modefotografie oft für einen Moment angehalten wird: das Leben innerhalb der Kleidung. Eine Silhouette lässt sich im Bild festhalten. Hier entfaltet sie sich erst mit dem nächsten Schritt.

Die australische Tanzkompanie Chunky Move lässt die Grenzen zwischen Mensch und Maschine verschwimmen – und erkundet durch Bewegung das Verhältnis von Spiritualität und Technologie.

Wie könnte Spiritualität in einem postindustriellen, digitalen Zeitalter aussehen? Mit ihrer Produktion U>N>I>T>E>D widmet sich die experimentelle australische Tanzkompanie Chunky Move dem Gedanken einer „Maschinenmystik“. Die filmische Umsetzung führt die Auseinandersetzung des künstlerischen Leiters Antony Hamilton mit möglichen Zukünften weiter.

Sechs Tänzerinnen und Tänzer tragen Exoskelette, entwickelt von den Animatronik-Spezialisten Creature Technology Co., und verwandeln sich in cyborgartige Wesen. Tanz, javanische elektronische Musik und mechanische Bewegungen eröffnen einen Raum, in dem das Zusammenspiel von menschlichem Körper und Technologie untersucht wird.

Für den Kurzfilm U>N>I>T>E>D übersetzt die in China geborene französische Filmemacherin Sylvia Suli die Performance und ihre zugrunde liegenden Gedanken in eine markante, futuristische Bildsprache. Technologie und Mythologie, das Uralte und das Zeitgenössische finden darin zusammen.

Über NOWNESS
NOWNESS ist eine globale Videoplattform für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen. Gemeinsam mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden erzählt sie Geschichten, die neue Perspektiven eröffnen und Menschen, Ideen und kreative Ausdrucksformen sichtbar machen.

Pelagia Kolotouros bringt Bewegung in das vertraute Bild von Lacoste. Wir Tennisfans bei THE Stylemate sind begeistert.

Ein weißes Polo nach einem langen Match hat mit seinem frisch gebügelten Gegenstück wenig gemeinsam. Es klebt am Körper, ist zerknittert, am Saum bleibt rote Erde hängen. Genau dieser Moment macht Lacostes Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 für uns so spannend.

Am 4. Oktober zeigte Kreativdirektorin Pelagia Kolotouros auf dem Court Philippe-Chatrier in Roland-Garros eine Garderobe, die den Sport über seine körperlichen Spuren erzählt. Weiße Stoffe wirken von Sandplatzstaub gezeichnet, Oberflächen erscheinen feucht und knittrig. Kleidung bekommt etwas Erlebtes.

Ein wenig Unordnung steht dem Krokodil

Als ausgesprochene Tennisfans mögen wir die Verbindung von Lacoste und dem Court schon lange. Umso mehr begeistert uns dieser Shift. Das vertraute Polo verliert seine brave Selbstverständlichkeit: Kragen lassen sich eigenwillig formen, das Krokodil steht plötzlich Kopf, Silhouetten spielen mit Weite und Körpernähe.

Die Tennisreferenz bekommt dadurch eine andere Spannung. Schweiß, Reibung und die vermeintlichen Abnutzungserscheinungen werden zu gestalterischen Mitteln. Diese bewusst erzeugten Spuren geben den Entwürfen eine Sinnlichkeit, die dem gepflegten Lacoste-Bild ausgesprochen gut steht.

Für uns liegt darin der Reiz dieser Kollektion: Eine Marke mit so klaren Erkennungszeichen lässt Bewegung zu. Ihre Geschichte bleibt sichtbar und fühlt sich plötzlich wieder offen an.

Wie das auf dem Laufsteg aussieht? Das Video der Show findet ihr hier. Wir sind gespannt, was ihr darin seht.

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design