Wie es aussieht, wenn ein tropischer Garten am Strand das Beste aus zwei Welten vereint, zeigt das britische Architekturbüro Foster + Partners mit dem Entwurf des Projekts TEMPO Hotel and Residences in Brasilien.

Die Praia Brava – ein Strand im sonnigen Süden Brasiliens. Aufgrund des hohen, starken Wellengangs ist der Abschnitt an der Atlantikküste ein Magnet für Surfbegeisterte aus aller Welt, die hier Jahr für Jahr angeschwemmt werden. Wörtlich übersetzt bedeutet Praia Brava so viel wie wilder Strand. Vielleicht ist es deswegen auch kein Zufall, dass das Londoner Prestige-Architekturbüro Foster + Partners mit dem Urlaubsresort namens TEMPO Hotel and Residences genau hier, im brasilianischen Bundesstaat Santa Catarina, ein Stück Wildnis an den Strand bringen will.

Mit dem Projekt des renommierten Studios mit Hauptsitz in London, das dieses in Zusammenarbeit mit dem Immobilienentwickler MUZE Real Estate Development realisiert, sollen ein Hotel und für Gäste, die so gar nicht mehr aus dem Strandparadies wegwollen, luxuriöse Apartmentwohnungen entstehen. Wobei sich das Motto der Hotelbetreiber im Namen ihres Resorts widerspiegelt: Denn anders als im Deutschen wird das Wort „Tempo“ im portugiesischen weniger mit Geschwindigkeit und Stress, sondern viel eher mit Rhythmus oder Takt in Verbindung gebracht. Geht es nach den Verantwortlichen, sind also all jene, die der Alltagshektik entkommen wollen und den Gleichklang mit der Natur suchen, hier offenbar an der richtigen Adresse.

Oase am Strand

Das architektonische Konzept der Anlage wiederum beschreibt David Summerfield, Head of Studio bei Foster + Partners, wie folgt: „Das TEMPO Hotel fängt die lebhafte Atmosphäre des pulsierenden Küstenortes ein.“ Die Verbindung zur Natur erklärt sich an der Stelle schon fast von selbst. Umgeben von hohen Palmen und dem dichtbepflanzten Garten geht das TEMPO-Areal eine perfekte Symbiose mit den waldigen Hügeln in der Umgebung ein und bietet eine schattige Verlängerung des angrenzenden Sandstrandes.

Im Zentrum steht – auch im wörtlichen Sinne – der üppige Garten des Resorts. Als identitätsstiftendes Grundkonzept der Anlage ist es daher auch wenig überraschend, dass beide Gebäude dieser tropischen Oase zugewandt sind. Selbst die Terrassen und Balkone der Apartments und Hotelsuites, die ihrerseits ohnehin bereits vor dichtem Grün geradezu überquellen, sind so platziert, dass jede der Freiflächen den perfekten Blick über den Garten – und das Meer – gewährleisten.

Rückzugsort

Die Anlage besteht aus einem Gebäude, in dem die Hotelsuites untergebracht werden sollen, sowie einem zweiten Gebäude im selben Stil, das die Luxusapartments beherbergen wird. Im Erdgeschoss des Hoteltrakts befinden sich zusätzlich eine Lobby, ein Parkservicebereich sowie ein Restaurant. Von hier aus führt der Weg durch das Gelände. Über schattige Naturpfade gelangt man zwischen blühenden Bäumen und Wasserinstallationen zu den Pools mit Pavillons und schließlich an den Strand.

Als Erweiterung der Strandpromenade soll mit dem dichten Garten ein Rückzugsort, ein Bereich zur Entspannung entstehen, der das Wohlbefinden der Bewohnerinnen und Bewohner steigern soll.

Mit dem Entwurf des TEMPO Hotel entsteht in Brasilien nun eine Anlage, die sich in eine Reihe ähnlicher, erfolgreicher Projekte des Londoner Architekturstudios eingliedern wird. Ähnliche Beispiele lieferten Foster + Partners vor nicht allzu langer Zeit schon mit The Lana and The Lana Residences in Dubai oder The Forestias in Bangkok. Bis das Hotel und die Apartments bezugsfertig sind, braucht es aber noch ein bisschen Geduld – die planmäßige Eröffnung soll erst im Jahr 2029 stattfinden.

Text: Rabea Scheger
Bilder: Foster + Partners, Elephant Skin

Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Das Bvlgari Hotel Paris erhält die begehrte „Palace“-Auszeichnung und bestätigt damit eine neue Form von Luxus, die weniger auf Inszenierung als auf Haltung setzt.

In Paris gibt es Hotels. Und es gibt Palaces.

Mit der Verleihung des prestigeträchtigen „Palace“-Titels gehört das Bvlgari Hotel Paris nun offiziell zu jenem exklusiven Kreis von Häusern, die als Aushängeschilder französischer Gastlichkeit gelten. Eine Auszeichnung, die nicht allein für außergewöhnlichen Service steht, sondern für eine ganzheitliche Vision von Luxus.

Seit seiner Eröffnung im Jahr 2021 hat sich das Haus an der Avenue George V als eine der spannendsten Adressen im Goldenen Dreieck von Paris etabliert. Nicht durch lautstarken Glamour, sondern durch eine stille Form von Exzellenz, die tief in der DNA der römischen Maison Bvlgari verwurzelt ist.

Italienische Seele, Pariser Eleganz

Schon beim Betreten des Hotels wird deutlich, dass hier zwei Kulturen auf besondere Weise miteinander verschmelzen. Das italienische Verständnis von Gastfreundschaft trifft auf die Raffinesse von Paris.

Das von ACPV Architects Antonio Citterio Patricia Viel entworfene Gebäude interpretiert Luxus zeitgenössisch. Dunkle Holzoberflächen, edle Natursteine und eine zurückhaltende Farbpalette schaffen Räume, die gleichermaßen elegant wie beruhigend wirken. Statt opulenter Inszenierung entsteht eine Atmosphäre von Ruhe und Beständigkeit.

Die 76 Zimmer und Suiten spiegeln diesen Ansatz wider. Viele verfügen über private Loggien oder Balkone mit Blick auf die Avenue George V. Hochwertige Materialien, subtile Farbakzente und großzügige Badezimmer – teilweise mit eigenem Hammam – schaffen Rückzugsorte mitten in einer der lebendigsten Metropolen Europas.

Luxus ohne Lautstärke

Interessant ist vor allem die Philosophie, die hinter dem Haus steht. Während Luxus vielerorts noch immer über Größe, Sichtbarkeit oder Exklusivität definiert wird, setzt das Bvlgari Hotel Paris auf Individualität und Präzision.

Jeder Aufenthalt wird als maßgeschneiderte Erfahrung verstanden. Personalisierung ist hier kein Serviceversprechen, sondern Teil der Identität des Hauses. Das Ergebnis ist eine Form von Gastlichkeit, die auf Aufmerksamkeit statt auf Inszenierung setzt und emotionale Erlebnisse über spektakuläre Effekte stellt.

Kulinarik und Wellness als Ausdruck eines Lebensgefühls

Auch gastronomisch bleibt das Hotel seiner italienischen Herkunft treu. Im Il Ristorante – Niko Romito interpretiert der mit drei Michelin-Sternen ausgezeichnete Koch die Klassiker Italiens neu. Seine Küche konzentriert sich auf Klarheit, Produktqualität und die Essenz des Geschmacks – eine Haltung, die erstaunlich gut zur Gesamtphilosophie des Hauses passt.

Ein weiterer Mittelpunkt ist das 1.300 Quadratmeter große Bvlgari Spa. Inspiriert von der römischen Badekultur verbindet es zeitgenössisches Wellnessverständnis mit einem traditionsreichen Ritual der Regeneration. Es ist ein Ort, an dem Entschleunigung nicht als Trend verstanden wird, sondern als selbstverständlicher Bestandteil eines guten Lebens.

Ein neues Kapitel

Die Palace-Auszeichnung würdigt nicht nur Architektur, Design und Servicequalität. Sie ist vor allem eine Anerkennung jener Menschen, die täglich dazu beitragen, dass aus einem Hotel eine besondere Erfahrung wird.

Für das Bvlgari Hotel Paris markiert sie einen weiteren Schritt auf dem Weg zu einer der prägenden Luxusadressen Europas. Und vielleicht zeigt sie zugleich, wohin sich zeitgemäßer Luxus entwickelt: weg von der Inszenierung, hin zur Kunst der feinen Details.

Ist regenerative Architektur die logische Fortsetzung von nachhaltiger Architektur? Beim Horizon House auf der Kykladeninsel Syros gelingt ONUS Architecture Studio dieses Kunststück.

Die Kykladen, ein Archipel im Ägäischen Meer, zu der auch die Inselschönheit Santorin gehört, sind für zwei Dinge bekannt: Für ihre kontrastreichen Landschaften aus felsigen Bergen, fruchtbaren Tälern und zerklüfteten Küsten. Und zweitens für die idyllischen Fotomotive, die die Architektur dort bietet. Die kubischen, weiß getünchten Häuser mit blauen Fensterläden und runden Kuppeln, kunstvoll in die Hänge der Steilküsten drapiert, bilden einen eindrucksvollen Kontrast zum tiefen Blau des Meeres. Damit verzücken sie einfach jeden.

Ganz im Gegensatz zu diesen traditionellen Bauweisen steht das Horizon House. Entworfen von ONUS Architecture Studio bezeugt das Haus eine neue Form von Nachhaltigkeit, die über Ressourceneffizienz hinausgeht. Dabei fügt es sich so selbstverständlich in das raue Terrain ein, als wäre es schon immer dort gewesen.

Teil eines lebendigen Ökosystems

Die von der Athener Architektin Margarita Kyanidou geleitete Entwurfsphilosophie wurzelt in der Überzeugung, dass Architektur nicht nur weniger schaden, sondern aktiv heilen kann. Das Horizon House auf Syros verkörpert diesen Anspruch auf jedem Zentimeter. Es ist nicht nur energieautark, sondern auch „ökologisch rückgebend“.

Die Steine, die beim Aushub gewonnen wurden, bilden die massiven Wände, Horizon House folgt damit den natürlichen Konturen des Geländes. Recyceltes Holz und rohe Texturen binden das Gebäude in den Materialkreislauf des Ortes ein. Diese bewusste Reduktion auf lokale Ressourcen wird nicht nur zu einer ökologischen, sondern auch zu einer ästhetischen Entscheidung: Das Haus wirkt wie die Fortsetzung der Landschaft, wie eine geologische Formation, die den Horizont rahmt, statt ihn zu unterbrechen.

Zwischen Schutz und Offenheit

Die architektonische Umsetzung spielt mit zwei Polaritäten: Verwurzelung und Weite beziehungsweise Rückzug und Ausblick. Denn die Nordfassade schmiegt sich schützend an den Boden, während die Südseite sich großzügig zur Ägäis öffnet. Die Form des Hauses insgesamt zieht sich parallel zur Küstenlinie.

Ein L-förmiger Pool markiert die Schwelle zwischen gebauter Struktur und Landschaft. Er fungiert als thermisches und visuelles Bindeglied, das das reflektierte Licht des Himmels in die Architektur hineinträgt. Im Inneren setzt sich die Sprache der Einfachheit fort. Die reduzierten Geometrien und natürlichen Materialien schaffen Räume von fast monastischer Ruhe. Die Innenräume sind um Querlüftung, Tageslicht und Ausblicke herum organisiert. So holen beispielsweise drei quadratische Oberlichter den Himmel ins Haus.

Habitat für die Natur selbst

ONUS Architecture Studio spricht beim Horizon House bewusst nicht von Nachhaltigkeit, sondern von Regeneration. Denn das Ziel ist nicht nur, weniger zu zerstören, sondern mehr zurückzugeben. Die Vegetation spielt dabei eine zentrale Rolle. Die Landschaftsgestaltung folgt einer ökologischen Wiederherstellungsstrategie, die in Zusammenarbeit mit Ökosystemforschern entwickelt wurde.

Es wurden fast ausschließlich einheimische Arten der kykladischen Flora verwendet, sie sind widerstandsfähig gegen Trockenheit und salzhaltige Winde. Diese Bepflanzung stabilisiert den Boden, verhindert Erosion und fördert die Rückkehr von Bestäubern, Insekten und Vögeln. Das Haus wird so zum Habitat, nicht nur für Menschen, sondern für die Natur selbst.

„Blue Roof“-System und Mikro-Windräder

Die begrünten Dächer fungieren als lebende Systeme: Sie speichern Regenwasser, senken die Umgebungstemperatur und schaffen Mikrohabitate für Flora und Fauna. Jährlich können bis zu 200 Kubikmeter Regenwasser gesammelt und über ein integriertes Filtersystem – das sogenannte Blue Roof – aufbereitet werden. Das behandelte Wasser versorgt die Vegetation, während das aufbereitete Grauwasser den Kreislauf schließt. Diese konsequent zirkuläre Ressourcennutzung – Wasser, Energie, Materialien – macht das Horizon House zu einem geschlossenen ökologischen System.

Die fünf Mikro-Windräder rechnen sich, blasen doch oben auf der Klippe die Winde der Ägäis mit schöner Konstanz. So kann das Gebäude vollständig mit erneuerbarer Energie versorgt werden. Ergänzt wird dieses System durch geothermische Leitungen, die die thermische Trägheit des Bodens nutzen, um die Innentemperaturen auszugleichen. Mechanische Heiz- oder Kühlsysteme sind damit überflüssig.

Diese Strategie speist sich aus der Ressourcenknappheit der Insel. Sie ist starker Antrieb für Effizienz und Innovation. Das Haus steht autonom, unabhängig von externen Netzen. Dabei ging und geht es ONUS nicht um technologische Machbarkeit allein, Architektur soll auch Verantwortung übernehmen.

Die Poesie der Resonanz

Trotz seiner technischen Raffinesse und der linearen äußeren Formen ist das Horizon House dennoch im Inneren poetisch. Auf einer Bruttogeschoßfläche von 230 Quadratmetern lässt die Architektur des Lichts und der Stille Luft, Schatten, Gestein und Holz zu einem atmosphärischen Kontinuum verschmelzen.

Der Wohnraum öffnet sich mit weitem Blick auf das Meer – er scheint zwischen Erde und Himmel zu schweben. Durch die Querströmung von Luft entsteht eine natürliche Kühlung, die sich anfühlt, als würde das Haus selbst atmen. Der Wind, der über den Hang streicht, wird nicht abgewehrt, sondern geleitet – als Teil eines lebendigen Systems, wo Resonanz und Mitschwingen Kontrolle ersetzt.

Die ONUS-Ethik des Bauens

Während bei vielen Projekten und Einfamilienhäusern Nachhaltigkeit zwar als sinnvolles Element erachtet wird, bleibt sie dennoch häufig nur Zusatz oder technisches Etikett. Bei ONUS dagegen steht jedes Material, jede Linie, jeder Eingriff im Verhältnis zum Ort – zumal die Bauindustrie immer noch zu den größten Verursachern von CO₂-Emissionen zählt. Hier entsteht ein Modell für regenerative Inselarchitektur, das die kulturelle Identität der Kykladen respektiert und gleichzeitig den ökologischen Herausforderungen der Zukunft begegnet. Für das noch nicht realisierte Projekt hat ONUS den „Architizer A+ Award 2025, Kategorie Nachhaltige Wohnarchitektur“ erhalten.

Text: Linda Benkö
Renderings/Fotos: ONUS Architecture Studio

Wie das Palais Chotek ein Wiener Palais des 19. Jahrhunderts in die Gegenwart übersetzt

Hinter den Mauern eines sorgfältig restaurierten Palais im neunten Bezirk entsteht ein neues Stück Stadt. Mit versteckten Gärten, einer Bar als neuer Treffpunkt für das Grätzl und Räumen, die sich mit historischer und zeitgenössischer Eleganz präsentieren, zeigt das Palais Chotek, wie ein Wiener Haus des 19. Jahrhunderts im 21. Jahrhundert ankommen kann.

Wien liebt seine Palais. Aber Wien weiß auch, wie schwierig sie sein können. Zu groß für die Gegenwart, zu kostbar für den Abriss und oft gefangen zwischen Denkmalschutz, Nostalgie und dem Wunsch nach einem zweiten Leben.

Im neunten Bezirk hat eines dieser Häuser nun genau das bekommen.

Wer durch das Tor des Palais Chotek tritt, lässt den Verkehr der Währinger Straße überraschend schnell hinter sich. Ein paar Schritte genügen und die Stadt verliert ihre Geschäftigkeit. Es raschelt, irgendwo bewegt sich ein Ast im Wind, Türen stehen offen zu kleinen Höfen, Terrassen und begrünten Winkeln.

Das neue Hotel ist das Ergebnis einer Restaurierung, die mit bemerkenswerter Geduld betrieben wurde. Man begegnet dem Gebäude nicht mit dem Ehrgeiz, ihm eine neue Identität aufzuzwingen, stattdessen wurde freigelegt, repariert, ergänzt und weitergebaut.

Alte Türen tragen ihre Geschichte sichtbar weiter, historische Details wurden bewahrt, während neue Elemente selbstverständlich ihren Platz gefunden haben. Hinter dieser Achtsamkeit steckt eine österreichische Eigentümerfamilie, die dem Haus Zeit gegeben hat. Das spürt man in den Proportionen, in den Materialien und in den vielen Entscheidungen, die sich nicht sofort rechnen müssen, aber lange Freude machen.

Das Palais als Stadtoase

Zwischen den Gebäudeteilen öffnen sich Gärten unterschiedlicher Größe. Die Gestaltung spielt mit historischen Motiven, barocke Anklänge tauchen auf, verschwinden wieder, Wege und Pflanzungen zitieren die große Wiener Gartenkultur mit leichter Hand.

Man erkennt Anspielungen auf Schönbrunn, schließlich ist man ja in Wien. Da macht es Sinn, dass das Palais weniger für den schnellen Aufenthalt konzipiert zu sein scheint als für jene angenehme Form des Verweilens, die Wien seit jeher kultiviert.

Das zeigt sich besonders auf der Beletage. Hier wird gefrühstückt und gebruncht, gelesen und beobachtet. Unterschiedliche Tapeten setzen eigene Stimmungen, Farben verändern die Atmosphäre von Salon zu Salon. Dazwischen stehen Thonet-Stühle, gemütliche Sitznischen, darüber historische Stuckaturen.

Holzarbeiten, Stoffe und Oberflächen, Luster und Möbel verstehen sich gut, ob historisch oder zeitgenössisch. Das Alte wird nicht ausgestellt, das Neue nicht demonstriert. Beides existiert nebeneinander, ohne viel Aufhebens darum zu machen.

Räume der Ruhe

Auch in den Zimmern setzt sich diese Idee fort. Statt historisches Dekor zu inszenieren, arbeitet das Palais Chotek mit einer ruhigeren Form von Eleganz.

Fischgrätparkett, warme Sandtöne, Messingdetails, Marmor und die charakteristischen Grüntöne des Hauses schaffen Räume, die Gelassenheit ausstrahlen. Viele Zimmer blicken in die begrünten Innenhöfe, einige verfügen über eigene Garten- oder Dachterrassen.

Besonders angenehm ist dabei die Atmosphäre: viel Licht, großzügige Proportionen und eine wohltuende Ruhe, die man mitten in der Stadt nicht unbedingt erwartet. Die Zimmer verstehen sich nicht als Schaubühnen für Design, obwohl sie das durchaus leisten können, sondern als Rückzugsorte.

Treffpunkt der Nachbarschaft

Im Erdgeschoss, in der Bar „Sophie“, werden ausgezeichnete Cocktails serviert. Statt eines Restaurants gibt es hier eine kleine, aber feine Speisenauswahl.

Der Name klingt nach Wiener Grande Dame, die Stimmung ist entspannt und lädt dazu ein, den Blick schweifen zu lassen. Die Bar ist wie eine Guckkastenbühne angelegt, allerdings kann man dem „Spektakel“ von zwei Seiten folgen.

Hotelgäste treffen auf Menschen aus der Nachbarschaft, jemand kommt auf einen schnellen Aperitif vorbei und bleibt bis zum Dessert.

Darin könnte auch der Reiz des Palais Chotek liegen. Es möchte auch Teil seines Viertels sein. Für Nachbarn, Freunde, Geschäftsleute, Flaneure und jene Wiener, die immer auf der Suche nach einem neuen Lieblingsplatz sind.

Als hätte dieses Haus nur darauf gewartet, wieder das zu werden, was gute Wiener Häuser immer waren: Orte der Begegnung.

Kanadas Megaprojekt Waterfront Toronto bekommt mit dem Quartier Quayside eine vollelektrische und klimaneutrale Community. Die Highlights: 8.000 Quadratmeter urbaner Wald und das Timber House von Architekt David Adjaye.

Die kanadische Metropole Toronto hat in Sachen Stadtentwicklung ihre Hausaufgaben gemacht. „Think big“ lautet das Motto der Stadtplaner – ob in Downsview im Norden von Toronto oder im großen Revitalisierungsprojekt an der Hafenkante, der Waterfront Toronto. Dabei steht das „big“ nicht für die tatsächliche Größe, sondern für das „bigger picture“, also das große Ganze. Dafür reicht es ihnen nicht, Flächen zu bebauen und dazwischen etwas Grün einzustreuen. Die Task Force des Megaprojektes am Lake Ontario will einen Stadtteil schaffen, der das akute Problem der Klimakrise tatsächlich angeht. 

Die klimaneutrale Community

Der neue Masterplan für Quayside, einen Teilabschnitt der Hafenentwicklung, bringt unter anderem 800 leistbare Wohneinheiten, urbane Waldparks und konstruktiven Holzbau von beachtlicher Größe. Laut dem öffentlichen Entwicklungsmanagement Waterfront Toronto wird Quayside „die erste vollelektrische, klimaneutrale Community in dieser Größenordnung“.

Es ist der zweite Anlauf für den grünen Vorbildbezirk. Der erste Masterplan stammte vom Google-Schwesterunternehmen Sidewalk Labs, das eine ökologische und voll vernetzte Smart City vorsah. Das Projekt ist allerdings am Widerstand der Bürger gescheitert, die eine totale Überwachung fürchteten.

Drei namhafte Architekturbüros sind an der neuen Vision von Quayside beteiligt. Der kurvenreiche Bau Western Curve mit einer Vielzahl an runden Balkonen stammt vom Londoner Büro Alison Brooks Architects. Direkt daneben hat das dänische Architekturbüro Henning Larsen das Hochhaus Overstorey mit abgestuften Kubaturen geplant. Der wohl spektakulärste Baustein des nachhaltigen Quartiers ist das Timber House vom britischen Architekturbüro Adjaye Associates.

Ein Superblock in Holzbauweise

Es wird in zweiter Reihe, hinter den insgesamt fünf Hochhäusern, liegen und zur Gänze aus Holz gebaut sein. Erstrecken wird es sich über einen ganzen Straßenblock, und damit wird es nach seiner Fertigstellung zu den größten Holz-Wohnbauten Kanadas zählen. Am Dach der 12 Geschosse liegen Urban-Farming- und Garten-Anlagen, die nicht nur regionales Gemüse erzeugen, sondern auch zur Verbesserung des Stadtklimas beitragen.

Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert.

George Zegarac, Vorsitzender von Waterfront Toronto

In seiner langgestreckten und wehrhaften Form erinnert das Timber House an die Superblocks des Roten Wien. Auch in seinem sozialen Programm kann man durchaus Parallelen erkennen. Neben leistbarem Wohnraum mit hoher Lebensqualität und viel Grünraum soll es hier auch Wohnmöglichkeiten für alte Menschen geben. „Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert“, formuliert es George Zegarac, der Vorsitzende von Waterfront Toronto.

8.000 Quadratmeter urbaner Wald

Die intensiv begrünten Terrassen und Loggien des Timber House treffen auf das üppige Grün, das den Freiraum zwischen den Häuserblöcken füllt. Hier soll laut Entwurf ein urbaner Wald sprießen, der den Bewohnern Naherholung bietet und sogenannten Hitzeinseln in der Stadt entgegenwirkt.

Dieser 8.000 Quadratmeter große Community Forest wird von SLA Landscape Architects gestaltet. Das preisgekrönte Büro des dänischen Landschaftsarchitekten Stig Lennart Andersson ist auf sensorische urbane Räume spezialisiert. Die bewaldete Fläche bietet „ein Netzwerk an autofreien Grünflächen für Bewohner und Besucher“, wie es heißt.

Fluchträume für Wetterextreme

Was die Klimakrise angeht, so verfolgt Waterfront Toronto einen pragmatischen Ansatz. Neben all den Maßnahmen, die auf eine drastische Reduktion der Treibhausgas-Emissionen abzielen, setzen die Stadtplaner auch Maßnahmen, die den direkten Auswirkungen des Klimawandels Rechnung tragen. So gibt es die Auflage, dass alle Gebäude über Fluchträume verfügen müssen, in denen die Stromversorgung für 72 Stunden gesichert ist. 

Hier können sich Bewohner und Arbeitskräfte im Fall von Stromausfällen, Wetterextremen und anderen Notsituationen in Sicherheit bringen. „Auch wenn alle CO₂-Emissionen heute auf Null gesenkt würden, ist eine globale Erwärmung über 1,5 Grad Celsius in diesem Jahrhundert wahrscheinlich. Dies bedeutet, dass es einen Anstieg in der Stärke und Häufigkeit von Wetterextremen geben wird“, so die nüchterne Einschätzung der städtischen Entwicklungsgesellschaft. Und darauf will man in der Stadt von morgen vorbereitet sein.

Text: Gertraud Gerst
Visualisierungen: Waterfront Toronto

Das Bridge House im indischen Bundesstaat Maharashtra überbrückt einen 30 Meter breiten Graben. Konstruiert wie eine Hängebrücke und mit einer Außenhülle aus beweglichen Lehmschuppen ist eine bewohnbare Skulptur entstanden, die lebt.

Architektur findet immer dort die kreativsten Lösungen, wo die topografischen Bedingungen eine konventionelle Lösung unmöglich machen. Es ist die Kunst des Entwurfs, aus dieser Unmöglichkeit die sinnvollste und schönste Konsequenz zu ziehen. Im Fall eines Wohnbauprojekts in der Metropolregion Mumbai bestand die Herausforderung darin, einen sieben Meter tiefen Abgrund zu überbrücken. Das Grundstück der Bauherrschaft wurde nämlich vom Überlauf-Graben des Walwhan-Staudamms durchschnitten und in zwei Teile geteilt. Diese galt es durch das Bauprojekt zu verbinden, ohne dabei ein Fundament im darunterliegenden Kanal zu errichten. Der Überlauf musste für regelmäßige Räumarbeiten durch einen Bagger frei bleiben. Eine Aufgabe, die dem avantgardistischen indischen Architekturbüro Wallmakers gerade knifflig genug war. Wo andere Architekten kurzerhand einen Betonblock in den Einschnitt gespreizt hätten, suchte Bürogründer Vinu Daniel nach einer ökologisch verträglichen Variante. 

Er fand sie schließlich in einer minimalinvasiven Hängebrückenkonstruktion und einer Außenhaut aus beweglichen Schuppen, die aus lokalen Naturmaterialien gefertigt sind. Auf diese Weise ist ein Bauwerk entstanden, das lebt. Gestatten: das Bridge House.

Ökologisch und ökonomisch im Vorteil

Wie ein tierischer Kokon hängt der 30 Meter lange Brückenbau über dem Abgrund und verbindet die Grundstückshälften auf natürliche Weise. Er kommt mit nur vier Verankerungspunkten aus und besteht aus vier hyperbolischen Paraboloidschalen, deren Hohlräume die Wohnbereiche bilden. Um der Konstruktion die nötige Zugfestigkeit zu verleihen, setzte man so wenig Stahlrohre und -seile wie möglich ein. 

Der Ansatz, Wohnhaus und Brücke miteinander zu verbinden hat nicht nur ökologische, sondern auch ökonomische Vorteile gebracht. Auf der einen Seite konnte man so den Fußabdruck des Gebäudes auf ein absolutes Minimum reduzieren. Auf der anderen Seite sparte es der Bauherrschaft Kosten und ließ zugleich mehr Fläche für die landwirtschaftliche Nutzung frei.

Materialien aus der näheren Umgebung

Das Wohnhaus bildet eine komplexe, organische Form, wie sie auch in der Natur vorkommen könnte. Als hätte sich hier ein gigantisches Insekt einen Kobel gebaut. Dazu passt auch die schuppige Außenhaut des Wohnbaus, die einem Gürteltier abgeschaut ist. Vermutlich wäre es schwierig gewesen, für diesen extravagant geformten Baukörper ein industriell hergestelltes Fassadensystem zu finden, das passt. Der Grund für die außergewöhnliche Hülle war allerdings ein anderer. 

Das Studio Wallmakers hielt sich bei der Materialbeschaffung an Mahatma Gandhis Prinzip des idealen Hauses. Demnach sollen die Baumaterialien aus einem Umkreis von maximal acht Kilometern stammen. Was die Planer in der Umgebung der Stadt Karjat, wo das Grundstück liegt, in Hülle und Fülle vorfanden, waren vor allem zwei Dinge: Gras und Schlamm.

Strohdach 2.0

Daraus formten sie ein Materialgemisch, das der Konstruktion eine wetterfeste Hülle verlieh und zugleich für die nötige Stabilität sorgte. Zwar haben Strohdächer eine lange Tradition in der Region, aber in jüngerer Zeit ist die Technik mehr und mehr in Vergessenheit geraten.

Die Lehmputzschicht verhindert, dass sich Nagetiere oder Schädlinge in das Gebäude einnisten – der Hauptgrund dafür, dass Strohdächer aus der Mode gekommen sind. 

Wallmakers, Architekturbüro

Mit dem Bridge hat man sie nicht nur wiederbelebt, sondern auch weiterentwickelt. Durch die Kombination mit der Schlammschicht ist die Strohdeckung nämlich deutlich widerstandsfähiger geworden.

„Die Lehmputzschicht verhindert, dass sich Nagetiere oder Schädlinge in das Gebäude einnisten – der Hauptgrund dafür, dass Strohdächer aus der Mode gekommen sind. Außerdem sorgt sie für zusätzliche Druckfestigkeit, um die Konstruktion in Ermangelung einer vertikalen Tragsäule weiter zu stabilisieren“, wie das Büro Wallmakers erklärt. 

Vom Schuppentier abgeschaut

Eine doppelt gekrümmte Fläche zu decken ist oft problematisch, da das Wasser von zwei Seiten eindringen kann. Eine Lösung dieser Aufgabe fand man in der Natur, genauer gesagt beim Panzer von Schuppentieren. Dieser besteht aus mehreren hundert bis tausend dachziegelartig überlappenden Hornschuppen.

Praktische Tests mit entsprechenden Stroh-Lehm-Schuppen zeigten den gewünschten Erfolg: Während die Schuppen Bewegung zuließen, verhinderten sie zugleich das Eindringen von Wasser.

Damit haben Wallmakers ein skulpturales Bauwerk geschaffen, das sich, wie die Bionik, ein Prinzip aus der Natur zunutze macht. Mit diesem Wohnhaus knüpfen sie an Werke der organischen Architektur an, wie etwa die Casa Orgánica von Javier Senosiain. Der mexikanische Architekt kämpft seit den 1980er-Jahren mit seinen höhlenartigen Bauten gegen die Geradlinigkeit und Technokratie in der Architektur an.

Wenn es im Wohnzimmer regnet

So radikal organisch, wie sich das Bridge House von außen präsentiert, so radikal naturverbunden ist es auch im Inneren. 

In der Mitte des Brückenhauses, wo der Wohnbereich liegt, öffnet sich ein großes Okulus zum Himmel. Dieser runde Deckeneinschnitt bildet das atmosphärische Kernstück des Hauses. Lediglich von einem Seilnetz überspannt, macht es die Naturelemente direkt erlebbar. 

Und das gilt sowohl für einen angenehm lauen Abend als auch für die Monsunzeit. Wenn es regnet, dann regnet es auch im Wohnzimmer. Dabei kann das Wasser über speziell in den Boden eingelassene Öffnungen ablaufen und direkt in die Rinnen darunter fließen. Das wahre Gegenstück also zum Modell des Boden-versiegelnden Einfamilienhauses.

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Studio IKSHA

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.

Das Doshi Retreat am Vitra Campus – Architektur als Erfahrung jenseits des Objekts

Der Vitra Campus in Weil am Rhein ist seit Jahren ein Ort, an dem Architektur nicht nur gebaut, sondern gedacht wird. Unterschiedliche Positionen der Moderne stehen hier nebeneinander und bleiben dabei klar lesbar. Mit dem Doshi Retreat ist eine Intervention hinzugekommen, die sich dieser Ordnung bewusst entzieht – leise, aber konsequent.

Ein Campus als Argument: Architektur als Diskursraum

Was den Vitra Campus so außergewöhnlich macht, ist nicht die Ansammlung großer Namen, sondern die Art, wie diese miteinander in Beziehung treten. Unterschiedliche architektonische Sprachen – Dekonstruktion, Minimalismus, High-Tech und Spiritualität – stehen hier nebeneinander wie Stimmen in einem intellektuellen Dialog.

Der Campus folgt einer Idee von Rolf Fehlbaum: Architektur als kulturelle Praxis, die über Funktion und Form hinausgeht. Gebäude erscheinen nicht als abgeschlossene Objekte, sondern als Teil eines fortlaufenden Diskurses. Seit den frühen Interventionen von Frank Gehry, Zaha Hadid und Tadao Ando hat sich hier ein architektonisches Labor entwickelt.

Der Ort selbst wird so zu einem Dispositiv der Unterbrechung – ein Raum, der nicht einfach durchschritten, sondern gedacht wird.

Das Doshi Retreat: Ein Weg statt eines Objekts

Vor diesem Hintergrund erscheint das Doshi Retreat als radikale Zuspitzung. Entwickelt von Balkrishna Doshi und weitergeführt von Khushnu Panthaki Hoof und Sönke Hoof, ist es weder Pavillon noch Gebäude – sondern ein Prozess.

Ein gewundener Pfad führt unter die Erdoberfläche. Klang wird dabei nicht als Dekoration eingesetzt, sondern als physische Erfahrung: Gong- und Flötentöne durchdringen den Körper und machen Architektur zur Resonanz.

In dieser Logik ist das Retreat keine Erweiterung des Campus, sondern eine Verschiebung – eine minimale Geste, die weniger behauptet als einlädt.

Spiritualität als Gegenentwurf zur Beschleunigung

Die eigentliche Besonderheit liegt in der Haltung: Die Intervention basiert nicht auf Technologie, sondern auf Spiritualität. Inspiriert von der Idee des Kundalini – der „aufgerollten Energie“ – versteht Doshi Raum als Transformation.

Architektur wird hier nicht nur genutzt, sondern durchschritten wie ein Zustand. Der Campus, oft als Schaufenster der Avantgarde gelesen, öffnet sich damit als Ort der Entschleunigung.

Fehlbaums These: Architektur als Erweiterung des Wahrnehmbaren

Rolf Fehlbaum beschreibt den Campus als Ort, an dem Architektur, Landschaft und Wahrnehmung ineinandergreifen. Das Doshi Retreat radikalisiert diesen Ansatz:

„Es ist der Klang, der durch den Körper der Besucherin oder des Besuchers widerhallt, der die Grenze zwischen dem Selbst und der Struktur aufhebt.“

Am Ende steht kein klassisches Ziel, sondern ein kontemplativer Raum. Nicht das Ankommen zählt, sondern die Entkopplung von der Außenwelt.

Die Idee der Disruption: Unterbrechung als ästhetisches Prinzip

Disruption wird hier neu gedacht: nicht als Beschleunigung, sondern als Verlangsamung.

Gehry bricht die Form, Hadid die Geometrie, Ando das Licht – Doshi hingegen bricht den Begriff des Gebäudes selbst.

Statt eines Objekts entsteht eine Situation.
Statt eines Programms ein Möglichkeitsraum.
Statt eines Blicks eine Bewegung.

Ein leiser Schluss: Die Architektur der Pause

Am Ende bleibt ein Paradox: eine Architektur, die sich zurücknimmt, um intensiver zu werden. Ein Ort, der nicht monumental ist, sondern intim.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Modernität des Doshi Retreat – in seiner Fähigkeit, den Menschen für einen Moment aus der Logik permanenter Bewegung herauszulösen.

Eine geschäftige Einkaufsstraße in Wien, kurz vor neun. Vieles hat noch geschlossen, und doch ist der baldige Trubel schon spürbar. Es mag verwundern, dass sich in dem ausgebauten Eckhaus sogar ein U-Bahn-Eingang befindet, denn kaum öffnet man die Tür nebenan zum Hotel MOTTO, gelangt man in eine Welt irgendwo zwischen dem Paris und dem Wien der 1920er-Jahre.

Sanfte französische Loungemusik, verspielte Tapeten, ornamentale Fliesen, Details aus Messing sowie ein Gastgeber, der die Gastgeberrolle schon durchgespielt hat.

Bernd Schlacher ist ein Urgestein der Wiener Gastroszene. Er kannte Falco und Elton John, war mit 22 Jahren schon Eigentümer eines Restaurants und es scheint, als könne ihn nichts erschüttern … „Was mach ma?“, fragt er mich mit gelassener Stimme, als wir in seinem Hotelrestaurant Platz nehmen. Ich hoffe, ein Gespräch über das Gastgeberdasein führen – mit Fragen, die er nicht schon unzählige Male beantwortet hat.

Gastgebergeschichten aus 44 Jahren

Aus welchen Begegnungen als Gastgeber sind schöne Anekdoten geworden?
In 44 Jahren gab es so einige. Aber die wirklich lustigen fallen unter die Schweigepflicht. Mir hat es immer sehr viel Spaß gemacht, mit Gästen zu arbeiten, egal ob mit Falco, Fendrich, Elton John, Touristen oder Studenten. Es haben sich wahnsinnig viele Menschen bei mir kennengelernt. Es kommen heute 70-, 80-Jährige mit Enkelkindern zu mir. Drei Generationen haben mit mir schon gefeiert. Das ist etwas Besonderes.

Keine Langeweile – Musik als Lebensgefühl

Sie sagen, dass Sie keine Langeweile mögen. Wie schafft man es, dass Gäste im Restaurant garantiert nicht zu gähnen beginnen?
Mit Musik! Die kann leise im Hintergrund spielen und später auch lauter werden. Es muss etwas los sein. Das Leben ist schon anstrengend genug, die Leute sollen Spaß haben dürfen.

Die cerise sur le gâteau der Gastfreundschaft

Betthupferl, sich die Namen der Gäste merken … Was ist für Sie persönlich die cerise sur le gâteau der Gastfreundschaft?
Die Freundlichkeit. Die persönliche Beziehung zum Gast, so wie man sie früher beim Kirchenwirt am Land hatte, wo der Herr Franz oder die Frau Franziska schon genau wusste, wie man den Kaffee mag, bevor man ihn bestellt. Das ist ein wichtiges Kulturgut.

Gastgeber sein – auf Augenhöhe

Eine Frage, die sich zum Schluss fast schon aufdrängt: Gibt es ein Motto, an das Sie sich in Bezug auf Gastfreundschaft halten?
Für mich heißt Gastgeber sein, immer ehrlich zu den Menschen zu sein. Auf Augenhöhe. Da ist es egal, ob Präsident oder Student. Der eine ist genauso wichtig wie der andere.

Chez Bernard: ein Wohnzimmer auf Französisch

CHEZ BERNARD – wir sind jetzt ein bisschen bei Ihnen zu Hause, vielleicht in der französischen Version Ihres Wohnzimmers. Liege ich mit diesem Eindruck richtig?
Ja, zu 100 Prozent. Vor elf Jahren habe ich überlegt: Was mache ich aus dem alten Hotel Kummer? Ich liebe Paris, ich liebe Wien. Die 1920er-Jahre waren eine Zeit des Aufschwungs, des Feierns. Eines Tages entstand die Idee bei einem Kaffee mit einer lieben Freundin. Das Thema wurde dann bis ins kleinste Detail umgesetzt. Ich setze nicht auf Trends. Wenn ich etwas einrichte, muss es langfristig und langlebig sein. Und es muss Charme haben und gemütlich sein.

Französische Finesse trifft Wiener Charme

In Ihrem Haus treffen französische Finesse und Wiener Charme aufeinander. Wie gut passen diese beiden Welten für Sie zusammen?
Das passt wahnsinnig gut zusammen, wenn man daran denkt, wie Wien vor dem Zweiten Weltkrieg war. Wir haben ja auch noch viele französische Begriffe wie Beletage, Trottoir, Pläsier. Und das Croissant ist aus dem Kipferl entstanden.

Vom Restaurant zum Boutiquehotel

Mit dem Hotel haben Sie das Thema Gastfreundschaft nach zahlreichen Lokalen und dem Catering auf ein neues Level gehoben – wie empfinden Sie den Sprung?
Es war ein heimlicher Wunsch von mir. Dann ist es halt passiert. Mir war es wichtig, dass die Rezeption besetzt ist, dass hier Menschen sind und es nicht anonym ist. Die Gastgeberrolle hat sich dabei nicht verändert, nur erweitert. Früher haben die Gäste nur gegessen und getrunken. Jetzt schlafen sie halt auch da.

Privat und professionell Gastgeber sein

Wie unterscheidet sich Ihre private Gastgeberrolle von der professionellen?
Ich bin sowohl zu Hause als auch in den Betrieben gerne Gastgeber. Mir ist es hier und da wichtig, dass Servietten am Tisch liegen, dass frisch gekocht wird, dass Kerzen brennen und frische Blumen da sind. Man muss seine Rolle natürlich ein wenig anpassen, je nachdem, wen man begrüßt. Darf man „du“ sagen oder nicht?

Hotel MOTTO – a member of Lifestylehotels

Elegantes Boutiquehotel in einem historischen Gebäude, in dem Paris und Wien eine Liaison eingehen – mit Rooftop-Restaurant und französischer Bäckerei.