Für Frühjahr/Sommer 2027 rückt das Münchner Label Leinen in Denim-Optik in den Mittelpunkt. Die Geschichte dahinter beginnt mit 2.000 alten Leinensäcken.

Verwaschenes Blau, angedeutete Bleichungen, die Optik einer längst eingetragenen Jeans. Das Auge erkennt Denim. Auf der Haut liegt reines Leinen. elemente clemente löst mit dieser Verschiebung eine vertraute Verbindung auf: Wie ein Kleidungsstück aussieht, muss nicht bestimmen, wie es sich anfühlt. In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 wird daraus „The Denim (R)Evolution“.

Eine Jeans gehört zu jenen Kleidungsstücken, über die man morgens kaum nachdenken muss. Sie passt zu einem weißen T-Shirt, einem Hemd, einem Blazer. Ihre Gebrauchsspuren mögen wir oft genauso gern wie ihren Schnitt. An heißen Tagen kann der schwere Stoff allerdings an Selbstverständlichkeit verlieren. Die Lust auf den Look bleibt, die auf eine dicke Baumwollhose eher weniger.

Genau dort setzt elemente clemente an. Seit 2023 führt das Label Leinen in Denim-Optik im Sortiment. Europäisches Leinen wird dafür mit wasserbasierten Farben digital bedruckt. Blauabstufungen und Waschungseffekte bilden die Oberfläche von getragenem Denim nach, während die natürliche Struktur des Leinens sichtbar bleibt. Der Stoff behält seine Leichtigkeit und seinen beweglichen Fall.

Eine Materialgeschichte mit 2.000 Säcken

Dass ausgerechnet Leinen diese Rolle übernimmt, lässt sich weit in die Geschichte von Gründer Clemens Dörr zurückverfolgen. 1988, noch vor elemente clemente, gründete er Kandis & Kandismann. Auf einem Flohmarkt entdeckte französische Leinensäcke brachten ihn auf eine Idee: Aus einem französischen Staatsdepot kaufte er 2.000 unbenutzte Säcke aus der Zeit des Ersten Weltkriegs und verarbeitete sie zu seiner ersten Herrenkollektion.

Die Stücke wurden unter anderem bei Ludwig Beck und Uli Knecht verkauft. Für Dörr war es eine frühe Erfahrung damit, wie lange ein Material bestehen kann – und wie viel gestalterischer Spielraum in etwas steckt, das ursprünglich einen ganz anderen Zweck hatte.

2002 gründete er in München elemente clemente. Leinen blieb ein zentrales Material, großzügige Schnitte und klare Linien wurden Teil der Formensprache. Auch die Arbeit mit vorhandenen Reststoffen gehört zum Selbstverständnis der Marke.

Blau mit Bewegungsfreiheit

In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 begegnet der Denim-Look weiten Hosen, Shorts, lässigen Hemden und fließenden Kleidern. Die in Tunesien gefertigten Modelle aus europäischem Leinen greifen die unkomplizierte Kombinierbarkeit von Jeans auf. Elastische Hosenbünde und lockere Silhouetten geben dem Körper Raum.

Gestalterisch reicht die Kollektion von zurückhaltenden, monochromen Looks bis zu markanten Wascheffekten. Interessant ist dabei gerade das Zusammenspiel der Oberflächen: Die aufgedruckten Spuren von Denim treffen auf die eigenständige Struktur des Leinens. Das vertraute Blau bekommt einen anderen Fall, die Silhouette verändert sich mit dem Material.

Die Frage hinter dem Look

Mit der Kampagne „No More Dirty Denim“ thematisiert elemente clemente den Ressourcenverbrauch und die Arbeitsbedingungen konventioneller Jeansproduktion. Die eigene Alternative setzt bei der Faser und der Gestaltung der Oberfläche an. Einen langjährigen Produktionspartner hat das Unternehmen in Tunesien; weitere Hersteller sitzen in Europa.

Die Kollektion macht damit auch eine gestalterische Frage anschaulich: Was genau wollen wir behalten, wenn wir ein Kleidungsstück neu denken? Bei der Jeans sind es vielleicht das Blau, die lässige Wirkung, die Leichtigkeit des Kombinierens. elemente clemente übernimmt diese vertrauten Eigenschaften und verändert das Material darunter. Das Ergebnis lässt sich am Ende ganz körperlich verstehen: an der Bewegung einer weiten Hose und daran, wie sich Leinen an einem warmen Tag trägt.

Patricio Campillo entwirft in Mexico City Mode, die Familiengeschichte weiterträgt und vertraute Bilder von Männlichkeit in Bewegung bringt.

Ein Anzug kann lange auf seinen nächsten Auftritt warten. Der des Vaters von Patricio Campillo wurde zum Ausgangspunkt einer ganzen gestalterischen Sprache. In seinen Jacken und Hosen lebt die mexikanische Charro-Kultur weiter – mit einer Sinnlichkeit, die andere Möglichkeiten in den vertrauten Formen entdeckt.

Eine Familiengeschichte zum Anziehen

2020 entdeckte Campillo einen Charro-Anzug, den sein Vater zum 18. Geburtstag vom Großvater erhalten hatte. Dessen Schnitt wurde zur Grundlage vieler seiner Entwürfe. So steckt in der Kleidung des Labels auch eine sehr persönliche Weitergabe: vom Großvater zum Vater zum Sohn.

Die Verbindung reicht in seine Kindheit zurück. Campillo wuchs in Mexico City mit Pferden und der Charro-Kultur auf. Bevor er selbst Mode entwarf, arbeitete er im Modejournalismus, im Styling und in der Art Direction. Eine Zeit in Paris bei der Moderedakteurin Tiffany Godoy bestärkte ihn darin, sich das Entwerfen selbst beizubringen. Seine erste Kollektion entstand 2015, sein Label gründete er 2017. 2024 gehörte er zu den Halbfinalisten des LVMH Prize.

Dieser Weg erklärt vielleicht auch seinen Blick: Campillo kennt die Bilder, durch die Mode Bedeutung erhält. Und er kennt die Erinnerungen, die in einem Kleidungsstück stecken können. Bei ihm begegnen sich beide.

Wie viel Freiheit steckt in einer Form?

Der Charro-Anzug gibt eine Silhouette vor. Campillo untersucht, was sich innerhalb dieser Vorgabe verändern lässt. Für Herbst/Winter 2026 beschäftigte er sich mit Einschränkung, Korsetterie und der sinnlichen Lesart traditioneller Männerkleidung. Rosshaar und fließende Seide brachten unterschiedliche körperliche Erfahrungen ins Spiel.

Darin liegt für uns die Spannung dieser Mode. Eine Form, die Zugehörigkeit ausdrückt, kann zugleich Raum für einen sehr individuellen Auftritt schaffen. Die Herkunft bleibt lesbar; ihre Bedeutung darf sich verschieben.

Auch das Handwerk gehört zu dieser Bewegung. In der Frühjahr/Sommer-Kollektion 2026 wurden geflochtene Seidenbahnen und Lederstreifen zu Shorts, Jacken und Hemden verarbeitet. Techniken, die mit Alltagsgegenständen verbunden sind, erhielten eine neue Aufgabe am Körper. Luxus lässt sich hier als Aufmerksamkeit lesen: für Material, für Arbeit, für die Möglichkeiten einer Konstruktion.

Ein Sonnenuntergang reist nach New York

Für Frühjahr/Sommer 2027 führte eine Wanderung mit seiner Mutter in Chiapas Campillo zu Erinnerungen an Freude und Freiheit. Auf dem New Yorker Laufsteg erschienen Rot, Pink und goldgelbe Töne. Eine Seidenoberfläche erhielt durch oxidierende Metallplatten eine Rostpatina.

Das passt zu einem Designer, der Erinnerungen immer wieder in Material übersetzt. Etwas bleibt erhalten und verändert dabei seine Gestalt. Ein Familienanzug findet einen neuen Körper. Eine Wanderung wird zur Farbe.

CAMPILLO macht Lust, Kleidung auf diese Weise anzusehen: als etwas, das schon eine Geschichte hat und mit uns eine weitere beginnen kann.

Was macht ein Kleidungsstück wertvoll? Welche Vorstellungen von Männlichkeit trägt ein Anzug? Und wie viel Persönlichkeit kann eine Tasche aufnehmen? Im Rahmen der Austrian Fashion Awards 2026 werden Arbeiten von fünf Designerinnen, Designern und Labels gezeigt, die mit einem Startstipendium Mode gefördert wurden. Ihre Entwürfe geben sehr unterschiedliche Antworten.

Wer bestimmt den Wert?

Für Hao Wu und Alexander Georg Lehner von Sale Sale Studio beginnt diese Frage bei etwas Vertrautem: einem Hemd, einer Anzughose und drei Stoffen. In ihrer ersten Kollektion Copy Paste werden die Ausgangsstücke kopiert, verändert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis spielt mit der Grenze zwischen Original und Nachahmung – und mit der Vorstellung, dass Originalität allein über den Wert von Kleidung entscheidet.

Auch Miranda Matondo, das Label von Marie Matondo und Danaide Miranda, interessiert sich dafür, welche Geschichten Materialien und Techniken erzählen. Die Kollektion Mosaico entstand nach einem Aufenthalt in Agadir. Sie verbindet Einflüsse des Flamenco mit Amazigh-Schmuckkunst und setzt auf Bewegung, Handwerk und kulturellen Austausch. Die Kleidung ist dabei nicht an binäre Geschlechterkategorien gebunden; sie lässt Raum für die Person, die sie trägt.

Menswear mit Erinnerung

Oliver Kuzma blickt auf historische Formen der Männermode und übersetzt sie in eine robuste Garderobe für die Gegenwart. Seine aktuelle Kollektion, angeregt durch die frühen Filme Guy Ritchies, beschäftigt sich mit den Bildern von Aristokratie und Arbeiterklasse. Ihn interessieren Kleidungsstücke, die genutzt werden dürfen und mit der Zeit eine eigene Patina bekommen.

Bei Paul Alexander Reisinger liegt die Vergangenheit im Material selbst. Er arbeitet überwiegend mit Vintage-Beständen und gebrauchten Stoffen, verbindet alpine und florale Bezüge mit klassischen Menswear-Silhouetten. So entstehen Entwürfe, in denen persönliche Erinnerung ebenso Platz hat wie eine offenere Vorstellung von Männlichkeit.

Viola Kollár richtet den Blick auf ein Accessoire, das uns oft täglich begleitet. Ihre Taschen sollen funktionieren, lange halten und zugleich eine eigene Präsenz haben. Handnaht, sorgfältig verarbeitete Lederkanten und wiederverwendete Materialien gehören zu einer Arbeit, in der handwerkliche Qualität und persönliche Bedeutung zusammenfinden.

Die fünf Positionen sind am 5. November 2026 bei den Austrian Fashion Awards in der Kunsthalle Wien im MuseumsQuartier zu sehen. Die Veranstaltung der Austrian Fashion Association zeigt damit auch, was aus gezielter Förderung entstehen kann: eigenständige Arbeiten, die vertraute Formen aufnehmen und ihnen neue Fragen stellen. Die Gewinnerinnen und Gewinner der diesjährigen Modepreise werden erst an diesem Abend bekannt gegeben.

Eine Marke besitzt ihre Entwürfe. Aber wer bewahrt die Geschichten, die über Jahrzehnte um sie entstehen? Mit der Collector Series bei Selfridges in London gibt Stone Island unabhängigen Sammlern Raum für ihre eigene Sicht auf mehr als vierzig Jahre Modegeschichte.

Eine Jacke aus einer vergangenen Kollektion ist für Stone Island mehr als ein früheres Produkt. An ihr lässt sich ablesen, wie die Marke mit Materialien, Färbungen und Funktionen experimentiert hat. Für Menschen, die solche Stücke über Jahre suchen, tragen, tauschen und dokumentieren, erzählt sie noch eine zweite Geschichte: die ihres eigenen Fundes und der Community, durch die sie weitergereist ist.

Diese beiden Perspektiven treffen nun in London aufeinander. Unter dem Titel Selected Works ’982–’026: Stone Island – The Collector Series bespielt Stone Island vom 21. September bis 6. November 2026 den Corner Shop von Selfridges. Erstmals arbeitet die Marke dafür offiziell mit unabhängigen Sammlern zusammen, die ihr Archiv über Jahrzehnte mitbewahrt und interpretiert haben.

Ein Archiv mit vielen Stimmen

Arco Maher, Better Gift Shop, ‘bout, 194 Local, Louis Holsgrove, Metallic Curtain, Pezze und SimJae bringen ihre eigenen Archive und Recherchen in das Projekt ein. Ihre Auswahl wechselt während der Laufzeit und steht im Dialog mit der Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 sowie Entwürfen, die exklusiv bei Selfridges angeboten werden. So begegnen sich im selben Raum ältere Stücke, aktuelle Forschung und neue Produkte.

Das ist der interessante Schritt: Stone Island zeigt seine Vergangenheit nicht ausschließlich aus der Sicht des Unternehmens. Die Sammler haben andere Wege durch dieses Archiv gefunden. Sie interessieren sich für bestimmte Materialien, seltene Ausführungen oder Phasen der Marke und bringen Wissen mit, das aus jahrelanger Beschäftigung mit den Kleidungsstücken entstanden ist. Ihre Auswahl macht sichtbar, dass ein Markenarchiv auch außerhalb der Marke weiterlebt.

Ein Raum, der sich verändert

Gestaltet wurde die Installation von Willo Perron. Weiche Strukturen und modulare Elemente lassen sich immer wieder neu anordnen, während Sammler und Stücke wechseln. Der Raum folgt damit dem Prinzip des Projekts: Dieses Archiv hat keine einzige, endgültige Form.

Auch das Programm greift über Mode hinaus. Stone Island kündigt Veranstaltungen zu Musik und Design an, darunter eine Londoner Ausgabe von Stone Island Sound: Studio One und ein Gespräch mit Carlo Rivetti, Paul Harvey und Aitor Throup. Die Collector Series wird so zu einem Treffpunkt für Menschen, die sich mit der Entwicklung der Marke auseinandersetzen – vom Entwurf bis zu ihrem kulturellen Nachleben.

Eine Frage bleibt dabei besonders spannend: Was geschieht, wenn eine Marke jene unabhängige Sammlerkultur einlädt, die bisher ihre eigene Geschichte geschrieben hat? Bei Stone Island entsteht daraus vorerst ein ungewöhnlich offener Blick auf die Vergangenheit. Die Archive gehören Menschen mit unterschiedlichen Interessen und Perspektiven. Für einige Wochen erzählen sie gemeinsam, was Stone Island für sie geworden ist.

Hockerty eröffnet sein Herbst/Winter-Lookbook 2026/27 mit vier maßgefertigten Begleitern für jene Wochen, in denen ein Sakko allein zu wenig und ein Wollmantel noch zu viel ist.

Übergangsmäntel werden gern über Jeans, T-Shirt oder Strick inszeniert. Dabei liegt ihre vielleicht eleganteste Aufgabe ganz woanders: Sie schließen die Lücke zwischen Anzug und Wintermantel. Mit Drop I des Lookbooks „Made to Keep“ rückt Hockerty genau diesen Moment in den Mittelpunkt – und zeigt zwei Trenchcoats sowie zwei Fieldjackets, die nach Maß gefertigt werden.

Es ist eine Garderobe für Tage, die kühl beginnen, mild enden und dazwischen einige stilistische Entscheidungen verlangen.

Der Trenchcoat als Teil des Anzugs

Im Zentrum stehen zwei Trenchcoats, die offen über dem Anzug getragen werden. Der marineblaue Zweireiher folgt einer langen, klassischen Silhouette. Kombiniert mit einem Doppelreiher aus reiner Schurwolle von Cerruti 1881 entsteht ein Look, der formell wirkt, ohne steif zu sein. Der Mantel ergänzt den Anzug, anstatt ihn hinter schweren Stofflagen verschwinden zu lassen.

Weicher präsentiert sich die anthrazitgraue Variante mit Gürtel. Ihre leichte Konstruktion und der locker gebundene Taillengürtel geben der Silhouette Bewegung. Sie formt nicht streng, sondern fällt selbstverständlich über das Sakko – ein Detail, das den gesamten Auftritt moderner erscheinen lässt.

Beide Modelle greifen eine Frage auf, die in der Männermode erstaunlich selten gestellt wird: Was trägt man über einem Anzug, solange ein klassischer Wollmantel noch nicht notwendig ist? Hockertys Antwort ist unaufgeregt und präzise. Der Trenchcoat wird nicht als funktionale Zugabe verstanden, sondern als integraler Bestandteil des Looks.

Fieldjackets für die informelleren Tage

Das lässigere Gegenstück bilden zwei Fieldjackets. Eine beige Version mit Revers sowie ein Modell mit klassischem Kragen lassen sich über Hemd oder feinem Strick tragen. Sie funktionieren zur Chino ebenso wie zur Anzughose und bewegen sich damit selbstverständlich zwischen Business, Alltag und Wochenende.

Ihre Stärke liegt gerade in dieser Offenheit. Die Fieldjackets müssen sich nicht eindeutig zwischen formell und informell entscheiden. Sie sind für jene Morgen gedacht, an denen eine zusätzliche Schicht willkommen ist – und für jene Mittage, an denen man sie bereits wieder über dem Arm trägt.

Kleidung, die bleiben soll

Der Titel „Made to Keep“ beschreibt mehr als die Ästhetik der Kollektion. Alle vier Modelle werden nach Maß gefertigt und können im 3D-Designer individuell konfiguriert werden. Schnitt, Maße und Details richten sich damit nicht nach einer standardisierten Konfektionsgröße, sondern nach ihrem späteren Träger.

Hockerty verbindet digitale Personalisierung mit den Prinzipien klassischer Schneiderkunst. Dahinter steht auch eine Idee von bewussterem Konsum: weniger Stücke zu kaufen, dafür solche, die passen, vielseitig kombinierbar sind und über eine Saison hinaus Bestand haben.

Drop I bildet den Auftakt zum mehrteiligen Herbst/Winter-Lookbook 2026/27. Im Fokus stehen zunächst jene Kleidungsstücke, die eine Saison begleiten, deren Wetter sich selten eindeutig entscheiden kann. Genau darin liegt ihre Relevanz: Sie machen den Übergang nicht nur tragbar, sondern zum eigentlichen Moment.

Weicher, weiter, freier: MYTHS übersetzt klassische Schneiderkunst für Herbst/Winter 2026/27 in eine Garderobe, die sich nicht mehr zwischen formell und lässig entscheiden muss. Bei Damen wie Herren bestimmen fließende Silhouetten, besondere Materialien und eine neue Idee des Anzugs das Bild.

Der Anzug hat seine Strenge verloren. Und vielleicht liegt gerade darin seine neue Stärke. Bei MYTHS wird Tailoring für Herbst/Winter 2026/27 nicht abgeschafft, sondern von seinen alten Regeln befreit. Jacke und Hose werden zu einzelnen Bausteinen, Overshirts übernehmen die Rolle des Blazers und großzügige Proportionen bringen Bewegung in eine traditionell präzise Welt.

Eine Entwicklung, die sich durch die Damen- und Herrenkollektion zieht – mit unterschiedlichen Akzenten, aber einer gemeinsamen Haltung: Kleidung soll heute nicht mehr definieren, zu welchem Anlass sie gehört. Sie soll mit ihrem Träger oder ihrer Trägerin durch den Tag gehen.

Der Anzug wird zum System

Besonders deutlich wird dieser Gedanke in der Menswear. Die für MYTHS charakteristischen Hosen bleiben Ausgangspunkt der Kollektion, ihre Silhouetten werden jedoch entspannter und voluminöser. Weite Passformen treffen auf die wieder stärker ins Zentrum rückende Carrot Pant mit verkürzter Länge.

Auch der Anzug wird neu gedacht: Fünf Overshirts und fünf Hosen aus identischen Stoffqualitäten lassen sich frei miteinander kombinieren. Statt eines festgelegten Ensembles entsteht ein variables System zwischen klassischem Tailoring und moderner Casualwear.

In der Womenswear setzt sich diese neue Freiheit fort. Palazzo Pants, Culottes mit Umschlag und schmale Flared Silhouetten treffen auf Overshirts aus Denim und Cotton Bull. Selbst der Pyjama wird Teil dieser neuen Idee von Eleganz: Bedruckte Viskose-Ensembles mit leichtem Vintage-Charakter oder Ton-in-Ton-Prints bewegen sich selbstverständlich zwischen Daywear und Evening Look.

Material mit Gedächtnis

Fast noch wichtiger als die Silhouette ist bei MYTHS die Oberfläche. Garment Dyeing, Piece Dyeing, Yarn Dyeing, Vintage Wash und Frosted Wash verleihen den Stoffen Tiefe und lassen Kleidungsstücke weniger fabrikneu als vielmehr bereits persönlich erscheinen. In der Damenkollektion reicht das Spektrum von Baumwoll-Modal-Mischungen über Cashmere-Flanell bis zu Modal-Velvet und Wolle in Verbindung mit Cordura.

Bei den Herren treffen garngefärbte Cashmere-Flanelle und Herringbone-Qualitäten aus Wolle, Seide und Cashmere auf die sogenannte Combat Wool: ein Material, das Knitterresistenz, Temperaturausgleich und Strapazierfähigkeit mit einem hochwertigen Erscheinungsbild verbinden soll.

Auch Denim verlässt bei MYTHS sein gewohntes Terrain. Denim-Flanell, Fischgrat-Denim aus organischen Garnen und spezielle Indigo-Behandlungen bringen den robusten Klassiker näher an die Welt der Schneiderkunst. Bei den Damen entstehen durch Indigo-Lock-Waschungen und garngefärbte Velvets ungewöhnlich elegante Oberflächen.

Zwischen Geschichte und Gegenwart

Mélange-Grau, Dunkelbraun und Bordeaux, ergänzt um Mastix und Taupe, geben der Menswear eine ruhige, fast herbstliche Tiefe. Doch letztlich erzählt FW26/27 weniger von einzelnen Farben oder Pieces als von einer veränderten Vorstellung davon, wie wir uns kleiden.

MYTHS bewegt sich dabei genau zwischen zwei Polen: der Präzision klassischer Schneiderkunst und dem Wunsch nach Freiheit, Komfort und Individualität. Tradition muss dafür nicht verschwinden. Sie muss nur beweglich genug sein, um in der Gegenwart anzukommen.

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.

Für die Herbst-/Winterkollektion 2026/27 stellt Daniele Fiesoli die klassische Herrengarderobe auf den Prüfstand – nicht, um sie zu übernehmen, sondern um ihre Essenz in eine moderne, selbstbewusste Weiblichkeit zu übersetzen. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die Eleganz nicht laut inszeniert, sondern über Haltung, Präzision und Persönlichkeit definiert.

Zwischen Tailoring und Leichtigkeit

Mode bewegt sich heute zunehmend jenseits klassischer Geschlechtercodes. Statt eindeutiger Zuordnungen entstehen Kollektionen, die Traditionen hinterfragen und vertraute Formen neu interpretieren. Genau an diesem Punkt setzt Daniele Fiesoli mit der Collezione N_01 für Herbst/Winter 2026/27 an.

Die Inspiration stammt aus der klassischen Herrenschneiderei. Doch statt maskuline Silhouetten einfach zu adaptieren, werden ihre charakteristischen Elemente in eine feminine Formensprache übersetzt. Präzision trifft auf fließende Linien, Struktur begegnet Weichheit, und klassische Schneiderkunst entwickelt eine überraschend leichte Selbstverständlichkeit.

Eleganz ohne Inszenierung

Im Mittelpunkt steht keine Frau, die Trends folgt, sondern eine Persönlichkeit, die ihren Stil über Haltung definiert. Die Kollektion erzählt von Menschen, die sich nicht über modische Effekte ausdrücken müssen, sondern über Klarheit, Authentizität und Konsequenz.

Diese stille Eleganz gehört zu den spannendsten Entwicklungen der aktuellen Mode. Luxus zeigt sich nicht mehr ausschließlich über Dekoration oder Opulenz, sondern über exzellente Materialien, perfekte Schnitte und Kleidung, die über viele Saisonen hinweg relevant bleibt.

Farben der Ruhe

Auch die Farbpalette folgt diesem Gedanken. Maßgeschneiderte Graunuancen bilden das Fundament der Kollektion – von Eisgrau über Perlgrau bis hin zu Rauchgrau und Anthrazit. Ergänzt werden sie durch warme Kaffee- und Cremetöne, die den Looks Natürlichkeit verleihen. Pudrige Fliedernuancen setzen feine feminine Akzente, während fluoreszierende Alpakaqualitäten überraschende Kontraste schaffen und der Kollektion eine moderne Dynamik verleihen.

Gerade diese Balance zwischen Zurückhaltung und Überraschung verleiht der Kollektion ihre Spannung. Nichts wirkt aufgesetzt – jeder Farbton unterstützt die ruhige Selbstverständlichkeit der Silhouetten.

Zeitlos statt kurzlebig

Daniele Fiesoli versteht Mode nicht als kurzfristige Reaktion auf Trends, sondern als Ausdruck einer dauerhaften Haltung. Die Herbst-/Winterkollektion 2026/27 richtet sich an Frauen, die Qualität über Schnelllebigkeit stellen und Kleidung suchen, die Persönlichkeit unterstreicht, statt Aufmerksamkeit einzufordern.

In einer Zeit permanenter visueller Reize wirkt diese Form von Zurückhaltung beinahe radikal. Gerade darin liegt die Stärke der Collezione N_01: Sie beweist, dass moderne Weiblichkeit nicht zwischen Stärke und Sanftheit wählen muss – sondern beides selbstverständlich miteinander verbinden kann.

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.