Einer der spektakulärsten Infrastruktur-Bauten Italiens der letzten Jahre ist fertiggestellt. Mit dem neuen Verkehrs-Hub Centro Direzionale di Napoli setzt die Verwaltung der süditalienischen Metropole ganz auf Holz.

Was lange währt, wird endlich gut. Lange mussten die Neapolitaner auf die Eröffnung des Bahnhofs warten. Nun ist endlich die Beleuchtung montiert und erhellt den Vorplatz, der rund einen Kilometer Luftlinie von der berühmten Kathedrale der süditalienischen Metropole entfernten liegt.

Auch die letzte Hürde wurde vor kurzem genommen: Die statische Überprüfung konnte erfolgreich abgeschlossen werden. Damit geht nicht nur eines der größten Infrastruktur-Projekte Italiens in Betrieb, sonder auch ein Vorzeige-Holzbau von internationaler Strahlkraft. Mit dem 43 Millionen Euro teuren Bauvorhaben hat das in Barcelona ansässige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT der Hauptstadt der Region Kampanien ein neues Wahrzeichen verpasst.

Doch zur Freude, dass die U-Bahn-Linie 1 alle fünf bis sechs Minuten in der Centro Direzionale ein- und ausfahren und die Menschen zu und von diesem wichtigen Verkehrsknotenpunkt Neapels bringen wird, gesellt sich auch Ärger. Denn: Nach der Fertigstellung ist vor der nächsten Baustelle.

Auf zur nächsten Baustelle

Weitere oberirdische Arbeiten, die die Station Centro Direzionale-Tribunale und einen Fußgängerweg betreffen, der den Justizpalast mit der Staatsanwaltschaft verbinden soll, brachten eine Änderung der Verkehrsrichtung.

Anfang November 2024 ging frühmorgens deshalb erst mal gar nichts: Das Chaos auf den Straßen mitsamt fluchender und wild gestikulierender Verkehrsteilnehmer machte dem Klischee süditalienischen Treibens alle Ehre. Die Einwohner Neapels befürchten, dass es noch gut ein Jahr dauern wird, bis der Verkehr wieder seinen gewohnten Lauf nehmen wird.

Das Centro Direzionale, Namensgeber der neuen Station, ist das Top-Geschäftsviertel in Neapel. Die Planungen des Stadtquartiers gehen auf das Jahr 1964 zurück, als die Stadtverwaltung ein brach liegendes Industrieareal im Ausmaß von etwa 110 Hektar festmachte, mit dem man das eigentliche Stadtzentrum entlasten könne.

Dieses Viertel Neapels war von Anfang an hauptsächlich für Büronutzung gedacht. Und die Realisierung nach den Plänen des japanischen Architekten Kenzō Tange orientierte sich an den Ideen von Le Corbusier. Dieser sah Straßenzüge und Verkehr als Organismen, die es zweckmäßig zu organisieren gilt, sodass die oberirdischen Fußgängerbereiche strukturell klar getrennt sind.

Direkte Anbindung an Neapels Ringstraße

Nun wird die neue Station zum Dreh- und Angelpunkt der neapolitanischen urbanen Mobilität – nicht zuletzt durch die Anbindung an die Ringstraße und das Verkehrssystem hinter dem Hauptbahnhof, zu dem es eine direkte Verbindung geben wird.

Das neue Beleuchtungssystem, die Grünanlagen und die Tiefgaragen mit mehr als 2.000 Stellplätze werten das Gelände auf.

Neapels Triple A

Für die Architektur zeichnet Benedetta Miralles Tagliabue verantwortlich. Ihre Überarbeitung des ursprünglichen Baukörpers, bei der ein Teil der Dachplatte und einige Elemente des Zwischengeschosses abgetragen wurden, ließ einen freundlichen, lichtdurchfluteten Bahnhof mit großzügigen Lufträumen entstehen.

Bereits im Jahr 2004 hatte die Stadt Neapel Entwürfe mehrerer international renommierter Architekten wie Sir Norman Foster, Massimiliano Fuksas, Alvaro Siza, Domenique Perault, Karim Rashid und auch Benedetta Tagliabue eingeholt. Das Leitmotiv: „Kunst, Architektur und Archäologie“, auch als „Triple A“ abgekürzt (Art, Architecture, Archeology).

Benedetta Tagliabue entsprach diesem Grundgedanken, indem sie neue Beziehungen herstellte: Der unterirdische Hauptbahnhof verbindet die vulkanische Geologie der Stadt mit dem in den 1970er-Jahren von Kenzō Tange entworfenen Masterplan des Ortes, mit den spiegelnden Wolkenkratzern und Tanges Piazza, die sich gar zu sehr vom Rest Neapels unterschied.

Die Gegend war immer wieder Schauplatz archäologischer Funde, was so manches Bauvorhaben nicht nur zeitlich ausbremste. Als Anspielung an die kulturhistorisch reiche Geschichte Neapels befindet sich ein Kunstwerk an der Decke der Station. Es stellt eine Szene aus einem archäologischen Fund aus dem nahe gelegenen Pompeji dar.

Holz als organischer Kontrast

Der neue Bahnhof wurde über den bestehenden U-Bahn-Trassen errichtet. Er ersetzt das frühere Gebäude, das kaum mehr als eine Überdachung für die Treppe war. Das Material Holz wurde bewusst gewählt, um einen organischen Kontrast zu den Teilen des Viertels aus den 1970er-Jahren zu schaffen.

Der Bau verleiht dem Ort eine Identität mit hohem Wiedererkennungswert, die im Kontrast zu seiner Umgebung und seinem historischen Kontext steht. Er verwandelt ihn in eine komplexe Topografie mit vielen verschiedenen Ebenen für Fußgänger und mit einer ausgefeilten tektonischen Dachstruktur – sinnbildlich für die Bewegungen und Dynamik der Bevölkerung.

„Holz ist ein sehr leichtes Material, das sich perfekt in die vorhandenen Strukturen einfügt. Wir haben es wegen seiner Vielseitigkeit, Nachhaltigkeit und der Wärme, die es in städtische Räume bringt, ausgewählt“, erklärt Benedetta Tagliabue. Die Architekten haben die ursprünglichen Betonstrukturen und -säulen genutzt und sie mit neuen Holzstützen ergänzt. Die Stahlteile des Betons dienten ihnen als Basis.

Gewölbeartige Überdachung

Die charakteristische Form des 10.000 Quadratmeter großen Bahnhofs ist aus Brettschichtholz gefertigt. Die Breite der darunter liegenden Gleise spiegelt sich in der Breite der wellenförmigen Gewölbe wider. Die Decken seien auch eine Anspielung auf klassische Bahnhöfe, die oft gewölbt sind. Die Form des Bahnhofs sollte das Gefühl eines „Waldspaziergangs“ vermitteln.

„In gewisser Weise haben wir versucht, eine Art neue organische, fließende Piazza zu schaffen, als ob wir durch einen Wald gehen würden, obwohl wir uns eigentlich in einem künstlichen Geschäftszentrum befinden“, führt Benedetta Tagliabue aus.

Die 1963 in Mailand geborene Architektin Benedetta Tagliabue ist seit 1990 in Barcelona ansässig. Sie gründete 1993 mit dem katalanischen Architekten Enric Miralles das international tätige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT in Barcelona. Seit dem Tod ihres Mannes im Jahr 2000 führt sie das Unternehmen alleine. Heute hat EMBT auch Niederlassungen in Shanghai und Paris.

Tagliabue hat zahlreiche Preise für ihre Projekte erhalten. Seit 2014 ist sie Mitglied der Jury für den Pritzker-Preis, die renommierte Auszeichnung für Architektur, die seit 1979 von der Hyatt-Stiftung vergeben wird.

Text: Linda Benkö
Fotos: Roland Halbe

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der indischen Wildnis. Nicht nur ist es ein Ort des Staunens und der Kreativität. Es wird zudem höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht.

Das Wendy House im südindischen Kozhinjampara heißt nicht zufällig so: Patin für den Namen stand Wendy Darling aus „Peter Pan“, der Disney-Verfilmung der Kindergeschichten aus der Feder des schottischen Schriftstellers J. M. Barrie. Peter Pan zeichnet sich dadurch aus, dass er als einziges aller Kinder niemals erwachsen wird und in „Neverland“ lebt. Wendy und ihre beiden jüngeren Brüder sind fasziniert und lassen sich auf zahlreiche Abenteuer mit Peter Pan ein.

Kindliche Fantasie trifft ökologisches Bewusstsein

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der Wildnis, das Schutz und Abenteuer zugleich verspricht. Diese erzählerische Dimension wurde von den Architekten bewusst als gestalterisches Motiv aufgegriffen.

Das Haus soll nicht nur funktionaler Wohnraum, sondern ein Ort des Staunens, der Kreativität und des Spiels sein – für Kinder wie Erwachsene. Und so spricht die Realisierung des Baus mit seiner skurrilen Formensprache, den erdigen Farbtönen und den liebevoll gestalteten Details alle Sinne an.

Wendy House: Vorbild für Nachhaltigkeit in Indien

Daneben lädt das Haus dazu ein, die Umgebung zu erkunden, in ihr aufzugehen und eine neue, achtsame Beziehung zur Natur einzugehen.

Denn das Wendy House ist inmitten eines üppigen Waldes gelegen. Auf dem acht Hektar großen Privatgrundstück im indischen Bundesstaat Kerala steht nun eine Art Bauernhaus, das sich nicht nur harmonisch in seine natürliche Umgebung einfügt, sondern auch höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht wird.

Der Wunsch, die dichte Vegetation des Grundstücks vollständig zu erhalten, war von Beginn an Vorgabe und zentraler Bestandteil des Entwurfs von Earthscape Studio unter der Leitung von Petchimuthu Kennedy.

Das Team entwickelte daher vor Ort einen Raster, mit dessen Hilfe das Gebäude exakt auf die bestehende Baumlandschaft abgestimmt werden konnte. So musste kein einziger Baum dem Bau weichen. Die Architektur reagiert somit unmittelbar auf die Gegebenheiten des Ortes und integriert die Natur nicht nur als Kulisse, sondern als strukturgebenden Bestandteil der Gestaltung.

Innovativ: Timbrel-Gewölbe statt Beton

Kennedys Entwurf verzichtet bewusst auf Stahl- und Betonkonstruktionen, um die ökologische Belastung gering zu halten. Stattdessen greift er auf die Timbrel-Gewölbetechnik zurück. Dies ist ein Konstruktionsprinzip, das auf sich überlagernde, flache Ziegelstrukturen setzt. Ein Timbrel-Gewölbe ist demnach ein geschlossenes System von in Mörtel-Schichten liegenden Keramikziegeln, die eine solide Kuppel bilden.

Die beiden geschwungenen Gewölbe des Hauses (36 und 32 Fuß breit, 13 und 11 Fuß hoch respektive 10,9 und 9,7 Meter breit und 3,9 sowie 3,3 Meter hoch) sind inspiriert von sogenannten Kettengewölben, wie sie einst von Kennedys Mentor Senthil Kumar Doss, Gründer von Play Architecture, entwickelt wurden. Derartige Gewölbe folgen einer Kurve, die eine idealisierte hängende Kette unter ihrem eigenen Gewicht annimmt, wenn sie nur an ihren Enden in einem gleichmäßigen Gravitationsfeld gehalten wird. Die organische Form der Doppelgewölbe schmiegt sich an die Konturen des Geländes und verleiht dem Baukörper eine natürliche Präsenz.

Lokale Materialien und traditionelle Techniken

Die Nachhaltigkeit des Wendy House kommt auch bei der Materialwahl zum Ausdruck. Verwendet wurden fast ausschließlich lokal verfügbare Rohstoffe.

Die Gewölbe bestehen aus sogenannten Sithu-kal-Ziegeln. Das sind kleine, dreischichtige Ziegel, die traditionell für die Madras-Terrassendachtechnik eingesetzt wurden. Heute jedoch finden sie kaum noch Verwendung. Durch ihre Nutzung unterstützt das Projekt daher nicht nur regionale Handwerker, sondern trägt auch zum Erhalt alter Bauweisen bei.

Zudem wurden gebrochene Ziegel und wiederverwendete Stahlstäbe in den Bau integriert – Materialien, die andernfalls entsorgt worden wären. Diese fanden nicht nur in der Tragstruktur, sondern auch beim Bau von Einbaumöbeln, Frühstückstheken und Betten sowie bei der Deckenkonstruktion erneut Verwendung. Die Ziegel für die Decke stammen aus einem Umkreis von 15 Kilometern, was den ökologischen Fußabdruck des Transports minimieren half.

Um die beiden Gewölbe zu fassen und zusätzliche thermische Masse zu schaffen, wurde ein Erdwall errichtet. Der Lehm dafür wurde direkt auf dem Grundstück entnommen. Diese Methode spart Ressourcen und vermeidet durch den Transport verursachte Emissionen. Gleichzeitig verleiht sie dem Gebäude eine urtümliche Ästhetik, die eng mit der Landschaft verbunden ist.

Wohnen mit der Natur
– und mit Innenhof

Auch das Holz für Türen und Möbel stammt aus regionalen Abfällen. So entstand ein Gebäude, das nicht nur formal, sondern auch materiell tief mit seiner Umgebung verwurzelt ist.

Der zentrale Innenhof zwischen den Gewölben bildet das kommunikative und klimatische Zentrum des Hauses. Mit einem kleinen Wasserlauf ausgestattet, sorgt er für eine angenehme Mikroklimatik und bringt Tageslicht in alle angrenzenden Räume.

Transparente Raumbeziehungen und offene Übergänge zum Hof schaffen eine ständige Verbindung zwischen Innen- und Außenraum – ein bewusst gesetztes Gegengewicht zu den häufig hermetisch abgeschlossenen Wohnhäusern der Gegenwart.

Architektur als kollektiver Prozess

Die Entstehung des Wendy House war nicht nur ein architektonisches, sondern auch ein soziales Projekt. Die Architekten wohnten während der gesamten achtmonatigen Bauzeit auf dem Grundstück und arbeiteten eng mit lokalen Handwerkern zusammen.

Unterstützt wurden sie von Mentor Vinu Daniel, einem Pionier der nachhaltigen Bauweise in Indien. Er ermutigte das Team zum Experimentieren mit natürlichen Materialien und unkonventionellen Techniken, was dem Projekt seinen innovativen Charakter verlieh. Daniels Credo: „In einem Architekturbüro sollte es nicht darum gehen, einen Haufen Papiere vom Büro auf die Baustelle zu bringen.“

Verantwortungsvoller indischer Hausbau

The Wendy House steht exemplarisch für einen neuen Weg im indischen Hausbau – jenseits der anonymen Betonbauten und klimatisch ineffizienten Glaspaläste. Es vereint traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischer Formensprache, soziale Verantwortung mit technischem Know-how.

Jeder Aspekt des Entwurfs – von der Wahl des Standorts über die Materialbeschaffung bis hin zur Gestaltung des Innenhofs – folgt einem ökologisch und sozial verantwortlichen Leitgedanken. Das Haus produziert wenig Abfall, verbraucht wenig Energie und respektiert die natürlichen Ressourcen seiner Umgebung. Gleichzeitig bietet es seinen Bewohnern ein sinnlich erfahrbares, inspirierendes Lebensumfeld.

Text: Linda Benkö
Fotos: Syam Sreesylam

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

Ein Boutique-Konzept zwischen Atelier, Galerie und gelebter Handwerkskunst

Luxus muss nicht laut sein. Manchmal entsteht seine größte Wirkung gerade durch Zurückhaltung, durch Materialien, Licht und die Art, wie ein Raum Geschichten erzählt. Genau diesen Ansatz verfolgt das Londoner Architekturstudio Bureau de Change mit der neuen Boutique des griechischen Fine-Jewellery-Labels Nikos Koulis in Paris.

Nach ihrer ersten gemeinsamen Boutique in Athen führt die zweite Zusammenarbeit den gestalterischen Dialog konsequent weiter – ohne ihn zu wiederholen. Stattdessen übersetzt das Projekt die Identität der Marke in einen neuen kulturellen Kontext und schafft einen Ort, der sich weniger wie ein klassisches Luxusgeschäft als vielmehr wie das Atelier eines Pariser Künstlers anfühlt.

Die Sprache des Ortes

Das historische Gebäude aus dem 18. Jahrhundert wurde nicht als Kulisse verstanden, sondern als Ausgangspunkt des gesamten Entwurfs. Die Architekten beschäftigten sich intensiv mit der Geschichte des Hauses und entwickelten daraus eine Architektur, die lokale Handwerkskunst, Materialität und Atmosphäre in den Mittelpunkt stellt.

Warme Fischgrät-Holzböden, sanft strukturierte Putzoberflächen und monolithische Sockel aus Naturstein schaffen eine ruhige Bühne für die Schmuckkollektionen. Metallrahmen, feine Details und sorgfältig gesetzte Vitrinen verleihen dem Raum Präzision, ohne seine poetische Leichtigkeit zu verlieren. Das Licht fällt weich durch die Fenster und macht den Besuch zu einer entschleunigten Erfahrung – weit entfernt von den üblichen Inszenierungen luxuriöser Retailflächen.

Möbel als Skulpturen

Im Zentrum der Boutique steht eine eigens entwickelte Familie modularer Steinsockel mit integrierten Glasvitrinen. Sie sind weit mehr als Präsentationsmöbel – sie wirken wie eigenständige Skulpturen, die den Schmuck in einen räumlichen Dialog mit Material und Licht setzen.

Die Elemente lassen sich flexibel neu arrangieren und reagieren damit auf wechselnde Kollektionen, limitierte Editionen oder besondere Veranstaltungen. Dieses wandelbare Konzept verleiht dem Raum eine Dynamik, die dennoch ruhig und selbstverständlich wirkt.

Die Kunst der Entdeckung

Auch im Obergeschoss bleibt die Boutique ihrer Idee treu, Besucher nicht zu beeindrucken, sondern sie auf Entdeckungsreise zu schicken. Unterschiedliche Texturen, ausgewählte Möbel und Kunstwerke aus der Sammlung von Nikos Koulis schaffen die Atmosphäre eines privaten Apartments.

Besonders eindrucksvoll sind zwei freistehende, kreuzförmige Schränke, die sich beim Öffnen in achteckige Räume verwandeln. Einer präsentiert Schmuck in einem tiefblauen Kabinett, der andere dient als Bar und Objektmöbel. Überraschung wird hier zum architektonischen Prinzip – jede Bewegung durch den Raum eröffnet eine neue Perspektive.

Architektur, die den Schmuck begleitet

Anstatt Aufmerksamkeit auf sich selbst zu ziehen, versteht sich die Architektur als stiller Begleiter der Schmuckstücke. Materialien, Proportionen und Licht bilden keine Konkurrenz zu den Kollektionen, sondern verstärken deren Wirkung.

Gerade darin liegt die besondere Qualität dieses Projekts. Bureau de Change zeigt, dass zeitgenössischer Luxus nicht durch Überinszenierung entsteht, sondern durch Präzision, handwerkliche Qualität und die Fähigkeit, Räume zu schaffen, die Emotionen wecken. Die Boutique wird damit selbst zu einem Sammlerstück – nicht nur für Schmuck, sondern für Architektur.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Die Villa Esencia von ELE Interior ist ein zeitgenössisches Wohnprojekt in Dubai, das sich sensibel in die grüne Oase von Al Barari einfügt. Es verweist auf traditionelle arabische Bautypologien, übersetzt sie allerdings in eine moderne Material- und Raumlogik. Dabei setzt ELE Interior bewusst auf das Unspektakuläre.

Dubai ist bekannt für seine faszinierende Skyline: Wolkenkratzer, die wie futuristische Skulpturen in den Himmel ragen, ikonische Bauwerke wie der Burj Khalifa oder das Burj al Arab, die längst globale Architektur-Symbole geworden sind. Gleichzeitig existiert ein architektonisches Erbe, das in den sogenannten Windtürmen, den verschatteten Innenhöfen und den labyrinthischen Gassen der Altstadt sichtbar bleibt. All dies ist Ausdruck einer jahrhundertealten Tradition des Bauens mit Klima, Natur und Gemeinschaft. Zwischen diesen Polen – der hypermodernen, geschäftigen Metropole und den stillen, traditionell verwurzelten Räumen – positioniert sich die Villa Esencia in Al Barari.

Kleiner Exkurs zum Thema Windturm oder auch Malqaf, wie es in der Landessprache heißt, zweifellos für alle Haustechniker interessant: Die interessanten Baukörper ragen in der Region des Persischen Golfes und des Mittelmeerraumes zwischen den „normalen“ Volumen hinauf. Durchaus manchmal als optisches Stilelement gestaltet, haben sie in erster Linie funktionale Aufgaben: Sie werden zur natürlichen Kühlung der Gebäude eingesetzt. Sie reichen von zwei Metern über Erdgeschoß-Niveau bis in eine Höhe von 15 Metern. Was es braucht: Kühlen Seewind und spezielle Leitvorrichtungen an der Oberseite des Turmes. Damit wird der Wind durch die Öffnungen in den schattigen Innenraum und nach unten in die Wohnräume dirigiert.

Das Projekt von ELE Interior dagegen ist weder ein architektonisches Spektakel noch eine nostalgische Reminiszenz. Es ist vielmehr ein bewusst zurückgenommenes Statement: Ein Haus, das den Wert von Ruhe, Materialien und Raum in den Mittelpunkt stellt – und damit als subtile Kritik an der allgegenwärtigen Tendenz Dubais verstanden werden könnte, Wohnarchitektur als Statussymbol zu überhöhen.

Ein Dialog von Architektur und Natur

Al Barari gilt als eine der grünsten Enklaven Dubais. Es ist eine Oase mit dicht bepflanzten Gärten, Wasserläufen und Vogelgesang – fast ein krasser Widerspruch zu den kargen Wüstenflächen ringsum. ELE Interior greift diese Atmosphäre auf, indem es den Innenraum konsequent auf Integration mit der Natur ausrichtet.

Das Herzstück bildet ein zentraler Innenhof, der Licht und Grün ins Haus zieht. Dieses Element erinnert an die traditionelle arabische Architektur. Der Hof spielt(e) freilich nicht nur klimatisch, sondern auch sozial eine zentrale Rolle. In der Villa Esencia wird er zum räumlichen und atmosphärischen Anker. Er ist sichtbar und spürbar von allen Hauptfunktionen des Hauses aus: Küche, Wohnraum, Büro, private Rückzugsräume.

Doch hier bleibt es nicht bei historisch-nostalgischer Anlehnung. Der Hof ist Teil einer biophilen Gestaltungsstrategie, die auf aktuellen Forschungsergebnissen basiert: Tageslicht, Pflanzen und natürliche Materialien steigern nachweislich Wohlbefinden und Regeneration – eine Qualität, die sich Familien in einem hektischen urbanen Umfeld zunehmend wünschen. Das ist in Dubai nicht anders als in Neu-Delhi, New York oder London.

Materialität als Sprache der Ruhe

Die eigentliche Stärke des Projekts liegt in seiner Materialchemie. Statt auf opulente Ornamentik oder laute Gesten zu setzen, verdichtet das Design natürliche Texturen und eine neutrale Farbpalette zu einer Atmosphäre der Stille. Der Name des Einfamilienhauses ist demnach wohl nicht zufällig gewählt: Hier geht es um die Essenz, aber um eine sehr angenehme.

Die Küche mit ihrer Insel aus Taj Mahal-Quarzit wird zum haptischen Zentrum – kühl, widerstandsfähig, doch zugleich warm im Ton. Interessanterweise stammt Taj Mahal aus Brasilien. Es wurde wohl nach dem berühmten Denkmal Indiens benannt, weil es bernsteinfarben mit beiger Untergrundfarbe und leicht transparent aussieht.

Im Innenhof der Villa Esencia prägen Porzellanverkleidungen mit Travertin-Effekt die Wände, wodurch sich ein visuelles Echo zwischen Stein und Grün entfaltet. Selbst die Möbelstücke in der Villa Esencia sind maßgefertigt, so ist der Esstisch sogar aus massivem Travertin. Auch Travertine sind interessante Gesteine. Wird der gewachsene, geschichtete Naturstein, der optisch an Marmor erinnert, gegen ihre Lagerrichtung gesägt, so zeigen sie eine Art Bänderung.

Es ist diese durchgängige Materiallogik, die überzeugt. Während viele Interiors in Dubai in einer Art globaler Luxussprache aus Marmor, Glas und Chrom regelrecht erstarren, schafft ELE Interior eine lokal gefärbte, geerdete Ästhetik. Man könnte sagen: Die Villa wirkt wie eine zurückhaltende Antwort auf den lärmenden Luxus der Stadt.

Villa Esencia: Lob der Unaufdringlichkeit

Eine wesentliche Herausforderung bestand darin, den bestehenden Grundriss wunschgemäß zu transformieren. Gezielte Eingriffe erleichtern den Familienalltag. So wurden zwei Standard-Schlafzimmer im Obergeschoss zu einer Master-Suite zusammengeführt, mit zwei Bädern und einem begehbaren Kleiderschrank.

Eine bedeutende bauliche Veränderung war die Schließung des ursprünglich doppelt so hohen Luftraums im Familienbereich. So konnte im ersten Stock ein spezielles Spielzimmer geschaffen werden – sehr zur Freude des Nachwuchses. Diese Entscheidung mag formal das Gefühl von Großzügigkeit reduzieren. Doch hier gewinnt Nutzung über die reine Repräsentation.

Die Villa Esencia lebt nicht von spektakulären Blickachsen oder ikonischen Gesten, sondern von einer leisen Raffinesse. Stoffbespannte Wände, bronzefarbenes Glas, LVT-Bodenbeläge. Jedes Detail ist sorgfältig austariert, um nicht aufdringlich zu wirken – wobei LVT für „Luxury Vinyl Tiles“ steht.

„Generation Alltagstauglichkeit“

Wenn man durch die Räume geht, erlebt man eine Qualität, die sich erst in der Berührung mit den Oberflächen, im Spiel des Lichts über den Stein, in der Ruhe des Innenhofs erschließt. Damit unterscheidet sich das Projekt von den vielen Villen, die in Dubai mit visueller Dominanz um die Blicke von Freunden, Nachbarn oder Gästen konkurrieren.

ELE Interior positioniert sich mit der Villa Esencia in eine Linie mit einer jungen Generation von Designstudios in den Emiraten, die versuchen, jenseits von ikonischer Formensprache eine alltagstaugliche Moderne zu entwickeln. Eine Moderne, die nicht nur globalen Trends folgt, sondern sich aus lokalen Ressourcen, klimatischen Bedingungen und kulturellen Erinnerungen speist.

Dass das Designstudio mit Sitz in Dubai, ELE Interior, mit seinem goldrichtig liegt, zeigt auch die Nominierung als Finalist bei den SBID Awards der Society of British and International Design in der Kategorie
„Wohnhaus unter eine Million Pfund Bauvolumen“.

Text: Linda Benkö
Fotos: Aasiya Jagadeesh, Diego Delso

Die KK3 Residences von VAstudio fügen sich still und selbstbewusst in die raue Schönheit der kretischen Berglandschaft ein – eine Hommage an die Natur, das kulturelle Erbe und den Luxus der Einfachheit.

Oben an den Berghängen von Stalos, unweit der historischen Hafenstadt Chania auf Kreta, dort wo sonnen- und meerhungrige Urlauber entweder mit der Fähre ankommen oder mit dem Flugzeug landen, scheinen die KK3 Residences förmlich aus dem felsigen Gelände herausgewachsen zu sein. Das Athener Büro VAstudio, mit Wurzeln und Hauptsitz in Chania, hat dort ein Wohnensemble geschaffen, das nicht nur durch seine ästhetische Zurückhaltung, sondern vor allem durch seine tiefe Verbindung zum Ort beeindruckt.

KK3 Residences: Gebäude, die dazugehören

Die drei individuell gestalteten Häuser, eingebettet in die wilde Topografie der Insel, sind Ausdruck einer Architekturhaltung, die dem Genius Loci nicht nur Rechnung trägt. Nein, er erhebt ihn zum zentralen Gestaltungsprinzip. Denn anstatt sich der Umgebung aufzudrängen, lässt sich VAstudio von ihr führen – in Form, Materialität, Farbgebung und Atmosphäre. Das Ergebnis: Gebäude, die nicht dominieren, sondern dazugehören.

Schon aus der Ferne wirken die KK3 Residences wie ein organischer Teil der Landschaft. Ockerfarbene Steinmauern, verputzte Flächen in Lehm- und Kalktönen und hölzerne Details nehmen die sonnenverwaschene Farbpalette der umliegenden Berge auf. Die Texturen sind rau, erdig, handwerklich – fast so, als wären sie schon immer da gewesen.

Absage an museale Repliken

Die Architekten von VAstudio wollten keine museale Replik traditioneller kretischer Bauweisen schaffen, sondern deren Essenz neu interpretieren: Schlichtheit, Dauerhaftigkeit, Materialehrlichkeit. „Es geht nicht um Nostalgie“, betont das Büro, „sondern um zeitgenössische Resonanz.“

Die KK3 Residences reagieren auf die Topografie: Sie schmiegen sich horizontal an den Hang. Und andererseits wachsen sie kompakt in die Höhe – wie aus dem Felsen herausgemeißelt. Jede der drei Residenzen ist individuell entworfen – mit einem jeweils spezifischen Grundriss.

Allen gemeinsam ist eine architektonische Sprache, die mit natürlichen Übergängen arbeitet: Innenhöfe, tiefe Überhänge, offene Wohnbereiche und großzügige Fensterflächen schaffen fließende Grenzen zwischen innen und außen.

Diese fließende Raumdramaturgie ermöglicht ein Leben im Rhythmus des Ortes. Morgensonne auf der Terrasse, ein Kaffee mit Blick auf das Kretische Meer, Zikadenklänge im Olivenhain … Es sind Bilder des bewussten Verweilens, die hier zum baulichen Konzept werden.

Raum für Ruhe, Rückzug und Reflexion

Die KK3 Residences sind Rückzugsorte. Kein Ort für Hast oder Spektakel, sondern für Stille und Langsamkeit. Schattige Lounges, überdachte Terrassen und tiefer gelegte Innenhöfe schaffen intime Zonen im Freien. Sie sind ebenso bedeutungsvoll wie die Innenräume selbst. Die Architektur tritt in den Dialog mit Wind, Sonne und Ausblick. Jeder Raum ist darauf ausgelegt, die Natur zu rahmen – nicht zu kontrollieren.

Auch im Inneren wird diese Haltung spürbar. Reduzierte Materialität, handgefertigte Details und eine zurückhaltende Farbpalette prägen das Ambiente. Holzbalkendecken, Terrazzoböden, Steinoberflächen und maßgefertigte Möbel zeugen von einem leisen, fast meditativen Luxus. Die Innenräume sind nicht Kulisse, sondern Lebensraum. Und zwar einer, der sich an den Bedürfnissen der Bewohner und Nutzerinnen orientiert, nicht an Trends.

Nachhaltigkeit ohne Schlagzeilen

Was auffällt: In einer Zeit, in der ökologische Konzepte oft plakativ inszeniert werden, ist die Nachhaltigkeit der KK3 Residences leise – dafür aber tiefgreifend. Die dicke Steinbauweise wirkt als thermische Masse und reguliert das Raumklima ganzjährig. Die Kühlung ist passiv.

Große Fenster und durchdachte Öffnungen ermöglichen Querlüftung und reduzieren den Bedarf an mechanischer Klimatisierung. Tiefe Überhänge schützen vor der hochstehenden Mittelmeersonne, während die Ausrichtung der Gebäude sowohl Blickbeziehungen als auch solare Energiegewinnung optimiert.

Die Landschaftsgestaltung ist bewusst zurückhaltend. Anstelle exotischer Zierpflanzen setzt VAstudio auf einheimische Vegetation: Olivenbäume, niedrige mediterrane Sträucher, lokale Palmen. So verschmelzen Architektur und Natur zu einer Einheit, die sich nicht als Eingriff, sondern als Erweiterung des Ökosystems versteht.

Keine Prestigeobjekte

Die kulturelle DNA der Insel Kreta ist in den KK3 Residences tief eingeschrieben. So fand Vastudio etwa Inspiration aus den umliegenden kretischen Klosteranlagen und Bauernhöfen – mit ihren dicken Mauern, introvertierten Höfen, klaren Volumina. Doch das Architekturbüro transformiert diese Anleihen in eine zeitgemäße Formensprache. Hier wird nicht rekonstruiert, sondern respektvoll weiterentwickelt.

Diese Balance zwischen Altem und Neuem, zwischen kulturellem Gedächtnis und architektonischer Gegenwart, prägt die Häuser. Das Ergebnis ist eine wohltuende, neue, mediterrane Wohnkultur. Weniger ist eben manchmal doch mehr als Repräsentierenwollen, Stille kann auch ein Statement sein.

VAstudio gelingt es, mit sparsamen Mitteln eine starke, verdichtete Atmosphäre zu schaffen. In einer Zeit, in der Architektur oft um Sichtbarkeit kämpft, ist das fast schon radikal.

Text: Linda Benkö
Fotos: VAstudio

Wie Architektur den Einzelhandel in eine kulturelle Erfahrung verwandelt

Shopping galt lange als rein funktionaler Vorgang. Heute entstehen an den bedeutendsten Einkaufsadressen der Welt Räume, die weit mehr sein wollen als Verkaufsflächen. Sie verbinden Architektur, Kunst, Handwerk und Markenidentität zu kulturellen Erlebnissen, die Städte prägen und Besucher inspirieren.

Genau diese Entwicklung würdigt der Prix Versailles mit seiner Liste der World’s Most Beautiful Emporiums 2026. Sieben außergewöhnliche Flagship Stores aus Asien, Europa und den USA zeigen, wie Retail zum kulturellen Raum werden kann – und weshalb der stationäre Handel gerade im digitalen Zeitalter eine neue Bedeutung gewinnt.

Wenn Marken Architektur erzählen

Seit seiner Gründung untersucht der Prix Versailles die Schnittstelle zwischen Architektur, Kultur, Nachhaltigkeit und Wirtschaft. Gerade Flagship Stores übernehmen dabei zunehmend eine Rolle, die früher Museen oder Galerien vorbehalten war: Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und schaffen Orte, an denen Menschen Marken physisch erleben können.

Statt standardisierter Verkaufsflächen entstehen Gebäude, die selbst zu Sehenswürdigkeiten werden. Architektur wird dabei nicht zum Selbstzweck, sondern zum Ausdruck der Identität einer Marke.

Sieben Stores, sieben völlig unterschiedliche Welten

Die diesjährige Auswahl führt einmal um den Globus.

In Peking interpretiert Christian de Portzamparc das Haus Dior als skulpturales Gebäude, dessen Fassade von den Stoffbahnen inspiriert ist, mit denen Christian Dior einst seine Entwürfe entwickelte.

In Paris beweist RH Champs-Élysées gemeinsam mit Foster + Partners, dass Möbelhandel ebenso spektakulär inszeniert werden kann wie Kunst. Bibliothek, Restaurant, Dachterrasse und Galerie verschmelzen zu einem hybriden Kulturort.

Ebenfalls in Paris schafft Saint Laurent Montaigne unter der kreativen Leitung von Anthony Vaccarello einen Ort zwischen historischer Architektur, Sammlerkultur und zeitgenössischer Kunst.

Im Tokioter Stadtteil Ginza verbindet Tiffany & Co. japanische Gestaltung mit fast zweihundert Jahren Markengeschichte. Die wellenförmige Glasfassade und das lichtdurchflutete Innere machen das Gebäude selbst zum Schmuckstück.

Im Miami Design District übersetzt Cartier tropische Landschaften in Architektur. Organische Formen, sanfte Farben und eine skulpturale Glasfassade schaffen eine beinahe traumartige Atmosphäre.

In Beverly Hills setzt Dior auf Gärten, Licht und Offenheit. Der Flagship Store wirkt eher wie ein Museum als ein klassisches Luxusgeschäft.

Und in New York verbindet Issey Miyake japanischen Minimalismus mit der historischen Architektur des New York Life Buildings. Der Store wird durch eine Galerie ergänzt, die künftig wechselnde Ausstellungen präsentieren wird und damit den kulturellen Anspruch der Marke unterstreicht.

Der Store als kulturelle Destination

Auffällig ist, dass kaum eines der ausgezeichneten Projekte ausschließlich dem Verkauf dient.

Bibliotheken, Restaurants, Galerien, Kunstinstallationen, Dachterrassen oder öffentliche Aufenthaltsbereiche erweitern den klassischen Retail-Gedanken. Einkaufen wird zur Erfahrung, Architektur zum Medium und der Besuch selbst zum eigentlichen Ereignis.

Damit reagieren Luxusmarken auf eine Entwicklung, die weit über den Handel hinausgeht: Produkte lassen sich heute nahezu überall kaufen. Ein einzigartiges Erlebnis hingegen entsteht nur an einem Ort.

Architektur als emotionales Markenerlebnis

Die Auswahl des Prix Versailles zeigt eindrucksvoll, wie sich Luxus verändert. Exklusivität entsteht längst nicht mehr allein über Produkte, sondern über Atmosphäre, kulturelle Relevanz und architektonische Qualität.

Die schönsten Flagship Stores der Welt verkaufen deshalb weit mehr als Mode, Schmuck oder Möbel. Sie inszenieren Identität, schaffen Inspiration und machen Architektur selbst zum Erlebnis.

Wie es aussieht, wenn ein tropischer Garten am Strand das Beste aus zwei Welten vereint, zeigt das britische Architekturbüro Foster + Partners mit dem Entwurf des Projekts TEMPO Hotel and Residences in Brasilien.

Die Praia Brava – ein Strand im sonnigen Süden Brasiliens. Aufgrund des hohen, starken Wellengangs ist der Abschnitt an der Atlantikküste ein Magnet für Surfbegeisterte aus aller Welt, die hier Jahr für Jahr angeschwemmt werden. Wörtlich übersetzt bedeutet Praia Brava so viel wie wilder Strand. Vielleicht ist es deswegen auch kein Zufall, dass das Londoner Prestige-Architekturbüro Foster + Partners mit dem Urlaubsresort namens TEMPO Hotel and Residences genau hier, im brasilianischen Bundesstaat Santa Catarina, ein Stück Wildnis an den Strand bringen will.

Mit dem Projekt des renommierten Studios mit Hauptsitz in London, das dieses in Zusammenarbeit mit dem Immobilienentwickler MUZE Real Estate Development realisiert, sollen ein Hotel und für Gäste, die so gar nicht mehr aus dem Strandparadies wegwollen, luxuriöse Apartmentwohnungen entstehen. Wobei sich das Motto der Hotelbetreiber im Namen ihres Resorts widerspiegelt: Denn anders als im Deutschen wird das Wort „Tempo“ im portugiesischen weniger mit Geschwindigkeit und Stress, sondern viel eher mit Rhythmus oder Takt in Verbindung gebracht. Geht es nach den Verantwortlichen, sind also all jene, die der Alltagshektik entkommen wollen und den Gleichklang mit der Natur suchen, hier offenbar an der richtigen Adresse.

Oase am Strand

Das architektonische Konzept der Anlage wiederum beschreibt David Summerfield, Head of Studio bei Foster + Partners, wie folgt: „Das TEMPO Hotel fängt die lebhafte Atmosphäre des pulsierenden Küstenortes ein.“ Die Verbindung zur Natur erklärt sich an der Stelle schon fast von selbst. Umgeben von hohen Palmen und dem dichtbepflanzten Garten geht das TEMPO-Areal eine perfekte Symbiose mit den waldigen Hügeln in der Umgebung ein und bietet eine schattige Verlängerung des angrenzenden Sandstrandes.

Im Zentrum steht – auch im wörtlichen Sinne – der üppige Garten des Resorts. Als identitätsstiftendes Grundkonzept der Anlage ist es daher auch wenig überraschend, dass beide Gebäude dieser tropischen Oase zugewandt sind. Selbst die Terrassen und Balkone der Apartments und Hotelsuites, die ihrerseits ohnehin bereits vor dichtem Grün geradezu überquellen, sind so platziert, dass jede der Freiflächen den perfekten Blick über den Garten – und das Meer – gewährleisten.

Rückzugsort

Die Anlage besteht aus einem Gebäude, in dem die Hotelsuites untergebracht werden sollen, sowie einem zweiten Gebäude im selben Stil, das die Luxusapartments beherbergen wird. Im Erdgeschoss des Hoteltrakts befinden sich zusätzlich eine Lobby, ein Parkservicebereich sowie ein Restaurant. Von hier aus führt der Weg durch das Gelände. Über schattige Naturpfade gelangt man zwischen blühenden Bäumen und Wasserinstallationen zu den Pools mit Pavillons und schließlich an den Strand.

Als Erweiterung der Strandpromenade soll mit dem dichten Garten ein Rückzugsort, ein Bereich zur Entspannung entstehen, der das Wohlbefinden der Bewohnerinnen und Bewohner steigern soll.

Mit dem Entwurf des TEMPO Hotel entsteht in Brasilien nun eine Anlage, die sich in eine Reihe ähnlicher, erfolgreicher Projekte des Londoner Architekturstudios eingliedern wird. Ähnliche Beispiele lieferten Foster + Partners vor nicht allzu langer Zeit schon mit The Lana and The Lana Residences in Dubai oder The Forestias in Bangkok. Bis das Hotel und die Apartments bezugsfertig sind, braucht es aber noch ein bisschen Geduld – die planmäßige Eröffnung soll erst im Jahr 2029 stattfinden.

Text: Rabea Scheger
Bilder: Foster + Partners, Elephant Skin

Ist regenerative Architektur die logische Fortsetzung von nachhaltiger Architektur? Beim Horizon House auf der Kykladeninsel Syros gelingt ONUS Architecture Studio dieses Kunststück.

Die Kykladen, ein Archipel im Ägäischen Meer, zu der auch die Inselschönheit Santorin gehört, sind für zwei Dinge bekannt: Für ihre kontrastreichen Landschaften aus felsigen Bergen, fruchtbaren Tälern und zerklüfteten Küsten. Und zweitens für die idyllischen Fotomotive, die die Architektur dort bietet. Die kubischen, weiß getünchten Häuser mit blauen Fensterläden und runden Kuppeln, kunstvoll in die Hänge der Steilküsten drapiert, bilden einen eindrucksvollen Kontrast zum tiefen Blau des Meeres. Damit verzücken sie einfach jeden.

Ganz im Gegensatz zu diesen traditionellen Bauweisen steht das Horizon House. Entworfen von ONUS Architecture Studio bezeugt das Haus eine neue Form von Nachhaltigkeit, die über Ressourceneffizienz hinausgeht. Dabei fügt es sich so selbstverständlich in das raue Terrain ein, als wäre es schon immer dort gewesen.

Teil eines lebendigen Ökosystems

Die von der Athener Architektin Margarita Kyanidou geleitete Entwurfsphilosophie wurzelt in der Überzeugung, dass Architektur nicht nur weniger schaden, sondern aktiv heilen kann. Das Horizon House auf Syros verkörpert diesen Anspruch auf jedem Zentimeter. Es ist nicht nur energieautark, sondern auch „ökologisch rückgebend“.

Die Steine, die beim Aushub gewonnen wurden, bilden die massiven Wände, Horizon House folgt damit den natürlichen Konturen des Geländes. Recyceltes Holz und rohe Texturen binden das Gebäude in den Materialkreislauf des Ortes ein. Diese bewusste Reduktion auf lokale Ressourcen wird nicht nur zu einer ökologischen, sondern auch zu einer ästhetischen Entscheidung: Das Haus wirkt wie die Fortsetzung der Landschaft, wie eine geologische Formation, die den Horizont rahmt, statt ihn zu unterbrechen.

Zwischen Schutz und Offenheit

Die architektonische Umsetzung spielt mit zwei Polaritäten: Verwurzelung und Weite beziehungsweise Rückzug und Ausblick. Denn die Nordfassade schmiegt sich schützend an den Boden, während die Südseite sich großzügig zur Ägäis öffnet. Die Form des Hauses insgesamt zieht sich parallel zur Küstenlinie.

Ein L-förmiger Pool markiert die Schwelle zwischen gebauter Struktur und Landschaft. Er fungiert als thermisches und visuelles Bindeglied, das das reflektierte Licht des Himmels in die Architektur hineinträgt. Im Inneren setzt sich die Sprache der Einfachheit fort. Die reduzierten Geometrien und natürlichen Materialien schaffen Räume von fast monastischer Ruhe. Die Innenräume sind um Querlüftung, Tageslicht und Ausblicke herum organisiert. So holen beispielsweise drei quadratische Oberlichter den Himmel ins Haus.

Habitat für die Natur selbst

ONUS Architecture Studio spricht beim Horizon House bewusst nicht von Nachhaltigkeit, sondern von Regeneration. Denn das Ziel ist nicht nur, weniger zu zerstören, sondern mehr zurückzugeben. Die Vegetation spielt dabei eine zentrale Rolle. Die Landschaftsgestaltung folgt einer ökologischen Wiederherstellungsstrategie, die in Zusammenarbeit mit Ökosystemforschern entwickelt wurde.

Es wurden fast ausschließlich einheimische Arten der kykladischen Flora verwendet, sie sind widerstandsfähig gegen Trockenheit und salzhaltige Winde. Diese Bepflanzung stabilisiert den Boden, verhindert Erosion und fördert die Rückkehr von Bestäubern, Insekten und Vögeln. Das Haus wird so zum Habitat, nicht nur für Menschen, sondern für die Natur selbst.

„Blue Roof“-System und Mikro-Windräder

Die begrünten Dächer fungieren als lebende Systeme: Sie speichern Regenwasser, senken die Umgebungstemperatur und schaffen Mikrohabitate für Flora und Fauna. Jährlich können bis zu 200 Kubikmeter Regenwasser gesammelt und über ein integriertes Filtersystem – das sogenannte Blue Roof – aufbereitet werden. Das behandelte Wasser versorgt die Vegetation, während das aufbereitete Grauwasser den Kreislauf schließt. Diese konsequent zirkuläre Ressourcennutzung – Wasser, Energie, Materialien – macht das Horizon House zu einem geschlossenen ökologischen System.

Die fünf Mikro-Windräder rechnen sich, blasen doch oben auf der Klippe die Winde der Ägäis mit schöner Konstanz. So kann das Gebäude vollständig mit erneuerbarer Energie versorgt werden. Ergänzt wird dieses System durch geothermische Leitungen, die die thermische Trägheit des Bodens nutzen, um die Innentemperaturen auszugleichen. Mechanische Heiz- oder Kühlsysteme sind damit überflüssig.

Diese Strategie speist sich aus der Ressourcenknappheit der Insel. Sie ist starker Antrieb für Effizienz und Innovation. Das Haus steht autonom, unabhängig von externen Netzen. Dabei ging und geht es ONUS nicht um technologische Machbarkeit allein, Architektur soll auch Verantwortung übernehmen.

Die Poesie der Resonanz

Trotz seiner technischen Raffinesse und der linearen äußeren Formen ist das Horizon House dennoch im Inneren poetisch. Auf einer Bruttogeschoßfläche von 230 Quadratmetern lässt die Architektur des Lichts und der Stille Luft, Schatten, Gestein und Holz zu einem atmosphärischen Kontinuum verschmelzen.

Der Wohnraum öffnet sich mit weitem Blick auf das Meer – er scheint zwischen Erde und Himmel zu schweben. Durch die Querströmung von Luft entsteht eine natürliche Kühlung, die sich anfühlt, als würde das Haus selbst atmen. Der Wind, der über den Hang streicht, wird nicht abgewehrt, sondern geleitet – als Teil eines lebendigen Systems, wo Resonanz und Mitschwingen Kontrolle ersetzt.

Die ONUS-Ethik des Bauens

Während bei vielen Projekten und Einfamilienhäusern Nachhaltigkeit zwar als sinnvolles Element erachtet wird, bleibt sie dennoch häufig nur Zusatz oder technisches Etikett. Bei ONUS dagegen steht jedes Material, jede Linie, jeder Eingriff im Verhältnis zum Ort – zumal die Bauindustrie immer noch zu den größten Verursachern von CO₂-Emissionen zählt. Hier entsteht ein Modell für regenerative Inselarchitektur, das die kulturelle Identität der Kykladen respektiert und gleichzeitig den ökologischen Herausforderungen der Zukunft begegnet. Für das noch nicht realisierte Projekt hat ONUS den „Architizer A+ Award 2025, Kategorie Nachhaltige Wohnarchitektur“ erhalten.

Text: Linda Benkö
Renderings/Fotos: ONUS Architecture Studio