Mit der achten Artycapucines Collection übersetzt Louis Vuitton Keith Harings Bildsprache in 13 Taschen – und bringt die Energie seiner Zeichnungen in eine neue Form.

Ein Herz hat Beine bekommen. Es läuft los, als könnte es die nächste Begegnung kaum erwarten. Keith Harings „Running Heart“ braucht wenige Linien, um etwas auszulösen: Bewegung, Zuneigung, vielleicht auch die Lust, einfach mitzulaufen. Diese Unmittelbarkeit prägt das Werk des Künstlers. Und sie macht den Reiz der neuen Keith Haring Artycapucines Collection von Louis Vuitton aus.

In enger Zusammenarbeit mit der Keith Haring Foundation widmet die Maison das achte Kapitel ihrer Artycapucines-Reihe dem 1990 verstorbenen Künstler. 13 Neuinterpretationen der Capucines greifen seine Motive auf: das „Running Heart“, das „Radiant Baby“, tanzende Figuren, Tiere und grafische Kompositionen. Bilder, die vielen längst vertraut sind – und deren Wirkung sich dennoch nicht im Wiedererkennen erschöpft.

Ein paar Linien, und alles bewegt sich

Harings Figuren haben keine ausgearbeiteten Gesichter. Ihre Körper sprechen durch Gesten, ihre Umgebung durch kurze Striche. Ein Arm hebt sich, ein Körper beugt sich, ein Baby strahlt. Man versteht diese Bilder oft, bevor man darüber nachdenkt.

Im New York der 1980er-Jahre fand Haring sein Publikum auch auf den Bahnsteigen der Subway. Mit weißer Kreide zeichnete er auf schwarze, ungenutzte Werbeflächen. Seine Kunst begegnete Menschen unterwegs, mitten in ihrem Alltag. Die direkte Beziehung zum Publikum gehörte zu ihrem Wesen.

Die Leichtigkeit seiner Bildsprache konnte dabei ernste Anliegen tragen. Haring setzte seine Kunst unter anderem für die Aufklärung über AIDS und gegen Apartheid ein. Lebensfreude und gesellschaftliches Engagement stehen in seinem Werk nah beieinander. Seine Figuren erinnern daran, wie viel sich durch eine Geste ausdrücken lässt: Nähe, Verletzlichkeit, Zusammenhalt.

Die Zeichnung bekommt einen Körper

Auf der Capucines verändert sich das Verhältnis zwischen Bild und Oberfläche. Leder besitzt eine eigene Struktur, eine Tasche Volumen. Eine Linie muss hier über eine dreidimensionale Form hinweg lesbar bleiben; ein Motiv begegnet uns aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Louis Vuitton nutzt für die Kollektion Techniken von traditioneller Leder-Marketerie bis zu modernstem Laser-Druck. Darin liegt der gestalterisch interessante Teil dieser Begegnung: Harings scheinbar mühelose Zeichnungen werden zum Ausgangspunkt einer aufwendigen handwerklichen Übersetzung. Entscheidend ist, ob ihr Rhythmus dabei spürbar bleibt.

Die Kollektion führt zugleich einen Dialog fort, den Nicolas Ghesquière mit seiner Cruise-2027-Kollektion begonnen hat, präsentiert im Mai 2026 in der Frick Collection in New York. Harings Bildwelt wandert weiter – durch unterschiedliche Materialien, Formen und Zusammenhänge.

Ein Herz läuft weiter

Seit dem Debüt von Artycapucines 2019 haben über 35 zeitgenössische Künstler:innen die Capucines als gestalterische Fläche genutzt. Mehr als 50 Designs sind daraus hervorgegangen, unter anderem von Takashi Murakami, Beatriz Milhazes, Daniel Buren und Vik Muniz.

Das neue Kapitel richtet den Blick auf eine Bildsprache, deren Energie bis heute unmittelbar ankommt. Ein laufendes Herz bleibt ein merkwürdiges, schönes Bild: Gefühle haben plötzlich Füße. Und man möchte wissen, wohin sie unterwegs sind.

Die 13 Modelle der Keith Haring Artycapucines Collection erscheinen ab 1. Jänner 2027 als limitierte Editionen in Louis-Vuitton-Boutiquen weltweit.

Zwischen zeitgenössischer Kunst und kuratiertem Rückzug: Wie Opening Menorca 2026 die Insel neu definiert – und warum die Vestige Hotels dabei mehr als nur Orte zum Übernachten sind.

Wenn Menorca in die neue Saison startet, geschieht das 2026 nicht leise, sondern mit einem kulturellen Statement. Opening Menorca verwandelt die Insel vom 7. bis 25. April in einen lebendigen Resonanzraum für Kunst, Austausch und neue Perspektiven.

Und mittendrin: die Häuser der Vestige Collection, die diesen Wandel nicht nur begleiten, sondern atmosphärisch mittragen.

Eine Insel im kuratierten Ausnahmezustand

In Mahón öffnen sich Galerien, Ateliers und Institutionen für ein Programm, das klassische Grenzen sprengt. Performances, Ausstellungen und Live-Painting verwandeln Räume in temporäre Bühnen. Kunst wird hier nicht präsentiert – sie passiert.

Auch Ciutadella fügt sich in dieses Gefüge ein: historische Architektur trifft auf zeitgenössische Formate, Theater auf Film, Musik auf Diskurs. Orte wie das Museu de Menorca oder das Menorca Doc Fest erweitern das Programm um intellektuelle und cineastische Dimensionen.

Die Insel selbst wird zur Galerie – offen, vielschichtig und überraschend.

Vestige Collection: Die leisen Protagonisten dieser Reise

Während sich draußen die kreative Energie entfaltet, schaffen die Häuser der Vestige Collection jene Räume, in denen sie nachwirken darf. Sie sind keine bloßen Unterkünfte – sie sind Teil des Narrativs.

Vestige Son Vell

Ein Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert, transformiert in ein Refugium zeitloser Eleganz. Zwischen Zypressen, Gärten und weiten Landschaften entsteht eine Atmosphäre, die fast kontemplativ wirkt. Nach einem Tag voller Eindrücke wird Stille hier zum Luxus.

Vestige Son Ermità

Reduziert, naturverbunden, bewusst zurückgenommen. Dieses Haus lebt von seiner Beziehung zur Umgebung – Licht, Materialien und Landschaft verschmelzen zu einer stillen Inszenierung. Ein Ort, der nicht ablenkt, sondern fokussiert.

Gemeinsam bilden sie den Gegenpol zur Dynamik des Festivals – und genau darin liegt ihre Stärke.
Sie übersetzen die kreative Energie der Insel in Ruhe, Tiefe und ein Gefühl von Ankommen.

Zwischen Teilnahme und Transformation

Opening Menorca versteht sich als Einladung zur Teilhabe. Besucher:innen werden selbst Teil des Geschehens – in Workshops, offenen Ateliers oder performativen Formaten.

Doch gerade im Wechselspiel mit Orten wie Vestige Son Vell und Vestige Son Ermità entsteht eine neue Qualität des Erlebens:
Ein Rhythmus aus Intensität und Rückzug, aus Inspiration und Reflexion.

Oder anders gesagt:
Die Kunst endet nicht mit der Ausstellung – sie setzt sich im Erleben des Ortes fort.

Menorca als Gesamtkunstwerk

Als UNESCO-Biosphärenreservat ist Menorca seit jeher ein Ort der Balance. Natur, Geschichte und Tradition existieren hier in einem fragilen, aber funktionierenden Gleichgewicht.

Mit Opening Menorca 2026 kommt eine neue Ebene hinzu: die bewusste Öffnung hin zur Gegenwartskunst.

In Kombination mit der stillen, kuratierten Ästhetik der Vestige Häuser entsteht etwas Seltenes – ein Reiseziel, das nicht nur schön ist, sondern Bedeutung trägt.

Opening Menorca 2026 ist mehr als ein kulturelles Ereignis – es ist ein Perspektivwechsel.

Und die Vestige Collection?
Sie liefert den Raum, in dem dieser Perspektivwechsel spürbar wird.

Zwischen Kunst und Landschaft, zwischen Bewegung und Stille entsteht ein Reiseerlebnis, das bleibt – weit über den Moment hinaus.

Der ungarische Künstler David Ariel Szauder (*1976) zählt zu den faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Medienkunst – ein Grenzgänger zwischen Technologie, Kulturgeschichte und digitalen Erzählformen. Geboren in Ungarn, studierte Szauder Kunstgeschichte an der Eötvös Loránd Universität und Intermedia an der Ungarischen Hochschule für Bildende Künste in Budapest. Seine akademische Ausbildung setzte er mit einem Masters Fellowship an der School of Arts, Design and Architecture der Aalto Universität in Helsinki fort. Szauders künstlerische Praxis bewegt sich an der Schnittstelle von digitaler Collage, virtueller Realität, interaktiven Installationen und künstlicher Intelligenz. Er versteht Technologie nicht nur als Werkzeug, sondern als ästhetischen und konzeptuellen Partner in der künstlerischen Auseinandersetzung.

Historische Wurzeln – neue Visionen

Ein wiederkehrendes Motiv in Szauders Arbeiten ist die Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart: In Projekten wie der Super-8-Reanimation, bei der er historische Familienfilme seines Großvaters in surreale visuelle Erlebnisse verwandelt, verschmilzt er erinnerte Geschichte mit imaginärer Bildwelt. Gleichzeitig reflektiert seine Kunst die gesellschaftlichen Umbrüche unserer Zeit – Grenzen, Identität, Erinnerung und mediale Wahrnehmung werden in Werken wie Bestiarium oder Folkloric Robots eindrucksvoll erkundet, die Realität und Fiktion miteinander verschränken.

Lehre, Forschung & internationale Präsenz

Szauder ist nicht nur als Künstler aktiv, sondern auch als Lehrender und Kurator. Seit 2023 unterrichtet er KI-basierte Kurse an der berühmten Moholy-Nagy Universität für Kunst und Design in Budapest.

Seine Arbeiten wurden auf bedeutenden internationalen Plattformen präsentiert – darunter im Rahmen des Ars Electronica Festival, wo seine KI-Retrospektive gezeigt wurde, sowie in Ausstellungen in Mailand, Paris und Budapest. Kritiker loben sein Werk für die “unheimliche Kraft” und die ästhetische Tiefe seiner digitalen Bildwelten.

Einfluss & Bedeutung

David Szauder steht beispielhaft für eine neue Generation von Künstler*innen, die sich nicht zwischen Kunst und Technologie entscheiden, sondern beide Disziplinen miteinander verschränken. Seine Werke eröffnen einen kritischen Blick auf die Rolle von Medien, Erinnerung und künstlicher Intelligenz in einer zunehmend digitalisierten Welt.

David Hockney, Cecily Brown und Amar Kanwar laden zu einer neuen Form der Wahrnehmung ein.

Mit ihrem Ausstellungsprogramm 2026 setzt die Serpentine Galleries ein leises, aber nachhaltiges Zeichen: Drei bedeutende Solo Exhibitions rücken das bewusste Sehen, das Erinnern und das Zuhören in den Mittelpunkt. Die Arbeiten von David Hockney, Cecily Brown und Amar Kanwar entfalten sich als poetische Reflexionen über Zeit, Natur, Geschichte und menschliche Verbundenheit.

David Hockney: Zeit, Technologie und die Kunst des Sehens

Serpentine North | 12. März – 23. August 2026

David Hockneys erste Ausstellung in der Serpentine vereint neue und jüngere Arbeiten, darunter Schlüsselwerke, die erstmals in Großbritannien zu sehen sind. Im Zentrum steht A Year in Normandy – ein monumentaler Fries, inspiriert vom Bayeux-Teppich, der den Zyklus der Jahreszeiten in ruhigen, präzisen Bildern festhält.

Im Dialog mit den Kensington Gardens entfaltet sich Hockneys Werk als Plädoyer für das langsame, aufmerksame Sehen. Seine Kunst erinnert daran, dass Schönheit oft im Unspektakulären liegt – und dass Wahrnehmung eine Form von Achtsamkeit ist.

Cecily Brown: Malerei als lebendige Energie

Serpentine South | 27. März – 6. September 2026

Cecily Browns Ausstellung markiert ihre erste institutionelle Solo-Schau mit Gemälden in Großbritannien seit zwei Jahrzehnten – und zugleich eine Rückkehr in die Stadt ihrer Herkunft. Ihre kraftvollen, farbintensiven Arbeiten bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion und fordern die Betrachtenden zu einem aktiven Seherlebnis heraus.

Inspiriert von der Parklandschaft rund um die Serpentine, kreisen Browns neue Werke um Natur, Intimität und Erinnerung. Ergänzt durch Zeichnungen und Monotypien entsteht ein vielschichtiges Bild einer künstlerischen Praxis, in der Farbe Energie speichert und Malerei zum eigenständigen Organismus wird.

Amar Kanwar: Geschichte hören

Serpentine North | 23. September 2026 – Januar 2027

Amar Kanwars Solo Exhibition verwandelt die Serpentine North in einen meditativen Raum aus Bildern und Klängen. Seine filmischen Arbeiten bewegen sich zwischen Dokumentation und visueller Poesie und setzen sich mit Themen wie Erinnerung, Gewalt, Macht und Zugehörigkeit auseinander.

Obwohl Kanwars Werk stark in den politischen und historischen Realitäten des indischen Subkontinents verwurzelt ist, entfaltet es eine universelle Dimension. Die Ausstellung lädt dazu ein, Geschichte nicht nur zu betrachten, sondern ihr zuzuhören – als ethische Praxis des Innehaltens.

Kunst als Teil des Alltags

Mitten in den Kensington Gardens verankert, versteht Serpentine Kunst als Teil des täglichen Lebens. Das Ausstellungsprogramm 2026 verzichtet bewusst auf Spektakel und setzt stattdessen auf Präsenz, Tiefe und Zugänglichkeit. Ein Angebot, das Kunst nicht konsumierbar macht, sondern erfahrbar.

Vom 28. bis 30. März 2025 verwandelt sich Hongkong erneut in ein Zentrum der internationalen Kunstszene. Die Art Basel Hong Kong bringt 240 Galerien aus 42 Ländern zusammen und präsentiert ein beeindruckendes Programm mit großformatigen Installationen, thematischen Ausstellungen, Filmvorführungen und inspirierenden Gesprächen.

Datum & Ort:

• 28. bis 30. März 2025 (Preview Days: 26. & 27. März)
• Hong Kong Convention and Exhibition Centre (HKCEC)

Art Basel Hong Kong bringt 240 Galerien aus 42 Ländern zusammen Mit 23 neuen Teilnehmern und einer starken Präsenz von Galerien aus der Asien-Pazifik-Region ist die Art Basel Hong Kong ein bedeutender Treffpunkt für die internationale Kunstszene. Neben den Hauptausstellungen bietet Art Basel ein umfangreiches Programm mit Filmvorführungen, Gesprächen und Offsite-Events.

Encounters: Großformatige Installationen

Das von Alexie Glass-Kantor kuratierte „Encounters“-Programm zeigt 18 raumgreifende Werke. Vierzehn davon entstehen eigens für die Messe. Highlights:

• Pacita Abad: Monumentale Gemälde, inspiriert von Ikonografien des Globalen Südens.
• Christopher K. Ho: Moderne Bronzeskulpturen, die Abstraktion und Material erforschen.
• Lu Yang: Digitales Kunstprojekt mit interaktivem Pop-up-Store.
• Monster Chetwynd: Skulptur-Performance im Pacific Place Park Court.

Kabinett: Kuratierte Solo- und Themenpräsentationen

38 Galerien präsentieren Werke mit Schwerpunkt auf künstlerischen Positionen aus Asien. Highlights:

• Martin Wong: Keramik- und Malereiserie aus den 1960er-/70er-Jahren.
• Takahiro Kondo: Meisterhafte Keramiken mit patentierter „Silver Mist“-Technik.
• Pei Yanqing: Malerei in gedämpften Indigo-Tönen mit traumartigen Motiven.

MGM Discoveries Art Prize

Der Preis fördert Nachwuchstalente mit einer Auszeichnung von 50.000 USD. Finalisten:

• Shin Min (P21), Kayode Ojo (Sweetwater), Saju Kunhan (Tarq)

Filmprogramm & Gespräche

Das von Para Site kuratierte Filmprogramm umfasst sieben Screenings mit Werken von 30 Künstlern. Highlights:

• Vampires in Space (2022) von Isadora Neves Marques.
• ANG48 (2022) von Chulayarnnon Siriphol.
• Corpo Fechado (2018) von Carlos Motta.

Die Conversations-Reihe beleuchtet Themen wie Kunst und KI, südostasiatische Kunstförderung sowie die Verbindung von Kunst, Design und Architektur.

Eintritt & Infos:

Das Public Program mit Filmvorführungen und Talks ist kostenfrei zugänglich. Weitere Details unter Art Basel Hong Kong.

Mit The Scapegoat präsentiert Emma Kathleen Hepburn Ferrer ihre erste Soloausstellung in der renommierten Sapar Contemporary Galerie in New York. Vom 9. Januar bis 15. Februar 2025 zeigt die Künstlerin ein beeindruckendes Werk, das die Beziehung zwischen Mensch, Tier und Natur thematisiert und dabei auf den uralten Mythos des Sündenbocks zurückgreift. Inspiriert von ihrer klassischen Ausbildung, ihrem Leben in der Toskana und einem tiefen philosophischen Verständnis, gelingt Ferrer eine ebenso kraftvolle wie emotionale Auseinandersetzung mit universellen Themen wie Schuld, Trauer und Erlösung.

Die Ausstellung: The Scapegoat

Vom 9. Januar bis 15. Februar 2025 präsentiert die Sapar Contemporary Galerie in New York die beeindruckende Soloausstellung The Scapegoat von Emma Kathleen Hepburn Ferrer. Mit dieser Ausstellung kehrt Ferrer, die Enkelin der ikonischen Audrey Hepburn, nach vier Jahren in der Abgeschiedenheit der italienischen Toskana auf die internationale Bühne zurück. Die Schau ist eine eindringliche Untersuchung der komplexen Beziehung zwischen Mensch, Tier und Natur, inspiriert von der uralten und zugleich zeitlosen Figur des Sündenbocks.

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht der Mythos des Sündenbocks, der in verschiedenen Kulturen und Epochen immer wieder auftaucht. Ferrer sieht diesen Mythos als Schlüssel, um universelle Emotionen wie Schuld, Trauer, Hoffnung, Scham und Erlösung zu verstehen. Die Idee für dieses Werk entstand während ihres Studiums der Ilias an der Harvard University, wo sie erstmals auf das antike Konzept des menschlichen Sündenbocks stieß.

Ferrer verbindet in ihren Werken prä-biblische und paläo-christliche Mythen mit zeitgenössischen Themen wie der Jagd, dem Stierkampf und dem Rennsport. Ihre künstlerische Auseinandersetzung wird durch ein tiefes Studium der Philosophie und Theologie ergänzt, unter anderem durch die Werke von René Girard und Kenneth Burke. Besonders Burkes Überlegungen zur Projektion innerer Konflikte auf äußere Gefäße prägten Ferrers Perspektive.

Über die Künstlerin: Emma Kathleen Hepburn Ferrer

Emma Kathleen Hepburn Ferrer wurde in Morges, Schweiz, geboren und wuchs in Florenz, Italien, umgeben von der Kunst der Renaissance und des Mittelalters, auf. Als Enkelin von Audrey Hepburn wuchs sie in einem Umfeld auf, das von kultureller Tiefe und künstlerischer Inspiration geprägt war. Doch Ferrer hat stets darauf geachtet, ihren eigenen Weg zu gehen und eine künstlerische Identität zu entwickeln, die unabhängig von ihrem berühmten familiären Erbe ist.

Bereits mit 18 Jahren wurde Ferrer in das renommierte Advanced Painting Program der Florence Academy of Art aufgenommen, wo sie die Techniken und Theorien der alten Meister studierte. Nach Jahren intensiver klassischer Ausbildung entwickelte sie einen freieren, intuitiveren Stil, der von Emotionen und innerer Reflexion geprägt ist.

Nach sechs Jahren in New York, wo sie in Galerien arbeitete und ihre künstlerische Praxis verfeinerte, zog Ferrer 2021 in die Abgeschiedenheit der Apuanischen Alpen in Italien. Dort, umgeben von atemberaubender Natur und der Geschichte der Renaissance, widmete sie sich ganz ihrer Kunst. Ihre Umgebung, geprägt von Isolation und einer engen Gemeinschaft mit Mensch und Tier, beeinflusste ihre Arbeit nachhaltig.

Ferrer, die 2024 ihren MFA von der Central Saint Martins in London erhielt, hat im Laufe ihrer Karriere mit bedeutenden Künstlern wie Golucho und Ivan Theimer zusammengearbeitet. Ihre Werke sind tief verwurzelt in der europäischen Kunstgeschichte und zugleich geprägt von einem zeitgenössischen, philosophischen Ansatz.

Über die Galerie: Sapar Contemporary

Die Sapar Contemporary Galerie in New York ist bekannt für ihre Fähigkeit, neue künstlerische Perspektiven zu präsentieren und eine Plattform für innovative Kunstschaffende zu bieten. Mit The Scapegoat zeigt die Galerie ein Werk, das gleichermaßen intellektuell anspruchsvoll und emotional kraftvoll ist.

Die Ausstellung markiert einen bedeutenden Moment in Ferrers Karriere, nicht nur als Rückkehr nach New York, sondern auch als erste Soloausstellung, die ihre künstlerische Reife und ihren einzigartigen Stil unter Beweis stellt. Ihre Auseinandersetzung mit universellen Themen und die Verschmelzung von Mythologie, Philosophie und Kunst machen sie zu einer der spannendsten zeitgenössischen Künstlerinnen ihrer Generation.

Ferrers Werke in The Scapegoat laden das Publikum dazu ein, über die eigene Beziehung zur Natur, zu Tieren und zu den Mythen, die unsere Kultur prägen, nachzudenken. Die Ausstellung ist ein Muss für Kunstliebhaber, die die Tiefe und Kraft moderner Kunst erleben möchten.

David Hockney, one of Britain’s most influential contemporary artists, has captivated audiences for over six decades with his vibrant colour palette, innovative technique and distinctive visual language. In his extensive career, he has explored painting, photography, collage and even digital art on iPhone and iPad, always challenging the boundaries of traditional perspectives.

From 23 November 2024, the Palm Springs Art Museum will be showing almost 200 works by this visionary artist in the exhibition ‘David Hockney: Perspective Should Be Reversed’. The show, which runs until 31 March 2025, offers insights into Hockneys quest to capture the world from new perspectives while emphasising his personal identity. The title of the exhibition itself refers to his concept of rethinking and questioning perspectives and points of view.

The exhibited works include his famous pool scenes, which capture the sunny, hedonistic California of the 1960s in vivid colours and reposition the role of the viewer through unusual angles. At the same time, the retrospective draws attention to Hockney’s lesser-known works, which show how he deconstructs the representation of space and movement, thereby developing his very own understanding of space and depth.

Digital Art

Another central aspect of the exhibition is Hockneys pioneering work in the field of digital art. His iPad and iPhone drawings, which he created from the 2000s onwards, testify to his unwavering interest in new media and his curiosity about how technology and art can be combined. The exhibition emphasises how the artist used the quickly accessible technology to capture spontaneous impressions in real time – a play with speed and directness that illustrates his love of experimentation well into old age.

Perspectives

With a focus on Hockney’s experiments with perspective, ‘Perspective Should Be Reversed’ also shows how Hockney expressed his identity as a gay man in an era when LGBTQ+ rights were still severely restricted. His works not only have an artistic dimension, but also a deeply personal one, characterised by intimate portraits and subtle allusions to his own life.

In all its facets

Visitors to the exhibition will have the opportunity to experience Hockney’s work in all its facets – from iconic paintings and his famous collages to digital works that prove that art and technology form a fascinating interplay for him. „David Hockney: Perspective Should Be Reversinvites you to discover an artist who continually reinvented himself, uncovering deeper truths about identity, space and human perception.

Jüngste Studien haben in Versuchsreihen gezeigt, wie Museumserlebnisse das psychische Wohlbefinden erheblich steigern können. Der Österreichische Bundesverband für Psychotherapie schätzt, dass etwa 30 % der Bevölkerung irgendwann in ihrem Leben mit psychischen Symptomen zu kämpfen haben, und mehr als die Hälfte der österreichischen Jugendlichen leidet bereits an Depressionen. Immersive Erlebnisse ermöglichen es den Menschen, ihr inneres Kind zu entdecken und ihre Kreativität auf eine ganz neue Ebene zu heben, so dass sowohl Geist als auch Körper eine Pause von den Alltagssorgen bekommen

Die Schnelllebigkeit des Alltags macht es oft schwierig, Aktivitäten zu finden, die es uns ermöglichen, für einen Moment von den Sorgen des Alltags abzuschalten. Studien haben jedoch gezeigt, dass kleine Veränderungen in unserem Alltag eine erhebliche Auswirkung auf unser geistiges Wohlbefinden haben können. Regelmäßige Pausen, Achtsamkeitsübungen oder auch Aktivitäten, die unsere Fantasie und Kreativität anregen, können unsere Lebensqualität erheblich verbessern.

Ein anschauliches Beispiel dafür sind immersive Erlebnisse, ein Trend, der in Österreich auf dem Vormarsch ist. IKONO fördert in diesem Sinne eine einzigartige Art von Erfahrung, die darauf abzielt, die Vorstellungskraft und Kreativität zu stimulieren, indem sie die Interaktion mit den Objekten ermöglicht – sie berühren, hören und riechen zu können, um nur einige zu nennen. 

„Bei IKONO ist jeder unserer Räume so gestaltet, dass er Kreativität und Vorstellungskraft anregt, unsere Sinne entwickelt und unserem Körper eine Pause gönnt“, erklärt Fernando Pastor, CEO und Mitbegründer von IKONO. Er betont, wie wichtig es ist, fröhliche und spielerische Räume zu schaffen, um das geistige und emotionale Wohlbefinden zu fördern.

Der Österreichische Bundesverband für Psychotherapie schätzt, dass fast 30 % der Bevölkerung im Laufe ihres Lebens mit psychischen Symptomen zu kämpfen haben werden. Darüber hinaus leidet mehr als die Hälfte der österreichischen Jugendlichen an depressiven Symptomen. Jüngste Studien renommierter ausländischer Universitäten, wie z. B. Verona in Italien, haben in einem frühen Stadium gezeigt, wie Museumserfahrungen das psychische Wohlbefinden erheblich verbessern können.

„Wir ermutigen die Menschen, aus ihrer Komfortzone herauszutreten und ihre persönliche Erfahrung zu machen, wenn sie die verschiedenen Erlebniswelten von IKONO erkunden. Wir tun dies, weil wir glauben, dass jeder seine eigenen Gefühle und Interpretationen hat, seine eigene Geschichte zu erzählen. Der beste Weg, diese Superkraft freizusetzen, ist, sich an Orten aufzuhalten, die einen dazu einladen, man selbst zu sein“, bekräftigt Pastor.

IKONO unterscheidet sich von traditionellen Erlebnissen, indem es die BesucherInnen in den Mittelpunkt stellt. Auf diese Weise ermutigen wir die Menschen, ihre eigenen Erfahrungen zu machen, anstatt sie aufgezwungen zu bekommen. Wir glauben, dass jeder seine eigenen Gefühle und Interpretationen hat, so dass sich jede Erfahrung von den anderen unterscheidet.

Schlüssel zum geistigen Wohlbefinden:

Pause drücken: Pausen sind wichtig für unsere geistige Gesundheit – das wird im hektischen Alltagskarussell oft übersehen. Pausen sind eine wertvolle Gelegenheit, neue Energie zu tanken, um mit mehr Motivation und Kreativität wieder durchzustarten. Das IKONO Wien auf der Mariahilferstraße lädt zu einer solchen Pause ein. Hier warten 12 verschiedenen Räume darauf, in Ruhe und im eigenen Rhythmus entdeckt zu werden. Alle Räume setzen auf Kreativität und aktives Erleben. Laut der Oberösterreichischen Gesundheitsholding trägt kreatives Arbeiten wesentlich zur psychischen Gesundheit bei.

Im Moment sein: Achtsam zu leben bedeutet, die Sinne – Sehen, Hören, Fühlen – bewusst zu nutzen und damit unserem Geist die Möglichkeit zu geben, im Hier und Jetzt anzukommen. Im Persephone’s Return Labyrinth, einem der beliebtesten Räume von IKONO, können sich die BesucherInnen auf künstlerisch gestalteten Wegen bewegen. Überall gibt es kleine Details zu entdecken und das Spiel von Licht und Schatten regt die Sinne auf kreative und spannende Weise an. Im Kopf ganz woanders sein? Fehlanzeige. Hier bleibt den BesucherInnen fast nichts anderes übrig, als im Moment zu sein und einen „mentalen Reset“ durchzuführen, der gezielt hilft, Stress abzubauen.

Das innere Kind entdecken: Kreativität ist der Schlüssel zur mentalen Gesundheit. Bei IKONO haben die Menschen die Möglichkeit, ihr spielerisches Selbst wiederzuentdecken, sei es beim Light Painting auf den Spuren Picassos oder beim Sprung in das riesige Bällebad im Purple Metal Room. Die immersive Erfahrung ist nicht nur für Erwachsene in Begleitung von Kindern gedacht; jeder, unabhängig von Alter oder aktueller persönlicher Situation, kann in eklektische Welten eintauchen, in denen Kunst und Spiel die Grenzen zwischen den Generationen überwinden.

IKONO wurde 2020 von David Troya und Fernando Pastor gegründet und ist heute in sechs europäischen Großstädten vertreten, darunter Rom, Berlin, Budapest, Barcelona, Madrid, Kopenhagen und seit Mai auch in Wien. Das Unternehmen arbeitet weiterhin an seinem Expansionsplan, um neue Räume in ganz Europa zu eröffnen.

Die Verschmelzung von Kreativität und künstlicher Intelligenz (KI) gestaltet die Welt des Designs und der Architektur neu. Wir haben uns mit drei Designer*innen unterhalten, die die Zukunft neu gestalten. Karolin Schmidbaur von COOP HIMMELB(L)AU erklärt, wie KI in verschiedenen Projektphasen eingesetzt wird, ohne die Individualität der Architekten zu beeinträchtigen. Hassan Ragab teilt seine Ansichten darüber, wie KI Nachhaltigkeit und Umweltschutz in der Architektur fördern kann, und hebt auch ethische Aspekte hervor. Arturo Tedeschi zeigt, wie er Inspiration aus Musik und Film schöpft und generative KI-Tools nutzt, um seine Designs zu bereichern.

Karolin Schmidbaur, Design Partnerin und Head of Research
COOP HIMMELB(L)AU

KAROLIN SCHMIDBAUR ist seit 2009 Partnerin und Head of Research bei COOP HIMMELB(L)AU und trägt gemeinsam die Verantwortung für das Design-Portfolio. Sie hatte wichtige Funktionen im Groninger Museum – The East Pavilion in den Niederlanden, in der Central Los Angeles Area High School #9 für visuelle und darstellende Künste in der Innenstadt von Los Angeles, USA, und im Paneum in der Nähe von Linz, Österreich, inne, um nur einige zu nennen.

In welchen Schritten der Projektausführung wenden Sie die KI an?

In unterschiedlichen Schritten – vom Entwurf bis hin zu den Details in technischen Ausführungen. Wir arbeiten mit einem Netzwerk von KI-Bausteinen, die an unterschiedlichen Stellen in den Workflow eingebunden werden können.

Wie viel KI kann angewandt werden, ohne dass die Individualität des Architekten verloren geht?

Das kann man so nicht sagen, die KI-Bausteine werden von uns dann angewandt, wenn sie im Projekt sinnvoll sind. Es sind immer nur Teilarbeitsschritte, in denen KI verwendet wird, also nicht durchgehend im gesamten Projekt. Der Architekt bestimmt diesen Prozess. Die Individualität geht somit nie verloren.

Welche Auswirkung hat die KI auf die Kreativität der Architekten?

Sie ist der Kreativität förderlich, wenn man sie bewusst und verantwortungsvoll einsetzt.

Wie ähnlich ist das KI-Modell der finalen Konstruktion?

Bei COOP HIMMELB(L)AU gibt es nie das KI-Modell, die KI wird in einzelnen Arbeitsschritten eingesetzt. Der traditionelle Entwurfs- und Planungsprozess wird nur erweitert oder über diese Möglichkeiten angereichert.

Hassan Ragab / Designer

Hassan Ragab ist ein ägyptischer Designer mit architektonischem Hintergrund, der derzeit in Südkalifornien lebt. Seine Erfahrungen reichen von Ausstellungsdesign über Produkt-, Möbel- und Textildesign und ist stärker mit Berechnung, Experiment und digitaler Fertigung verbunden. Er bietet im Bereich Bauwesen, Architektur und Ingenieurwesen (AEC) computergestützte Designlösungen für ein großes architektonisches Projekt in der Innenstadt von Los Angeles an und arbeitet gleichzeitig an der Entwicklung eigener Designs.

Wie kann man KI in der Architektur benutzen, um die Nachhaltigkeit und den Umweltschutz zu verbessern?

Sehen wir KI einmal wie einen Taschenrechner. Vor der Erfindung von Taschenrechnern mussten Wissenschaftler jede Rechnung händisch lösen, jetzt hingegen können sie sich auf komplexe Angelegenheiten konzentrieren, da es nun ein Tool gibt, das für sie Gleichungen lösen kann.

Wenn man als Architekt die Frage des Umweltschutzes beantworten will, muss man sehr viele verschiedene Aspekte in Betracht ziehen, was es schwierig macht. Und obwohl wir Menschen unser Bestes geben können, hat unser Gehirn nur eingeschränkte Fähigkeiten, wohingegen die intellektuelle Kapazität der KI uneingeschränkt ist. Weil KI Zugriff auf schier unendlich viele wissenschaftliche Daten hat, kann sie Architekten dabei unterstützen, die Ergebnisse und Konsequenzen ihrer Arbeiten vorherzusagen.

Gibt es ethische Probleme mit KI?

Definitiv. Es gibt bereits ein gewisses Stigma darum, mit KI zu arbeiten. Die KI ist nur ein Tool, ähnlich einer Doppelklinge – man kann Arbeit mit KI verfälschen und die Ideen anderer Personen stehlen, sie kann aber auch benutzt werden, um wundervolle Dinge zu kreieren. Es kommt allein auf die Intentionen des Nutzers an, wie bei jeder Art von Technologie. Man könnte meinen, dass das Internet oder Social Media die gleichen ethischen Herausforderungen wie KI darstellt, aber KI ist viel machtvoller und hat viel mehr Potenzial. KI ist ein höchst befähigendes Tool; es verleiht uns die Möglichkeit, Grafiken von allem, was wir uns erträumen können, zu erstellen, was natürlich zu Missbrauch der Technologie führen kann. Aber es gibt uns auch die Möglichkeit, herausragende architektonische Designs zu erstellen, und darauf will ich mich konzentrieren. Im Endeffekt kommt es immer auf die Moral der Person, die es benutzt, an.

Wie können von KI erstellte Gebäude in ein bereits existierendes Umfeld integriert werden?

Ich bin mir nicht sicher, ob ich meine Architektur in die echte Welt integrieren möchte. Ich denke, dass Menschen meine Arbeit oftmals falsch interpretieren. Es gibt viele verschiedene Aspekte der Architektur, deswegen muss man sich bei ihrer Umsetzung im realen Leben immer verantwortungsbewusst verhalten. Ich habe 13 Jahre lange in der Architektur und Konstruktion gearbeitet und mir wurde bewusst, dass Architektur heutzutage oft sehr falsch eingesetzt wird. In den letzten Jahren habe ich gesehen, wie Architektur als Mittel benutzt wird, um kulturelle Dominanz und geopolitische Macht aufzubauen, oder finanziellen Profit. Deshalb versuche ich langsam, mich aus diesem Sektor hinauszubewegen. Anstatt zu versuchen, meine Modelle im echten Leben mit echten Konsequenzen umzusetzen, konzentriere ich mich darauf, zu entdecken, wie KI mir helfen kann, in die kreative und künstlerische Seite der Architektur einzutauchen. Früher oder später würde es mir gefallen, wenn ein oder zwei meiner Modelle sich realisieren würden, allerdings will ich keine Stilrichtung verhängen oder meine Gebäude in Städte integrieren. Natürlich sind die Gebäude, die ich – und andere Benutzer von KI-Programmen wie Midjourney –designe, oft ansprechender als die Architektur, die man in Städten sieht. Aber ich meine, dass Architektur nicht nur visuell begeistern soll. In einer meiner Design-Serien habe ich Grafiken generiert, in denen ein Affe ein Gebäude hält; eine Idee, die in der Realität natürlich nicht umsetzbar ist. Es geht mir nicht darum, Gebäude laut meinen Design-Ideen zu bauen, sondern darum, zu entdecken, welches Potenzial es in der Architektur gibt, was Architektur bedeutet und welche Identität man mit der Architektur in sich selbst finden kann.

Hat KI Ihre Ideen und Ihren Stil verändert?

Sicher. Ich versuche nicht, Fragen mithilfe von KI zu beantworten – ich versuche, noch mehr Fragen zu stellen, um meinen Geist zu öffnen. Ich lasse mich von der KI herausfordern, damit ich verschiedene Zugänge zur Architektur finden kann, und arbeite mit ihr, um die Wissenschaft der Architektur und die Philosophie hinter ihr in mehr Tiefe verstehen zu können. Ich will die komplexen Konzepte der Architektur erforschen und mich nicht nur auf ihre Anwendung fokussieren.

Arturo Tedeschi / Architect and Computational Designer

Arturo Tedeschi ist ein italienischer Architekt und Computational Designer von internationalem Renommee. Er zeichnet sich durch einen skulpturalen und visionären Ansatz aus, der mit Forschung zu fortschrittlichen Designmethoden, Materialien und Fertigungstechnologien kombiniert wird. Sein Einsatz digitaler Technologien verwischt die Grenzen zwischen verschiedenen Disziplinen und legt den Fokus auf die semantischen und emotionalen Werte von Objekten. Merkmale wie Funktionalität, Nachhaltigkeit und Innovation werden stets von einer Vision begleitet, in der Formen in der Lage sind, eine emotionale Reaktion auszulösen und den Benutzer zu inspirieren.

Können Sie uns etwas über Ihren Hintergrund erzählen und was Sie dazu inspiriert hat, Designer zu werden: Auf welche Ihrer bemerkenswerten Designprojekte oder Arbeiten sind Sie besonders stolz?

Ich bin in der malerischen südlichen Region Italiens aufgewachsen und hegte während meiner Kindheit zwei tiefe Leidenschaften: das Herstellen komplexer Pappgebäude (maßstabsgetreu) und das Eintauchen in die Welt meines geliebten Commodore 64, einer der wegweisenden Heimcomputer seiner Zeit. Meine Faszination drehte sich hauptsächlich darum, einfache Programme zu entwickeln und animierte Designs zu gestalten. Ich wusste damals nicht, dass die computergestützte Kunst unbewusst in mir ein tiefes Gefühl für Abstraktion und die Fähigkeit verankern würde, Formen als komplexe Beziehungen zwischen Zahlen wahrzunehmen. Heute hat mich mein beruflicher Weg in das faszinierende Reich des Computational Designs geführt – eine Disziplin an der Schnittstelle von Kunst und Technologie, Inspiration und Kontrolle. Man könnte sagen, dass ich nie wirklich das Kindheitshobby aufgegeben habe, das einst meine Fantasie gefesselt hat. Obwohl ich kein bestimmtes Projekt als mein Lieblingsprojekt ansehe, beinhaltet meine Berufung eine unaufhörliche Suche nach innovativen Werkzeugen und Methoden. Als solche verkörpert mein jüngstes Projekt fortwährend die Synthese dessen, wer ich heute bin. Ich habe kürzlich an der Bühnengestaltung für die Welttournee des Musikers Illenium gearbeitet, ein Projekt, das Storytelling, Algorithmen, KI und vor allem den Ehrgeiz vereint, eine faszinierende Erweiterung der visuellen Sprache des Künstlers zu schaffen.

Wie gehen Sie dann die Anfangsphasen eines Designprojekts an? Welche Schritte unternehmen Sie, um Inspiration zu sammeln und das Designkonzept zu definieren?

Obwohl meine Arbeit sehr technisch erscheinen mag, suche ich Inspiration außerhalb des spezifischen fachlichen Kontexts. Kino und Musik waren schon immer eine große Inspirationsquelle für mich. Musik hat eine immense suggestive Kraft und ihre mathematische Struktur kann studiert und synästhetisch auf die geometrischen Beziehungen von Formen übertragen werden. Das Kino inspiriert mich aufgrund seiner intrinsischen Fähigkeit, die Zukunft zu envisionieren und greifbar zu machen. Bis vor einigen Jahren habe ich das anfängliche Konzept durch Skizzen oder Moodboards definiert. Jetzt, mit generativen KI-Tools (Text zu Bild oder Skizze zu Bild), ist es möglich, zahlreiche Iterationen zu erkunden und schnell nur die interessantesten zu entwickeln. Algorithmen und komplexe dreidimensionale Modelle kommen erst an diesem Punkt ins Spiel.

Wie bleiben Sie auf dem Laufenden in Bezug auf die neuesten Designtrends und Technologien? Können Sie Beispiele dafür geben, wie Sie aufkommende Trends in Ihre Arbeit integriert haben?

Es wird zunehmend schwieriger, mit Innovationen Schritt zu halten (wie wir im letzten Jahr mit der Entwicklung einer Vielzahl von KI-basierten Plattformen und Tools gesehen haben). Ich nehme eine neue Technologie in Angriff, wenn sie schnell umsetzen kann, was mein Verstand sich vorstellen kann, oder, wie im Fall von KI, wenn sie meinen Wortschatz und meine Sprache bereichern kann. Im zuvor erwähnten Fall der Bühnengestaltung führte der Wunsch, eine Art archetypische Architektur zu schaffen, die weit entfernt vom technologischen Stereotyp ist, dazu, regelmäßig generative KI-Tools zu verwenden, um eine Sprache zu entwickeln, die sich mit Formen und Details anreichert, die ursprünglich nicht Teil meiner Vorstellung waren. In diesem Sinne habe ich ein Werkzeug nicht verwendet, um Designprozesse zu automatisieren, sondern als Plattform, um meine expressive Kapazität zu steigern.

Welche Tools und Software verwenden Sie bei Ihrer Designarbeit? Gibt es bestimmte Designwerkzeuge oder -techniken, die Sie besonders effektiv oder innovativ finden?

Algorithmen sind die Erweiterung meines Verstands, und algorithmisches Design (insbesondere Grasshopper 3D) ermöglicht es Designern, die Einschränkungen herkömmlicher CAD-Software und 3D-Computergrafiksoftware zu überwinden und ein Maß an Komplexität zu erreichen, das über die menschliche Interaktion mit digitalen Objekten hinausgeht. Die Mehrheit meiner Arbeit entsteht, indem Ideen in Codes und Codes in maschinenlesbare Dateien übersetzt werden.

Was, glauben Sie, hebt Ihre Designarbeit von anderen in der Branche ab? Was macht Ihren Ansatz einzigartig?

Für mich werden Qualitäten wie Funktionalität, Nachhaltigkeit und Innovation immer von einer Vision begleitet, in der Formen eine emotionale Reaktion hervorrufen können und den Benutzer inspirieren. Ich habe immer versucht, der Falle des technologischen Fetischismus zu entkommen, indem ich die Idee einer neuen Generation von objektorientierten Kunstwerken verfolgt habe, die authentisch versuchen, die Komplexität der digitalen Kunst zu erreichen – ein Gebiet mit fließenden Grenzen, auf dem Kunst und digitale Technologien verschmelzen und neue kulturelle und soziale Bedeutungen fördern.

In der sich rapide entwickelnden Welt des Designs – welche zukünftigen Trends oder Herausforderungen sehen Sie für Designer in den kommenden Jahren? Insbesondere im Zusammenhang mit KI?

Es ist riskant, Vorhersagen zu machen, aber wir stehen vor einer neuen kopernikanischen Revolution, die uns dazu bringt, das Konzept der Intelligenz und der Kreativität zu hinterfragen und zu überlegen, wie die maschinelle Intelligenz die Welt um uns herum beeinflussen und echte Vorteile im technischen und kreativen Bereich bringen kann, indem sie uns wieder mit einer authentischen menschlichen Dimension verbindet. Ich glaube, dass die größte Herausforderung heute die Ausbildung ist: die neue Generation von Designern mit Technologie- und Umweltbewusstsein auszubilden. Die eigentliche Herausforderung wird darin bestehen, Technik und Natur, Maschine und Mensch zu vereinen.

Eine Kunstausstellung mit Werken von sieben Künstlern aus der ganzen Welt. Sie tragen zur Erweiterung der abstrakten Malerei bei und haben gleichzeitig eine Verbindung zur Landschaft durch Annäherungen, Farben, mentale Topografien und technische Revolutionen. Jetzt zu sehen in der Galerie Drei in Köln.

„A Crooked World“ präsentiert Werke von Whitney Claflin, Matthias Groebel, David Ostrowski, Coumba Samba, Julia Scher, Josef Strau und Anna Virnich. Alle haben in unterschiedlicher Weise zur Erweiterung des Landschaftsbildes der abstrakten Malerei beigetragen und tun dies weiterhin.

Obwohl die Werke selbst abstrakt bleiben, zeigen sie ihre Verbindung zur Landschaft entlang der Achse von „Annäherungen“, Farben, mentalen Topografien, formalen Konzepten, Szenen und technologischen Revolutionen. Die enge Verbindung der beteiligten Künstler mit den Städten New York und Köln greift eine der wichtigsten Achsen in der jüngsten Kunstgeschichte auf.

Der Titel bezieht sich auf ein kürzlich entstandenes Gemälde von Whitney Claflin, inspiriert vom Albumcover der Silver Jews für „American Water“ – einer typischen Darstellung einer amerikanischen Autobahn. Claflins Gemälde verwandelt diese Szene in die Darstellung einer Sonne/Mond/Kugel mit ihrer Reflexion auf dem Boden außerhalb der Mitte… „Weil die Welt krumm ist“ (Whitney Claflin, 2022).

Teilnehmende Künstler: Whitney Claflin, Matthias Groebel, David Ostrowski, Coumba Samba, Julia Scher, Josef Strau, Anna Virnich in der Gallerie Drei, Köln noch bis zum 29. Juli 2023.

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