Nach dem Soft Opening gehört das familiengeführte Haus bei Leiria zur Lifestylehotels Kollektion – mit 16 Zimmern, weitläufigen Gärten und einer Geschichte, die als persönliche Rückkehr begann.

16 Zimmer und Suiten auf einem 40 Hektar großen Anwesen: Quinta Filippa bringt viel Raum und einen persönlichen Maßstab in die Lifestylehotels Kollektion. Das neue Mitglied liegt in Lage bei Leiria, im ländlichen Portugal zwischen Lissabon und Porto. Hinter dem Hotel steht eine Familie, deren Verbindung zu diesem Ort weit vor den ersten Übernachtungsgästen beginnt.

Eine Rückkehr wird zum Hotel

Als Mike und Nikki das Anwesen 2017 entdeckten, suchten sie zunächst ein Ferienhaus. Für Mike war das Projekt zugleich eine Rückkehr zu seinen portugiesischen Wurzeln: Seine Mutter wuchs ganz in der Nähe mit neun Geschwistern auf. Die Quinta, früher ein Ort des gemeinschaftlichen Brotbackens im Dorf, benannten sie nach seiner ältesten Tochter Filippa. Aus dem privaten Vorhaben entwickelte sich über die Jahre das heutige Hotel.

Gemeinsam mit der Interior Designerin Nanouk Souren van Ramshorst gestalteten Mike Schwalbach und Nikki Mol ein Haus, in dem historische Bausubstanz und moderne Betonerweiterungen zusammenfinden. Wiederverwendetes Holz, Naturstein und natürliche Textilien prägen die Zimmer. Individuell gefertigte Möbel ergänzen die Räume. Wohnbereiche, Gärten und ein Gemeinschaftstisch führen den Gedanken eines geteilten Zuhauses weiter.

Vom Garten an den Tisch

Die Küche folgt dem, was auf dem eigenen Land und in der Umgebung gerade wächst. Gemüse und Kräuter stehen im Mittelpunkt, ausgewählter Fisch und Fleisch ergänzen das Angebot. Küchenchef Paolo bringt internationale Erfahrung mit; seine Menüs orientieren sich an der Ernte der Gärten und den Produkten regionaler Betriebe.

Frühstück, Mittag- und Abendessen gehören zum Aufenthalt. Wer Gesellschaft sucht, nimmt am Gemeinschaftstisch Platz. Für ruhigere Mahlzeiten stehen private Tische zur Verfügung. Diese Wahlmöglichkeit passt zum persönlichen Charakter des Hauses: Begegnung darf entstehen, der eigene Rhythmus bleibt.

Ein neues Mitglied mit eigener Geschichte

Mit Quinta Filippa erweitert Lifestylehotels seine Präsenz in Portugal um ein Haus, dessen Profil aus familiärer Verbundenheit, Gestaltung und dem Leben auf dem Land entsteht. Zum Aufenthalt gehören ein beheizter, 25 Meter langer Salzwasserpool, Sauna, Infrarotsaunen und Dampfbad. Pilates, persönliche Trainingsstunden und individuelle Behandlungen können das Angebot ergänzen.

Geführte Spaziergänge, Aktivitäten auf der Farm und Workshops mit lokalen Handwerkern öffnen den Blick für die Umgebung. Auch im historischen Ofen wird wieder Brot gebacken. Ein früherer Treffpunkt des Dorfes wird damit Teil der nächsten Geschichte dieses Hauses – die Quinta Filippa nun als Mitglied von Lifestylehotels weiterschreibt.

Weitere Informationen zu Quinta Filippa

Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

An der toskanischen Küste hat Pierattelli Architetture eine Residenz aus den 1950er-Jahren neu gestaltet. Ihre Architektur folgt dem felsigen Gelände – und einem Horizont, der die Räume prägt.

Von einigen Bereichen dieser Villa aus ist ausschließlich das Meer zu sehen. Kein Küstenstreifen, kein benachbartes Gebäude lenkt den Blick ab. Dieses besondere Verhältnis zum Wasser wurde zum Ausgangspunkt für Pierattelli Architetture: Das Büro hat eine bestehende Residenz am Argentario so umgebaut, dass der mediterrane Horizont im ganzen Haus spürbar wird.

Die 450 Quadratmeter große Villa liegt auf einem felsigen Küstenvorsprung, verteilt sich über drei terrassierte Ebenen und verfügt über einen direkten Zugang zum Meer. Ihre ursprünglichen Formen und Volumen blieben erhalten. Die Veränderung liegt vor allem darin, wie sich die Räume öffnen, miteinander verbinden und in die Landschaft übergehen.

Ein Gedanke aus der Nautik

Die Vorstellung, sich an Bord einer Yacht zu befinden, begleitete den Entwurf. Sie erklärt die lang gezogenen, dezent getönten Bänder entlang der Terrassen und des Dachprofils ebenso wie die neu gestalteten Außenflächen. Die Terrassen wurden erweitert und teilweise neu geordnet, um die Nähe zum Wasser stärker erlebbar zu machen.

Große Glasflächen holen Tageslicht ins Haus und geben den Blick auf das Mittelmeer frei. Die ursprünglichen Steinflächen der Fassade halten die Verbindung zum felsigen Standort. Dazwischen entsteht eine Architektur, deren nautische Anklänge zurückhaltend bleiben: Entscheidend sind die Proportionen, die horizontalen Linien und die Ausrichtung zum Meer.

Auch im Inneren wurden die Wege und Raumbeziehungen neu organisiert. Der Haupteingang liegt auf der oberen Terrasse, auf der Ebene der Schlafräume. Eine ergänzte Außentreppe führt zu den tiefer gelegenen Terrassen. Darunter befindet sich der Mittelpunkt des Hauses: Wohnbereich, Küche und Esszimmer, die sich zu Außenflächen mit Sitzgelegenheiten und Platz für gemeinsame Mahlzeiten öffnen.

Holz, Travertin und wenige Farbakzente

Die Innenräume greifen die Farben und Materialien des Ortes auf. Holz trifft auf Travertin, einen Stein mit langer Tradition in der toskanischen Baukultur. Beige und Weiß bestimmen die Palette; einzelne Elemente in Rot oder Blau setzen Akzente.

Sitzmöbel mit fließenden Konturen ergänzen diese ruhige Grundlage. Leuchten von Flos und Tische von Gervasoni stehen neben zahlreichen Entwürfen des Architekturbüros. Küchen, einige Betten und die Portale zwischen den Räumen wurden eigens für das Haus gestaltet. Dadurch zieht sich eine gemeinsame gestalterische Sprache durch die unterschiedlichen Ebenen.

Die Holzböden entstanden in Zusammenarbeit mit Fiemme 3000. Auf den Terrassen kommen ebenfalls Holzböden zum Einsatz, während auf der untersten Ebene helle Resinböden und äußere Wege aus Naturstein die Materialpalette erweitern. Bei den Fenster- und Türelementen aus gebürstetem Stahl und Cortenstahl schützt eine spezielle Beschichtung vor der salzhaltigen Meeresluft. Die exponierte Lage bestimmt damit auch Details, die im fertigen Raum kaum auffallen.

Eine Landschaft, die weiterwächst

Zum Projekt gehören rund 1.800 Quadratmeter Außenflächen. Ihre Neugestaltung nutzt die vorhandene Terrassierung und schafft zusätzliche begrünte Bereiche. Ein Infinitypool mit Blick auf das Meer fügt sich in diese Struktur ein.

Die Bepflanzung ist auf Entwicklung angelegt. Mit der Zeit soll sie die Stützmauern bewachsen, die stellenweise bis zu fünf Meter hoch sind, und die Präsenz des Gebäudes an der Küste mildern. Während die Innenräume bereits ihre neue Ordnung gefunden haben, wird sich das Verhältnis zwischen Haus und Landschaft weiter verändern.

Darin liegt eine besondere Qualität dieses Umbaus: Die Villa behält ihre Geschichte und gewinnt zugleich eine neue Offenheit. Der Blick führt hinaus aufs Wasser; die Vegetation wird allmählich näher an die Architektur heranrücken. Beides gibt dem Haus seinen Rhythmus.

Architektur: Pierattelli Architetture
Fotografie: Thomas Pagani
Styling: Giulia Red

50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

In einem Hotelzimmer steht das Bett normalerweise an der Wand. Der Flur endet an der Zimmertür. Und wenn irgendwo etwas einen Riss bekommt, wird es repariert. Logisch. Bis man das K5 Hotel Tokio betritt. Denn hier beginnt erstaunlich vieles mit einer einfachen Frage: Warum muss es eigentlich so sein?

Ein Haus, das seine Vergangenheit nicht versteckt

1923 entsteht im Tokioter Finanzviertel Kabutochō ein Bankgebäude, entworfen vom japanischen Architekten Yoshitoki Nishimura. Fast hundert Jahre später stehen die schwedischen Architekten von Claesson Koivisto Rune im selben Haus – mit der Aufgabe, daraus etwas völlig Neues zu machen.

Sie beginnen nicht von vorne. Als das K5 Hotel Tokio 2020 eröffnet, darf man dem Gebäude sein Alter weiterhin ansehen. Roher Beton bleibt sichtbar, historische Parkettböden, Fenster, hohe Räume und Spuren verschiedener Zeiten werden bewahrt. Alt und neu versuchen hier nicht, sich gegenseitig zu verdrängen. Vielleicht funktioniert gerade deshalb so gut, was danach passiert. Denn hinter den fast hundert Jahre alten Mauern ist kein Hotel entstanden, das nur zurückblickt. Sondern ein Ort, an dem offenbar niemand Angst davor hatte, ein paar ungewöhnliche Fragen zu stellen.

Wenn Räume ihre Regeln ändern

Die Korridore wurden auf die lautere, der Straße zugewandte Seite des Gebäudes gelegt – weiter weg von den Hotelzimmern. Das Bodenmuster wiederum läuft einfach durch die Zimmertür hindurch weiter. Fast so, als hätte jemand vergessen, die Grenze zwischen Flur und Zimmer einzuzeichnen. Und dann ist da das Bett. Mitten im Raum. Darüber hängt ein großer, kreisförmiger Vorhang aus transparentem, indigogefärbtem Stoff. Zieht man ihn zu, entsteht ein eigener Raum im Raum. Öffnet man ihn wieder, gehört alles zusammen. Die Idee erinnert auch an die japanische Tradition von Tatami und Futon, bei der der Schlafplatz nicht automatisch durch ein dauerhaft an einer Wand stehendes Möbelstück bestimmt wird.

wer jetzt denkt, damit wären die ungewöhnlichen Ideen abgehakt, sollte ein paar Stockwerke nach unten gehen. Im Erdgeschoss gehen unterschiedliche gemeinschaftliche und gastronomische Bereiche ineinander über. Und im Untergeschoss versteckt sich sogar eine Beer Hall – der Tokioter Standort der Brooklyn Brewery. Oben, auf den Hoteletagen, beginnt währenddessen eine völlig andere Welt: die der Ruhe. Ein Gebäude. Unzählige Rollen. Und immer weniger Gründe, zwischen ihnen klare Grenzen zu ziehen.

Dafür gibt es sogar ein Wort

Aimai. Ein japanischer Begriff für etwas, das nicht eindeutig definiert ist. Etwas, das irgendwo dazwischenliegt. Dessen Grenze sich nicht ganz klar ziehen lässt. Die Architekten von Claesson Koivisto Rune machten genau diesen Gedanken zu einem der Grundprinzipien des K5. Und plötzlich ergibt alles, was wir bisher gesehen haben, Sinn. Der Flur darf ein bisschen Teil des Zimmers sein. Ein Raum kann mehrere Funktionen haben. Ein Vorhang kann einen neuen Raum entstehen lassen. Und ein fast hundert Jahre altes Gebäude kann gleichzeitig seine Vergangenheit bewahren und etwas völlig Neues beginnen.

Man muss sich nicht entscheiden. Vielleicht ist genau das der spannendste Teil des Designs im K5. Es funktioniert nicht deshalb, weil möglichst viele schöne Dinge darin platziert wurden. Sondern weil wir plötzlich anders auf Dinge schauen, die wir längst für selbstverständlich gehalten haben.

Ein Riss aus Gold

Früher oder später bekommt selbst die schönste Architektur einen Kratzer. Oder eben einen Riss. In den gefliesten Bereichen der oberen Etagen können durch die Bewegungen des alten Gebäudes feine Risse entstehen. Man könnte die betroffenen Fliesen austauschen und so tun, als wäre nie etwas passiert. Im K5 entschied man sich für eine andere Lösung. Die Risse werden mit Gold hervorgehoben – angelehnt an die japanische Idee des Kintsugi, bei der Beschädigungen nicht versteckt, sondern sichtbar Teil der Geschichte eines Gegenstands werden. Und eine passendere Antwort könnte dieses Haus kaum finden. Ein Gebäude von 1923 muss nicht aussehen, als wäre es 2020 gebaut worden.

Ein Hotel muss nicht nur Hotel sein. Ein Bett muss nicht an der Wand stehen. Und etwas muss nicht verschwinden, nur weil es nicht perfekt ist. Das ehemalige Bankgebäude ist heute Teil eines neuen Kapitels für Kabutochō – ein Viertel, das selbst nach einer neuen Rolle gesucht hat und bei dessen Wiederbelebung auch das K5 eine Rolle spielen sollte. Und wir? Wir haben am Ende ein neues japanisches Wort gelernt, sind im Keller einer ehemaligen Bank auf ein Bier gegangen, haben ein paar Grenzen überschritten, ohne es überhaupt zu merken, und festgestellt, dass selbst ein Riss nicht unbedingt ein Problem sein muss.

Bleibt eigentlich nur noch eine ziemlich einfache Frage: Warum eigentlich nicht?

Smart Traveller

K5 Hotel Tokio

Lust bekommen, das K5 selbst zu entdecken? Mit THE Stylemate Smart Traveller Gutschein wird aus „Warum eigentlich nicht?“ vielleicht schon bald Tokio.

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

In Los Angeles hat die Boutiquehotelgruppe Casetta eine Kirche aus dem Jahr 1931 in ein Hotel mit 25 Zimmern verwandelt. Das Hotel Lucile bewahrt Buntglasfenster, Kreuz und Kirchengewölbe – und schenkt Silver Lake einen neuen Ort für Kunst, Kulinarik und Begegnung.

Es gibt Gebäude, deren Geschichte sich nicht einfach überschreiben lässt. Sie bleibt in den Mauern, im Licht, in der besonderen Stille eines Raumes. Beim neuen Hotel Lucile in Los Angeles ist sie allgegenwärtig: in den hohen Gewölben, den restaurierten Buntglasfenstern, den alten Holzbalken und selbst im Kreuz auf dem Dach, das weiterhin bei Nacht leuchtet.

Fast ein Jahrhundert lang prägte die 1931 errichtete Bethany Presbyterian Church die Ecke von Lucile Avenue und Griffith Park Boulevard. Nach wechselnden Nutzungen und mehreren Jahren Leerstand begann für das Gebäude nun ein neues Kapitel. Die kalifornische Boutiquehotelgruppe Casetta verwandelte die ehemalige Kirche und das zugehörige Gemeindehaus in ein intimes Hotel mit 25 Zimmern, Restaurant, Café, Pool und Dachterrasse. Am 14. September 2026 öffnete das Hotel Lucile offiziell seine Türen.

Eine behutsame Form der Verwandlung

Für Architektur und Interior Design zeichnet das in Venice ansässige Studio Electric Bowery unter der Leitung von Lucia Bartholomew und Cayley Lambur verantwortlich. Ihr Entwurf folgt keiner inszenierten Kirchenästhetik. Vielmehr bewahrt er die Würde und räumliche Kraft des Bestands, während neue Farben, Möbel und Kunstwerke eine selbstbewusste Gegenwart einziehen lassen.

Die ursprünglichen Holzböden, Stahlfenster, Bögen und Deckenkonstruktionen wurden weitgehend erhalten. Juwelentöne treffen auf warmes Holz, historische Details auf maßgefertigte Sitzlandschaften und Vintage-Mobiliar. Electric Bowery beschreibt die Atmosphäre als eine Verbindung aus europäischer Villa, Ausstellungshaus und dem privaten Zuhause eines Galeristen – ein Ort, der kultiviert wirkt, ohne die entspannte Haltung von Los Angeles zu verlieren.

Wo früher die Gemeindeschule untergebracht war, liegen heute die Gästezimmer. Die Kategorien reichen vom kompakten Petit King über Signature- und Loft-Zimmer bis zur rund 50 Quadratmeter großen Lucile Suite mit Wohnbereich und privatem Innenhof. Helle, bewusst reduzierte Räume, Vintage-Stücke, handgefertigte Leuchten, Parachute-Bettwäsche und Pflegeprodukte von Aesop bestimmen das Bild.

Ein Hotel als bewohnte Galerie

Kunst ist im Hotel Lucile nicht Dekoration, sondern Teil der Identität. Mehr als 100 zeitgenössische Arbeiten sind über das Haus verteilt, viele davon können erworben werden. In den Zimmern und Gemeinschaftsräumen finden sich Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Los Angeles; wechselnde Ausstellungen und Artist-in-Residence-Programme sollen das Hotel langfristig mit der lokalen Kulturszene verbinden.

Besonders eindrucksvoll sind zwei großformatige Wandgemälde der klassisch ausgebildeten Ölmalerin Erin Lynn Welsh. Eines erinnert in tiefen Rottönen an den Eaton Canyon und die verheerenden Brände von 2025, das andere übersetzt die heimische Vegetation des Elysian Park in eine grüne Landschaft. So wird das Haus auch zu einem visuellen Porträt seiner Stadt.

Southern France trifft American South

Das räumliche und gesellschaftliche Zentrum des Hotels befindet sich im ehemaligen Kirchenschiff. Dort ist mit Sous Sous ein Restaurant entstanden, das südfranzösische Küche mit kulinarischen Einflüssen aus den amerikanischen Südstaaten und kalifornischen Produkten verbindet.

Chef Patrick Costa und Beverage Director Lee Zaremba servieren unter anderem Austern mit Espelette-Pfeffer, Bouillabaisse, Hush Puppies mit Honigbutter sowie Gemüse vom Farmers Market. Einige Kräuter wachsen direkt im Dachgarten des Hotels. Die Bar erinnert mit ihrer hohen, symmetrischen Form subtil an eine Kirchenorgel; auf der Karte stehen französische Weine kleiner Produzenten und Cocktails wie eine Green Tomato Margarita oder eine mit Kokos verfeinerte Interpretation des Sazerac.

Der frühere Chorraum wurde zu einer Lounge für Kaffee und Drinks, der Orgelboden dient heute als Meeting- und Veranstaltungsbereich. Hinzu kommen ein kleiner, beinahe verborgen wirkender Pool und eine nur Hotelgästen zugängliche Dachterrasse mit Blick über Silver Lake bis zur Skyline von Downtown Los Angeles.

Ein kleines Haus für die Nachbarschaft

Casetta – der Name bedeutet auf Italienisch „kleines Haus“ – hat sich auf die Wiederbelebung charaktervoller Gebäude spezialisiert. Zum Portfolio gehören unter anderem Casa Cody in Palm Springs, The Surfrider in Malibu, The Pearl in San Diego, Marina Riviera am Big Bear Lake und Hotel Willa in Taos.

Auch das Hotel Lucile möchte nicht allein Unterkunft sein. Sunday Brunches, Ausstellungen, ein Run Club, lokale Field Guides und kulturelle Programme sollen Gäste und Nachbarschaft zusammenbringen. Das ist gerade in Silver Lake von Bedeutung: Das kreative Viertel im Osten von Los Angeles besitzt zwar eine lebendige Restaurant-, Design- und Musikszene, verfügte bisher jedoch nur über wenige anspruchsvolle, kleinere Hotels.

Das Hotel Lucile gibt dem Viertel nun einen Ort, der seine Geschichte nicht museal konserviert, sondern weiterleben lässt. Aus einem ehemaligen Gotteshaus ist wieder ein Haus der Gemeinschaft geworden – offen für Reisende, Künstler, Nachbarn und all jene, die Los Angeles lieber aus der Nähe als aus der Distanz kennenlernen.

Zehn Zimmer, Weinberge vor der Tür, ein Restaurant mit offenem Feuer und viel Gespür für Handwerk: Mit dem Maison Le Chevreuil bekommt Meursault ein Boutique-Hotel, das nicht versucht, das Burgund neu zu erfinden. Es macht vielmehr spürbar, warum man diese Region liebt.

Es gibt Orte, deren Name bereits ein Versprechen ist. Meursault gehört dazu. Weinliebhaber denken an Chardonnay, an einige der berühmtesten Lagen des Burgunds, an Keller, deren Geschichten über Generationen weitergegeben wurden. Mitten in diesem kleinen Kosmos hat nun das Maison Le Chevreuil eröffnet – direkt am Dorfplatz, gegenüber dem historischen Rathaus und der Kirche.

Nach einer zweijährigen Restaurierung ist aus dem Haus ein Boutique-Hotel mit gerade einmal zehn Zimmern geworden. Klein genug, um persönlich zu bleiben. Und ambitioniert genug, um mehr sein zu wollen als nur ein schöner Ausgangspunkt für Entdeckungen in einer der faszinierendsten Weinregionen Frankreichs.

Ein Haus, das zu seinem Ort gehört

Das Maison Le Chevreuil versteht sich als offenes Haus für Reisende und Einheimische. Das klingt zunächst selbstverständlich, ist aber ein interessanter Gedanke in einer Zeit, in der sich viele Hotels zunehmend als eigene, von ihrer Umgebung unabhängige Welten inszenieren.

Hier ist es genau umgekehrt.

Die Gestaltung orientiert sich an der Kultur und Handwerkskunst des Burgunds. Maßgefertigte Möbel, warme Farbtöne, die an Wein und Landschaft erinnern, lokal gefertigte Details und Ausblicke auf die Weinberge oder den historischen Dorfplatz lassen das Haus mit seiner Umgebung verschmelzen. Auch die zweijährige Restaurierung wurde in Zusammenarbeit mit lokalen Handwerkern umgesetzt.

Es ist eine Form von Luxus, die weniger über Inszenierung als über Material, Herkunft und Zeit funktioniert.

Vom Weinberg an den Tisch

Natürlich wäre ein Haus in Meursault kaum denkbar, ohne dem Genuss einen entsprechend großen Platz einzuräumen. Das hauseigene Restaurant TERRE konzentriert sich auf saisonale Produkte aus dem Burgund und das Kochen über offenem Feuer.

Dazu kommen eine Weinbar und Außenterrassen – Orte, an denen das Burgund gewissermaßen selbst Teil des Hotelprogramms wird. Ein beheizter Swimmingpool setzt einen angenehm entspannten Kontrapunkt zwischen Weinverkostung, Dinner und einem Tag in den umliegenden Dörfern und Weinbergen.

Vielleicht liegt genau darin der Reiz des Maison Le Chevreuil: Man muss hier nicht permanent etwas erleben. Das Haus scheint vielmehr dazu einzuladen, sich auf den Rhythmus der Region einzulassen – essen, trinken, schlafen, spazieren, schauen. Und wieder von vorne.

Luxus endet nicht an der Bettkante

Dass dabei auch der Schlaf Teil des Gesamtkonzepts ist, erscheint fast logisch. Das Maison Le Chevreuil ist das erste Hotel Frankreichs, dessen sämtliche Zimmer mit handgefertigten Schlafsystemen von Hästens ausgestattet sind. Acht Zimmer verfügen über das Hästens 2000T, die beiden Suiten über das Modell Maranga. Gefertigt werden sie im schwedischen Köping aus natürlichen Materialien wie Rosshaar, Baumwolle, Wolle, Flachs und langsam gewachsener schwedischer Kiefer.

Die Kooperation passt erstaunlich gut zu diesem Ort. Denn Burgund und Hästens verbindet zumindest eine Idee: Qualität lässt sich nicht beliebig beschleunigen. Handwerk braucht Erfahrung, gute Materialien brauchen Herkunft – und manches wird schlicht besser, wenn man ihm Zeit gibt.

Im Zimmer ergänzen Pflegeprodukte von La Chênaie, großzügige Wohnbereiche und ausgewählte Designdetails dieses Verständnis von Komfort.

Zehn Zimmer für eine ganze Region

Das Maison Le Chevreuil könnte gerade deshalb interessant werden, weil es nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst großer Fläche zu bieten. Seine zehn Zimmer machen es eher zu einer Adresse, von der aus man das Burgund erleben kann – und zu der man nach einem langen Mittagessen, einer Degustation oder einer Fahrt durch die Weinberge gerne zurückkehrt.

Ein kleines Haus in einem kleinen Ort, umgeben von einer großen Kultur des Genusses.

Und vielleicht ist genau das die zeitgemäßeste Form von Luxus: nicht mehr, sondern besser.

Das belgische Studio Monad Origin verwandelt Frequenzen in Möbel, Skulpturen und räumliche Erfahrungen. Während der Berlin Art Week zeigt das Duo Nick Peeters und Anujin Byambaa mit WITNESS, wie aus etwas Unsichtbarem etwas Bleibendes entstehen kann.

Ein Ton ist flüchtig. Er entsteht, breitet sich aus und verschwindet. Für Monad Origin ist genau das der Ausgangspunkt einer ungewöhnlichen Designpraxis.

Das belgische Studio von Nick Peeters und Anujin Byambaa übersetzt rohe Klangfrequenzen in physische Formen. Tische, Sessel, Gefäße und Skulpturen entstehen nicht aus klassischen Entwürfen oder Moodboards, sondern aus den geometrischen Strukturen von Vibration.

Function follows Frequency

Bei Monad Origin beginnt Design nicht mit einer Funktion, sondern mit einer Frequenz. Diese wird in räumliche Parameter wie Proportion, Spannung, Volumen und Leere übersetzt. Erst danach entscheidet sich, ob aus einer Form ein Tisch, ein Sitzmöbel oder vielleicht doch eine reine Skulptur wird.

Die Objekte wirken dadurch weniger entworfen als entdeckt. Selbst ihre Namen dokumentieren den Prozess: Study for a Lounge Chair (B) [14Hz | 15Hz | 14Hz] verweist direkt auf jene Frequenzen, aus denen die Form hervorgegangen ist.

Ein besonders schönes Beispiel ist der Side Table [30Hz 0.4y – 26Hz 0.8y] aus Aluminium. Monad Origin beschreibt ihn als eingefangenen Moment der Resonanz – beinahe als Fossil einer Frequenz.

Von Brüssel nach Berlin

2026 präsentierte Monad Origin seine Arbeiten bereits bei COLLECTIBLE Brussels, bei FORMA während des Madrid Design Festival und bei SOLIDIFIED im Rahmen der Milan Design Week.

Nun folgt mit WITNESS während der Berlin Art Week eine weitere Entwicklung der Idee.

Vom 9. bis 13. September bespielt Monad Origin den neuen Kunstraum DISTILL in Berlin-Neukölln. Die Ausstellung erweitert das Prinzip über Designobjekte hinaus: Skulptur, Licht, Vibration und live erzeugte Bilder treffen aufeinander. Klang wird hier nicht nur in Materie übersetzt, sondern auch in Bewegung und Raum.

Zu den neuen Arbeiten zählen der Wing Lounge Chair, entstanden aus dem Frequenzintervall 16,4 bis 17,3 Hz, sowie die Aluminiumserien Talisman und Vessels.

Die persönlichste Frequenz

Besonders spannend ist die Möglichkeit, ein individuelles Artefakt aus einem persönlichen Klang entstehen zu lassen – aus einer Stimme, einer Erinnerung oder einem bestimmten Moment.

Der Klang wird durch das System von Monad Origin in eine einzigartige Form übersetzt. Nicht Dekoration oder Personalisierung stehen im Mittelpunkt, sondern die Idee, etwas Flüchtiges dauerhaft werden zu lassen.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination von Monad Origin: Hinter Technologie, Frequenzanalyse und Materialexperiment steckt eine sehr menschliche Frage.

Wie lässt sich etwas festhalten, das eigentlich dazu bestimmt ist, zu verschwinden?

WITNESS – Monad Origin

DISTILL, Donaustraße 16, Berlin-Neukölln
9.–13. September 2026
Opening & Performances: 10. September, 18–21 Uhr