Pharrell Williams macht das wechselhafte Wetter zum Ausgangspunkt der Men’s Pre-Collection Frühjahr/Sommer 2027. Zwischen gelbem Leder, scheinbar nassem Denim und einer Tasche in Regenschirmform bekommt die Reisegarderobe einen spielerischen Dreh.

Ein grauer Hoodie, der sich als Leder entpuppt. Eine Denimjacke, deren silbrige Beschichtung an eine regennasse Oberfläche erinnert. Eine Keepall mit glänzenden Tropfen, die aus dem 3D-Drucker stammen. In der Louis Vuitton Men’s Pre-Collection für Frühjahr/Sommer 2027 beschäftigt sich Pharrell Williams mit dem Wetter – und mit der Frage, wie sich dessen Spuren in Kleidung übersetzen lassen. Regen, Schlamm und wechselnde Temperaturen liefern Ideen für Materialien, Oberflächen und Formen.

Die Kollektion trägt den Titel „Whatever the Weather“ und denkt vom gepackten Koffer aus. Wer zwischen Kontinenten und Hauptstädten unterwegs ist, wechselt häufig auch Klima und Anlass. Pharrell begegnet diesen Übergängen mit einer Garderobe, in der sich klassische Herrenschneiderei, Outdoor-Elemente und die Lässigkeit von Sportswear begegnen.

Ein gelber Regenmantel aus Kalbsleder

Besonders anschaulich wird das an einem vertrauten Kleidungsstück: dem gelben Fischermantel. Seine glänzende Oberfläche entsteht hier durch Kalbsleder. Das kräftige Gelb, laut Presseunterlagen eine Lieblingsfarbe von Pharrell, taucht auch in Futterstoffen und Accessoires auf.

An anderer Stelle erhält ein voluminöser Puffermantel durch einen Stoff mit kleinem Monogram-Jacquard eine formellere Anmutung. Ein Businessanzug wird mit Gürtel getragen und wirkt dadurch entspannter. Wendbare Strickpullover zeigen auf einer Seite Zopfmuster, auf der anderen das Monogram. Ein Fleeceblouson lässt sich in seiner eigenen Vordertasche verstauen.

Diese Details geben dem Reisethema Substanz. Die Kleidungsstücke lassen sich unterschiedlich tragen, verstauen und kombinieren. Zugleich bleibt Raum für Materialluxus: Auch Hoodies, T-Shirts und Polos führt Louis Vuitton in Kaschmir aus.

Der zweite Blick auf das Material

Am interessantesten wird die Kollektion dort, wo der erste Eindruck täuscht. Für die „Trompe L’Œil Jersey“-Stücke kommt eine Drucktechnik zum Einsatz, die Leder optisch und haptisch an grauen Sweatshirtstoff annähert. Die Idee findet sich bei einem Zip-Hoodie ebenso wie bei Taschen, darunter Keepall 50, Speedy 30 und Track-Rucksack.

Ein Kaschmiranzug gibt sich als Denim aus, ein Cardigan mit Waffelstrick erinnert an Tweed. Auf einer blauen Jeansjacke und ausgewählten Schuhen simuliert ein schwammiger Gummispray Schlammspritzer. Bunte Monogram-Nähte wiederum greifen das Bild geflickter, vom Wetter beanspruchter Kleidung auf.

Pharrell nutzt die Gebrauchsspuren als gestalterisches Vokabular. Was sonst nach einer Reise am Kleidungsstück zurückbleibt, wird hier bewusst hergestellt. Darin liegt auch der Humor der Kollektion: Selbst das vermeintlich Unordentliche ist sorgfältig gearbeitet.

Zwischen New York und Paris

Ein Comicmotiv erzählt den Gedanken des wechselhaften Reisens weiter. Es begleitet einen jungen Geschäftsmann, der im sonnigen New York seinen Koffer packt. Dann zieht ein Unwetter auf, und nach dem Flug nach Paris wartet bereits die nächste Wetterlage. Die Zeichnungen erscheinen unter anderem auf Hemden, Futterstoffen, Reiseaccessoires und als Lasermotiv auf einem Denim-Workwear-Anzug.

Die Taschen greifen dazu die Materialwelt von Arbeitskleidung und Wanderausrüstung auf. Beim „Monogram Reporter“ trifft beschichtetes Canvas in verwaschen wirkendem Blau oder Gelb auf cognacfarbenes Veloursleder. Die vertraute Monogram-Oberfläche bekommt dadurch einen etwas robusteren Ausdruck.

Daneben darf das Wetter ganz buchstäblich werden: Eine Keepall 35 trägt glänzende, im 3D-Druck gefertigte Regentropfen und einen Gepäckanhänger mit Wolkenmotiv. Eine andere Tasche nimmt die Form eines Regenschirms an. Und selbst der kleine Louis-Bear-Taschenanhänger hat für diese Reise einen gelben Regenmantel bekommen.

Über die Welten, die wir in uns tragen. Und jene, die sich öffnen, sobald wir genauer hinsehen.

Wir sprechen viel darüber, wie wir leben wollen. Über gutes Essen, schöne Orte, bewusstes Reisen und die Balance zwischen Arbeit und Freizeit. Doch fühlen wir uns dabei auch lebendig? Mit „WORLDS WITHIN“ widmet sich THE Stylemate dieser Frage – in Begegnungen mit Kunst, in gemeinsam verbrachter Zeit und an Orten, die unsere Wahrnehmung verändern.

Ein Blick kann eine Geschichte in Gang setzen. Eine Bühne kann verändern, wie wir uns als Teil einer Gemeinschaft erleben. Ein gemeinsames Essen kann uns näher an den Alltag heranführen, durch den wir sonst so schnell hindurchgehen. Die neue Printausgabe von THE Stylemate folgt solchen Momenten. Unter dem Titel WORLDS WITHIN erkundet sie, was hinter dem unmittelbar Sichtbaren liegt und was geschieht, wenn wir uns darauf einlassen.

Aliveness, die Lebendigkeit, bildet dabei den gedanklichen Ausgangspunkt. Sie zeigt sich in Neugier, in Begegnungen und in der Bereitschaft, etwas zunächst offen zu lassen. Vier Geschichten aus der Ausgabe machen das auf unterschiedliche Weise spürbar.

Mercedes Helnwein: Die Geschichte entsteht im Blick

Die jungen Frauen in Mercedes Helnweins Bildern scheinen etwas für sich zu behalten. Ein Blick, eine Körperhaltung, eine kleine Verschiebung im Vertrauten: Ihre Malerei eröffnet Situationen, deren Vorgeschichte und Ausgang ungewiss bleiben. Selbst die Künstlerin kennt nicht immer die ganze Geschichte des Moments, den sie festhält.

Im Gespräch mit Nina Prehofer erzählt Helnwein von dieser Offenheit und von der Freiheit, die sie sich heute in ihrer Arbeit erlaubt. Wer ihre Bilder betrachtet, bringt eigene Erinnerungen, Vermutungen und Empfindungen mit. So entwickelt sich das Werk im Kopf des Gegenübers weiter. Ein passender Auftakt für eine Ausgabe über die vielen Welten, die in ein und demselben Bild liegen können.

Es Devlin: Räume, die etwas mit uns machen

Auch bei Es Devlin bleibt das Publikum am Geschehen beteiligt. Die britische Künstlerin entwirft Bühnen und Installationen, in denen Licht, Sprache, Bewegung und Architektur zusammenkommen. Ihre Räume beeinflussen, wohin wir schauen, wie wir uns bewegen und wie wir andere Menschen wahrnehmen.

Unser Beitrag folgt ihrem Denken vom ersten Strich auf dem Papier bis zum gemeinsamen Erlebnis. Zwischen Theater, Konzert und begehbarer Installation entstehen Situationen, die Menschen für einen Moment verbinden. Dabei rückt eine Frage in den Vordergrund, die weit über die Bühne hinausreicht: Wie verändert sich die Welt, wenn wir unsere Position in ihr verändern?

Plum Village: Das Leben findet auch am Küchentisch statt

Gemüse schneiden, Reis kochen, den Tisch decken. In Plum Village, der buddhistischen Gemeinschaft im Südwesten Frankreichs, bekommen diese vertrauten Tätigkeiten Zeit und Aufmerksamkeit. Gemeinsames Essen und das anschließende Abwaschen gehören zu einer Praxis des Zusammenlebens, die mitten im Alltag beginnt.

Ausgehend vom The Plum Village Cookbook erzählt die Geschichte von einer Küche, in der sich kulturelle Wurzeln, die Arbeit vieler Menschen und die Bedingungen der Natur begegnen. Lebendigkeit kann hier in einem Gespräch liegen, für das wir uns Zeit nehmen. Oder in dem kurzen Moment, in dem wir bemerken, wie gut etwas schmeckt.

ESH Hotel: Wo die Landschaft ins Haus kommt

In Nosara an der Pazifikküste Costa Ricas führt uns die Ausgabe ins ESH Hotel & Spa. Zwischen Sichtbeton, Holz und tropischem Grün verläuft die Landschaft durch Innenhöfe, über Treppen und entlang schattiger Wege mitten durch das Haus. Schon der Gang von einem Bereich in den nächsten wird Teil des Aufenthalts.

Das Hotel aus der Lifestylehotels Selection verbindet Gestaltung mit einer Umgebung, die ihren eigenen Rhythmus hat. Yoga, Wasser und die Nähe zum Dschungel lenken die Aufmerksamkeit auf den Körper und auf das, was uns umgibt. Die Geschichte öffnet damit eine weitere Perspektive auf das Reisen: auf Orte, an denen wir wieder empfänglicher für unsere Umwelt werden.

Ein wenig mehr Welt hereinlassen

Diese vier Beiträge geben einen ersten Einblick in THE Stylemate 03|2026. Gemeinsam mit weiteren Geschichten aus Kunst, Mode, Design und Reisen erkunden sie, wie vielfältig Lebendigkeit sein kann. Die Ausgabe gibt diesen Gedanken auch auf Papier Raum: in großzügigen Bildern, aufgeschlagenen Doppelseiten und einem Format, das man in die Hand nimmt, faltet und wieder hervorholt.

Vielleicht beginnt mehr Leben manchmal damit, einer Sache etwas länger Aufmerksamkeit zu schenken. Einem Bild. Einem Menschen. Einem Ort. Und zuzulassen, dass daraus etwas entsteht, das vorher noch nicht feststand.

THE Stylemate 03|2026 – WORLDS WITHIN. Entdecke die neue Ausgabe im THE Stylemate Shop.

Die Landschaft Arizonas gibt den Rhythmus vor: unterwegs zwischen Sandsteinformationen, zu Pferd im Verde Valley oder unter dem weiten Nachthimmel von Sedona.

Manche Landschaften wecken den Wunsch, sie aus jedem Blickwinkel zu sehen. In Sedona liegen zwischen einer Fahrt durch die roten Felsen und einem Blick aus dem Hubschrauber oft nur wenige Stunden. Am Abend richtet sich die Aufmerksamkeit dann auf die Sterne. Das Ambiente Sedona ist Ausgangspunkt für diese Entdeckungen – und ein Ort, an dem die Landschaft schon vor der eigenen Glasfront beginnt.

Eine Landschaft, viele Perspektiven

Die roten Sandsteinformationen prägen Sedona. Je nach Sonnenstand erscheinen sie in warmem Orange, leuchtendem Rot oder dunklen, fast violetten Tönen. Dazwischen verlaufen Schluchten, Wanderwege und staubige Pisten. Was aus der Ferne wie ein geschlossenes Panorama wirkt, wird unterwegs zu einer Landschaft voller Abzweigungen und Durchblicke.

Die verglasten Atrien des Ambiente Sedona öffnen sich zu dieser Umgebung. Bereits vom Zimmer aus lässt sich verfolgen, wie das Licht über die Felsen wandert. Doch der Blick durch die Glasfront macht auch neugierig auf das Gelände dahinter.

Eine geführte Geländewagentour durch das Gebiet des Soldiers Pass führt näher an die Formationen heran. Felswände rücken unmittelbar neben das Fahrzeug, hinter einer Kurve öffnet sich wieder die Weite des Red Rock Country. Die Wege lassen erahnen, welche Kräfte diese Gegend über lange Zeit geformt haben.

Aus der Luft und auf dem Pferderücken

Beim Erlebnis Adventure Seeker verbindet das Ambiente eine private Jeeptour mit einem Hubschrauberflug. Aus der Luft werden die Pisten zu feinen Linien. Täler und Hochebenen treten hervor, Zusammenhänge werden sichtbar, die sich am Boden kaum erschließen. Zurück zwischen den Felsen bekommt das eben noch überblickbare Gelände wieder seine beeindruckenden Dimensionen.

Einen ruhigeren Zugang zur Region bietet Saddle & Sip. Auf dem Pferderücken erkunden Gäste das Verde Valley und besuchen anschließend lokale Weingüter. Denn Arizona hat auch eine Weinlandschaft, die neben den bekannten Bildern von Wüste und roten Felsen oft wenig Beachtung findet.

Zwischen Ranchland und Weinbergen zeigt sich die Umgebung von einer anderen Seite. Der Ausflug verbindet das Unterwegssein mit der Gelegenheit, die Weine der Region kennenzulernen – und beim ersten Glas etwas länger sitzen zu bleiben.

Über den Felsen beginnt der Himmel

Nach Sonnenuntergang führt der nächste Weg auf die private Dachterrasse des eigenen Atriums. Die Felsen verlieren allmählich ihre Farbe und zeichnen sich als dunkle Konturen gegen den Himmel ab.

Sedona trägt seit 2014 die Auszeichnung International Dark Sky Community. Die Stadt setzt sich dafür ein, Lichtverschmutzung zu begrenzen und den Blick auf den Nachthimmel zu bewahren. Bei einer privaten Sternenbeobachtung begleitet ein Astronomieexperte die Gäste und hilft, sich zwischen den vielen Lichtpunkten zu orientieren. Durch leistungsstarke Teleskope lassen sich je nach Sichtbedingungen Planeten, Sternhaufen und ferne Nebel betrachten.

Nach den weiten Ausblicken des Tages verändert sich damit noch einmal der Maßstab. Auf der Dachterrasse kann der Abend dann ohne weiteres Programm ausklingen: über sich die Sterne, vor sich die Silhouetten jener Felsen, die am nächsten Morgen wieder in der Sonne stehen.

Am 5. November wird im Küglerhof zum letzten Mal in diesem Jahr der Frühstückstisch gedeckt. Die letzten Gäste trinken noch ihren Kaffee, schauen vielleicht noch einmal Richtung Meran und machen sich irgendwann auf den Heimweg. Danach schließen sich die Türen. Nicht nur für ein paar Tage. Für den Küglerhof endet die Saison, und erst einige Monate später wird das Haus wieder voller Gäste sein. Bis dahin bleiben aber noch ein paar Tage, an denen wir Südtirol von einer ganz anderen Seite erleben können.

Noch einmal hinauf in die Berge

Anfang November zeigt sich Südtirol schon anders als noch wenige Wochen zuvor. Die Morgen sind kühler, die Tage kürzer und in den Bergen kündigt sich langsam der Winter an. Wir können trotzdem noch einmal los. Küglerhof liegt in Dorf Tirol oberhalb von Meran, am Rand des Naturparks Texelgruppe. Rund 70 Kilometer markierte Wanderwege führen durch die Umgebung, die Seilbahn Hochmuth ist nur etwa zehn Gehminuten vom Hotel entfernt. Dabei müssen wir weder Rekorde aufstellen noch Anfang November unbedingt jeden Gipfel erobern. Es reicht völlig, die Tage zu nutzen, an denen wir morgens noch direkt von hier in die Berge starten und einige Stunden später wieder an denselben Ort zurückkehren können. Denn im November hat auch das Zurückkommen seine Vorteile.

Wenn der November dem Wellness besonders gut steht

Das Wasser im Panorama-Außenpool des Küglerhofs ist auch jetzt angenehm warm. Im Garten wartet die Outdoor Sauna am See, im Spa stehen Massagen auf dem Programm, wenn wir die Wanderschuhe für diesen Tag lieber gegen einen Bademantel tauschen möchten. Im November fühlt sich all das ein wenig anders an als im Sommer. Draußen lässt sich der Wechsel der Jahreszeit bereits spüren. Nach der kühleren Luft tut das warme Wasser noch besser, und aus der Sauna blicken wir auf eine Landschaft, durch die wir wenige Stunden zuvor noch zu Fuß unterwegs waren.

Auch das letzte Angebot des Jahres hat der Küglerhof auf genau diese Tage gelegt. Vom 1. bis 5. November können Gäste vier Nächte im Küglerhof verbringen – eine davon schenkt das Hotel. Zusätzlich erhält jeder Gast einen persönlichen Massagegutschein im Wert von 20 Euro. So bleibt in den letzten Tagen der Saison ein bisschen mehr Zeit für genau das, weswegen man hierherkommt.

Wenn wir wissen, dass es das für dieses Jahr war

Normalerweise kommen wir in einem Hotel an und gehen ganz selbstverständlich davon aus, dass alles genauso weitergeht, nachdem wir wieder abgereist sind. Am nächsten Morgen sitzen andere Gäste an unserem Tisch. Jemand anderes schwimmt im Pool. Andere Jacken hängen am Eingang. Anfang November gibt es im Küglerhof allerdings einen kleinen Unterschied. Wir wissen, dass dies die letzten Tage des Jahres sind, an denen wir all das hier erleben können. Also nutzen wir den Morgen noch ein bisschen mehr, bevor wir losziehen. Gehen noch einmal hinauf in die Berge. Bleiben etwas länger im warmen Wasser. Planen diese Massage ein. Und überlegen am Abend schon, was wir am nächsten Tag noch machen möchten.

Nicht, weil wir Abschied nehmen. Sondern weil wir die Zeit meistens besser nutzen, wenn wir wissen, dass sie begrenzt ist.

Am 5. November geht der Küglerhof in die Winterpause. Bis dahin haben wir aber noch einiges vor.

Vulkangestein, Erde und persönliche Erinnerungen: In ihrer Ausstellung LIFELINES in Hamburg lässt Anna van den Hövel Landschaft und Biografie ineinanderfließen.

Eine Landschaft lässt sich auf unterschiedliche Weise festhalten. Als Fotografie, als Erinnerung – oder als Staub, der von einer Reise mit nach Hause kommt. Anna van den Hövel nimmt solche Spuren mit ins Atelier. Vulkangestein, Erde und andere gesammelte Fragmente werden Teil ihrer Gemälde. Was draußen unter dem Einfluss von Zeit, Druck und Bewegung entstanden ist, wirkt auf der Leinwand weiter.

Vom 29. Oktober bis 27. November 2026 zeigt die Galerie Daniel und die Kunst in Hamburg mit LIFELINES Arbeiten der deutschen Malerin. Im Mittelpunkt stehen Bruchlinien: jene Verschiebungen, die Landschaften formen und auch im eigenen Leben Spuren hinterlassen.

Die Landschaft im Material

Markante Formationen ziehen sich durch van den Hövels Bilder. Flächen verdichten sich, brechen auf und treten beinahe körperlich hervor. Sie erinnern an Gesteinsschichten, Gebirgszüge oder Küsten, deren Konturen sich unter dem Einfluss unterschiedlicher Kräfte verändern.

Diese Nähe zur Landschaft beginnt bereits beim Material. Die Künstlerin verbindet ihre Fundstücke mit Acrylfarbe, Kohle, wiederverwendetem Lack und Mörtel. Die mitgebrachte Erde bringt eine eigene Beschaffenheit mit, das Gestein eine andere Dichte. Jede neue Schicht verändert die Bedingungen für die nächste.

So bleibt der Entstehungsprozess in den Arbeiten lesbar. Manche Stellen erscheinen offen und aufgerissen, andere kompakt oder versiegelt. Das Auge folgt Erhebungen, Vertiefungen und Linien, die sich durch die Bildfläche ziehen. Landschaft wird hier als etwas erfahrbar, das unablässig in Bewegung ist.

Vom Blick aus der Luft zur eigenen Erinnerung

Van den Hövel wurde 1996 geboren und wuchs zwischen München, den österreichischen Alpen und der Küste Menorcas auf. Diese unterschiedlichen Umgebungen prägen ihre Arbeit bis heute. Reisen liefern ihr visuelle Eindrücke und Begegnungen, aus denen sich im Atelier neue Zusammenhänge entwickeln. Auch auf ihrer Website beschreibt sie den künstlerischen Prozess als Fortsetzung ihrer Reisen.

Ein Ausgangspunkt ihrer Malerei sind Luftbildaufnahmen. Aus der Distanz werden Landschaften zu Flächen, Verläufen und Übergängen. Einzelheiten treten zurück, während größere Strukturen sichtbar werden. Dieses visuelle Vokabular überträgt van den Hövel in eine abstrakte Malerei, die sich zugleich aus persönlichen Erfahrungen speist.

Konkrete Ereignisse bleiben dabei unausgesprochen. Eine Reise wird nicht nacherzählt, ein Einschnitt nicht illustriert. Erlebtes geht in die Bearbeitung der Oberfläche ein: in die Entscheidung, eine Schicht aufzutragen, eine Stelle offenzuhalten oder eine bestehende Form wieder aufzubrechen. Äußere Eindrücke und innere Bewegung lassen sich im fertigen Bild kaum noch voneinander trennen.

Bruchlinien als formende Kräfte

LIFELINES verbindet die Vorstellung geologischer Verwerfungen mit den Übergängen einer Biografie. Der Titel lenkt den Blick auf Stellen, an denen Kräfte aufeinandertreffen und etwas in Bewegung gerät.

Darin liegt die Spannung dieser Arbeiten: Ein Riss kann eine Fläche unterbrechen und ihr zugleich eine neue Richtung geben. Eine Verdichtung kann etwas verschließen oder zum Ausgangspunkt einer weiteren Schicht werden. Veränderung zeigt sich als materieller Vorgang, dessen Spuren bestehen bleiben.

Van den Hövels Gemälde halten diese Prozesse offen. Wer ihren Linien folgt, kann darin Landschaften erkennen, Erinnerungen vermuten oder zunächst einfach Farbe und Material betrachten. Die mitgebrachten Fragmente haben ihren ursprünglichen Ort verlassen. Auf der Leinwand werden sie Teil einer neuen Geografie.

Ausstellung
Anna van den Hövel | LIFELINES
29. Oktober bis 27. November 2026
Daniel und die Kunst
Am Kaiserkai 30, 20457 Hamburg

Weitere Informationen zur Künstlerin

Nach dem Soft Opening gehört das familiengeführte Haus bei Leiria zur Lifestylehotels Kollektion – mit 16 Zimmern, weitläufigen Gärten und einer Geschichte, die als persönliche Rückkehr begann.

16 Zimmer und Suiten auf einem 40 Hektar großen Anwesen: Quinta Filippa bringt viel Raum und einen persönlichen Maßstab in die Lifestylehotels Kollektion. Das neue Mitglied liegt in Lage bei Leiria, im ländlichen Portugal zwischen Lissabon und Porto. Hinter dem Hotel steht eine Familie, deren Verbindung zu diesem Ort weit vor den ersten Übernachtungsgästen beginnt.

Eine Rückkehr wird zum Hotel

Als Mike und Nikki das Anwesen 2017 entdeckten, suchten sie zunächst ein Ferienhaus. Für Mike war das Projekt zugleich eine Rückkehr zu seinen portugiesischen Wurzeln: Seine Mutter wuchs ganz in der Nähe mit neun Geschwistern auf. Die Quinta, früher ein Ort des gemeinschaftlichen Brotbackens im Dorf, benannten sie nach seiner ältesten Tochter Filippa. Aus dem privaten Vorhaben entwickelte sich über die Jahre das heutige Hotel.

Gemeinsam mit der Interior Designerin Nanouk Souren van Ramshorst gestalteten Mike Schwalbach und Nikki Mol ein Haus, in dem historische Bausubstanz und moderne Betonerweiterungen zusammenfinden. Wiederverwendetes Holz, Naturstein und natürliche Textilien prägen die Zimmer. Individuell gefertigte Möbel ergänzen die Räume. Wohnbereiche, Gärten und ein Gemeinschaftstisch führen den Gedanken eines geteilten Zuhauses weiter.

Vom Garten an den Tisch

Die Küche folgt dem, was auf dem eigenen Land und in der Umgebung gerade wächst. Gemüse und Kräuter stehen im Mittelpunkt, ausgewählter Fisch und Fleisch ergänzen das Angebot. Küchenchef Paolo bringt internationale Erfahrung mit; seine Menüs orientieren sich an der Ernte der Gärten und den Produkten regionaler Betriebe.

Frühstück, Mittag- und Abendessen gehören zum Aufenthalt. Wer Gesellschaft sucht, nimmt am Gemeinschaftstisch Platz. Für ruhigere Mahlzeiten stehen private Tische zur Verfügung. Diese Wahlmöglichkeit passt zum persönlichen Charakter des Hauses: Begegnung darf entstehen, der eigene Rhythmus bleibt.

Ein neues Mitglied mit eigener Geschichte

Mit Quinta Filippa erweitert Lifestylehotels seine Präsenz in Portugal um ein Haus, dessen Profil aus familiärer Verbundenheit, Gestaltung und dem Leben auf dem Land entsteht. Zum Aufenthalt gehören ein beheizter, 25 Meter langer Salzwasserpool, Sauna, Infrarotsaunen und Dampfbad. Pilates, persönliche Trainingsstunden und individuelle Behandlungen können das Angebot ergänzen.

Geführte Spaziergänge, Aktivitäten auf der Farm und Workshops mit lokalen Handwerkern öffnen den Blick für die Umgebung. Auch im historischen Ofen wird wieder Brot gebacken. Ein früherer Treffpunkt des Dorfes wird damit Teil der nächsten Geschichte dieses Hauses – die Quinta Filippa nun als Mitglied von Lifestylehotels weiterschreibt.

Weitere Informationen zu Quinta Filippa

Ein Palast von 1861, Porträts portugiesischer Dichter in kunstvollen Stuckdecken, zeitgenössische Kunst in historischen Räumen und ein Restaurant, das von einem der bekanntesten Romane José Saramagos inspiriert wurde. Die Geschichte des Torel Palace Porto begann lange bevor das Haus zum Hotel wurde – und genau darin liegt die Idee für das, was es heute ist.

Der Blick geht nach oben. Von der Decke eines Hotelzimmers schaut Luís de Camões zurück. Und er war schon lange dort, bevor irgendjemand entschieden hatte, dass dieser Palast einmal ein Hotel werden würde. Der Palacete Campos Navarro wurde 1861 für António de Campos Navarro als eine der prachtvollsten Privatresidenzen Portos erbaut. Das Interesse der Familie an Kunst und Literatur hinterließ Spuren im Haus: In den kunstvollen Stuckdecken fanden portugiesische Persönlichkeiten der Literatur ihren Platz. Mehr als eineinhalb Jahrhunderte später waren es genau diese Details, die mitbestimmten, welche Geschichte das Gebäude weitererzählen sollte.

Der Anfang an der Decke

Die originale Büste von Luís de Camões befindet sich noch heute in einem der Zimmer. Ebenso jene von Almeida Garrett. Sie landeten nicht in einer Vitrine, sondern wurden zum Ausgangspunkt für etwas Neues. Heute sind die 24 Zimmer und Suiten portugiesischen Schriftstellern und Dichtern gewidmet – darunter Fernando Pessoa, Florbela Espanca, Sophia de Mello Breyner Andresen, Camões und Eça de Queiroz. Zu den historischen Porträts kamen zeitgenössische Arbeiten von Jorge Curval, während in den alten Räumen überraschend moderne Elemente auftauchen.

In manchen Zimmern steht zum Beispiel ein großer, vollständig verspiegelter Kubus. Sieht aus wie zeitgenössische Kunst. Ist das Badezimmer. Und vielleicht erzählt gerade dieses Detail besonders viel über das Torel Palace Porto. Die Vergangenheit ist geblieben, aber niemand versucht so zu tun, als wäre noch immer 1861.

Was es zu bewahren galt

Zu den eindrucksvollsten historischen Elementen des Palastes gehört die Claraboia, das kunstvoll gestaltete Oberlicht über dem Gebäude. Unter ihren acht dekorativen Motiven finden sich neben pflanzlichen Elementen auch Merkur, Minerva sowie Symbole für Industrie und Schifffahrt. Ihre Restaurierung war so aufwendig, dass sich die Arbeiten am Gebäude dadurch um mehrere Monate verlängerten. Darin zeigt sich auch das Gleichgewicht, das sich durch das gesamte Haus zieht: Bestimmte Details wurden sorgfältig bewahrt, während direkt daneben etwas Neues entstehen durfte. Historischer Stuck und zeitgenössische Porträts. Camões an der Decke und ein modernes Hotel darunter. Man musste sich nicht zwischen beidem entscheiden.

Wenn man ein Buch nicht mehr liest, sondern erlebt

Die Literatur endet allerdings nicht an den Zimmertüren. Das Restaurant BLIND ist von José Saramagos Roman Die Stadt der Blinden inspiriert. Was das mehrgängige Menü bereithält, wissen die Gäste nicht im Voraus. Während des Erlebnisses kann das Sehen zeitweise in den Hintergrund treten, während Geschmack, Duft, Klang und Textur umso wichtiger werden. Literatur ist hier plötzlich nicht mehr etwas, das wir an der Decke betrachten oder im Namen eines Zimmers wiedererkennen. Sondern etwas, das wir erleben.

Eine Geschichte, die weitergeschrieben wird

Bei der Bewahrung eines historischen Gebäudes geht es schnell darum, die Zeit möglichst anzuhalten. Im Torel Palace Porto ist etwas anderes passiert. Die Camões-Büste blieb. Der Stuck blieb. Die Claraboia blieb. Gleichzeitig kamen neue Porträts zu den alten, die Namen von Schriftstellern an die Zimmertüren und aus einem Roman wurde ein kulinarisches Erlebnis. Die Geschichte des Palacete Campos Navarro endete also weder 1861 noch in dem Moment, als daraus ein Hotel wurde.

Das Torel Palace Porto geht mit seiner Vergangenheit vielmehr um wie mit einem Buch, dessen letzte Seite jemand ganz bewusst leer gelassen hat.

Damit noch Platz bleibt, sie weiterzuschreiben.

Bei Untitled Art in Houston bringt Sapar Contemporary aus New York sieben künstlerische Positionen zusammen. Zwischen Seerosen, gerissenem Papier, gewebten Flächen und Skulpturen aus Kabelbindern lässt sich entdecken, wie unterschiedlich Kunst dem Lebendigen eine Form geben kann.

Ein roter Fisch zieht durch dunkles Wasser. Um ihn herum öffnen sich Blätter und Blüten, ihre Ränder in Rosa gefasst. Mizue Sawanos „Goldfish“ ist ein guter Ausgangspunkt für diese Reise: ein Gemälde, das den Blick einfängt und ihn anschließend zwischen all den kleinen Bewegungen seiner Oberfläche wandern lässt.

Vom 2. bis 4. Oktober 2026 kehrt Untitled Art für seine zweite Houston-Ausgabe ins George R. Brown Convention Center zurück; die VIP- und Pressepreview findet am 1. Oktober statt. Die aktuelle Galerieliste umfasst 99 Teilnehmer. Sapar Contemporary zeigt an Stand E4 eine Auswahl, die mehrere Generationen, Herkunftsländer und Arbeitsweisen miteinander ins Gespräch bringt.

Vom Wasser zur Linie

Die japanisch-amerikanische Malerin Mizue Sawano hat ihre künstlerische Praxis zwischen Tokio, Paris und New York entwickelt. Naturmotive ziehen sich durch ihr Werk; ihre Ausbildung verbindet japanische und westliche Kunsttraditionen. In der Houston-Auswahl begegnen uns unter anderem „White Water lily“ von 1991, mehrere kleine Seerosenbilder von 1993 und „Freedom“ von 2010.

Schon diese zeitliche Spannweite macht neugierig. Hier erscheint Natur als ein Motiv, zu dem man über Jahrzehnte zurückkehren kann. In „Goldfish“ von 2001 treffen die flächigen Blätter auf die dunkle Tiefe des Wassers. Dazwischen setzt der Fisch einen leuchtenden Akzent. Das Auge folgt ihm und bleibt dann doch an einer Blüte hängen.

Bei Bilgé, der türkisch-amerikanischen Künstlerin Bilge Civelekoğlu Friedlaender, wird die Begegnung mit Natur abstrakter. Ihre Beschäftigung mit Horizonten, Wasser und räumlicher Weite findet ihren Ausdruck in einer reduzierten Sprache aus Linien, Papier und Zwischenräumen.

Sapar versammelt mehrere Arbeiten von 1975, darunter „Poem On a Depressed Day“, „Tide’s in #4“ und ein Werk der „Horizontal Line Life Span Series“. Papier wird dabei selbst zum gestalterischen Material: gerissen, geschichtet, mit Pastell, Bleistift oder Aquarell verbunden. Eine Linie kann gezeichnet sein – oder dort entstehen, wo ein Blatt auseinandergerissen wird. Gerade diese Nähe von präziser Setzung und unberechenbarer Materialkante macht die Arbeiten reizvoll.

Was eine Oberfläche alles kann

Mit Ethel Stein und Benigna Chilla rückt die Konstruktion der Oberfläche in den Vordergrund. Steins „Rust Abstract“ von 2005 ist eine Webarbeit aus mercerisierter Baumwolle, ausgeführt in Lampas-Technik mit Ikat-Schuss. Der dafür verwendete Webstuhl besitzt einen von der Künstlerin angefertigten Zugwebaufsatz. Hinter dem Bild steht damit auch die Entwicklung eines Werkzeugs.

Chillas „In Motion“ von 1996 kombiniert bemalte Leinwand mit zwei Lagen bemalten Siebgewebes. In „Pavage en Diagonale II“ von 2000 treffen bedrucktes und bemaltes Rohleinen auf eine weitere bedruckte Gewebeschicht. Das Bild erhält tatsächliche Tiefe. Zwischen den Ebenen entsteht Raum, und mit ihm eine zusätzliche Möglichkeit, Farbe und Struktur wahrzunehmen.

Sui Park führt diese Auseinandersetzung mit Material in eine andere Richtung. Ihre Werke „Flow Blue“ von 2025 und „Microcosm Blue-Green Gradient“ von 2026 bestehen aus handgefärbten Kabelbindern. Aus einem industriellen Alltagsprodukt entstehen skulpturale Gebilde, deren Formensprache an organische Strukturen erinnert. Die variable Größe der Arbeiten erlaubt unterschiedliche räumliche Anordnungen. Schon die Titel öffnen einen gedanklichen Raum zwischen Strömung und kleiner Welt.

Eine Geste, eine ganze Welt

Die Auswahl wird durch Sofia Cacciapaglia und Uuriintuya Dagvasambuu ergänzt. Cacciapaglias kleine Ölbilder tragen Titel wie „Gaze + Hands“, „Gaze: Red Profile“ und „Gestures: Three hands“. Blick und Handbewegung werden zum Ausgangspunkt einer Malerei, die sich auf Ausschnitte menschlicher Präsenz konzentriert.

Dagvasambuu entwickelt die mongolische Maltradition Mongol Zurag weiter. Sie verbindet traditionelle mongolische und buddhistische Motive mit gegenwärtigen Themen und dem Alltag von Frauen in ihrer Heimat. In der Messeauswahl stehen die Acrylbilder „Vignette: The Scent“ von 2025 und „Vignette: Bird’s eye view“. Ihre Titel laden dazu ein, auch an das zu denken, was ein Bild nur indirekt vermitteln kann: einen Geruch, eine veränderte Perspektive, die Erinnerung an einen Moment.

So lässt sich Sapars Präsentation als eine Folge von Begegnungen lesen. Wasser und Papier, Faden und Kunststoff, Blick und Geste: Immer wieder verändert das Material, wie wir eine Form erleben. Ein reizvoller Anlass, auf einer Kunstmesse länger bei einem einzelnen Werk zu bleiben. Vielleicht beginnt es tatsächlich mit einem Goldfisch.

Ein Hotel mit einer eigenen Handschrift. Eine Destination, die Natur und Lebensfreude zusammenbringt. Mit dem ESH Hotel & Spa erweitert Lifestylehotels seine Kollektion erstmals um eine Adresse in Costa Rica.

Manchmal erzählt ein neues Mitglied besonders viel über die Kollektion, der es sich anschließt. Beim ESH Hotel & Spa in Nosara ist das der Fall: Das Haus hat eine unverwechselbare Architektur, eine persönliche Geschichte und eine enge Beziehung zu seiner Umgebung. Für Lifestylehotels beginnt damit zugleich ein neues Kapitel – Costa Rica ist erstmals Teil des Portfolios.

Ein Haus, das man nicht vergisst

ESH liegt im Grünen nahe der Pazifikstrände Playa Guiones und Playa Pelada. Seine 29 Zimmer, Suiten und Villen verteilen sich auf Gebäude, zwischen denen Wege, Höfe und erhaltene Bäume immer wieder hinaus in die Landschaft führen. Beton, dunkles Holz und üppige Vegetation ergeben eine Architektur, die im Gedächtnis bleibt.

Hinter dem Hotel stehen Jaime und Miri Bravo. Gemeinsam haben sie einen Ort geschaffen, an dem sich Ruhe und Bewegung ganz selbstverständlich abwechseln können: ein Morgen am Pazifik, Zeit im Spa, Yoga oder ein Abend im Restaurant Almar. ESH gibt Gästen viele Möglichkeiten, Nosara auf ihre eigene Weise zu erleben.

Costa Rica fühlt sich plötzlich ganz nah an

Seit 2001 sucht Lifestylehotels nach Häusern mit eigenständigen Ideen, überzeugender Gestaltung und Gastgebern, deren Vision spürbar wird. ESH erfüllt diesen Anspruch auf eine Weise, die neugierig macht: Das Hotel ist sorgfältig gestaltet, ohne die Natur zur bloßen Kulisse werden zu lassen. Und es liegt in einem Land, das dem Schutz seiner außergewöhnlichen Landschaften einen hohen Stellenwert gibt.

Mit ESH gewinnt Lifestylehotels ein besonderes neues Mitglied – und Costa Rica einen Platz in der Kollektion. Über das Hotel, seine Menschen und die Destination gibt es noch viel mehr zu erzählen. Dies ist der Anfang.

In einem Hotelzimmer steht das Bett normalerweise an der Wand. Der Flur endet an der Zimmertür. Und wenn irgendwo etwas einen Riss bekommt, wird es repariert. Logisch. Bis man das K5 Hotel Tokio betritt. Denn hier beginnt erstaunlich vieles mit einer einfachen Frage: Warum muss es eigentlich so sein?

Ein Haus, das seine Vergangenheit nicht versteckt

1923 entsteht im Tokioter Finanzviertel Kabutochō ein Bankgebäude, entworfen vom japanischen Architekten Yoshitoki Nishimura. Fast hundert Jahre später stehen die schwedischen Architekten von Claesson Koivisto Rune im selben Haus – mit der Aufgabe, daraus etwas völlig Neues zu machen.

Sie beginnen nicht von vorne. Als das K5 Hotel Tokio 2020 eröffnet, darf man dem Gebäude sein Alter weiterhin ansehen. Roher Beton bleibt sichtbar, historische Parkettböden, Fenster, hohe Räume und Spuren verschiedener Zeiten werden bewahrt. Alt und neu versuchen hier nicht, sich gegenseitig zu verdrängen. Vielleicht funktioniert gerade deshalb so gut, was danach passiert. Denn hinter den fast hundert Jahre alten Mauern ist kein Hotel entstanden, das nur zurückblickt. Sondern ein Ort, an dem offenbar niemand Angst davor hatte, ein paar ungewöhnliche Fragen zu stellen.

Wenn Räume ihre Regeln ändern

Die Korridore wurden auf die lautere, der Straße zugewandte Seite des Gebäudes gelegt – weiter weg von den Hotelzimmern. Das Bodenmuster wiederum läuft einfach durch die Zimmertür hindurch weiter. Fast so, als hätte jemand vergessen, die Grenze zwischen Flur und Zimmer einzuzeichnen. Und dann ist da das Bett. Mitten im Raum. Darüber hängt ein großer, kreisförmiger Vorhang aus transparentem, indigogefärbtem Stoff. Zieht man ihn zu, entsteht ein eigener Raum im Raum. Öffnet man ihn wieder, gehört alles zusammen. Die Idee erinnert auch an die japanische Tradition von Tatami und Futon, bei der der Schlafplatz nicht automatisch durch ein dauerhaft an einer Wand stehendes Möbelstück bestimmt wird.

wer jetzt denkt, damit wären die ungewöhnlichen Ideen abgehakt, sollte ein paar Stockwerke nach unten gehen. Im Erdgeschoss gehen unterschiedliche gemeinschaftliche und gastronomische Bereiche ineinander über. Und im Untergeschoss versteckt sich sogar eine Beer Hall – der Tokioter Standort der Brooklyn Brewery. Oben, auf den Hoteletagen, beginnt währenddessen eine völlig andere Welt: die der Ruhe. Ein Gebäude. Unzählige Rollen. Und immer weniger Gründe, zwischen ihnen klare Grenzen zu ziehen.

Dafür gibt es sogar ein Wort

Aimai. Ein japanischer Begriff für etwas, das nicht eindeutig definiert ist. Etwas, das irgendwo dazwischenliegt. Dessen Grenze sich nicht ganz klar ziehen lässt. Die Architekten von Claesson Koivisto Rune machten genau diesen Gedanken zu einem der Grundprinzipien des K5. Und plötzlich ergibt alles, was wir bisher gesehen haben, Sinn. Der Flur darf ein bisschen Teil des Zimmers sein. Ein Raum kann mehrere Funktionen haben. Ein Vorhang kann einen neuen Raum entstehen lassen. Und ein fast hundert Jahre altes Gebäude kann gleichzeitig seine Vergangenheit bewahren und etwas völlig Neues beginnen.

Man muss sich nicht entscheiden. Vielleicht ist genau das der spannendste Teil des Designs im K5. Es funktioniert nicht deshalb, weil möglichst viele schöne Dinge darin platziert wurden. Sondern weil wir plötzlich anders auf Dinge schauen, die wir längst für selbstverständlich gehalten haben.

Ein Riss aus Gold

Früher oder später bekommt selbst die schönste Architektur einen Kratzer. Oder eben einen Riss. In den gefliesten Bereichen der oberen Etagen können durch die Bewegungen des alten Gebäudes feine Risse entstehen. Man könnte die betroffenen Fliesen austauschen und so tun, als wäre nie etwas passiert. Im K5 entschied man sich für eine andere Lösung. Die Risse werden mit Gold hervorgehoben – angelehnt an die japanische Idee des Kintsugi, bei der Beschädigungen nicht versteckt, sondern sichtbar Teil der Geschichte eines Gegenstands werden. Und eine passendere Antwort könnte dieses Haus kaum finden. Ein Gebäude von 1923 muss nicht aussehen, als wäre es 2020 gebaut worden.

Ein Hotel muss nicht nur Hotel sein. Ein Bett muss nicht an der Wand stehen. Und etwas muss nicht verschwinden, nur weil es nicht perfekt ist. Das ehemalige Bankgebäude ist heute Teil eines neuen Kapitels für Kabutochō – ein Viertel, das selbst nach einer neuen Rolle gesucht hat und bei dessen Wiederbelebung auch das K5 eine Rolle spielen sollte. Und wir? Wir haben am Ende ein neues japanisches Wort gelernt, sind im Keller einer ehemaligen Bank auf ein Bier gegangen, haben ein paar Grenzen überschritten, ohne es überhaupt zu merken, und festgestellt, dass selbst ein Riss nicht unbedingt ein Problem sein muss.

Bleibt eigentlich nur noch eine ziemlich einfache Frage: Warum eigentlich nicht?

Smart Traveller

K5 Hotel Tokio

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