Es Devlin gehört zu jenen Künstlerinnen, die den Begriff der Szenografie längst hinter sich gelassen haben. Ihre Räume sind Bühnen, Skulpturen, Landschaften und soziale Versuchsanordnungen zugleich. Im Design Museum London zeigt „Es Devlin: Other Worlds“ erstmals in Europa die Entwicklung einer 30-jährigen Praxis, die von Shakespeare bis Beyoncé, von der Oper bis zur künstlichen Intelligenz und von der großen Stadionchoreografie bis zur bedrohten Artenvielfalt reicht.

Eine Bühne ist bei Es Devlin niemals bloß Kulisse. Sie kann sich drehen, leuchten, verschwinden, sich in einen Spiegel verwandeln oder zur Projektionsfläche für Worte werden. Vor allem aber verändert sie die Position des Publikums. Diese Verschiebung vom Betrachten zum Erleben steht im Zentrum von „Other Worlds“, der ersten europäischen Retrospektive der britischen Künstlerin und Designerin im Londoner Design Museum. Vom 2. Oktober 2026 bis zum 4. April 2027 versammelt die Ausstellung Arbeiten aus drei Jahrzehnten und macht dabei etwas sichtbar, das bei den spektakulären Endprodukten leicht verloren geht: wie viel Denken, Zeichnen, Verwerfen und Modellbauen hinter dem großen Auftritt steckt.

Devlin, 1971 in London geboren, studierte zunächst Anglistik an der University of Bristol und absolvierte anschließend ein Fine-Art-Foundation-Studium am Central Saint Martins. Über den Motley Theatre Design Course fand sie schließlich zur Theatergestaltung. 1995 begann ihre professionelle Laufbahn mit Arbeiten für kleinere Londoner Bühnen, ein Jahr später erhielt sie den Linbury Prize for Stage Design. Aus der Theaterwelt führte ihr Weg über Oper und Tanz bis in jene Dimensionen, in denen Bühnenbilder zu temporären Architekturen werden.

Der entscheidende Sprung kam Mitte der 2000er-Jahre. 2005 engagierte Kanye West Devlin für seine „Touch the Sky“-Tour. Es folgten unter anderem „Glow in the Dark“ und „Watch the Throne“ mit Jay-Z. Beyoncé, Adele, U2, The Weeknd und andere Musiker kamen hinzu. Devlin entwarf keine dekorativen Hintergründe für diese Produktionen, sondern räumliche Systeme, die Musik, Körper, Bewegung, Film und Licht zu einem gemeinsamen Ereignis verschalten. Bei U2 wurde ein riesiger LED-Kubus zur beweglichen Bühne, für Beyoncé entstand etwa der rotierende Monolith der „Formation“-Tour. Ihre Arbeiten für Stadionkonzerte erreichten damit ein Publikum, das ein Theater niemals erreichen könnte.

Raum ist Erzählung

Dass Devlin trotzdem nie einfach zur Spezialistin für spektakuläre Pop-Shows wurde, liegt an ihrer Herkunft aus dem Theater. Dort ist Raum immer auch Erzählung. Ein Bühnenbild bestimmt, was gesehen wird, aus welcher Perspektive und in welchem Verhältnis sich Darsteller und Zuschauer zueinander befinden. Diese Erfahrung ist in ihrer gesamten Arbeit präsent. Das Cooper Hewitt, das 2023/24 die erste monografische Museumsausstellung über Devlin zeigte, beschreibt ihren Prozess entsprechend als eine Entwicklung vom ersten Strich auf dem Papier über Zeichnungen und Studien bis zum Modell und schließlich zur gebauten Arbeit.

In London wird dieser Prozess nun selbst zum Ausstellungsgegenstand. Die Besucher betreten zunächst eine Rekonstruktion von Devlins Studio südlich von London: Bücher, Farben, Werkzeuge, Modelle und Zeichnungen liegen dort nicht wie Reliquien einer abgeschlossenen Karriere, sondern als Material eines fortlaufenden Denkprozesses. Das „30-Year Desk“ versammelt Entwürfe, Fotografien, persönliche Gegenstände und Ephemera. „Archive Unboxed“ führt noch weiter zurück zu frühen Zeichnungen, Gemälden, Collagen, Tagebüchern und Drucken aus ihrer Schul-, Studien- und Kunstakademiezeit.

Das ist mehr als Archivpflege. Devlins Zeichnung ist kein vorbereitendes Medium, das verschwindet, sobald ein Projekt gebaut ist. Sie ist die Methode, mit der sie denkt. Das erklärt auch die eigentümliche Verwandtschaft zwischen ihren scheinbar weit auseinanderliegenden Arbeiten: Ein Motiv, eine geometrische Form oder eine räumliche Idee kann auf einer Theaterbühne, in einer Installation oder bei einem Konzert wieder auftauchen und dabei die Bedeutung verändern. Das Cooper Hewitt bezeichnet diese Arbeiten treffend als „ephemeral architectures“: Architekturen, die für einen bestimmten Moment, eine bestimmte Gemeinschaft und eine bestimmte Wahrnehmung entstehen.

Von Biodiversität bis zu den großen Krisen der Gegenwart

Zu den Arbeiten, die in London neu konfiguriert zu sehen sind, gehört „Come Home Again“. Für die Installation vor der Tate Modern entwarf Devlin 2022 einen Querschnitt durch die Kuppel von St Paul’s Cathedral. In die monumentale Form wurden Umrisse bedrohter Motten, Vögel, Käfer, Wildblumen, Fische und Pilze geschnitten und beleuchtet. Die Arbeit entstand mit Unterstützung des London Wildlife Trust. Aus einem architektonischen Wahrzeichen wird dabei eine Art überdimensioniertes Archiv des Lebens.

Hier wird eine Entwicklung sichtbar, die Devlins Arbeit in den vergangenen Jahren zunehmend geprägt hat. Ihre frühen Bühnenarbeiten kreisten um Figuren, Geschichten und Musik; ihre späteren Installationen beschäftigen sich stärker mit dem Publikum selbst und mit Fragen gemeinsamer Wahrnehmung. Biodiversität, sprachliche Vielfalt, künstliche Intelligenz und die großen Krisen der Gegenwart sind dabei keine Themen, die nachträglich auf eine Form aufgesetzt werden. Sie verändern die Form selbst.

Ein besonders prägnantes Beispiel dafür ist der britische Pavillon für die Expo 2020 in Dubai. Devlin entwarf eine 21 Meter hohe konische Struktur, deren leuchtende Fassade aus den Wörtern der Besucher gespeiste Gedichte zeigte. Ein Algorithmus erzeugte aus den eingereichten Begriffen fortlaufend neue poetische Texte. Technologie sollte hier nicht bloß spektakulär aussehen, sondern eine Form kollektiver Autorschaft ermöglichen: Die Besucher lieferten das Material, die Maschine setzte es neu zusammen.

Auch „Forest of Us“, 2021 in Miami gezeigt, folgt diesem Gedanken. Die begehbare Installation übersetzt Verzweigungen und Strukturen eines Waldes in eine räumliche, spiegelnde Geometrie. Der Mensch bewegt sich durch eine Landschaft, die ihm zugleich die eigene körperliche und gesellschaftliche Existenz zurückspiegelt. Es ist typisch für Devlin, dass solche Arbeiten zwischen Skulptur, Architektur und Bühnenbild nicht entscheiden wollen. Sie interessieren sich vielmehr für das, was zwischen diesen Disziplinen entsteht.

Aus dem Publikum wird eine Gemeinschaft auf Zeit

Devlin nennt das Publikum eine „temporary society“, eine temporäre Gesellschaft. Der Gedanke erklärt einen wesentlichen Zug ihrer Arbeit: Sie interessiert sich nicht allein dafür, was ein Werk darstellt, sondern dafür, was Menschen gemeinsam darin tun. Im Theater ist das selbstverständlich. Hunderte Personen sitzen im Dunkeln und richten ihre Aufmerksamkeit auf denselben Punkt. Devlin überträgt diese soziale Choreografie auf Museen, Plätze, Konzerthallen und öffentliche Räume. Aus dem Publikum wird eine Gemeinschaft auf Zeit.

Dass ihre Arbeiten dabei oft spektakulär aussehen, ist fast ein Nebeneffekt. Devlin beherrscht die große Geste, aber sie beginnt klein: mit Papier und Bleistift. Ihre Karriere lässt sich deshalb auch als fortlaufende Vergrößerung einer Zeichnung lesen. Aus dem Blatt wird ein Modell, aus dem Modell eine Bühne, aus der Bühne eine Installation und aus der Installation schließlich ein Raum, in dem sich andere Menschen bewegen. In dieser Hinsicht ist Devlin weniger eine Bühnenbildnerin, die Kunst macht, als eine Künstlerin, die mit den Mitteln der Bühne über Raum, Zeit und Gemeinschaft nachdenkt.

„Other Worlds“ führt diese Entwicklung nun an ihren Ausgangspunkt zurück. Das Archiv steht nicht hinter den fertigen Werken, sondern mitten in der Ausstellung. Die Entwürfe, Modelle und Notizen werden zu einer eigenen Landschaft. Dazu kommt „Infinite Library“, eine Installation aus Büchern, die nach Ende der Ausstellung an lokale gemeinnützige Organisationen gespendet werden sollen. Auch hier ist das Buch nicht bloß Objekt, sondern Teil einer Idee von Wissen als etwas, das zirkuliert und weitergegeben wird.

So betrachtet ist der Titel der Ausstellung treffend gewählt. „Other Worlds“ meint nicht die Flucht in fantastische Paralleluniversen. Es geht um die Fähigkeit, Räume so zu entwerfen, dass eine andere Wahrnehmung der Welt möglich wird. Devlin baut keine Welten, in denen man sich verliert. Sie baut Situationen, in denen man sich selbst, die anderen und den Raum zwischen ihnen plötzlich anders sieht. Dass eine solche Praxis heute im Design Museum gezeigt wird, ist konsequent. Denn Devlin arbeitet längst in jenem erweiterten Feld, in dem sich Design nicht mehr auf Gegenstände beschränkt. Ihre Materialien sind Licht und Sprache, Bewegung und Maßstab, Technologie und Erinnerung, Publikum und Zeit. Und ihre eigentliche Spezialität ist vielleicht genau jene flüchtige Form, die sich schwer sammeln lässt: der gemeinsame Moment, in dem aus vielen Einzelnen für kurze Zeit ein Publikum wird.

Es Devlin: Other Worlds
2. Oktober 2026 – 4. April 2027 · Design Museum, London
Informationen zur Ausstellung

Mehr dazu: Es Devlin und die Kunst der Verbundenheit

Beitragsbild: Es Devlin inmitten ihres Archivs. Foto: Daniel Devlin / @susakpress.

Ein neues Hotel hat einen entscheidenden Vorteil: Noch hat niemand seinen Lieblingsplatz gefunden. Im Dezember eröffnet THE GREEN in Uderns.

Ein Ort für eigene Lieblingsplätze

Die erste Frage wird also nicht lauten, ob die Bar schöner ist als der Pool, sondern wo man am liebsten sitzen bleibt. An der Evergreen Bar mit Blick auf die THE GREEN Lagoon? Auf der Terrasse? Oder doch irgendwo, wo man die anderen möglichst wenig sieht. Das Hotel liegt am Golfplatz, gleich am Wald. Daher das Green im Namen, außerdem ist es eine gelungene Beschreibung der Umgebung. Viel Grün, Berge, Wasser. Das Haus selbst hält sich mit Alpensymbolik zurück. Stattdessen liegen im Inneren Kalser Marmor und Holz nebeneinander.

Die Böden sind aus Stein, Altholzbalken ziehen sich durch die Räume, Möbel und Leuchten nehmen die runde Formensprache des Hauses auf. Es ist warm, ohne rustikal zu werden, und ziemlich durchgestylt, ohne dass man dafür den Begriff Designhotel bemühen müsste. Die Evergreen Bar bildet den Übergang nach draußen. Neben ihr liegen Pool und THE GREEN Lagoon – ein Naturbadesee, der im Sommer vermutlich schnell zum beliebtesten Treffpunkt des Hotels wird. Im Dezember dürfte sich dort eine andere Art von Gesellschaft bilden: Menschen, die nach der Sauna am Wasser stehen und überlegen, wie ernst sie es mit dem Eisbaden meinen.

Raum für alle

Das THE GREEN ist für einen Ort in den Bergen auffallend wenig auf eine bestimmte Art von Gast festgelegt. Der Spa ist den Erwachsenen vorbehalten, im Erdgeschoss liegt der familienfreundliche Infinitypool. Es gibt Kinderbetreuung, aber ebenso Rückzugsorte für jene, die im Urlaub gern vergessen, dass es Kinderbetreuung gibt. Familien können zusammen reisen, ohne ständig zusammen sein zu müssen. Der Tag lässt sich ohnehin unterschiedlich verbringen. Auf den Golfplatz gehen. Wandern. Skifahren. Im Spa bleiben. Essen. Wieder essen. Das gastronomische Konzept lässt lange Essenszeiten zu, von der Zillertaler Bauernstube bis zur Maximilian Stube, der etwas feineren Variante. Danach ist die Bar nicht weit. Im Winter liegen die Skigebiete Hochzillertal und Spieljoch in Reichweite. Wer einen Tag auf dem Berg verbringen will, kann zur Kristallhütte fahren, die wie das Hotel zur Schultz-Gruppe gehört.

Im Sommer liegt der Golfplatz vor der Tür, und das Zillertal beginnt dort, wo das Hotelareal endet. Die Zimmer sind großzügig angelegt, von Doppelzimmern bis zu Suiten mit direktem Zugang zur THE GREEN Lagoon oder eigenem Garten. Auch hier geht es weniger um alpine Dekoration als um Materialien und Raum. Holz, Marmor, Naturtöne. Dinge, die nicht erklären müssen, wo man sich befindet. Ab Dezember kann man das Haus kennenlernen, für sich entdecken und dabei seine persönlichen Rituale entwickeln. Schon jetzt wächst die prickelnde Neugier auf einen unbekannten Ort. Irgendwann wird man seinen Lieblingsplatz finden. Bis dahin kann man noch alle ausprobieren.

Design, besondere Orte, schöne Dinge und neue Perspektiven: Auch in diesem Dezember öffnet THE Stylemate jeden Tag ein Türchen. Dahinter warten ausgewählte Gewinne, die so vielfältig sind wie die Geschichten, die wir das ganze Jahr über erzählen.

Manche Geschenke bleiben länger in Erinnerung als andere. Weil sie uns an einen besonderen Ort führen. Weil sie einen festen Platz in unserem Alltag finden. Oder weil sie uns auf Ideen bringen, die wir vorher noch nicht hatten.

Genau darum geht es beim THE Stylemate Adventkalender 2026. Vom 1. bis zum 24. Dezember verlosen wir jeden Tag einen ausgewählten Gewinn aus den Bereichen Design, Fashion, Travel, Lifestyle und Kultur. Gemeinsam mit unseren Partnern möchten wir die Vorweihnachtszeit zu einer kleinen Entdeckungsreise machen.

Von schönen Dingen und besonderen Erlebnissen

Ein Coffee Table Book, das immer wieder zum Blättern einlädt. Ein Designobjekt, das man gerne in die Hand nimmt. Ein Accessoire, das zum täglichen Begleiter wird. Oder ein Aufenthalt in einem außergewöhnlichen Hotel, der noch lange nachwirkt.

Unser Adventkalender verbindet unterschiedliche Ideen davon, was ein Geschenk besonders macht. Mit dabei sind unter anderem ausgewählte Bücher von gestalten, Schreibgeräte von Kaweco, Accessoires von Secrid, Produkte von De’Longhi sowie Mode- und Designmarken, die unsere Begeisterung für Gestaltung und Qualität teilen.

Auch das Reisen hat seinen Platz: Mit Hotelaufenthalten, unter anderem im Falkensteiner Schlosshotel Velden, im Hotel La Val und im Palais Chotek in Wien, eröffnen sich Möglichkeiten, neue Orte kennenzulernen.

Jeden Tag eine neue Geschichte

Hinter jedem Türchen steht nicht nur ein Gewinn, sondern auch eine Marke, ein kreativer Gedanke oder ein besonderer Ort.

Deshalb stellen wir unsere Gewinnspielpartner auch in eigenen Beiträgen auf THE Stylemate vor. Wir erzählen, was ihre Produkte, Ideen und Geschichten interessant macht – und warum sie zu unserer Welt passen.

So wird aus dem Adventkalender mehr als eine Sammlung von Preisen: eine Einladung, jeden Tag etwas Neues zu entdecken.

So funktioniert der THE Stylemate Adventkalender

Vom 1. bis 24. Dezember 2026 wird täglich ein neues Gewinnspiel auf unserer Website sowie auf unseren Social-Media-Kanälen veröffentlicht.

Wer teilnehmen möchte, kann dies über das jeweilige Tagesgewinnspiel auf unserer Website oder über unsere Gewinnspielbeiträge auf Instagram und Facebook tun. Die Teilnahme ist kostenlos.

Jedes Tagesgewinnspiel endet am jeweiligen Tag um 23:59 Uhr. Es gelten die Teilnahmebedingungen des jeweiligen Gewinnspiels.

Vielleicht ist es ein Buch, das neue Gedanken anstößt. Vielleicht ein Gegenstand, der den Alltag ein wenig schöner macht. Oder eine Reise, die noch lange in Erinnerung bleibt.

24 Tage. 24 Türchen. Und jeden Tag eine neue Möglichkeit, sich überraschen zu lassen.

Wir wünschen viel Freude beim Entdecken und Mitmachen!

Die Ausstellung „Shringara: The Second Skin“ in New York folgt den Spuren persönlicher Schmuckkultur – von Ohrringen und Textilien bis zu Tätowierungen. Daraus entstehen Möbel und Leuchten, die Geschichten in den Wohnraum tragen.

Ein Sideboard trägt Fransen, ein Barschrank erinnert an traditionellen Ohrschmuck, auf Tischbeinen finden sich abstrahierte Tätowierungen. In der kommenden Ausstellung von House of Santal wandern Formen, die mit dem Körper verbunden sind, in die Einrichtung. Mit dem veränderten Maßstab stellt sich eine interessante Frage: Wie viel von uns selbst steckt in den Dingen, mit denen wir unsere Räume gestalten?

Am 10. November 2026 soll „Shringara: The Second Skin“ mit einer Diwali-Feier eröffnen. Für ihre dritte Ausstellung versammelt die New Yorker Galerie Designschaffende aus Indien und Pakistan, die persönliche und kulturelle Ausdrucksformen in zeitgenössisches Collectible Design übersetzen. Schmuck, Kleidung und rituelle Zeichen bilden den Ausgangspunkt für Arbeiten über Erinnerung, Schutz und Zugehörigkeit.

Die Fransen einer Persönlichkeit

Besonders anschaulich wird dieser Gedanke bei Maya, einer Konsole von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar. Nussbaum und durch Hitze gefärbter Stahl treffen auf einen üppigen Besatz aus Seidenmischfransen. Das Möbel ist angezogen. Seine textile Schicht erzählt von den Seiten einer Persönlichkeit, die wir zeigen, und jenen, die wir für uns behalten.

Auch Abin Chaudhuri aus Kolkata beschäftigt sich mit solchen Schichten. Sein Vastra Cabinet erhält eine Oberfläche aus übereinandergelegten, patchworkartig zusammengesetzten Elementen. Beim Alankaara Coffee Table nimmt er Bezug auf die Trajva-Tätowierungstradition der Rabari und überträgt deren Zeichen in abstrahierter Form auf die Tischbeine. Was ursprünglich auf der Haut getragen wird, prägt hier die Gestalt eines Alltagsgegenstands.

Vom Ohrschmuck zum Barschrank

Avani und Akshay Khurana greifen für ihren Kolam-Barschrank aus der ANI Collection auf zwei unterschiedliche Formensprachen zurück: den traditionellen Thandatti-Ohrschmuck aus Tamil Nadu und die Geometrie von Kolam-Mustern. In Teakholz und gealtertem Aluminium entwickeln sie daraus ein Möbel, das seine Referenzen über Material und Konstruktion weiterträgt.

Parminder Pal Singh aus Gurugram überführt wiederum Techniken traditioneller indischer Schmuckfertigung in Pendelleuchten. Seine Entwürfe Quilon, Madras und Mysore beziehen sich auf einen historischen Edelsteinhandelshafen in Kerala, auf gewebte Karomuster der Koromandelküste und auf die geschweiften Bögen des Palasts von Mysuru. Die Einflüsse reichen vom kleinen Schmuckstück bis zur Architektur; im Lichtobjekt erhalten sie einen gemeinsamen Maßstab.

Ein Sessel in seiner Hülle

Mit dem Verhältnis von Körper und Umfassung spielen Yousaf Shahbaz und Saira Ahsan aus Lahore. Für den Shell Chair setzen sie einen handgeschnitzten Rosenholzstuhl im Stil William IV. in einen Kubus aus gebürstetem Stahl. Die beiden Formen bleiben deutlich lesbar: innen die ausgearbeitete historische Silhouette, außen eine strenge geometrische Hülle.

Ihr Wheat Chair zeigt ein Weizenfeld aus Perlmutt auf Mahagoni. Die handbemalten Pebble Tables erinnern an Flusssteine des Ravi. Hier weitet sich die Perspektive von der persönlichen Schmuckkultur zu Landschaft und Erinnerung.

Gunjan Arora und Rahul Jain aus New Delhi bewegen sich zwischen Textil, Skulptur und Licht. Für die rund fünfeinhalb Meter lange Wandarbeit Pregnant Mysteries verwenden sie zusammengetragene Wolle, Seide, Leinen und Baumwolle. Hinzu kommen die auf Maserholz montierte Messingguss-Skulptur Aayam sowie die Lichtinstallationen Medhyaa und Ithika.

House of Santal wurde von der Designerin und Kuratorin Raksha Sanikam gegründet und widmet sich zeitgenössischem Design aus Südasien. Die Auswahl verbindet handwerkliches Wissen mit den individuellen Perspektiven heutiger Gestalterinnen und Gestalter. Bei „Shringara“ lässt sich diese Verbindung an einer einfachen Verschiebung ablesen: Fransen, Schmuckformen und Zeichen verlassen den Körper. Die Geschichten, die an ihnen haften, ziehen mit ein.

Weitere Informationen: House of Santal

Pharrell Williams macht das wechselhafte Wetter zum Ausgangspunkt der Men’s Pre-Collection Frühjahr/Sommer 2027. Zwischen gelbem Leder, scheinbar nassem Denim und einer Tasche in Regenschirmform bekommt die Reisegarderobe einen spielerischen Dreh.

Ein grauer Hoodie, der sich als Leder entpuppt. Eine Denimjacke, deren silbrige Beschichtung an eine regennasse Oberfläche erinnert. Eine Keepall mit glänzenden Tropfen, die aus dem 3D-Drucker stammen. In der Louis Vuitton Men’s Pre-Collection für Frühjahr/Sommer 2027 beschäftigt sich Pharrell Williams mit dem Wetter – und mit der Frage, wie sich dessen Spuren in Kleidung übersetzen lassen. Regen, Schlamm und wechselnde Temperaturen liefern Ideen für Materialien, Oberflächen und Formen.

Die Kollektion trägt den Titel „Whatever the Weather“ und denkt vom gepackten Koffer aus. Wer zwischen Kontinenten und Hauptstädten unterwegs ist, wechselt häufig auch Klima und Anlass. Pharrell begegnet diesen Übergängen mit einer Garderobe, in der sich klassische Herrenschneiderei, Outdoor-Elemente und die Lässigkeit von Sportswear begegnen.

Ein gelber Regenmantel aus Kalbsleder

Besonders anschaulich wird das an einem vertrauten Kleidungsstück: dem gelben Fischermantel. Seine glänzende Oberfläche entsteht hier durch Kalbsleder. Das kräftige Gelb, laut Presseunterlagen eine Lieblingsfarbe von Pharrell, taucht auch in Futterstoffen und Accessoires auf.

An anderer Stelle erhält ein voluminöser Puffermantel durch einen Stoff mit kleinem Monogram-Jacquard eine formellere Anmutung. Ein Businessanzug wird mit Gürtel getragen und wirkt dadurch entspannter. Wendbare Strickpullover zeigen auf einer Seite Zopfmuster, auf der anderen das Monogram. Ein Fleeceblouson lässt sich in seiner eigenen Vordertasche verstauen.

Diese Details geben dem Reisethema Substanz. Die Kleidungsstücke lassen sich unterschiedlich tragen, verstauen und kombinieren. Zugleich bleibt Raum für Materialluxus: Auch Hoodies, T-Shirts und Polos führt Louis Vuitton in Kaschmir aus.

Der zweite Blick auf das Material

Am interessantesten wird die Kollektion dort, wo der erste Eindruck täuscht. Für die „Trompe L’Œil Jersey“-Stücke kommt eine Drucktechnik zum Einsatz, die Leder optisch und haptisch an grauen Sweatshirtstoff annähert. Die Idee findet sich bei einem Zip-Hoodie ebenso wie bei Taschen, darunter Keepall 50, Speedy 30 und Track-Rucksack.

Ein Kaschmiranzug gibt sich als Denim aus, ein Cardigan mit Waffelstrick erinnert an Tweed. Auf einer blauen Jeansjacke und ausgewählten Schuhen simuliert ein schwammiger Gummispray Schlammspritzer. Bunte Monogram-Nähte wiederum greifen das Bild geflickter, vom Wetter beanspruchter Kleidung auf.

Pharrell nutzt die Gebrauchsspuren als gestalterisches Vokabular. Was sonst nach einer Reise am Kleidungsstück zurückbleibt, wird hier bewusst hergestellt. Darin liegt auch der Humor der Kollektion: Selbst das vermeintlich Unordentliche ist sorgfältig gearbeitet.

Zwischen New York und Paris

Ein Comicmotiv erzählt den Gedanken des wechselhaften Reisens weiter. Es begleitet einen jungen Geschäftsmann, der im sonnigen New York seinen Koffer packt. Dann zieht ein Unwetter auf, und nach dem Flug nach Paris wartet bereits die nächste Wetterlage. Die Zeichnungen erscheinen unter anderem auf Hemden, Futterstoffen, Reiseaccessoires und als Lasermotiv auf einem Denim-Workwear-Anzug.

Die Taschen greifen dazu die Materialwelt von Arbeitskleidung und Wanderausrüstung auf. Beim „Monogram Reporter“ trifft beschichtetes Canvas in verwaschen wirkendem Blau oder Gelb auf cognacfarbenes Veloursleder. Die vertraute Monogram-Oberfläche bekommt dadurch einen etwas robusteren Ausdruck.

Daneben darf das Wetter ganz buchstäblich werden: Eine Keepall 35 trägt glänzende, im 3D-Druck gefertigte Regentropfen und einen Gepäckanhänger mit Wolkenmotiv. Eine andere Tasche nimmt die Form eines Regenschirms an. Und selbst der kleine Louis-Bear-Taschenanhänger hat für diese Reise einen gelben Regenmantel bekommen.

Spiegelnder Stahl, rauer Ton und Oberflächen, die wie flüssig wirken: Der niederländische Designer entwickelt Möbel aus der unmittelbaren Arbeit mit dem Material.

Unter einer glänzenden Tischplatte hängen Tropfen, als wäre das Material mitten im Fließen erstarrt. Darunter stehen schwere Beine aus Eichenholz. Bei Osiris Hertman können Möbel gleichzeitig solide und erstaunlich beweglich erscheinen. Seine „Functional Art Collectibles“ erzählen von der Freude am Experiment – und von einem Designer, den es nach Jahren großer Architekturprojekte wieder näher an die Werkbank zieht.

In den Beinen des Cloudy Coffee Table bleiben die Spuren der Bearbeitung sichtbar. Hertman ritzt den noch weichen Schamotteton und legt dabei dessen körnige Struktur frei. Darüber liegt eine hochpolierte Edelstahlplatte mit einem unregelmäßigen, von Hand gehämmerten Rand. Die Oberfläche spiegelt den Raum; die Beine lassen beinahe spüren, wie sie sich unter den Fingern anfühlen würden.

In dieser Begegnung liegt ein wesentlicher Reiz seiner Arbeit. Glanz und Rauheit, Gewicht und optische Leichtigkeit stehen unmittelbar nebeneinander. Man erkennt einen Tisch und beginnt doch, ihn wie eine Skulptur zu betrachten. Beim Cloudy Coffee Table bleibt sogar die Nutzung offen: Mit seiner lang gestreckten Form bewegt er sich zwischen Couchtisch, Bank und skulpturalem Objekt.

Zurück in die Werkstatt

Der 1972 in Tilburg geborene und in Haarlem ansässige Designer studierte an der Design Academy Eindhoven. Zu seinen prägenden Lehrenden zählt er Lidewij Edelkoort, Marcel Wanders und Ulf Moritz. Seine frühe Waldorf-Ausbildung beschreibt er als Grundlage eines intuitiven Zugangs, bei dem sich Ideen im Umgang mit Werkstoffen entwickeln.

Schon nach dem Studium verbrachte Hertman die Abende in Holzwerkstätten, Keramikstudios und Metallateliers. Es ging darum, Techniken kennenzulernen und durch das Machen herauszufinden, welche Möglichkeiten in einem Material stecken. Später beanspruchten internationale Architektur- und Interiorprojekte einen großen Teil seiner Aufmerksamkeit.

Heute arbeitet er weiterhin an Projekten auf Curaçao, in Italien und Portugal. Parallel dazu hat die unmittelbare Arbeit am Objekt wieder mehr Raum bekommen. Spontane Skizzen bilden den Ausgangspunkt; gemeinsam mit erfahrenen Handwerkern übersetzt er sie in Möbel. Die Werkstatt wird dabei zum Ort, an dem sich eine Zeichnung bewähren und verändern darf.

Ein Schrank, der den Raum aufnimmt

Beim Liquid Drop Cabinet gehört die Umgebung zur Gestaltung. Seine spiegelnde Oberfläche nimmt Licht, Raum und die Menschen davor auf. Mit jeder Bewegung verändert sich das Erscheinungsbild des Möbels.

Der Edelstahl wird von Hand gehämmert und geformt, sichtbare Kupferschweißnähte zeichnen die Verarbeitung nach. Hertman mischt die Pigmente selbst und trägt sie intuitiv auf die spiegelnde Fläche auf. Tropfenartige Formen verstärken den Eindruck eines Materials, das zwischen flüssigem und festem Zustand verharrt.

Die geschwungene Silhouette hat dabei eine konkrete gestalterische Vorgeschichte. Hertman verweist auf die organischen Formen des französischen Art-déco-Gestalters André Groult und auf Marc Newsons „Pod of Drawers“ von 1987. Aus dieser Auseinandersetzung entsteht ein Schrank, dessen Wirkung sich erst im Zusammenspiel mit seinem Standort entfaltet. Das Liquid Drop Cabinet ist auf zehn Exemplare zuzüglich zweier Artist’s Proofs und eines Prototyps limitiert.

Auch die Liquid-Drift-Tische spielen mit unserer Wahrnehmung von Material. Bei einer Variante tragen massive Beine aus zusammengesetzten europäischen Eichenblöcken eine dünne, wellenförmige Platte. Andere Ausführungen stehen auf hohlen, hoch gebrannten Schamottobeinen. Die Platte darüber erinnert an eine Wasseroberfläche, während die Stützen ihr sichtbar Gewicht und Halt geben.

Handarbeit mit offenem Ausgang

Wie breit Hertman den Begriff des Machens versteht, zeigt das Balancing Pebbles Totem. Für die rund 2,25 Meter hohe Arbeit lässt er große Roboterarme kieselförmige Elemente mit einer geflochten wirkenden Oberfläche herstellen. Aufeinandergestapelt erinnern sie an balancierende Steine; ihre Struktur ruft zugleich handwerklich geflochtene Körbe in Erinnerung.

Die Technik erweitert hier das Repertoire der Werkstatt. Hertman bringt Farbe nach Gefühl in den Prozess ein und verbindet die maschinelle Herstellung mit jener intuitiven Arbeitsweise, die auch seine Möbel bestimmt.

Seine Objekte sollen lange genutzt und weitergegeben werden. Ihre Oberflächen tragen diesen Gedanken auf unterschiedliche Weise: als sichtbare Schweißnaht, als eingeritzte Tonspur oder als Spiegelbild, das sich mit dem Raum verändert. Gerade dort, wo das Material am deutlichsten bearbeitet wurde, bleibt der Blick am längsten hängen.

Über die Welten, die wir in uns tragen. Und jene, die sich öffnen, sobald wir genauer hinsehen.

Wir sprechen viel darüber, wie wir leben wollen. Über gutes Essen, schöne Orte, bewusstes Reisen und die Balance zwischen Arbeit und Freizeit. Doch fühlen wir uns dabei auch lebendig? Mit „WORLDS WITHIN“ widmet sich THE Stylemate dieser Frage – in Begegnungen mit Kunst, in gemeinsam verbrachter Zeit und an Orten, die unsere Wahrnehmung verändern.

Ein Blick kann eine Geschichte in Gang setzen. Eine Bühne kann verändern, wie wir uns als Teil einer Gemeinschaft erleben. Ein gemeinsames Essen kann uns näher an den Alltag heranführen, durch den wir sonst so schnell hindurchgehen. Die neue Printausgabe von THE Stylemate folgt solchen Momenten. Unter dem Titel WORLDS WITHIN erkundet sie, was hinter dem unmittelbar Sichtbaren liegt und was geschieht, wenn wir uns darauf einlassen.

Aliveness, die Lebendigkeit, bildet dabei den gedanklichen Ausgangspunkt. Sie zeigt sich in Neugier, in Begegnungen und in der Bereitschaft, etwas zunächst offen zu lassen. Vier Geschichten aus der Ausgabe machen das auf unterschiedliche Weise spürbar.

Mercedes Helnwein: Die Geschichte entsteht im Blick

Die jungen Frauen in Mercedes Helnweins Bildern scheinen etwas für sich zu behalten. Ein Blick, eine Körperhaltung, eine kleine Verschiebung im Vertrauten: Ihre Malerei eröffnet Situationen, deren Vorgeschichte und Ausgang ungewiss bleiben. Selbst die Künstlerin kennt nicht immer die ganze Geschichte des Moments, den sie festhält.

Im Gespräch mit Nina Prehofer erzählt Helnwein von dieser Offenheit und von der Freiheit, die sie sich heute in ihrer Arbeit erlaubt. Wer ihre Bilder betrachtet, bringt eigene Erinnerungen, Vermutungen und Empfindungen mit. So entwickelt sich das Werk im Kopf des Gegenübers weiter. Ein passender Auftakt für eine Ausgabe über die vielen Welten, die in ein und demselben Bild liegen können.

Es Devlin: Räume, die etwas mit uns machen

Auch bei Es Devlin bleibt das Publikum am Geschehen beteiligt. Die britische Künstlerin entwirft Bühnen und Installationen, in denen Licht, Sprache, Bewegung und Architektur zusammenkommen. Ihre Räume beeinflussen, wohin wir schauen, wie wir uns bewegen und wie wir andere Menschen wahrnehmen.

Unser Beitrag folgt ihrem Denken vom ersten Strich auf dem Papier bis zum gemeinsamen Erlebnis. Zwischen Theater, Konzert und begehbarer Installation entstehen Situationen, die Menschen für einen Moment verbinden. Dabei rückt eine Frage in den Vordergrund, die weit über die Bühne hinausreicht: Wie verändert sich die Welt, wenn wir unsere Position in ihr verändern?

Plum Village: Das Leben findet auch am Küchentisch statt

Gemüse schneiden, Reis kochen, den Tisch decken. In Plum Village, der buddhistischen Gemeinschaft im Südwesten Frankreichs, bekommen diese vertrauten Tätigkeiten Zeit und Aufmerksamkeit. Gemeinsames Essen und das anschließende Abwaschen gehören zu einer Praxis des Zusammenlebens, die mitten im Alltag beginnt.

Ausgehend vom The Plum Village Cookbook erzählt die Geschichte von einer Küche, in der sich kulturelle Wurzeln, die Arbeit vieler Menschen und die Bedingungen der Natur begegnen. Lebendigkeit kann hier in einem Gespräch liegen, für das wir uns Zeit nehmen. Oder in dem kurzen Moment, in dem wir bemerken, wie gut etwas schmeckt.

ESH Hotel: Wo die Landschaft ins Haus kommt

In Nosara an der Pazifikküste Costa Ricas führt uns die Ausgabe ins ESH Hotel & Spa. Zwischen Sichtbeton, Holz und tropischem Grün verläuft die Landschaft durch Innenhöfe, über Treppen und entlang schattiger Wege mitten durch das Haus. Schon der Gang von einem Bereich in den nächsten wird Teil des Aufenthalts.

Das Hotel aus der Lifestylehotels Selection verbindet Gestaltung mit einer Umgebung, die ihren eigenen Rhythmus hat. Yoga, Wasser und die Nähe zum Dschungel lenken die Aufmerksamkeit auf den Körper und auf das, was uns umgibt. Die Geschichte öffnet damit eine weitere Perspektive auf das Reisen: auf Orte, an denen wir wieder empfänglicher für unsere Umwelt werden.

Ein wenig mehr Welt hereinlassen

Diese vier Beiträge geben einen ersten Einblick in THE Stylemate 03|2026. Gemeinsam mit weiteren Geschichten aus Kunst, Mode, Design und Reisen erkunden sie, wie vielfältig Lebendigkeit sein kann. Die Ausgabe gibt diesen Gedanken auch auf Papier Raum: in großzügigen Bildern, aufgeschlagenen Doppelseiten und einem Format, das man in die Hand nimmt, faltet und wieder hervorholt.

Vielleicht beginnt mehr Leben manchmal damit, einer Sache etwas länger Aufmerksamkeit zu schenken. Einem Bild. Einem Menschen. Einem Ort. Und zuzulassen, dass daraus etwas entsteht, das vorher noch nicht feststand.

THE Stylemate 03|2026 – WORLDS WITHIN. Entdecke die neue Ausgabe im THE Stylemate Shop.

Der Entwurf des führenden dänischen Architekturbüros BIG für Ungarns neues Naturkundemuseum orientiert sich ganz an der Natur. Als innovativer Holzbau mit integrierter nachhaltiger Technologie wird es im jahrhundertealten Großen Wald von Debrecen entstehen.

Naturgeschichte in einem Holzgebäude zu präsentieren, das von Natur umgeben ist und einen klaren Schwerpunkt auf Nachhaltigkeit legt, klingt nach einer ausgezeichneten Idee. Dieser Ansicht war offensichtlich auch die Jury des internationalen Wettbewerbs für den Entwurf des neuen Ungarischen Naturkundemuseums – und entschied sich deshalb für den Entwurf des führenden Architekturbüros Bjarke Ingels Group (BIG). Das dänische Büro setzte sich gegen renommierte Mitbewerber wie Zaha Hadid Architects, 3XN und Mecanoo durch, die ebenfalls Vorschläge für dieses spannende Projekt im jahrhundertealten Großen Wald von Debrecen eingereicht hatten.

Vielfalt und Umweltschutz vermitteln

Der Entwurf, den BIG gemeinsam mit seinen ungarischen Partnern Vikár és Lukács eingereicht hat, ist tatsächlich sehr harmonisch. Und das Konzept entspricht nahezu perfekt der Vision der Jury, wie sie deren Vorsitzender Zsolt Bernert, Generaldirektor des Museums, beschreibt: „Das Ziel des Ungarischen Naturkundemuseums ist es, dass das neue Ausstellungsgebäude zu Ungarns führendem Ort für die Vermittlung von Umweltschutz, Biodiversität und nachhaltiger Entwicklung wird.“ Und darüber hinaus ein „Erlebnis“ zu bieten, das jedes Jahr Hunderttausende Besucher anziehen soll.

Der Neubau wird die bestehende Institution in Budapest ersetzen. Zudem soll er die Vision der Regierung unterstützen, Debrecen bis 2030 als bedeutendes regionales Zentrum für Bildung und Kultur zu etablieren. Er wird auf einem ehemaligen Sportgelände am Rand des Großen Waldes von Debrecen (ungarisch: Nagyerdő) errichtet. Mit anderen Worten: in einem Naturschutzgebiet, das nach seinen riesigen, uralten Bäumen benannt ist, in einem beliebten Naherholungsgebiet, das zahlreiche geschützte Pflanzen- und Tierarten beherbergt.

Naturwunder, passend präsentiert

BIG-Gründer Bjarke Ingels beschreibt den Siegerentwurf seines Büros als eine „Kreuzung von Wegen und Abstammungslinien“: „Sich kreuzende Landschaftsbänder überlagern sich und schaffen eine Reihe von Nischen und Lebensräumen, Hallen und Galerien, wobei Innen und Außen, das Intime und das Gigantische nahtlos ineinander übergehen.“

Das Ergebnis ist laut dem Architekten ein von Menschen geschaffener Hügel auf einer Waldlichtung: „Geometrisch klar und doch sanft organisch – ein angemessenes Zuhause für die Wunder der Natur.“

Das neue Naturkundemuseum besteht aus drei sich überschneidenden Elementen, die sich als Teil der Landschaft nach oben und unten wölben. Mit einer Holzkonstruktion und einer Fassade aus verkohltem Holz sind einige Bereiche in den Boden eingelassen, während andere aus dem Waldboden emporragen. So soll sich der Neubau optisch in den umgebenden Park einfügen, während seine geneigten Dächer Besucher dazu einladen, einzutreten und weite Ausblicke über die Stadt zu genießen.

Zwischen Wald und Stadt

Aus welcher Richtung sich Besucher auch nähern: Das Architekturkonzept von BIG sorgt dafür, dass sie auf offene Flächen, gewundene Waldwege und Ausblicke treffen, die durch das Gebäude hindurch und über dieses hinweg gerahmt werden. Der Komplex ist von allen Seiten zugänglich und fügt sich nahtlos sowohl in das städtische Gefüge als auch in die umgebende Naturlandschaft ein. Der Eingangsbereich des Naturkundemuseums wird durch einen großzügigen Platz im Süden hervorgehoben, der als Treffpunkt und für Museumsaktivitäten vorgesehen ist.

Im Inneren dient die Eingangshalle als zentraler Orientierungspunkt und gewährt Einblicke in die umliegenden Ausstellungsflügel. Diese umfassen fünf Bereiche für Dauerausstellungen und einen für Wechselausstellungen und öffentliche Programme, die radial angeordnet sind. Im Obergeschoss befinden sich eine Bibliothek und ein Restaurant. Beide bieten einen ungehinderten Blick auf die Baumkronen des Waldes.

Erleben und Forschen

Im Untergeschoss ist ein Lernzentrum geplant, das Raum für Workshops, Spielbereiche und Forschungslabore für Studierende, Familien und Mitarbeitende bietet. Darüber hinaus zeigen die Innenraumentwürfe ein markantes, zum Thema passendes Ambiente: Räume mit hohen Decken, die von sichtbaren Holzoberflächen und gefliesten Böden geprägt sind.

„Wir haben uns das Ungarische Naturkundemuseum als integralen Bestandteil seiner Umgebung vorgestellt, der von der umgebenden Landschaft geformt wird und diese zugleich selbst formt“, erklärt BIG-Partnerin Hanna Johansson. Die Holzkonstruktion mit ihrer Fassade aus lokal bezogenen, verkohlten Holzpaneelen, die aus dem Boden emporragen, wird die Grenzen zwischen Architektur und Wildnis verschwimmen lassen. Dass das Projekt jede Schädigung seiner natürlichen Umgebung vermeidet, versteht sich von selbst.

Die Natur im Mittelpunkt

Doch wie Johansson betont, geht der Entwurf von BIG über den bloßen Schutz der Umwelt hinaus: „Anstatt das Gelände lediglich zu bewahren, stellt das Gebäude es wieder her und wertet es auf – es regeneriert die Biodiversität und passt sich dabei unaufdringlich seiner Umgebung an.“ Der siegreiche Wettbewerbsbeitrag zeigt zumindest teilweise, wie all dies erreicht werden soll.

Die Pläne für das neue Ungarische Naturkundemuseum, das eine Fläche von 23.000 Quadratmetern umfassen wird, zeigen, dass das Gebäude teilweise in den Großen Wald selbst eingebettet wird, um seinen Flächenbedarf zu minimieren. Die geneigten Gründächer werden mit heimischen Arten bepflanzt und bieten Lebensraum für die lokale Flora und Fauna. Sie sollen den Park außerdem optisch über das Museum hinaus erweitern. Die Vegetation erstreckt sich über das gesamte Gelände und bis in das Gebäude hinein und schafft Räume, in denen Menschen das ganze Jahr über entspannen und zusammenkommen können.

Nachhaltige Technologie

Eines der zentralen Elemente des Entwurfs ist die Nutzung der thermischen Masse des Erdreichs. Der neue Holzbau integriert Energiesysteme vor Ort, darunter geothermische Kreisläufe und Photovoltaikanlagen, um das ganze Jahr über ein stabiles Raumklima zu gewährleisten.

Dass BIG-Gründer und Kreativdirektor Bjarke Ingels eine derart persönliche Begeisterung für dieses Projekt zeigt, überrascht vielleicht wenig. Schließlich verriet der dänische Stararchitekt unmittelbar nach Bekanntgabe des Wettbewerbsergebnisses: „Naturgeschichte ist ein Thema, das mir am Herzen liegt – so sehr, dass ich meinen ältesten Sohn Darwin genannt habe. In diesem Sinne ist es eine große Ehre, mit dem Entwurf des Ungarischen Naturkundemuseums im Großen Wald von Debrecen betraut worden zu sein.“

Holzbau mit Bildungsauftrag

Die Arbeit von BIG an Bhutans Mindfulness City ist ein weiteres Beispiel dafür, wie behutsam Ingels und sein Team Projekte in sensiblen Umgebungen angehen. Spätestens seit dem spektakulären Projekt CopenHill in Kopenhagen ist das Büro weltweit für seine fachkundige Arbeit an innovativen und nachhaltigen Lösungen bekannt. Entsprechend gespannt wird Ungarns neues Naturkundemuseum erwartet. Als wertvolle Entwicklung für den Großen Wald, der seit Jahren unter Problemen wie Dürre, illegaler Müllentsorgung und der Ausbreitung invasiver Arten leidet. Und als Beispiel für nachhaltigen Holzbau, der in diesem Fall die Natur nicht nur schützt, sondern sie auch unterstützt und den Besuchern näherbringt.

Text: Elisabeth Schneyder
Übersetzung: Rosemary Bridger-Lippe
Bilder: BIG

Eine Outdoor-Küche prägt den Garten auch dann, wenn gerade niemand kocht. Mit dem Dome Gen 2 verbindet Gozney eine klare Formensprache mit Möglichkeiten, die über Pizza und Sommerabende hinausgehen.

Im Sommer gehört das Kochen im Freien fast selbstverständlich dazu. Sobald die Tage kürzer werden, verlagert sich das Leben wieder nach drinnen. Dabei gibt es durchaus Gründe, den Ofen auf der Terrasse weiter zu nutzen: ein Schmorgericht, ein Laib Sauerteigbrot oder Zimtschnecken für den Sonntagnachmittag. Die Presseagentur von Gozney regt diesen saisonalen Perspektivwechsel für die Dome Gen 2 Reihe an.

Ein fester Platz im Garten

Mit seiner gewölbten Silhouette und der offenen Front bleibt der Dome als Ofen erkennbar. In den Farben Bone und Off Black lässt er sich in unterschiedliche Terrassen- und Gartenkonzepte einfügen. Das ist bei einer Outdoor-Küche durchaus relevant: Anders als Geschirr oder Kochutensilien verschwindet sie nach dem Essen selten aus dem Blick.

Die zweite Generation des 2021 eingeführten Dome ist in zwei Größen erhältlich. Dome (Gen 2) und Dome XL (Gen 2) schaffen zusätzlichen Platz für größere Gerichte oder mehrere Speisen gleichzeitig. So lässt sich die Feuerstelle auch für ein Essen nutzen, bei dem die Pizza einmal keine Rolle spielt.

Zimtschnecken statt Sommerpause

Beide Modelle können mit Holz, Gas oder Holzkohle betrieben werden. Ein Digitaldisplay zeigt Luft- und Steintemperatur an, zwei Kerntemperaturfühler unterstützen beim Garen. Das optionale Wood-Fire Control Kit erlaubt eine gezieltere Steuerung der Luftzufuhr beim Einsatz von Holz oder Holzkohle.

Für Brot, Gebäck oder langsam gegarte Gerichte braucht es jeweils einen anderen Umgang mit der Hitze. Darin liegt der Reiz, den Ofen über die gewohnte Pizzarunde hinaus zu entdecken. Im Herbst und Winter darf die Zubereitung draußen stattfinden, während drinnen bereits der Tisch gedeckt ist. Und der Duft warmer Zimtschnecken passt ohnehin zu beiden Orten.

Mehr Informationen: Gozney

Die französische Schauspielerin über Kreativität, Intuition und die unsichtbaren Welten, die ihren Blick prägen – und ihre Rolle als künstlerische Leiterin von Oh La La! bei der Art Basel Paris 2026.

Die Natur folgt ihren eigenen Rhythmen, ihrer eigenen scheinbaren Unordnung. Philippine Leroy-Beaulieu fühlt sich darin zu Hause. Im Gewächshaus des Pariser Jardin des Plantes spricht die Schauspielerin über Schönheit, künstlerische Freiheit und jene Dinge, die wir spüren, ohne sie ganz zu verstehen.

International bekannt als Sylvie Grateau aus Emily in Paris, wuchs Leroy-Beaulieu in Rom auf, umgeben von den Künstlerfreunden ihrer Eltern. Eine Kindheit, die ihre Neugier und ihren Sinn für Freiheit förderte – und bis heute ihren Blick auf die Welt prägt.

„Ich tue mir schwer mit einer Welt, die zu starr und standardisiert ist“, erzählt sie NOWNESS. „Für mich ist das Leben etwas viel … Wellenförmigeres.“

Raum für das Unerwartete

Als künstlerische Leiterin der diesjährigen Initiative Oh La La! bei der Art Basel Paris bringt Leroy-Beaulieu diese Offenheit in die Galerieräume. Das zweitägige Programm lädt Galerien dazu ein, ihre Messestände neu zu gestalten und mit anderen Werken neue Perspektiven und Gespräche anzustoßen.

Unter dem Thema Myths and Legends präsentieren 45 Galerien Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern wie Nina Childress, Leonora Carrington, Ed Ruscha und Diedrick Brackens.

Was Leroy-Beaulieu an Kunstschaffenden fasziniert, ist ihre Bereitschaft, sich auf etwas einzulassen, das über das eigene Verständnis hinausgeht. Sie beschreibt eine Offenheit gegenüber dem Unbekannten – und die Fähigkeit, vertraute Sichtweisen durch neue Erfahrungen infrage stellen zu lassen.

Ein Gespür für das Unsichtbare

Zwischen den Pflanzen kehren ihre Gedanken zur Natur zurück: zur Ordnung in deren scheinbarem Chaos und zu Verbindungen, die sich dem Auge entziehen und dennoch spürbar werden. Intuition und plötzliche Eingebungen lenken ihre Aufmerksamkeit.

„Die andere Welt, die unsichtbare Welt, zieht immer wieder meine Aufmerksamkeit auf sich“, sagt sie. „Ich weiß, dass sie existiert; ich brauche dafür nicht einmal einen Beweis.“

In dieser Folge von Inner Worlds zeichnet NOWNESS das persönliche Porträt einer Schauspielerin, deren Neugier weit über die Leinwand hinausreicht – bis in jenen schwer greifbaren Bereich, in dem Empfindung zu Vorstellungskraft wird.

Über NOWNESS
NOWNESS ist ein globaler Videokanal für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen, der mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden zusammenarbeitet.