Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Zwischen Wasser und Alpen, Obstgärten und Architektur zeigt sich der Bodensee von einer Seite, die man vielleicht viel öfter entdecken sollte. Im Seegut Zeppelin bei Friedrichshafen bekommt die alte Idee der Sommerfrische eine überraschend zeitgemäße Interpretation – und für THE Stylemate Leser gibt es mit dem Smart Traveller einen besonders guten Grund, sie selbst zu erleben.

Ein See, vier Länder und ziemlich viel Freiheit

Vielleicht liegt der besondere Reiz des Bodensees darin, dass er sich nie so ganz festlegen lässt. Deutschland? Österreich? Schweiz? Ein kleiner Abstecher nach Liechtenstein? Am Bodensee werden Grenzen erstaunlich nebensächlich.

Viel wichtiger ist das Wasser.

Mal liegt es glatt und beinahe silbern vor einem, mal verschwindet das gegenüberliegende Ufer im Dunst, und an klaren Tagen bildet das Alpenpanorama eine Kulisse, die daran erinnert, wie außergewöhnlich die Lage dieses Sees eigentlich ist. Dazu kommen Weinberge und Obstgärten, historische Städte, zeitgenössische Kultur und eine Landschaft, die sich hervorragend mit dem Fahrrad, zu Fuß oder vom Wasser aus entdecken lässt.

Vielleicht ist genau das die schönste Art, den Bodensee zu bereisen: ohne allzu großen Plan.

Am Vormittag mit dem Schiff über den See, am Nachmittag durch einen Garten spazieren, ein Museum besuchen oder einfach irgendwo am Ufer sitzen und beobachten, wie Segelboote langsam am Horizont verschwinden.

Friedrichshafen fügt dieser Landschaft noch eine weitere Dimension hinzu: den Pioniergeist. Die Geschichte der Zeppeline ist bis heute eng mit der Stadt verbunden. Das Zeppelin Museum besitzt auf rund 4.000 Quadratmetern die weltweit größte Sammlung zur Geschichte der Luftschifffahrt, während das Dornier Museum ein Jahrhundert Luft- und Raumfahrtgeschichte erzählt. Und wer möchte, kann die Region sogar aus jener Perspektive erleben, die Friedrichshafen berühmt gemacht hat: aus der Luft, bei einem Flug mit einem Zeppelin.

Die neue Sommerfrische

Ein paar Kilometer außerhalb des Zentrums von Friedrichshafen liegt Fischbach. Und hier, direkt am See, findet sich ein Ort, der erstaunlich gut zum Bodensee passt: das Seegut Zeppelin, Member of Lifestylehotels.

Vier Hektar Landschaftspark, jahrhundertealte Bäume und ein eigener Zugang zum Bodensee bilden die Kulisse. Dazwischen stehen eine historische Villa und vier zurückhaltende zeitgenössische Gebäude.

Interessanterweise begann die Geschichte dieses Ortes lange bevor hier Hotelgäste eincheckten. 1907 kaufte der Reutlinger Textilfabrikant Gustav Gminder das Grundstück als „Sommerfrische“ für seine Familie und ließ die Villa Gminder errichten. Nach einer wechselvollen Geschichte wurde das Anwesen umfassend revitalisiert.

Heute könnte man sagen: Die Sommerfrische ist zurück.

Nur sieht sie im 21. Jahrhundert etwas anders aus.

Architektur, die sich zurücknimmt

Die denkmalgeschützte Villa Gminder bildet noch immer das historische Herz des Seeguts. Um sie gruppieren sich Haus Ferdinand, Haus Helene, Haus Isabella und Haus August – benannt nach Mitgliedern der Familie von Zeppelin.

Ihre dunkel lasierten Fichtenholzfassaden und begrünten Zeltdächer versuchen nicht, mit der Landschaft zu konkurrieren. Im Gegenteil: Die Architektur nimmt sich bewusst zurück.

Das ist vielleicht eine der angenehmsten Eigenschaften des Seegut Zeppelin. Hier wurde nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst wenig Fläche unterzubringen. Der eigentliche Luxus ist Raum.

Raum zwischen den Häusern. Raum unter alten Bäumen. Raum am Wasser.

Die insgesamt 62 Zimmer öffnen sich mit Balkon oder Terrasse zum Garten oder zum See. Holz, natürliche Materialien und eine ruhige Gestaltung holen etwas von der Landschaft nach innen. Und dann ist da immer wieder dieser Blick hinaus – ins Grün, zwischen die Bäume oder über den Bodensee.

Vom Garten auf den Teller

Auch kulinarisch spielt die Umgebung eine zentrale Rolle.

Das Restaurant Pinus befindet sich in der historischen Villa Gminder mit ihren neugotischen Gewölben und der großzügigen Seeterrasse. Sein Sharing-Konzept stellt das gemeinsame Essen in den Mittelpunkt.

Der Schwerpunkt der Küche liegt auf kreativen vegetarischen Gerichten. Fisch und Fleisch werden bewusst als Ergänzung eingesetzt; Fleischprodukte stammen überwiegend aus einer Nose-to-Tail-Verarbeitung. Vieles beginnt jedoch direkt vor der Tür: Der Garten des Seeguts ist Teil der kulinarischen Idee.

Vielleicht passt gerade dieses Teilen besonders gut zu einem Haus, das ohnehin weniger vom klassischen Hotelbetrieb als vom Gefühl eines großzügigen Anwesens lebt.

Am besten: nichts vorhaben

Natürlich könnte man vom Seegut Zeppelin aus die gesamte Bodenseeregion erkunden. Zur Insel Mainau fahren. Museen besuchen. Wandern. Rad fahren. Mit dem Schiff den See überqueren.

Man könnte.

Man darf aber genauso gut bleiben.

Im Garten einen Platz unter den Bäumen suchen. Zum privaten Seezugang spazieren. Schwimmen. Lesen. Im Garten Spa in Haus Isabella in die Sauna gehen, eine Massage buchen oder im Yoga-Raum der Villa ein wenig Zeit verbringen.

Und irgendwann stellt sich jene besondere Form von Luxus ein, die heute vielleicht kostbarer geworden ist als vieles andere: Man muss gerade nirgendwo hin.

Smart Traveller: ein guter Grund für den Bodensee

Für Leserinnen und Leser von THE Stylemate gibt es noch einen zusätzlichen Grund, das Seegut Zeppelin kennenzulernen. Über unseren Smart Traveller Gutschein bieten wir eine spezielle Ermäßigung für einen Aufenthalt im Seegut Zeppelin. Die Idee dahinter ist einfach: besondere Hotels zu besonderen Konditionen selbst erleben.

Und vielleicht ist der Smart Traveller diesmal auch eine Einladung, eine Destination neu zu betrachten.

Denn der Bodensee muss nicht unbedingt die Reise sein, die man irgendwann einmal macht. Vielleicht ist er genau die Reise, die man jetzt machen sollte.

Und wenn wir uns dafür eine Adresse aussuchen dürften?

Dann würden wir ziemlich gerne unter den alten Bäumen des Seegut Zeppelin sitzen, hinüber zum Wasser schauen und die alte Kunst der Sommerfrische wiederentdecken.

Zwei Künstler, zwei Generationen und ein gemeinsames Thema: der Mensch. Die ALBERTINA Wien bringt Pablo Picasso und Francis Bacon in einer großen Ausstellung zusammen – und zeigt, wie aus Bewunderung ein künstlerisches Ringen wurde.

Was bleibt vom Menschen, wenn man seine äußere Form nicht länger als unverrückbare Wahrheit begreift? Wenn ein Gesicht auseinanderfällt, ein Körper sich verdreht und Schönheit plötzlich nichts Harmonisches mehr sein muss?

Pablo Picasso und Francis Bacon haben darauf sehr unterschiedliche Antworten gefunden. Und doch führt ihr Werk immer wieder an denselben Ort: zum Menschen in all seiner Widersprüchlichkeit. Zu Begierde und Angst, Gewalt und Verletzlichkeit, Körper und Psyche.

Die Ausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“, die vom 18. September 2026 bis 31. Januar 2027 in der ALBERTINA Wien zu sehen ist, stellt die beiden großen figurativen Maler des 20. Jahrhunderts einander gegenüber. Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen machen sichtbar, wie eng ihre künstlerischen Welten miteinander verbunden sind – obwohl zwischen ihnen keine Beziehung auf Augenhöhe bestand.

Der übermächtige Vorgänger

Für Francis Bacon begann vieles mit Picasso. Unter dem Eindruck von dessen Werk fasste er den Entschluss, selbst Maler zu werden. Picasso wurde zum Vorbild – und damit zwangsläufig auch zu jener Figur, von der Bacon sich emanzipieren musste.

Das Verhältnis lässt sich als künstlerischer Generationenkonflikt lesen. Picasso hatte die menschliche Figur zerlegt, Perspektiven aufgebrochen und den Körper von der Verpflichtung befreit, die sichtbare Realität abzubilden. Bacon konnte diese Revolution nicht ignorieren. Er musste dort beginnen, wo Picasso bereits gewesen war – und versuchen, weiterzugehen.

Sein Anspruch war entsprechend groß: Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das werden, was Picasso für dessen erste Hälfte gewesen war – ein Chronist seiner Zeit und vor allem des Menschen darin.

Picasso wiederum blieb von Bacon künstlerisch unbeeinflusst. Dessen Karriere verfolgte er dennoch aufmerksam. Allein dieser Umstand macht die Gegenüberstellung faszinierend: Hier begegnen einander nicht Lehrer und Schüler, sondern zwei Künstler, zwischen deren Werken ein Dialog entstand, ohne dass er jemals tatsächlich geführt werden musste.

Der Körper als Schauplatz

Bei beiden wird der menschliche Körper zum Material. Er wird zerlegt, deformiert, neu zusammengesetzt und von seiner anatomischen Selbstverständlichkeit befreit. Doch diese Verzerrungen führen nicht vom Menschen weg. Im Gegenteil: Gerade dort, wo die äußere Ähnlichkeit verloren geht, scheint etwas Inneres sichtbar zu werden.

Picassos Körper können zugleich aus mehreren Perspektiven bestehen, Bacons Figuren scheinen unter der Oberfläche ihrer eigenen Existenz zu vibrieren. Gesichter werden zu Bewegungen, Münder zu Schreien, Körper zu Zuständen.

Themen wie Kreuzigung, Stierkampf, Akt oder die „Tränen des Eros“ tauchen in den Bildwelten beider Künstler auf. Schmerz und Begehren liegen dabei erstaunlich nahe beieinander. Der Körper ist nicht bloß Hülle, sondern Austragungsort dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Verbindung zwischen Picasso und Bacon: Beide misstrauen der intakten Oberfläche.

Schönheit nach der Schönheit

Heute begegnen wir menschlichen Körpern häufiger denn je als optimierten Bildern. Gesichter werden geglättet, Proportionen korrigiert, digitale Oberflächen perfektioniert. Vor diesem Hintergrund besitzen Picasso und Bacon eine überraschende Aktualität.

Ihre Bilder verweigern die Idee, dass der Mensch erst durch Perfektion interessant wird. Sie suchen Wahrheit nicht in Symmetrie oder Makellosigkeit, sondern in Brüchen, Verschiebungen und Ambivalenzen.

Das macht ihre Kunst nicht unbedingt angenehm. Aber vielleicht muss Kunst das auch nicht sein.

„Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ erzählt letztlich weniger von zwei großen Namen der Kunstgeschichte als von einer Frage, die sich nicht erledigt hat: Wie sieht ein Mensch aus, wenn man nicht nur seine Oberfläche zeigen möchte?

Picasso und Bacon geben darauf keine eindeutige Antwort. Sie zerlegen den Menschen, um ihm näherzukommen.

Und vielleicht liegt gerade darin ihre eigentümliche Form von Humanismus.

Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human
18. September 2026 – 31. Januar 2027
ALBERTINA Wien

Wenn alte Mauern neue Geschichten erzählen

Spanien wird oft mit Küsten, Tapas und mediterraner Lebensfreude verbunden. Weniger bekannt ist jedoch, dass einer der größten Schätze des Landes bereits vor Jahrhunderten entstanden ist. Historische Landgüter, Paläste und Residenzen erzählen von einem Spanien, das bis heute bewahrt werden konnte.

Die fünf Häuser der Vestige Collection machen genau diese Welt erlebbar. Von den historischen Anwesen Mallorcas und Menorcas bis zu den geschichtsträchtigen Gebäuden Asturiens verbindet sie eine gemeinsame Idee: der Vergangenheit neues Leben zu schenken, ohne ihren ursprünglichen Charakter zu verlieren.

Das Erbe vergangener Jahrhunderte

Wer durch Spanien reist, bemerkt schnell etwas Besonderes. In vielen Regionen stehen noch heute Gebäude, die seit Jahrhunderten Teil ihrer Landschaft sind. Klöster, Herrenhäuser, historische Residenzen und Landgüter sind erhalten geblieben, ohne zu Museen zu werden. Für viele Spanier gehört das kulturelle Erbe nicht nur zur Geschichte, sondern zum Alltag.

Die Hotels der Vestige Collection folgen genau diesem Gedanken. Sie erschaffen keine neuen Geschichten – sie führen bestehende weiter.

Was ist eigentlich eine Finca?

Wer Mallorca oder Menorca besucht, begegnet diesem Begriff früher oder später. Ursprünglich bezeichnete eine Finca ein ländliches Gut oder einen landwirtschaftlichen Betrieb, der oft über Generationen hinweg von derselben Familie bewirtschaftet wurde. Diese Orte waren weit mehr als Wohnhäuser. Sie bildeten das Zentrum des täglichen Lebens, der Landwirtschaft und der Gemeinschaft und prägten die Kultur der spanischen Inseln über Jahrhunderte hinweg.

Das Vestige Son Vell und das Vestige Son Ermita & Binidufà bewahren dieses Erbe bis heute. Hier werden historische Architektur, Natur und mediterrane Lebensart Teil derselben Geschichte.

Die spanische Kunst des Bewahrens

Kaum ein anderes Land Europas hat so viele historische Gebäude erhalten wie Spanien. Einen wichtigen Beitrag dazu leistete unter anderem das sogenannte Parador-System. Im Laufe des 20. Jahrhunderts wurden zahlreiche Burgen, Klöster, Paläste und historische Gebäude nicht aufgegeben oder abgerissen, sondern in Hotels verwandelt. Das Ziel war ebenso einfach wie wirkungsvoll: architektonisches Erbe bewahren und gleichzeitig für kommende Generationen erlebbar machen.

Die Vestige Collection gehört zwar nicht zum Parador-Netzwerk, folgt jedoch demselben Grundgedanken. Jeder ihrer Standorte erzählt ein anderes Kapitel spanischer Geschichte. Während das Vestige Son Vell und das Vestige Son Ermita & Binidufà die Welt mediterraner Landgüter widerspiegeln, zeigen das Vestige Miramar, das Vestige Palacio de Figueras und das Vestige Santa Ana, wie historische Gebäude neues Leben erhalten können, ohne ihren ursprünglichen Charakter zu verlieren.

Geschichte zum Anfassen

Die meisten Menschen begegnen Geschichte in Museen. Sie lesen Informationstafeln, betrachten Ausstellungsstücke und reisen anschließend weiter. Es gibt jedoch Orte, an denen Vergangenheit auf andere Weise erlebbar wird. Ein Abend auf einem historischen Landgut, ein Spaziergang durch jahrhundertealte Gärten oder eine Übernachtung in einem Gebäude mit langer Geschichte erzählen oft mehr über ein Land als jeder Reiseführer. Genau das macht solche Orte so besonders. Man besucht Geschichte nicht nur – man wird für einen Moment Teil von ihr.

Orte, die bleiben

Nach einer Reise erinnern wir uns oft an beeindruckende Ausblicke, besondere Begegnungen oder außergewöhnliche kulinarische Erlebnisse. Die schönsten Reisen sind jedoch häufig jene, bei denen wir eine echte Verbindung zu einem Ort und seiner Geschichte aufbauen. Die Häuser der Vestige Collection sind weit mehr als außergewöhnliche Hotels. Jedes von ihnen bewahrt ein Stück jenes Spaniens, das sich über Jahrhunderte hinweg entwickelt hat und bis heute spürbar geblieben ist.

Die Schönheit eines Ortes beeindruckt oft im ersten Moment. Seine Geschichte begleitet uns jedoch noch lange danach.

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.

Wie Architektur den Einzelhandel in eine kulturelle Erfahrung verwandelt

Shopping galt lange als rein funktionaler Vorgang. Heute entstehen an den bedeutendsten Einkaufsadressen der Welt Räume, die weit mehr sein wollen als Verkaufsflächen. Sie verbinden Architektur, Kunst, Handwerk und Markenidentität zu kulturellen Erlebnissen, die Städte prägen und Besucher inspirieren.

Genau diese Entwicklung würdigt der Prix Versailles mit seiner Liste der World’s Most Beautiful Emporiums 2026. Sieben außergewöhnliche Flagship Stores aus Asien, Europa und den USA zeigen, wie Retail zum kulturellen Raum werden kann – und weshalb der stationäre Handel gerade im digitalen Zeitalter eine neue Bedeutung gewinnt.

Wenn Marken Architektur erzählen

Seit seiner Gründung untersucht der Prix Versailles die Schnittstelle zwischen Architektur, Kultur, Nachhaltigkeit und Wirtschaft. Gerade Flagship Stores übernehmen dabei zunehmend eine Rolle, die früher Museen oder Galerien vorbehalten war: Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und schaffen Orte, an denen Menschen Marken physisch erleben können.

Statt standardisierter Verkaufsflächen entstehen Gebäude, die selbst zu Sehenswürdigkeiten werden. Architektur wird dabei nicht zum Selbstzweck, sondern zum Ausdruck der Identität einer Marke.

Sieben Stores, sieben völlig unterschiedliche Welten

Die diesjährige Auswahl führt einmal um den Globus.

In Peking interpretiert Christian de Portzamparc das Haus Dior als skulpturales Gebäude, dessen Fassade von den Stoffbahnen inspiriert ist, mit denen Christian Dior einst seine Entwürfe entwickelte.

In Paris beweist RH Champs-Élysées gemeinsam mit Foster + Partners, dass Möbelhandel ebenso spektakulär inszeniert werden kann wie Kunst. Bibliothek, Restaurant, Dachterrasse und Galerie verschmelzen zu einem hybriden Kulturort.

Ebenfalls in Paris schafft Saint Laurent Montaigne unter der kreativen Leitung von Anthony Vaccarello einen Ort zwischen historischer Architektur, Sammlerkultur und zeitgenössischer Kunst.

Im Tokioter Stadtteil Ginza verbindet Tiffany & Co. japanische Gestaltung mit fast zweihundert Jahren Markengeschichte. Die wellenförmige Glasfassade und das lichtdurchflutete Innere machen das Gebäude selbst zum Schmuckstück.

Im Miami Design District übersetzt Cartier tropische Landschaften in Architektur. Organische Formen, sanfte Farben und eine skulpturale Glasfassade schaffen eine beinahe traumartige Atmosphäre.

In Beverly Hills setzt Dior auf Gärten, Licht und Offenheit. Der Flagship Store wirkt eher wie ein Museum als ein klassisches Luxusgeschäft.

Und in New York verbindet Issey Miyake japanischen Minimalismus mit der historischen Architektur des New York Life Buildings. Der Store wird durch eine Galerie ergänzt, die künftig wechselnde Ausstellungen präsentieren wird und damit den kulturellen Anspruch der Marke unterstreicht.

Der Store als kulturelle Destination

Auffällig ist, dass kaum eines der ausgezeichneten Projekte ausschließlich dem Verkauf dient.

Bibliotheken, Restaurants, Galerien, Kunstinstallationen, Dachterrassen oder öffentliche Aufenthaltsbereiche erweitern den klassischen Retail-Gedanken. Einkaufen wird zur Erfahrung, Architektur zum Medium und der Besuch selbst zum eigentlichen Ereignis.

Damit reagieren Luxusmarken auf eine Entwicklung, die weit über den Handel hinausgeht: Produkte lassen sich heute nahezu überall kaufen. Ein einzigartiges Erlebnis hingegen entsteht nur an einem Ort.

Architektur als emotionales Markenerlebnis

Die Auswahl des Prix Versailles zeigt eindrucksvoll, wie sich Luxus verändert. Exklusivität entsteht längst nicht mehr allein über Produkte, sondern über Atmosphäre, kulturelle Relevanz und architektonische Qualität.

Die schönsten Flagship Stores der Welt verkaufen deshalb weit mehr als Mode, Schmuck oder Möbel. Sie inszenieren Identität, schaffen Inspiration und machen Architektur selbst zum Erlebnis.

Ein Boutiquehotel im Herzen von Kopenhagen verbindet Theater, Design und dänische Gastfreundschaft zu einer Atmosphäre, die ebenso kultiviert wie entspannt ist.

Versteckt in einer ruhigen Seitenstraße nahe dem Königlichen Theater entfaltet das Hotel Sanders seine ganz eigene Inszenierung von Luxus. Hier verschmelzen nostalgischer Charme, britisch inspirierte Eleganz und skandinavische Gelassenheit zu einem Ort, der sich eher wie ein stilvolles Zuhause als wie ein klassisches Hotel anfühlt.

Eine Vision aus der Welt des Theaters

Hinter dem Hotel steht der ehemalige Balletttänzer Alexander Kølpin, der viele Jahre am Royal Danish Ballet tanzte, bevor er sich der Hotellerie widmete. Mit Sanders verwirklichte er 2017 seine Vision eines Hauses, das die Atmosphäre eines privaten Clubs mit der kulturellen Geschichte Kopenhagens verbindet.

Das Gebäude selbst blickt auf eine lange Vergangenheit zurück: Ursprünglich im Jahr 1869 als drei Stadthäuser errichtet, beherbergte es später das traditionsreiche Hotel Opera, bevor es umfassend renoviert und als Boutiquehotel neu interpretiert wurde.

Kølpin beschreibt das Konzept gerne als eine Art Bühne – ein Ort, an dem Gäste die Hauptrolle spielen, während Interieur und Architektur die stilvolle Kulisse bilden.

Design zwischen Nostalgie und kosmopolitischem Flair

Für das Interieur arbeiteten die Londoner Designer Lind + Almond eng mit Kølpin zusammen. Ihr Ansatz verbindet Elemente des dänischen Mid-Century-Designs mit britischen und kolonialen Einflüssen und einer subtilen Pariser Eleganz.

Warme Farben, maßgefertigte Möbel, Vintage-Holzstücke und handgewebte Teppiche prägen die Räume. Kerzenlicht, Kamine und gedämpftes Licht schaffen eine Atmosphäre, die typisch für das dänische Gefühl von Hygge ist – gemütlich, intim und dennoch kultiviert.

Mit rund fünfzig Zimmern und Suiten bleibt Sanders bewusst überschaubar. Jedes Zimmer wirkt individuell gestaltet und vermittelt die Anmutung einer eleganten Kopenhagener Privatwohnung.

Kulinarische Treffpunkte im Haus

Das Hotel versteht sich nicht nur als Rückzugsort für Reisende, sondern auch als lebendiger Treffpunkt der Stadt.

Im Sanders Kitchen stehen saisonale Gerichte und frische Zutaten im Mittelpunkt, während die TATA Cocktail Bar mit gedämpftem Licht und klassischer Barkultur zu einem der stilvollsten Orte für einen Drink in Kopenhagen zählt.

Ein besonderes Highlight ist der begrünte Rooftop Wintergarten, der sich über den Dächern der Stadt öffnet und morgens wie abends eine entspannte Atmosphäre bietet.

Ein Hotel im kulturellen Herzen Kopenhagens

Die Lage gehört zu den größten Vorzügen des Hotels. Nur wenige Schritte entfernt liegen der Nyhavn-Kanal, das Königliche Theater, das Schloss Amalienborg sowie zahlreiche Museen, Galerien und Restaurants.

Damit wird Sanders zu einem idealen Ausgangspunkt, um die kreative Energie Kopenhagens zu entdecken – von Design über Gastronomie bis zur zeitgenössischen Kunst.

Stilvolle Gelassenheit

Hotel Sanders verkörpert eine Form von Luxus, die weniger laut als vielmehr atmosphärisch ist. Statt opulenter Inszenierung setzt das Haus auf Wärme, Persönlichkeit und eine intime, fast wohnliche Atmosphäre.

Es ist genau diese Balance aus Design, Kultur und Gastfreundschaft, die Sanders zu einem der stilvollsten Boutiquehotels der nordischen Metropole macht.

Zwischen historischer Villa und zeitgenössischer Galerie: Casa Polanco verbindet Architektur, Kunst und mexikanisches Design zu einem der persönlichsten Boutiquehotels der Stadt.

Mexico City gehört zu den kreativsten Metropolen der Welt. Kunst, Design und Architektur prägen das urbane Leben ebenso wie die kulinarische Szene oder die lebendige Kulturgeschichte. Mitten im eleganten Viertel Polanco – nur wenige Schritte vom weitläufigen Chapultepec Park entfernt – liegt ein Ort, der diese kulturelle Energie in eine außergewöhnlich intime Hotelerfahrung übersetzt: Casa Polanco.

Das Boutiquehotel versteht sich weniger als klassisches Luxushotel, sondern vielmehr als stilvolles Stadthaus für Reisende mit Sinn für Kunst, Architektur und Design.

Eine Villa aus den 1940er-Jahren

Casa Polanco befindet sich in einer sorgfältig restaurierten Villa aus den 1940er-Jahren, deren Architektur vom spanisch-kolonialen Stil geprägt ist. Historische Details wurden behutsam bewahrt und durch einen modernen Anbau ergänzt.

Mit nur 19 Zimmern und Suiten bleibt die Atmosphäre bewusst intim – eher wie in einer privaten Residenz als in einem Hotel. Die Räume greifen klassische Elemente der ursprünglichen Villa auf und verbinden sie mit zeitgenössischem Design, warmen Materialien und ruhigen Farbpaletten.

Das Ergebnis ist eine Architektur, die Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbindet – elegant, ruhig und zeitlos.

Kunst als Teil der Hotelidentität

Was Casa Polanco besonders prägt, ist die intensive Verbindung zur Kunst. Das Haus versteht sich als eine Art „living gallery“, in der zeitgenössische mexikanische Kunst integraler Bestandteil der Räume ist.

Gemälde, Skulpturen und fotografische Arbeiten begleiten Gäste durch das gesamte Gebäude – von den Zimmern bis zu den Salons. Die kuratierte Sammlung präsentiert ausgewählte Positionen der modernen mexikanischen Kunst und eröffnet Einblicke in unterschiedliche künstlerische Perspektiven des Landes.

Zu den vertretenen Künstlern zählt unter anderem Ricardo Mazal, dessen Arbeiten sich mit Spiritualität, Landschaft und Erinnerung beschäftigen. Die Kunstwerke sind dabei nicht nur dekorative Elemente, sondern erzählen Geschichten über kulturelle Identität, Tradition und zeitgenössische Ausdrucksformen Mexikos.

Mexikanisches Handwerk und Design

Neben der Kunst spielt auch das Handwerk eine zentrale Rolle im Konzept des Hauses. Viele Möbelstücke, Textilien und Objekte wurden von mexikanischen Kunsthandwerkern und Designern gefertigt.

Holzböden aus Walnussholz, maßgefertigte Möbel und handgewebte Stoffe schaffen eine Atmosphäre, die zugleich luxuriös und authentisch wirkt. Die Innenräume wirken dadurch weniger wie ein standardisiertes Hotelinterieur, sondern vielmehr wie ein sorgfältig gestaltetes Zuhause.

Design, Kunst und Architektur treten hier in einen stillen Dialog miteinander.

„Esta es tu casa“

Das Hospitality-Konzept orientiert sich an einer typisch mexikanischen Form der Gastfreundschaft. Oft hört man zur Begrüßung den Satz „Esta es tu casa“ – „Fühl dich wie zu Hause“.

Genau dieses Gefühl prägt auch Casa Polanco. Statt großer Hotelhallen finden sich hier ruhige Salons, eine Bibliothek mit Blick auf den Park und gemeinschaftliche Räume, die eher an ein privates Haus erinnern.

In einer Stadt mit über zwanzig Millionen Einwohnern entsteht so ein überraschend persönlicher Rückzugsort.

Ein kultureller Ausgangspunkt in Mexico City

Die Lage im Viertel Polanco macht Casa Polanco zudem zu einem idealen Ausgangspunkt für kulturelle Entdeckungen. Einige der wichtigsten Museen der Stadt liegen in unmittelbarer Nähe – darunter das Museo Nacional de Antropología und das Museo Tamayo.

So verbindet das Hotel auf besondere Weise zwei Perspektiven auf Mexico City: die Energie einer der spannendsten Kulturmetropolen der Welt und die Ruhe eines eleganten Refugiums.

Wie eine visionäre Kuratorin Architektur, Gemeinschaft und zeitgenössische Kunst miteinander verwebt

Es gibt Menschen, die Museen nicht nur leiten – sondern neu definieren. Thelma Golden, amerikanische Kuratorin und seit Jahrzehnten die prägende Gestalt hinter dem Studio Museum in Harlem, gehört zweifellos dazu.
Ihr Wirken hat den Blick auf zeitgenössische Kunst von Menschen afrikanischer Herkunft verändert und die kulturelle Identität Harlems als lebendigen Resonanzraum gestärkt.

Mit der Wiedereröffnung des Museums in einem neu errichteten, maßgeschneiderten Gebäude beginnt nun ein Kapitel, das die Vergangenheit ehrt und zugleich die Zukunft öffnet: ein Ort, der räumlich wie spirituell in Harlem verwurzelt ist – und die Vision von 1968 weiterträgt, als das Museum von Künstler:innen, Aktivist:innen und der Community gegründet wurde.

Ein Haus, das seine Geschichte atmet – und neue Räume schafft

Im NOWNESS-Film Inner Worlds führt Golden durch den Neubau und spricht über den Weg von der jahrelangen Schließung bis zur Wiedereröffnung.
Das Gebäude, konzipiert als offenes, lichtdurchflutetes Gefüge, ist nicht bloß Hülle – es ist Manifest:

„Wir wollten, dass das Gebäude widerspiegelt, was das Studio Museum immer gewesen ist – und zugleich neue Räume schafft, die so viel mehr ermöglichen.“
– Thelma Golden

Schon seit seinen Anfängen ist das Studio Museum ein Ort, der Künstler:innen afrikanischer Herkunft ins Zentrum stellt, an dem Nachbarschaft und zeitgenössische Kunst einander begegnen, an dem Zugänglichkeit kein Programm, sondern Haltung ist.

Der Neubau erweitert diesen Anspruch: mehr Raum für Ausstellungen, für Residenzen, für Begegnungen – und damit auch für neue Stimmen.

Eine Institution im Wandel – geführt von einer Frau, die Wandel verkörpert

Der Film zeichnet nicht nur das Museum, sondern auch Golden selbst als Katalysator ab:
eine Kuratorin, die Erinnerung bewahrt und Zukunft möglich macht, die architektonische Vision in gesellschaftliche Bedeutung übersetzt und deren Arbeit die Beziehung zwischen Kunst, Identität und Gemeinschaft präziser denn je sichtbar macht.

Inner Worlds fängt diesen Übergang ein – jenen Moment, in dem eine Institution zurückkehrt, sich öffnet und gleichzeitig neu erfindet.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine preisgekrönte, kuratierte Video-Plattform für Kunst, Design, Kultur und zeitgenössisches Storytelling. Sie präsentiert außergewöhnliche Kurzfilme internationaler Kreativer und gilt als eines der einflussreichsten digitalen Medienformate für ästhetische und kulturelle Trends.

Zur Wiener Staatsoper – eine neue Adresse für urbane Eleganz im Herzen der Stadt

Es gibt Orte in Wien, an denen sich die Stadt von ihrer konzentriertesten, beinahe verdichteten Seite zeigt. Orte, an denen Geschichte und Gegenwart ineinanderfließen, an denen Stimmen, Schritte, Kultur und leises Flanieren ein eigenes Stadtbild weben. Genau hier, wenige Meter von der Wiener Staatsoper entfernt, hat ein neues Boutiquehotel seine Türen geöffnet: Zur Wiener Staatsoper – ein Haus, das in seiner Zurückhaltung auffällt und in seiner Eleganz Ruhe ausstrahlt.

Wien im Radius eines Spaziergangs

Das Hotel liegt in einer jener Lagen, in denen man die Stadt nicht sucht – sie findet einen.
Früh am Morgen weht der Klang der Opernproben über den Ring. Menschen strömen zur Albertina, Cafés öffnen ihre Türen, die Kärntner Straße erwacht. Das Hotel liegt mitten im Rhythmus Wiens und bleibt doch ein stiller Pol.

Wer hier wohnt, befindet sich in einem Radius, der sich wie eine Sammlung intensiver Eindrücke anfühlt:

• die barocke Geste der Albertina,
• die imperiale Weite der Ringstraße,
• die steinernen Geschichten des Stephansdoms,
• die Kunstschätze im Kunsthistorischen Museum,
• das geschäftige Treiben am Naschmarkt.

Alles ist nah, alles erreichbar – nicht als Checkliste, sondern als natürlicher Teil des Tages.

Boutique-Charakter mit Wiener Haltung

Das Hotel zeigt Wiener Eleganz, wie sie heute verstanden wird: nicht laut, nicht imposant, sondern konzentriert, warm und präzise.
Holz, ruhige Farben, feine Texturen, ein Hauch klassischer Formen – es ist ein Haus, das Gesten statt Effekte setzt.

Der Salon, in dem das Frühstück serviert wird, wirkt wie ein Raum, in dem Zeit sich freiwillig verlangsamt. Hier beginnt der Tag mit einem Gefühl von Gelassenheit, das man inmitten einer Großstadt selten findet.

Ein Ort für Entdecker – und für jene, die Wien schon kennen

Zur Wiener Staatsoper ist weniger ein Ausgangspunkt als eine Haltung:
ein Aufenthalt, der die Stadt nicht nur zeigt, sondern spürbar macht.
Die Nähe zu den großen Bühnen, Museen und historischen Straßen macht den Aufenthalt zu einem weichen Eintauchen in die Essenz Wiens – für Erstbesucher genauso wie für Kenner.

Ein Angebot zum Kennenlernen – exklusiv bei THE Stylemate

Zum Start hält THE Stylemate ein kleines Highlight bereit:
einen Smart Traveller Voucher, ideal, um das Haus in Ruhe kennenzulernen – oder um jemanden zu beschenken, der Wien schon immer einmal in dieser Intensität erleben wollte.
Ein eleganter Einstieg in ein Hotel, das nicht versucht, zu blenden, sondern zu begleiten.