In Los Angeles hat die Boutiquehotelgruppe Casetta eine Kirche aus dem Jahr 1931 in ein Hotel mit 25 Zimmern verwandelt. Das Hotel Lucile bewahrt Buntglasfenster, Kreuz und Kirchengewölbe – und schenkt Silver Lake einen neuen Ort für Kunst, Kulinarik und Begegnung.

Es gibt Gebäude, deren Geschichte sich nicht einfach überschreiben lässt. Sie bleibt in den Mauern, im Licht, in der besonderen Stille eines Raumes. Beim neuen Hotel Lucile in Los Angeles ist sie allgegenwärtig: in den hohen Gewölben, den restaurierten Buntglasfenstern, den alten Holzbalken und selbst im Kreuz auf dem Dach, das weiterhin bei Nacht leuchtet.

Fast ein Jahrhundert lang prägte die 1931 errichtete Bethany Presbyterian Church die Ecke von Lucile Avenue und Griffith Park Boulevard. Nach wechselnden Nutzungen und mehreren Jahren Leerstand begann für das Gebäude nun ein neues Kapitel. Die kalifornische Boutiquehotelgruppe Casetta verwandelte die ehemalige Kirche und das zugehörige Gemeindehaus in ein intimes Hotel mit 25 Zimmern, Restaurant, Café, Pool und Dachterrasse. Am 14. September 2026 öffnete das Hotel Lucile offiziell seine Türen.

Eine behutsame Form der Verwandlung

Für Architektur und Interior Design zeichnet das in Venice ansässige Studio Electric Bowery unter der Leitung von Lucia Bartholomew und Cayley Lambur verantwortlich. Ihr Entwurf folgt keiner inszenierten Kirchenästhetik. Vielmehr bewahrt er die Würde und räumliche Kraft des Bestands, während neue Farben, Möbel und Kunstwerke eine selbstbewusste Gegenwart einziehen lassen.

Die ursprünglichen Holzböden, Stahlfenster, Bögen und Deckenkonstruktionen wurden weitgehend erhalten. Juwelentöne treffen auf warmes Holz, historische Details auf maßgefertigte Sitzlandschaften und Vintage-Mobiliar. Electric Bowery beschreibt die Atmosphäre als eine Verbindung aus europäischer Villa, Ausstellungshaus und dem privaten Zuhause eines Galeristen – ein Ort, der kultiviert wirkt, ohne die entspannte Haltung von Los Angeles zu verlieren.

Wo früher die Gemeindeschule untergebracht war, liegen heute die Gästezimmer. Die Kategorien reichen vom kompakten Petit King über Signature- und Loft-Zimmer bis zur rund 50 Quadratmeter großen Lucile Suite mit Wohnbereich und privatem Innenhof. Helle, bewusst reduzierte Räume, Vintage-Stücke, handgefertigte Leuchten, Parachute-Bettwäsche und Pflegeprodukte von Aesop bestimmen das Bild.

Ein Hotel als bewohnte Galerie

Kunst ist im Hotel Lucile nicht Dekoration, sondern Teil der Identität. Mehr als 100 zeitgenössische Arbeiten sind über das Haus verteilt, viele davon können erworben werden. In den Zimmern und Gemeinschaftsräumen finden sich Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Los Angeles; wechselnde Ausstellungen und Artist-in-Residence-Programme sollen das Hotel langfristig mit der lokalen Kulturszene verbinden.

Besonders eindrucksvoll sind zwei großformatige Wandgemälde der klassisch ausgebildeten Ölmalerin Erin Lynn Welsh. Eines erinnert in tiefen Rottönen an den Eaton Canyon und die verheerenden Brände von 2025, das andere übersetzt die heimische Vegetation des Elysian Park in eine grüne Landschaft. So wird das Haus auch zu einem visuellen Porträt seiner Stadt.

Southern France trifft American South

Das räumliche und gesellschaftliche Zentrum des Hotels befindet sich im ehemaligen Kirchenschiff. Dort ist mit Sous Sous ein Restaurant entstanden, das südfranzösische Küche mit kulinarischen Einflüssen aus den amerikanischen Südstaaten und kalifornischen Produkten verbindet.

Chef Patrick Costa und Beverage Director Lee Zaremba servieren unter anderem Austern mit Espelette-Pfeffer, Bouillabaisse, Hush Puppies mit Honigbutter sowie Gemüse vom Farmers Market. Einige Kräuter wachsen direkt im Dachgarten des Hotels. Die Bar erinnert mit ihrer hohen, symmetrischen Form subtil an eine Kirchenorgel; auf der Karte stehen französische Weine kleiner Produzenten und Cocktails wie eine Green Tomato Margarita oder eine mit Kokos verfeinerte Interpretation des Sazerac.

Der frühere Chorraum wurde zu einer Lounge für Kaffee und Drinks, der Orgelboden dient heute als Meeting- und Veranstaltungsbereich. Hinzu kommen ein kleiner, beinahe verborgen wirkender Pool und eine nur Hotelgästen zugängliche Dachterrasse mit Blick über Silver Lake bis zur Skyline von Downtown Los Angeles.

Ein kleines Haus für die Nachbarschaft

Casetta – der Name bedeutet auf Italienisch „kleines Haus“ – hat sich auf die Wiederbelebung charaktervoller Gebäude spezialisiert. Zum Portfolio gehören unter anderem Casa Cody in Palm Springs, The Surfrider in Malibu, The Pearl in San Diego, Marina Riviera am Big Bear Lake und Hotel Willa in Taos.

Auch das Hotel Lucile möchte nicht allein Unterkunft sein. Sunday Brunches, Ausstellungen, ein Run Club, lokale Field Guides und kulturelle Programme sollen Gäste und Nachbarschaft zusammenbringen. Das ist gerade in Silver Lake von Bedeutung: Das kreative Viertel im Osten von Los Angeles besitzt zwar eine lebendige Restaurant-, Design- und Musikszene, verfügte bisher jedoch nur über wenige anspruchsvolle, kleinere Hotels.

Das Hotel Lucile gibt dem Viertel nun einen Ort, der seine Geschichte nicht museal konserviert, sondern weiterleben lässt. Aus einem ehemaligen Gotteshaus ist wieder ein Haus der Gemeinschaft geworden – offen für Reisende, Künstler, Nachbarn und all jene, die Los Angeles lieber aus der Nähe als aus der Distanz kennenlernen.

Das belgische Studio Monad Origin verwandelt Frequenzen in Möbel, Skulpturen und räumliche Erfahrungen. Während der Berlin Art Week zeigt das Duo Nick Peeters und Anujin Byambaa mit WITNESS, wie aus etwas Unsichtbarem etwas Bleibendes entstehen kann.

Ein Ton ist flüchtig. Er entsteht, breitet sich aus und verschwindet. Für Monad Origin ist genau das der Ausgangspunkt einer ungewöhnlichen Designpraxis.

Das belgische Studio von Nick Peeters und Anujin Byambaa übersetzt rohe Klangfrequenzen in physische Formen. Tische, Sessel, Gefäße und Skulpturen entstehen nicht aus klassischen Entwürfen oder Moodboards, sondern aus den geometrischen Strukturen von Vibration.

Function follows Frequency

Bei Monad Origin beginnt Design nicht mit einer Funktion, sondern mit einer Frequenz. Diese wird in räumliche Parameter wie Proportion, Spannung, Volumen und Leere übersetzt. Erst danach entscheidet sich, ob aus einer Form ein Tisch, ein Sitzmöbel oder vielleicht doch eine reine Skulptur wird.

Die Objekte wirken dadurch weniger entworfen als entdeckt. Selbst ihre Namen dokumentieren den Prozess: Study for a Lounge Chair (B) [14Hz | 15Hz | 14Hz] verweist direkt auf jene Frequenzen, aus denen die Form hervorgegangen ist.

Ein besonders schönes Beispiel ist der Side Table [30Hz 0.4y – 26Hz 0.8y] aus Aluminium. Monad Origin beschreibt ihn als eingefangenen Moment der Resonanz – beinahe als Fossil einer Frequenz.

Von Brüssel nach Berlin

2026 präsentierte Monad Origin seine Arbeiten bereits bei COLLECTIBLE Brussels, bei FORMA während des Madrid Design Festival und bei SOLIDIFIED im Rahmen der Milan Design Week.

Nun folgt mit WITNESS während der Berlin Art Week eine weitere Entwicklung der Idee.

Vom 9. bis 13. September bespielt Monad Origin den neuen Kunstraum DISTILL in Berlin-Neukölln. Die Ausstellung erweitert das Prinzip über Designobjekte hinaus: Skulptur, Licht, Vibration und live erzeugte Bilder treffen aufeinander. Klang wird hier nicht nur in Materie übersetzt, sondern auch in Bewegung und Raum.

Zu den neuen Arbeiten zählen der Wing Lounge Chair, entstanden aus dem Frequenzintervall 16,4 bis 17,3 Hz, sowie die Aluminiumserien Talisman und Vessels.

Die persönlichste Frequenz

Besonders spannend ist die Möglichkeit, ein individuelles Artefakt aus einem persönlichen Klang entstehen zu lassen – aus einer Stimme, einer Erinnerung oder einem bestimmten Moment.

Der Klang wird durch das System von Monad Origin in eine einzigartige Form übersetzt. Nicht Dekoration oder Personalisierung stehen im Mittelpunkt, sondern die Idee, etwas Flüchtiges dauerhaft werden zu lassen.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination von Monad Origin: Hinter Technologie, Frequenzanalyse und Materialexperiment steckt eine sehr menschliche Frage.

Wie lässt sich etwas festhalten, das eigentlich dazu bestimmt ist, zu verschwinden?

WITNESS – Monad Origin

DISTILL, Donaustraße 16, Berlin-Neukölln
9.–13. September 2026
Opening & Performances: 10. September, 18–21 Uhr

Ein Sofa ohne Vorder- und Rückseite

Was passiert, wenn Möbel uns nicht länger vorschreiben, wie ein Raum genutzt werden soll? Mit Gibson machen Cattelan Italia und Designer Sergio Bicego das Sofa zum offenen System – weich, skulptural und bereit, seine Richtung zu ändern, sobald das Leben es tut.

Es gab eine Zeit, in der das Wohnzimmer einer ziemlich eindeutigen Choreografie folgte. Sofa an die Wand. Couchtisch davor. Fernseher gegenüber. Alles hatte seinen Platz – und im wahrsten Sinne des Wortes seine Richtung.

Unser Leben ist weniger vorhersehbar geworden. Wir arbeiten dort, wo wir entspannen, treffen uns dort, wo wir wohnen, und ziehen uns an Orte zurück, an denen wir gerade noch gemeinsam Zeit verbracht haben. Räume sind fließender geworden. Vielleicht sollten es die Dinge darin ebenfalls sein.

Mit Gibson hat Designer Sergio Bicego für Cattelan Italia ein modulares Sitzsystem entworfen, das diesen Gedanken erstaunlich konsequent verfolgt. Statt ein weiteres Sofa zu gestalten, das einen vorgegebenen Platz im Raum einnimmt, entwirft er beinahe eine Landschaft.

Eine Landschaft, die sich verändern darf.

Keine Vorderseite. Keine Rückseite.

Gibson setzt sich aus unabhängigen, gepolsterten Volumen zusammen. Sitze, Rücken- und Armlehnen lassen sich entsprechend der jeweiligen Architektur kombinieren und neu positionieren. Selbst ihre Funktionen sind nicht endgültig festgelegt: Eine Armlehne kann zur Rückenlehne werden, zusätzliche Module verlängern den Sitz zur Chaise Longue.

Der vielleicht interessanteste Gedanke liegt jedoch im Verschwinden der klassischen Unterscheidung zwischen vorne und hinten.

Als doppelseitiges Sofa lässt sich Gibson aus unterschiedlichen Richtungen nutzen. Statt auf einen einzigen Fixpunkt im Raum ausgerichtet zu sein, kann es verschiedene Bereiche miteinander verbinden. Plötzlich ist das Sofa keine Grenze mehr.

Es wird zur Schnittstelle.

Dieser kleine Perspektivwechsel erzählt viel über zeitgenössische Innenräume.

Architektur soll heute innerhalb ein und desselben Raumes unterschiedliche Zustände ermöglichen: Kommunikation und Rückzug, Konzentration und Entspannung, Bewegung und Ruhe. Gibson beantwortet diese Anforderungen nicht mit zusätzlicher Komplexität, sondern indem es Möglichkeiten offenlässt.

Möbel werden zu Architektur

Besonders deutlich wird das außerhalb des privaten Wohnraums. Cattelan Italia sieht Gibson auch für Hotellounges und Lobbys, Retail-Flächen, hybride Arbeitswelten und gemeinschaftlich genutzte Räume vor – also überall dort, wo Möbel im Laufe eines Tages unterschiedliche Aufgaben übernehmen müssen.

Die einzelnen Module können in größeren Räumen Inseln schaffen, ohne dass dafür fixe Wände oder starre Trennungen notwendig werden. Sie lassen sich kombinieren, drehen und neu arrangieren – für Kommunikation ebenso wie für Ruhebereiche oder strukturiertere Warte- und Empfangssituationen.

Hier beginnt Möbelgestaltung beinahe unmerklich in Innenarchitektur überzugehen.

Gibson möbliert den Raum nicht nur. Es komponiert ihn.

Eine Komposition aus Rhythmus

Dass dieser Begriff passt, ist kein Zufall. Der Name Gibson ist von der Welt der Musikproduktion inspiriert und spielt mit Begriffen wie Rhythmus, Modulation und Harmonie. Die einzelnen Elemente funktionieren beinahe wie Noten einer Partitur: Ihre Beziehungen zueinander können sich verändern, ohne dass die Komposition ihre Identität verliert.

Dieser konzeptionellen Offenheit stellt Sergio Bicego eine ausgesprochen weiche Formensprache gegenüber.

Großzügige Sitze treffen auf abgerundete Kanten; gesteppte Details betonen Volumen und Weichheit der Polyurethanpolsterung. Lose Kissen sind in der Stoffpalette von Cattelan Italia erhältlich und können bewusste farbliche Kontrapunkte setzen oder in Ton-in-Ton-Kombinationen feine Nuancen innerhalb einer Farbwelt erzeugen. Ergänzt werden kann das System durch ein Couchtischmodul aus Keramik.

Das Ergebnis wirkt einladend statt technisch. Gibson ist modular, sieht aber nicht nach einem Möbel aus, das erst noch konfiguriert werden muss. Seine technische Logik verschwindet hinter seiner Weichheit.

Für Veränderung entworfen

Vielleicht liegt genau darin Gibsons zeitgemäßeste Qualität.

Gutes Design wurde lange mit Beständigkeit verbunden. Doch Beständigkeit muss nicht Stillstand bedeuten. Ein Objekt kann gerade deshalb lange bestehen, weil es auf neue Situationen reagieren kann.

Gibson wurde für diese Entwicklung konzipiert. Jedes einzelne Modul lässt sich unabhängig neu positionieren, sodass sich das System an veränderte Räume, Funktionen und Gewohnheiten anpassen kann. Cattelan Italia greift dafür erneut auf ein musikalisches Bild zurück: eine fortlaufende Komposition aus Volumen und Leerräumen, Präsenz und Leichtigkeit, Klang und Stille.

Und vielleicht ist genau das der Moment, in dem aus einem Sofa mehr wird als ein Sofa.

Eine Einladung, nicht alles im Voraus festlegen zu müssen.

All-Inclusive war lange das Versprechen, sich um nichts kümmern zu müssen. Das neue Mondrian Cancún geht einen Schritt weiter: Es möchte ein Ort sein, an dem man etwas erleben will. Zwischen Karibischem Meer und Nichupté-Lagune verbindet das erste All-Inclusive-Resort der Marke Mondrian zeitgenössisches Design mit mexikanischer Lebensart, Rooftop-Pools, Beach Club und einer Gastronomie, die weit über das klassische Resort-Buffet hinausdenkt.

Cancún kennt man. Oder glaubt zumindest, es zu kennen: weißer Sand, türkisfarbenes Wasser, Palmen und jene großen Resorts, die seit Jahrzehnten das Bild der mexikanischen Karibikküste prägen. Doch genau dieses Bild beginnt sich zu verändern.

Mit dem im August 2026 eröffneten Mondrian Cancún, All Inclusive bringt Mondrian seine eigene Vorstellung von Lifestyle-Hotellerie an die Küste Yucatáns. Auf Grand Island, nur rund 15 Minuten vom internationalen Flughafen entfernt, entstand ein Resort, das die Bequemlichkeit von All-Inclusive mit jener urbanen Energie verbinden möchte, für die Mondrian bekannt ist.

400 Zimmer und Suiten, mehr als zehn Restaurants, sechs Bars, drei Poollandschaften, ein Beach Club und ein umfangreiches Fitness- und Wellnessprogramm machen daraus beinahe eine kleine Welt für sich. Und doch soll Cancún dabei nicht draußen bleiben.

Zwischen Meer und Lagune

Schon die Lage erzählt viel über das Konzept. Auf der einen Seite liegt das Karibische Meer, auf der anderen die ruhigere Nichupté-Lagune. Dazwischen erhebt sich der schlanke Hotelturm – offen, lichtdurchflutet und mit weiten Blickachsen.

Die Architektur setzt weniger auf karibische Folklore als auf eine zeitgenössische Interpretation des Ortes. Klare Linien treffen auf zurückhaltende Farben, haptische Materialien und großzügige Glasflächen. Die eigentliche Hauptrolle spielt ohnehin die Landschaft.

Auch in den Zimmern und Suiten bleibt das Interior bewusst ruhig. Neutrale Töne und raffinierte Oberflächen bilden den Hintergrund für Meer, Himmel und Lagune. Private Balkone und Terrassen verlängern die Räume nach draußen – und machen deutlich, dass man hier trotz aller Angebote vor allem wegen eines gekommen ist: der mexikanischen Karibik.

Eine neue Generation All-Inclusive

Interessant wird das Mondrian Cancún dort, wo es versucht, mit einigen alten Vorstellungen vom All-Inclusive-Urlaub zu brechen.

Statt eines durchgetakteten Resortprogramms steht Freiheit im Mittelpunkt. Ein langsamer Morgen kann genauso dazugehören wie ein Workout, ein Nachmittag am Pool, eine DJ-Session oder ein langer Abend auf dem Rooftop. Übernachtung, Speisen und Getränke, Entertainment, Fitnessangebote sowie zahlreiche Freizeitaktivitäten sind im Aufenthalt inkludiert.

Drei Pools inszenieren die unterschiedlichen Perspektiven des Resorts. Zwei blicken auf die Nichupté-Lagune, während sich auf dem Dach ein Adults-only-Pool mit Panorama über Cancún befindet.

Dazu kommen ein rund um die Uhr geöffnetes Fitnessstudio, tägliche Movement- und Mindfulness-Sessions sowie – im weiteren Verlauf des Jahres – ein Spa mit umfassendem Behandlungsangebot und zusätzliche Fitnessbereiche.

Und der Strand? Der liegt wenige Minuten entfernt. Alle 30 Minuten verbindet ein Shuttle das Resort mit dem Bungalow Beach Club, wo weißer Sand, karibisches Wasser, Sushi, Sharing Plates und tropische Cocktails warten.

Vom Frühstück bis weit nach Sonnenuntergang

Vielleicht zeigt sich der neue All-Inclusive-Gedanke am deutlichsten beim Essen. Statt Gastronomie als notwendige Versorgung zu verstehen, macht Mondrian sie zum Teil des Erlebnisses.

Mehr als zehn Restaurants und sechs Bars begleiten den Tag vom ersten Kaffee bis zum Late-Night-Snack.

Im Cuyo richtet sich der Blick auf die Küste Yucatáns: Seafood, Gerichte aus dem Holzfeuer, Agaven-Cocktails und mexikanische Weine interpretieren die Region auf zeitgemäße Weise. Niko verlegt moderne japanische Küche, Sushi und Drinks hoch über das Resort.

Noch eine Etage exklusiver wird es bei Allegra Rooftop & Bar. Das Konzept ist Mondrian+-Gästen vorbehalten und verbindet Infinity-Pool, Dinner, Cocktails und Entertainment mit jenem fließenden Übergang von Tag zu Nacht, der gut zur DNA der Marke passt.

Denn im Mondrian Cancún soll Gastronomie nicht nur satt machen. Restaurants und Bars werden zu sozialen Räumen – zum Treffpunkt, zur Bühne und manchmal zur Party.

Mondrian+ und die Kunst des Rückzugs

Wer innerhalb des Resorts noch etwas mehr Privatsphäre sucht, findet sie bei Mondrian+, dem erweiterten Adults-only-Konzept.

Dazu gehören großzügigere Zimmer und Suiten, ein persönlicher Kurator, exklusiver Check-in und Check-out sowie Zugang zu THE EXCHANGE+, einer privaten Rooftop-Lounge mit Panorama-Pool. Auch Niko und Allegra gehören zum exklusiven Angebot; hinzu kommen bevorzugte Plätze im Bungalow Beach Club und ein erweitertes Getränkepaket.

So entsteht innerhalb des großen Resorts eine intimere Ebene – für Gäste, die selbst entscheiden möchten, wann sie Teil des Geschehens sein wollen und wann nicht.

Raus aus dem Resort

So verführerisch es sein mag, zwischen Pool, Rooftop und Restaurant zu bleiben: Die Halbinsel Yucatán beginnt direkt vor der Tür.

Zusätzlich buchbare Erlebnisse führen zu Lagunen, Cenoten und archäologischen Stätten der Maya. Golfer können den benachbarten, von Isao Aoki entworfenen Golfplatz besuchen, während private Cabanas, individuelle Dinner und maßgeschneiderte Feiern das Resorterlebnis ergänzen.

Gerade diese Verbindung ist entscheidend. Das neue Mondrian will kein hermetisch abgeschlossener Mikrokosmos sein, sondern Ausgangspunkt für Entdeckungen – auch wenn es seinen Gästen ausgesprochen viele Gründe liefert, einfach dazubleiben.

Mehr als ein Hotel

Mit dem Resort beginnt für Mondrian in Mexiko gleichzeitig ein weiteres Kapitel. Direkt an der Nichupté-Lagune befinden sich die ersten Mondrian Residences des Landes: 328 Wohnungen mit einem, zwei oder drei Schlafzimmern.

Sie übertragen die Ästhetik und Services der Lifestyle-Marke auf das private Wohnen und folgen damit einer Entwicklung, die internationale Hotelmarken zunehmend prägt: Die Grenzen zwischen Hotel, Residence, Club und Lebensraum werden fließender.

Auch das Resort selbst ist noch nicht ganz fertig erzählt. Im Laufe des Jahres sollen das neue Spa, erweiterte Fitnesseinrichtungen, ein Teens Club, Meeting Spaces sowie zusätzliche gastronomische Konzepte folgen – darunter ein italienisches Restaurant und eine kubanisch inspirierte Sunset-Bar.

Vielleicht liegt genau darin die interessanteste Idee des Mondrian Cancún: All-Inclusive nicht als möglichst vorhersehbaren Urlaub zu verstehen, sondern als Freiheit, jeden Tag anders aussehen zu lassen.

Mondrian Cancún, All Inclusive
Cancún, Mexiko
Preise laut Hotel ab ca. 393 Euro pro Nacht.

Mit Brezza Relax Indoor bringt S-CAB einen Entwurf von Alessandro Stabile vom Außenraum ins Interior. Aus einem Loungesessel wird dabei ein modulares System, das zeigt, wie selbstverständlich sich die Grenzen zwischen drinnen und draußen inzwischen verschieben.

Es gab eine Zeit, da ließ sich ziemlich genau sagen, welches Möbelstück wohin gehörte. Der schwere Polstersessel ins Wohnzimmer, die robuste Sitzgruppe auf die Terrasse. Heute verliert diese Trennung zunehmend an Bedeutung. Wohnräume öffnen sich nach außen, Terrassen werden zu Wohnzimmern unter freiem Himmel – und Möbel beginnen, sich zwischen diesen Welten zu bewegen.

Brezza Relax Indoor von S-CAB ist ein schönes Beispiel für diese neue Freiheit.

Die von Alessandro Stabile entworfene Kollektion entstand ursprünglich für den Außenbereich. Nun zieht sie nach drinnen – ohne dabei ihren entspannten Charakter abzulegen.

Vom Outdoor-Sessel zum Interior-System

Das Prinzip bleibt bewusst erhalten: klare Linien, großzügige Proportionen und große, weiche Kissen, die weniger nach formeller Sitzordnung als nach Zurücklehnen aussehen.

Für die Indoor-Version wurde Brezza Relax jedoch weitergedacht. Recycelbare Stoffe verleihen den Polstern eine Haptik und Optik, die auf Wohnräume abgestimmt ist. Aus dem ursprünglichen Lounge Chair entwickelt S-CAB damit ein Möbel, das seine Herkunft nicht verleugnet und trotzdem selbstverständlich im Interior funktioniert.

Dahinter steht eine größere Idee: Möbel nicht länger ausschließlich für einen bestimmten Ort zu entwerfen, sondern als anpassungsfähige Systeme, deren Charakter sich über Materialien, Oberflächen, Bezüge und Konfiguration verändern lässt.

Ein Sofa ohne starre Regeln

Besonders deutlich wird dieser Ansatz in der Erweiterung der Kollektion. Brezza Relax Indoor ist nicht einfach nur ein Sessel, der nun auch in Stoff für Innenräume angeboten wird. Das Konzept wächst zu einem modularen System.

Ein neues Armlehnen-Element ermöglicht Sofakonfigurationen mit unterschiedlich vielen Sitzplätzen. Dazu kommt ein Pouf, der als Eckelement eingesetzt werden kann, aber ebenso eigenständig als Sitzbank, zusätzliche Sitzgelegenheit oder Fußablage funktioniert.

Ein integrierbarer kleiner Tisch schafft zudem eine Ablagefläche, ohne die Leichtigkeit der Komposition zu stören.

Damit lässt sich Brezza Relax je nach Raum immer wieder neu zusammensetzen. Das Möbel gibt keine bestimmte Nutzung vor – vielmehr passt es sich ihr an.

Komfort wird informeller

Das passt zu einer Entwicklung, die im zeitgenössischen Interior Design immer sichtbarer wird. Polstermöbel werden großzügiger, weicher und weniger repräsentativ. Statt einer perfekten Sitzlandschaft geht es zunehmend um Komfort, Beweglichkeit und darum, Räume unterschiedlich nutzen zu können.

Das Wohnzimmer ist längst nicht mehr ausschließlich Wohnzimmer. Hotel-Lobbys werden zu Aufenthalts- und Arbeitsorten, Büros bekommen Lounge-Charakter und Hospitality Interiors orientieren sich stärker am privaten Wohnen.

Brezza Relax Indoor bewegt sich genau zwischen diesen Welten.

Mit einer Höhe von nur 70 Zentimetern bleibt das Lounge-Chair-Modul bewusst niedrig und entspannt. Die voluminösen Kissen stehen dabei im Kontrast zur reduzierten Konstruktion – ein Zusammenspiel, das dem Entwurf seine visuelle Leichtigkeit gibt.

Ein Möbel auf Wanderschaft

Vielleicht ist gerade seine Herkunft das Interessanteste an Brezza Relax Indoor. Normalerweise werden Möbel für den Innenraum adaptiert, damit sie draußen bestehen können. Hier funktioniert die Bewegung in die andere Richtung.

Ein Outdoor-Möbel zieht ins Haus.

Und bringt etwas von der Ungezwungenheit des Lebens im Freien mit.

So kann Brezza Relax Indoor im privaten Wohnzimmer ebenso seinen Platz finden wie in Hotelhallen, Lounges, Coworking-Spaces oder Büros. Nicht weil diese Räume gleich geworden wären, sondern weil wir sie heute weniger streng voneinander trennen.

Vielleicht liegt genau darin die zeitgemäße Qualität des Entwurfs: Brezza Relax Indoor definiert nicht, wie ein Raum genutzt werden soll. Es lässt dem Raum – und den Menschen darin – die Freiheit, das selbst zu entscheiden.

Das private Wohnhaus Pennyroyal Tea in Chennai ist eine Hommage an das indische Handwerk und die Kultur. Das Gebäude entfaltet sich wie ein lebendiger Garten – voller liebevoller und witziger Details, die entdeckt werden wollen.

Wo die feuchte Brise des Golfs von Bengalen über die Stadt Chennai streift, liegt ein Haus, das zwar ein privates Wohnhaus ist. Gleichzeitig ist „Pennyroyal Tea“ aber auch so etwas wie ein Manifest für zeitgenössische indische Wohnkultur – reich an Texturen, durchdrungen von kultureller Symbolik und getragen von der Arbeit hunderter Handwerker.

Prozess der kulturellen Verankerung

Über zweieinhalb Jahre hinweg kamen für dieses Projekt mehr als 200 Kunsthandwerker aus ganz Indien zusammen. Alles an und in dem Gebäude ist ein Kunstwerk. Das detailreiche, fast märchenhafte Refugium entstand unter der Federführung des in Bengaluru ansässigen Kreativstudios Multitude of Sins (MOS).

So originell wie der Name des Kreativstudios klingt, so originell ist das an der Ostküste des südindischen Bundesstaates Tamil Nadus entstandene Projekt. Pennyroyal Tea verwebt Handwerk, Architektur und Interior Design untrennbar miteinander. Für Chefdesignerin Smita Thomas war es weniger ein klassisches Bauvorhaben als vielmehr ein Prozess der kulturellen Verankerung.

Wie im „Märchengarten“

Schon beim Betreten des Hauses wird klar, dass im Pennyroyal Tea sinnliche Feinheiten regieren. Die Eingangstür ist mit floralen Gravuren versehen, in einem Rahmen aus grauem und grünem Marmor eingebettet. Der eigens entworfene Kronleuchter, eine kaskadenartige Skulptur aus Holzperlen und Metallringen, wirkt wie eine botanische Installation.

Wir wollten ein Gefühl des Staunens hervorrufen, in dem jeder Raum eine eigene Identität hat, sich aber dennoch in eine gemeinsame Sprache einfügt.

Smita Thomas, Chefdesignerin Multitude of Sins

Das Foyer inszeniert indisches Handwerk in einer spielerischen, beinahe poetischen Form. An einer Wand öffnet sich ein Schuhschrank, dessen Gestaltung an verflochtene Schnürsenkel erinnert, während strukturierte Tapetenflächen den Raum rahmen. Schon hier zeigt sich die Handschrift von MOS: Alltägliche Funktionen erhalten einen künstlerischen, oft humorvollen Dreh, auf den Moment der Entdeckung wartend. Räume, die Geschichten erzählen.

Der Wohn- und Essbereich bildet das Herzstück des Hauses – und ist ebenso von subtilen Überraschungen durchzogen. Zwei von MOS entworfene Tische geben die Tonalität vor: Der eine ist von den Mondphasen inspiriert und von Armlehnstühlen aus gealtertem Holz umstellt. Der andere erinnert mit seiner organischen Formensprache an abstrahierte Blätter.

Eine L-förmige Marmorlounge mit Baldachin zieht die Blicke auf sich. Verziert ist dieser mit kleinen Vögeln aus Glas, Messing und Stahl, zwischen denen Blüten wie in einem Gartenhimmel aufblühen. Der Essbereich wird von einem großformatigen Tisch aus zweifarbigem Holz dominiert, dessen trapezförmige Beine skulptural wirken.

Akzente dank der verwendeten Materialien

„Wir wollten Möbel, die nicht nur funktional, sondern auch bedeutungsvoll sind“, erklärt Thomas. Tatsächlich stammen rund 80 Prozent aller Einrichtungsgegenstände aus Sonderanfertigungen, die in Zusammenarbeit mit Handwerkern aus ganz Indien entstanden.

Besondere Akzente setzen Materialien: glänzende Fliesenflächen auf der oberen Etage, strukturierte Wände im Essbereich oder Mosaikböden, die die Übergänge zwischen den Räumen betonen. Selbst Nebenräume überraschen: Etwa die Gästetoilette, in der ein kräftiger Rotton den minimalistischen Hintergrund durchbricht.

Auch in funktionalen Bereichen wie der Küche bleibt das Design präzise durchdacht. Der Raum ist in drei Zonen gegliedert – Trockenküche, Nutzküche und Speisekammer – und verbindet damit Funktionalität mit einer klaren Raumordnung.

Die Schlafräume dagegen entfalten eine Atmosphäre von Ruhe und Modernität. Das Hauptschlafzimmer ist großzügig dimensioniert und bewusst reduziert gestaltet. Seine klaren Linien und die Kombination aus Holz und Stoff verleihen ihm eine elegante Zurückhaltung, die in Kontrast zum detailreichen öffentlichen Bereich des Hauses steht.

Architektur als Handwerk

So vielgestaltig die Räume auch wirken, allen gemeinsam ist ein zentrales Prinzip: Handwerk ist hier nicht Dekoration allein, sondern das Fundament für alles Weitere. MOS verzichtete bewusst auf standardisierte Produkte und Massenware. Stattdessen wurden Naturstein, Massivholz und Messing lokal beschafft und von Hand verarbeitet. Oberflächen sind frei von aggressiven Chemikalien, was nicht nur der Umwelt, sondern auch der Raumluftqualität zugutekommt.

„Jedes Stück wurde mit Bedacht geschaffen“, sagt Thomas. „Wir setzen auf Rohmaterialien und innovative Techniken, um eine tiefere Verbindung zur Umwelt und zur Gemeinschaft herzustellen.“ Dieses Credo durchzieht die gesamte Residenz: Von den geschnitzten Holzplatten bis zu den handgearbeiteten Messingbändern erzählt jedes Detail eine Geschichte von Können, Geduld und kultureller Verwurzelung.

Nachhaltigkeit in mehrfacher Hinsicht

Pennyroyal Tea versteht Nachhaltigkeit nicht nur ökologisch, sondern auch sozial. Beim Bauprozess wurde die Entstehung von Abfall minimiert, man griff auf recycelte Materialien zurück, um den CO₂-Fußabdruck zu reduzieren. Ebenso wichtig war die Einbindung von Handwerkern und damit die Förderung lokaler Klein- und Kleinsbetriebe. Indem MOS Steinmetze, Zimmerleute, Fliesenleger und Metallarbeiter aus verschiedenen Regionen zusammenbrachte, entstand ein Netzwerk, das nun weit über den Bau hinaus Bestand hat. Das Projekt stärkte lokale Gemeinschaften und trug dazu bei, traditionelle Fertigkeiten wirtschaftlich wie kulturell zu sichern.

Damit stellt Pennyroyal Tea die gängige Logik vieler Bauprojekte infrage. Darf Architektur heutzutage, wo vor allem schnelle Effizienz zählt, auch ein langsamer, partizipativer Prozess sein, der traditionelles Handwerker-Wissen bündelt und weiterträgt?

Ein Haus als lebendige Leinwand

Obwohl Pennyroyal Tea streng genommen eine private Residenz ist, liest es sich wie ein offenes Archiv indischer Handwerkskultur. Die Räume sind nicht bloß Kulisse, sondern aktive Erzähler – von der Marmorliege im Wohnzimmer bis zu den floralen Gravuren der Eingangstür.

Pennyroyal Tea wirkt zugleich zeitgenössisch und zeitlos. Es schöpft aus jahrhundertealten Techniken, ohne nostalgisch zu werden. Es feiert Vielfalt innerhalb einer klaren gestalterischen Haltung, ohne in Beliebigkeit zu verfallen. Und es beweist, dass moderne Wohnarchitektur auch dann global wirken kann, wenn sie radikal lokal bleibt.

Im Endeffekt ist Pennyroyal Tea mehr als ein ästhetisches „Produkt“. Das Projekt ist ein Plädoyer für ein bewusstes Bauen, das Handwerk nicht nur bewahrt, sondern in die Gegenwart weiterentwickelt. Es zeigt, wie ein Gebäude kulturelle Identität ausdrücken, ökologische Verantwortung übernehmen und soziale Strukturen stärken kann – ohne dadurch den Zauber des Staunens zu gefährden.

Text: Linda Benkö
Fotos: Pennyroyal Tea/Ishita Sitwala

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.

Mit der Opus-Kollektion verbindet ETRO Home Interiors traditionelle Handwerkskunst, ikonische Textilien und zeitgenössisches Design zu Möbeln mit unverwechselbarer Persönlichkeit. Ornament wird dabei nicht als Dekoration verstanden, sondern als Teil der Form selbst.

Während viele aktuelle Möbelkollektionen auf Reduktion und Zurückhaltung setzen, geht ETRO Home Interiors bewusst einen anderen Weg. Die neue Opus-Serie versteht Ornament nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als integralen Bestandteil des Designs. Jeder Entwurf erzählt eine Geschichte von Materialität, Handwerkskunst und der unverwechselbaren Design-DNA des Hauses.

Zeitgenössischer Komfort mit klassischer Inspiration

Charakteristisch für die Opus-Kollektion sind ihre klaren, modernen Proportionen, die durch raffinierte Details eine außergewöhnliche Tiefe erhalten. Inspiriert vom klassischen Capitonné interpretiert ETRO diese traditionelle Polstertechnik neu und verbindet sie mit einer zeitgemäßen Formensprache. Gepolsterte Rollen an Rückenlehnen und Armlehnen verleihen den Möbeln eine markante Silhouette und schaffen zugleich hohen Sitzkomfort.

Dabei entsteht eine spannende Balance zwischen architektonischer Klarheit und dekorativer Opulenz – ein Spannungsfeld, das die Handschrift von ETRO seit Jahrzehnten prägt.

Handwerk erzählt Geschichten

Besonders eindrucksvoll zeigt sich die Liebe zum Detail in den feinen Kordelabschlüssen entlang der Polsterrollen sowie den charakteristischen Quasten, die den Möbeln Bewegung und eine besondere Haptik verleihen. Diese Elemente sind weit mehr als Dekoration – sie werden zu einem gestalterischen Ausdrucksmittel, in dem traditionelles Kunsthandwerk und zeitgenössisches Möbeldesign miteinander verschmelzen.

Die unterschiedlichen Stoffe und Oberflächen unterstreichen den individuellen Charakter der Kollektion. Florale Jacquards, opulente Paisley-Muster oder edle Samtbezüge greifen die ikonische Textilwelt von ETRO auf und übersetzen sie in ausdrucksstarke Möbelstücke.

Möbel mit Persönlichkeit

Zur Opus-Familie gehören Armlehnstuhl, Lounge-Sessel und Barhocker. Gemeinsam ist allen Modellen eine sorgfältig ausgearbeitete Konstruktion aus massivem Buchenholz sowie hochwertige Polsterungen mit mehrschichtigem Aufbau. Je nach Ausführung ergänzen glänzend lackierte Oberflächen oder goldfarbene Metallakzente den charakteristischen Materialmix.

So entstehen Möbel, die Räume nicht nur einrichten, sondern prägen. Sie schaffen Atmosphäre, setzen Akzente und verleihen Interieurs jene erzählerische Tiefe, für die ETRO Home Interiors bekannt ist.

Mit der Opus-Kollektion zeigt ETRO, dass zeitgenössisches Design nicht auf Reduktion angewiesen ist. Stattdessen entstehen Möbel, in denen Ornament, Material und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen – ausdrucksstark, kultiviert und unverkennbar ETRO.

Neue Lieblingsplätze im Das Kaltenbach: Der jüngste Umbau verbindet alpinen Charme mit modernem Design und schafft stilvolle Räume für genussvolle Momente vom Frühstück bis zum Abend.

Im Das Kaltenbach ist Stillstand höchstens ein kleiner Zwischenmoment. Familie Haas entwickelt ihr Naturhotel im Zillertal laufend weiter – mit Gespür für Qualität und Atmosphäre, zwischen alpiner Bodenständigkeit und zeitgemäßem Design. Der jüngste Umbau ist nun abgeschlossen und führt die vertraute Handschrift aus Altholz und Ästhetik behutsam weiter…

Slow Mornings

Der neue Frühstücksraum gibt dem Morgen im Das Kaltenbach einen neuen Rahmen. Gespachtelte Terrastone-Wände verleihen dem Raum natürliche Struktur, warme Erdtöne schaffen Behaglichkeit und Designleuchten von Occhio setzen feine Akzente. Maßgefertigte Tische mit edlen Einlegearbeiten treffen auf elegante Stühle von Freifrau und gemütliche Polstermöbel im Lounge-Stil.

Auch das Frühstücksbuffet fügt sich harmonisch in das neue Raumgefühl ein: mit einer Verkleidung aus Taj Mahal Stein in Marmor-Optik, einer Saftecke mit Touchpanel und zwei modernen WMF Kaffeemaschinen.

Evening Pleasures

Auch die Bar zeigt sich voan einer neuen Seite. Besonders bequeme Stühle von KFF in gemütlichem Bouclé-Stoff, ein Raumtrenner aus demselben Stein wie im Frühstücksbereich und ein neuer Lounge-Bereich schaffen zusätzliche Lieblingsplätze. Ein Ort, um anzukommen, einzusinken und den Tag entspannt ausklingen zu lassen.

Hideaway im Zillertal

Das Kaltenbach ist ein Natur- und Lifestylehotel im Zillertal mit Zimmern, Suiten und Apartments. Leicht erhöht am Waldrand gelegen, direkt am Bach und gestaltet wie ein kleines Bergdorf, verbindet das Haus alpine Bodenständigkeit mit modernem Komfort und viel Raum für Erholung. Ein Spa auf dem Dach, der Blick in die Zillertaler Bergwelt und die persönliche Handschrift von Familie Haas machen Das Kaltenbach zu einem besonderen Rückzugsort für alle, die Natur, Qualität und Stil schätzen.

Das Kaltenbach is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hannes Niederkofler; Tom Klocker

Die KK3 Residences von VAstudio fügen sich still und selbstbewusst in die raue Schönheit der kretischen Berglandschaft ein – eine Hommage an die Natur, das kulturelle Erbe und den Luxus der Einfachheit.

Oben an den Berghängen von Stalos, unweit der historischen Hafenstadt Chania auf Kreta, dort wo sonnen- und meerhungrige Urlauber entweder mit der Fähre ankommen oder mit dem Flugzeug landen, scheinen die KK3 Residences förmlich aus dem felsigen Gelände herausgewachsen zu sein. Das Athener Büro VAstudio, mit Wurzeln und Hauptsitz in Chania, hat dort ein Wohnensemble geschaffen, das nicht nur durch seine ästhetische Zurückhaltung, sondern vor allem durch seine tiefe Verbindung zum Ort beeindruckt.

KK3 Residences: Gebäude, die dazugehören

Die drei individuell gestalteten Häuser, eingebettet in die wilde Topografie der Insel, sind Ausdruck einer Architekturhaltung, die dem Genius Loci nicht nur Rechnung trägt. Nein, er erhebt ihn zum zentralen Gestaltungsprinzip. Denn anstatt sich der Umgebung aufzudrängen, lässt sich VAstudio von ihr führen – in Form, Materialität, Farbgebung und Atmosphäre. Das Ergebnis: Gebäude, die nicht dominieren, sondern dazugehören.

Schon aus der Ferne wirken die KK3 Residences wie ein organischer Teil der Landschaft. Ockerfarbene Steinmauern, verputzte Flächen in Lehm- und Kalktönen und hölzerne Details nehmen die sonnenverwaschene Farbpalette der umliegenden Berge auf. Die Texturen sind rau, erdig, handwerklich – fast so, als wären sie schon immer da gewesen.

Absage an museale Repliken

Die Architekten von VAstudio wollten keine museale Replik traditioneller kretischer Bauweisen schaffen, sondern deren Essenz neu interpretieren: Schlichtheit, Dauerhaftigkeit, Materialehrlichkeit. „Es geht nicht um Nostalgie“, betont das Büro, „sondern um zeitgenössische Resonanz.“

Die KK3 Residences reagieren auf die Topografie: Sie schmiegen sich horizontal an den Hang. Und andererseits wachsen sie kompakt in die Höhe – wie aus dem Felsen herausgemeißelt. Jede der drei Residenzen ist individuell entworfen – mit einem jeweils spezifischen Grundriss.

Allen gemeinsam ist eine architektonische Sprache, die mit natürlichen Übergängen arbeitet: Innenhöfe, tiefe Überhänge, offene Wohnbereiche und großzügige Fensterflächen schaffen fließende Grenzen zwischen innen und außen.

Diese fließende Raumdramaturgie ermöglicht ein Leben im Rhythmus des Ortes. Morgensonne auf der Terrasse, ein Kaffee mit Blick auf das Kretische Meer, Zikadenklänge im Olivenhain … Es sind Bilder des bewussten Verweilens, die hier zum baulichen Konzept werden.

Raum für Ruhe, Rückzug und Reflexion

Die KK3 Residences sind Rückzugsorte. Kein Ort für Hast oder Spektakel, sondern für Stille und Langsamkeit. Schattige Lounges, überdachte Terrassen und tiefer gelegte Innenhöfe schaffen intime Zonen im Freien. Sie sind ebenso bedeutungsvoll wie die Innenräume selbst. Die Architektur tritt in den Dialog mit Wind, Sonne und Ausblick. Jeder Raum ist darauf ausgelegt, die Natur zu rahmen – nicht zu kontrollieren.

Auch im Inneren wird diese Haltung spürbar. Reduzierte Materialität, handgefertigte Details und eine zurückhaltende Farbpalette prägen das Ambiente. Holzbalkendecken, Terrazzoböden, Steinoberflächen und maßgefertigte Möbel zeugen von einem leisen, fast meditativen Luxus. Die Innenräume sind nicht Kulisse, sondern Lebensraum. Und zwar einer, der sich an den Bedürfnissen der Bewohner und Nutzerinnen orientiert, nicht an Trends.

Nachhaltigkeit ohne Schlagzeilen

Was auffällt: In einer Zeit, in der ökologische Konzepte oft plakativ inszeniert werden, ist die Nachhaltigkeit der KK3 Residences leise – dafür aber tiefgreifend. Die dicke Steinbauweise wirkt als thermische Masse und reguliert das Raumklima ganzjährig. Die Kühlung ist passiv.

Große Fenster und durchdachte Öffnungen ermöglichen Querlüftung und reduzieren den Bedarf an mechanischer Klimatisierung. Tiefe Überhänge schützen vor der hochstehenden Mittelmeersonne, während die Ausrichtung der Gebäude sowohl Blickbeziehungen als auch solare Energiegewinnung optimiert.

Die Landschaftsgestaltung ist bewusst zurückhaltend. Anstelle exotischer Zierpflanzen setzt VAstudio auf einheimische Vegetation: Olivenbäume, niedrige mediterrane Sträucher, lokale Palmen. So verschmelzen Architektur und Natur zu einer Einheit, die sich nicht als Eingriff, sondern als Erweiterung des Ökosystems versteht.

Keine Prestigeobjekte

Die kulturelle DNA der Insel Kreta ist in den KK3 Residences tief eingeschrieben. So fand Vastudio etwa Inspiration aus den umliegenden kretischen Klosteranlagen und Bauernhöfen – mit ihren dicken Mauern, introvertierten Höfen, klaren Volumina. Doch das Architekturbüro transformiert diese Anleihen in eine zeitgemäße Formensprache. Hier wird nicht rekonstruiert, sondern respektvoll weiterentwickelt.

Diese Balance zwischen Altem und Neuem, zwischen kulturellem Gedächtnis und architektonischer Gegenwart, prägt die Häuser. Das Ergebnis ist eine wohltuende, neue, mediterrane Wohnkultur. Weniger ist eben manchmal doch mehr als Repräsentierenwollen, Stille kann auch ein Statement sein.

VAstudio gelingt es, mit sparsamen Mitteln eine starke, verdichtete Atmosphäre zu schaffen. In einer Zeit, in der Architektur oft um Sichtbarkeit kämpft, ist das fast schon radikal.

Text: Linda Benkö
Fotos: VAstudio