Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Ein Hotel von Audemars Piguet, entworfen von Bjarke Ingels Group, mitten im Vallée de Joux: Im Hôtel des Horlogers begegnen sich Uhrmacherkunst, Architektur und eine Landschaft, die man am liebsten wie ein Schmuckstück für sich behalten würde.

Im Vallée de Joux misst man Zeit seit Generationen mit besonderer Genauigkeit. In Le Brassus wurde 1875 Audemars Piguet gegründet. Heute gehört der Manufaktur hier auch ein Hotel. Das klingt zunächst nach einer ungewöhnlichen Erweiterung für eine Uhrenmarke. Im Hôtel des Horlogers fühlt es sich erstaunlich selbstverständlich an: Wer so genau auf Proportionen, Materialien und kleinste Details achtet, kann diese Haltung auch in Räume übersetzen.

Ein Haus mit Gespür für seine Herkunft

Die Geschichte des Hotels reicht bis 1857 zurück. Damals hieß es Hôtel de France; 2003 übernahm Audemars Piguet das Haus und gab ihm seinen heutigen Namen. Der später errichtete Neubau erzählt diese Geschichte weiter, ohne eine Uhr in Hotelgröße aus dem Gebäude zu machen.

Bjarke Ingels Group entwarf eine Architektur, die in versetzten Linien zum Tal hin abfällt. Gemeinsam mit dem Schweizer Büro CCHE entstand ein Haus, dessen 50 Zimmer und Suiten auf den Risoud-Wald blicken. Innen nimmt das Design von AU*M Formen und Materialien der Umgebung auf. Was präzise geplant wurde, wirkt beim Ankommen leicht: Der Blick geht durch den Raum und hinaus in die Landschaft.

SMART DEAL

Hotel des Horlogers

€ 299,–

Der Gutschein ist gültig für 1 Nacht (2 Personen) inkl. Frühstück in allen Zimmern/Suiten

Das Tal ist das eigentliche Schmuckkästchen

So schön das Hotel ist, seine größte Kostbarkeit liegt vor der Tür. Der Lac de Joux, die Wälder des Risoud und die Höhenzüge des Waadtländer Jura geben dem Tal zu jeder Jahreszeit ein anderes Gesicht. Man kann am Wasser entlanggehen, tiefer in den Wald wandern oder sich im Musée Atelier Audemars Piguet ansehen, wie eng dieser Ort mit der Uhrmacherei verbunden ist.

Zurück im Hotel setzt sich die Aufmerksamkeit für die Region am Tisch fort. Die Küche arbeitet mit Produkten aus dem Tal; Emmanuel Renaut zeichnet für das kulinarische Konzept verantwortlich, das Küchenteam vor Ort wird von Alessandro Cannata geführt. Danach lockt vielleicht noch das Spa by Alpeor mit Sauna und Hammam. Vielleicht bleibt man aber einfach am Fenster sitzen und schaut zu, wie sich das Licht über dem Wald verändert.

Das ist die schönste Verbindung zwischen Audemars Piguet und diesem Hotel: Präzision dient hier nicht dazu, jede Minute zu verplanen. Sie schafft einen Ort, an dem man sie gern verstreichen lässt.

In einem Hotelzimmer steht das Bett normalerweise an der Wand. Der Flur endet an der Zimmertür. Und wenn irgendwo etwas einen Riss bekommt, wird es repariert. Logisch. Bis man das K5 Hotel Tokio betritt. Denn hier beginnt erstaunlich vieles mit einer einfachen Frage: Warum muss es eigentlich so sein?

Ein Haus, das seine Vergangenheit nicht versteckt

1923 entsteht im Tokioter Finanzviertel Kabutochō ein Bankgebäude, entworfen vom japanischen Architekten Yoshitoki Nishimura. Fast hundert Jahre später stehen die schwedischen Architekten von Claesson Koivisto Rune im selben Haus – mit der Aufgabe, daraus etwas völlig Neues zu machen.

Sie beginnen nicht von vorne. Als das K5 Hotel Tokio 2020 eröffnet, darf man dem Gebäude sein Alter weiterhin ansehen. Roher Beton bleibt sichtbar, historische Parkettböden, Fenster, hohe Räume und Spuren verschiedener Zeiten werden bewahrt. Alt und neu versuchen hier nicht, sich gegenseitig zu verdrängen. Vielleicht funktioniert gerade deshalb so gut, was danach passiert. Denn hinter den fast hundert Jahre alten Mauern ist kein Hotel entstanden, das nur zurückblickt. Sondern ein Ort, an dem offenbar niemand Angst davor hatte, ein paar ungewöhnliche Fragen zu stellen.

Wenn Räume ihre Regeln ändern

Die Korridore wurden auf die lautere, der Straße zugewandte Seite des Gebäudes gelegt – weiter weg von den Hotelzimmern. Das Bodenmuster wiederum läuft einfach durch die Zimmertür hindurch weiter. Fast so, als hätte jemand vergessen, die Grenze zwischen Flur und Zimmer einzuzeichnen. Und dann ist da das Bett. Mitten im Raum. Darüber hängt ein großer, kreisförmiger Vorhang aus transparentem, indigogefärbtem Stoff. Zieht man ihn zu, entsteht ein eigener Raum im Raum. Öffnet man ihn wieder, gehört alles zusammen. Die Idee erinnert auch an die japanische Tradition von Tatami und Futon, bei der der Schlafplatz nicht automatisch durch ein dauerhaft an einer Wand stehendes Möbelstück bestimmt wird.

wer jetzt denkt, damit wären die ungewöhnlichen Ideen abgehakt, sollte ein paar Stockwerke nach unten gehen. Im Erdgeschoss gehen unterschiedliche gemeinschaftliche und gastronomische Bereiche ineinander über. Und im Untergeschoss versteckt sich sogar eine Beer Hall – der Tokioter Standort der Brooklyn Brewery. Oben, auf den Hoteletagen, beginnt währenddessen eine völlig andere Welt: die der Ruhe. Ein Gebäude. Unzählige Rollen. Und immer weniger Gründe, zwischen ihnen klare Grenzen zu ziehen.

Dafür gibt es sogar ein Wort

Aimai. Ein japanischer Begriff für etwas, das nicht eindeutig definiert ist. Etwas, das irgendwo dazwischenliegt. Dessen Grenze sich nicht ganz klar ziehen lässt. Die Architekten von Claesson Koivisto Rune machten genau diesen Gedanken zu einem der Grundprinzipien des K5. Und plötzlich ergibt alles, was wir bisher gesehen haben, Sinn. Der Flur darf ein bisschen Teil des Zimmers sein. Ein Raum kann mehrere Funktionen haben. Ein Vorhang kann einen neuen Raum entstehen lassen. Und ein fast hundert Jahre altes Gebäude kann gleichzeitig seine Vergangenheit bewahren und etwas völlig Neues beginnen.

Man muss sich nicht entscheiden. Vielleicht ist genau das der spannendste Teil des Designs im K5. Es funktioniert nicht deshalb, weil möglichst viele schöne Dinge darin platziert wurden. Sondern weil wir plötzlich anders auf Dinge schauen, die wir längst für selbstverständlich gehalten haben.

Ein Riss aus Gold

Früher oder später bekommt selbst die schönste Architektur einen Kratzer. Oder eben einen Riss. In den gefliesten Bereichen der oberen Etagen können durch die Bewegungen des alten Gebäudes feine Risse entstehen. Man könnte die betroffenen Fliesen austauschen und so tun, als wäre nie etwas passiert. Im K5 entschied man sich für eine andere Lösung. Die Risse werden mit Gold hervorgehoben – angelehnt an die japanische Idee des Kintsugi, bei der Beschädigungen nicht versteckt, sondern sichtbar Teil der Geschichte eines Gegenstands werden. Und eine passendere Antwort könnte dieses Haus kaum finden. Ein Gebäude von 1923 muss nicht aussehen, als wäre es 2020 gebaut worden.

Ein Hotel muss nicht nur Hotel sein. Ein Bett muss nicht an der Wand stehen. Und etwas muss nicht verschwinden, nur weil es nicht perfekt ist. Das ehemalige Bankgebäude ist heute Teil eines neuen Kapitels für Kabutochō – ein Viertel, das selbst nach einer neuen Rolle gesucht hat und bei dessen Wiederbelebung auch das K5 eine Rolle spielen sollte. Und wir? Wir haben am Ende ein neues japanisches Wort gelernt, sind im Keller einer ehemaligen Bank auf ein Bier gegangen, haben ein paar Grenzen überschritten, ohne es überhaupt zu merken, und festgestellt, dass selbst ein Riss nicht unbedingt ein Problem sein muss.

Bleibt eigentlich nur noch eine ziemlich einfache Frage: Warum eigentlich nicht?

Smart Traveller

K5 Hotel Tokio

Lust bekommen, das K5 selbst zu entdecken? Mit THE Stylemate Smart Traveller Gutschein wird aus „Warum eigentlich nicht?“ vielleicht schon bald Tokio.

Drei Schwestern, ein Sommer in der Toskana und die leise Frage, was von einer gemeinsamen Vergangenheit bleibt, wenn das Leben längst weitergezogen ist.

In How Long Is Now widmet sich die slowakische Autorin und Regisseurin Adriána Ingeli dem Vergehen der Zeit – nicht als sichtbare Veränderung, sondern als kaum wahrnehmbare Bewegung, die Beziehungen, Erinnerungen und Identitäten neu ordnet.

Auf 16-mm-Film gedreht, begleitet der atmosphärische Kurzfilm drei Schwestern durch einen langen, trägen Sommer in der Toskana. Im Haus ihrer Großmutter, einem Ort voller Kindheitserinnerungen, scheint die Zeit für einen Moment stillzustehen. Doch gerade dort wird spürbar, wie weit sich das Leben inzwischen von der gemeinsamen Vergangenheit entfernt hat.

Zwischen Nähe und Distanz

Die Gespräche der Schwestern kreisen um Erinnerungen, während vieles, was sie heute bewegt, unausgesprochen bleibt. Vertrautheit und Distanz existieren nebeneinander. Die Kindheit verbindet sie noch immer – und wird zugleich zu einem Bild, in dem ihre damalige Beziehung wie eingefroren erscheint.

„Manchmal ist die gemeinsame Vergangenheit die einzige Brücke, die noch bleibt.“

In leisen Dialogen und langen Momenten des Schweigens erzählt How Long Is Now davon, wie Nostalgie Nähe herstellen kann, aber auch davon, wie schwierig es ist, einander in der Gegenwart neu zu begegnen.

Die Erwartungen der Zeit

Im Zentrum steht eine Frau, die sich ihrem dreißigsten Geburtstag nähert. Ohne es offen auszusprechen, setzt sie sich mit gesellschaftlichen Erwartungen auseinander: mit der Vorstellung, in diesem Alter einen Partner, eine Familie und einen klar definierten Lebensweg haben zu müssen.

Adriána Ingeli findet dafür keine dramatischen Gesten. Vielmehr beobachtet sie jene innere Spannung, die entsteht, wenn das eigene Leben nicht mit den vermeintlichen Zeitplänen der Gesellschaft übereinstimmt. Der Film fragt, ob uns das Festhalten an früheren Bildern daran hindert, die Gegenwart wirklich wahrzunehmen – und ob Beziehungen weiterleben können, wenn sich die Menschen in ihnen verändern.

How Long Is Now ist eine sanfte, bittersüße Betrachtung über Schwesternschaft, Erinnerung und die unausweichliche Bewegung der Zeit.

Das belgische Studio Monad Origin verwandelt Frequenzen in Möbel, Skulpturen und räumliche Erfahrungen. Während der Berlin Art Week zeigt das Duo Nick Peeters und Anujin Byambaa mit WITNESS, wie aus etwas Unsichtbarem etwas Bleibendes entstehen kann.

Ein Ton ist flüchtig. Er entsteht, breitet sich aus und verschwindet. Für Monad Origin ist genau das der Ausgangspunkt einer ungewöhnlichen Designpraxis.

Das belgische Studio von Nick Peeters und Anujin Byambaa übersetzt rohe Klangfrequenzen in physische Formen. Tische, Sessel, Gefäße und Skulpturen entstehen nicht aus klassischen Entwürfen oder Moodboards, sondern aus den geometrischen Strukturen von Vibration.

Function follows Frequency

Bei Monad Origin beginnt Design nicht mit einer Funktion, sondern mit einer Frequenz. Diese wird in räumliche Parameter wie Proportion, Spannung, Volumen und Leere übersetzt. Erst danach entscheidet sich, ob aus einer Form ein Tisch, ein Sitzmöbel oder vielleicht doch eine reine Skulptur wird.

Die Objekte wirken dadurch weniger entworfen als entdeckt. Selbst ihre Namen dokumentieren den Prozess: Study for a Lounge Chair (B) [14Hz | 15Hz | 14Hz] verweist direkt auf jene Frequenzen, aus denen die Form hervorgegangen ist.

Ein besonders schönes Beispiel ist der Side Table [30Hz 0.4y – 26Hz 0.8y] aus Aluminium. Monad Origin beschreibt ihn als eingefangenen Moment der Resonanz – beinahe als Fossil einer Frequenz.

Von Brüssel nach Berlin

2026 präsentierte Monad Origin seine Arbeiten bereits bei COLLECTIBLE Brussels, bei FORMA während des Madrid Design Festival und bei SOLIDIFIED im Rahmen der Milan Design Week.

Nun folgt mit WITNESS während der Berlin Art Week eine weitere Entwicklung der Idee.

Vom 9. bis 13. September bespielt Monad Origin den neuen Kunstraum DISTILL in Berlin-Neukölln. Die Ausstellung erweitert das Prinzip über Designobjekte hinaus: Skulptur, Licht, Vibration und live erzeugte Bilder treffen aufeinander. Klang wird hier nicht nur in Materie übersetzt, sondern auch in Bewegung und Raum.

Zu den neuen Arbeiten zählen der Wing Lounge Chair, entstanden aus dem Frequenzintervall 16,4 bis 17,3 Hz, sowie die Aluminiumserien Talisman und Vessels.

Die persönlichste Frequenz

Besonders spannend ist die Möglichkeit, ein individuelles Artefakt aus einem persönlichen Klang entstehen zu lassen – aus einer Stimme, einer Erinnerung oder einem bestimmten Moment.

Der Klang wird durch das System von Monad Origin in eine einzigartige Form übersetzt. Nicht Dekoration oder Personalisierung stehen im Mittelpunkt, sondern die Idee, etwas Flüchtiges dauerhaft werden zu lassen.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination von Monad Origin: Hinter Technologie, Frequenzanalyse und Materialexperiment steckt eine sehr menschliche Frage.

Wie lässt sich etwas festhalten, das eigentlich dazu bestimmt ist, zu verschwinden?

WITNESS – Monad Origin

DISTILL, Donaustraße 16, Berlin-Neukölln
9.–13. September 2026
Opening & Performances: 10. September, 18–21 Uhr

Zwischen Wasser und Alpen, Obstgärten und Architektur zeigt sich der Bodensee von einer Seite, die man vielleicht viel öfter entdecken sollte. Im Seegut Zeppelin bei Friedrichshafen bekommt die alte Idee der Sommerfrische eine überraschend zeitgemäße Interpretation – und für THE Stylemate Leser gibt es mit dem Smart Traveller einen besonders guten Grund, sie selbst zu erleben.

Ein See, vier Länder und ziemlich viel Freiheit

Vielleicht liegt der besondere Reiz des Bodensees darin, dass er sich nie so ganz festlegen lässt. Deutschland? Österreich? Schweiz? Ein kleiner Abstecher nach Liechtenstein? Am Bodensee werden Grenzen erstaunlich nebensächlich.

Viel wichtiger ist das Wasser.

Mal liegt es glatt und beinahe silbern vor einem, mal verschwindet das gegenüberliegende Ufer im Dunst, und an klaren Tagen bildet das Alpenpanorama eine Kulisse, die daran erinnert, wie außergewöhnlich die Lage dieses Sees eigentlich ist. Dazu kommen Weinberge und Obstgärten, historische Städte, zeitgenössische Kultur und eine Landschaft, die sich hervorragend mit dem Fahrrad, zu Fuß oder vom Wasser aus entdecken lässt.

Vielleicht ist genau das die schönste Art, den Bodensee zu bereisen: ohne allzu großen Plan.

Am Vormittag mit dem Schiff über den See, am Nachmittag durch einen Garten spazieren, ein Museum besuchen oder einfach irgendwo am Ufer sitzen und beobachten, wie Segelboote langsam am Horizont verschwinden.

Friedrichshafen fügt dieser Landschaft noch eine weitere Dimension hinzu: den Pioniergeist. Die Geschichte der Zeppeline ist bis heute eng mit der Stadt verbunden. Das Zeppelin Museum besitzt auf rund 4.000 Quadratmetern die weltweit größte Sammlung zur Geschichte der Luftschifffahrt, während das Dornier Museum ein Jahrhundert Luft- und Raumfahrtgeschichte erzählt. Und wer möchte, kann die Region sogar aus jener Perspektive erleben, die Friedrichshafen berühmt gemacht hat: aus der Luft, bei einem Flug mit einem Zeppelin.

Die neue Sommerfrische

Ein paar Kilometer außerhalb des Zentrums von Friedrichshafen liegt Fischbach. Und hier, direkt am See, findet sich ein Ort, der erstaunlich gut zum Bodensee passt: das Seegut Zeppelin, Member of Lifestylehotels.

Vier Hektar Landschaftspark, jahrhundertealte Bäume und ein eigener Zugang zum Bodensee bilden die Kulisse. Dazwischen stehen eine historische Villa und vier zurückhaltende zeitgenössische Gebäude.

Interessanterweise begann die Geschichte dieses Ortes lange bevor hier Hotelgäste eincheckten. 1907 kaufte der Reutlinger Textilfabrikant Gustav Gminder das Grundstück als „Sommerfrische“ für seine Familie und ließ die Villa Gminder errichten. Nach einer wechselvollen Geschichte wurde das Anwesen umfassend revitalisiert.

Heute könnte man sagen: Die Sommerfrische ist zurück.

Nur sieht sie im 21. Jahrhundert etwas anders aus.

Architektur, die sich zurücknimmt

Die denkmalgeschützte Villa Gminder bildet noch immer das historische Herz des Seeguts. Um sie gruppieren sich Haus Ferdinand, Haus Helene, Haus Isabella und Haus August – benannt nach Mitgliedern der Familie von Zeppelin.

Ihre dunkel lasierten Fichtenholzfassaden und begrünten Zeltdächer versuchen nicht, mit der Landschaft zu konkurrieren. Im Gegenteil: Die Architektur nimmt sich bewusst zurück.

Das ist vielleicht eine der angenehmsten Eigenschaften des Seegut Zeppelin. Hier wurde nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst wenig Fläche unterzubringen. Der eigentliche Luxus ist Raum.

Raum zwischen den Häusern. Raum unter alten Bäumen. Raum am Wasser.

Die insgesamt 62 Zimmer öffnen sich mit Balkon oder Terrasse zum Garten oder zum See. Holz, natürliche Materialien und eine ruhige Gestaltung holen etwas von der Landschaft nach innen. Und dann ist da immer wieder dieser Blick hinaus – ins Grün, zwischen die Bäume oder über den Bodensee.

Vom Garten auf den Teller

Auch kulinarisch spielt die Umgebung eine zentrale Rolle.

Das Restaurant Pinus befindet sich in der historischen Villa Gminder mit ihren neugotischen Gewölben und der großzügigen Seeterrasse. Sein Sharing-Konzept stellt das gemeinsame Essen in den Mittelpunkt.

Der Schwerpunkt der Küche liegt auf kreativen vegetarischen Gerichten. Fisch und Fleisch werden bewusst als Ergänzung eingesetzt; Fleischprodukte stammen überwiegend aus einer Nose-to-Tail-Verarbeitung. Vieles beginnt jedoch direkt vor der Tür: Der Garten des Seeguts ist Teil der kulinarischen Idee.

Vielleicht passt gerade dieses Teilen besonders gut zu einem Haus, das ohnehin weniger vom klassischen Hotelbetrieb als vom Gefühl eines großzügigen Anwesens lebt.

Am besten: nichts vorhaben

Natürlich könnte man vom Seegut Zeppelin aus die gesamte Bodenseeregion erkunden. Zur Insel Mainau fahren. Museen besuchen. Wandern. Rad fahren. Mit dem Schiff den See überqueren.

Man könnte.

Man darf aber genauso gut bleiben.

Im Garten einen Platz unter den Bäumen suchen. Zum privaten Seezugang spazieren. Schwimmen. Lesen. Im Garten Spa in Haus Isabella in die Sauna gehen, eine Massage buchen oder im Yoga-Raum der Villa ein wenig Zeit verbringen.

Und irgendwann stellt sich jene besondere Form von Luxus ein, die heute vielleicht kostbarer geworden ist als vieles andere: Man muss gerade nirgendwo hin.

Smart Traveller: ein guter Grund für den Bodensee

Für Leserinnen und Leser von THE Stylemate gibt es noch einen zusätzlichen Grund, das Seegut Zeppelin kennenzulernen. Über unseren Smart Traveller Gutschein bieten wir eine spezielle Ermäßigung für einen Aufenthalt im Seegut Zeppelin. Die Idee dahinter ist einfach: besondere Hotels zu besonderen Konditionen selbst erleben.

Und vielleicht ist der Smart Traveller diesmal auch eine Einladung, eine Destination neu zu betrachten.

Denn der Bodensee muss nicht unbedingt die Reise sein, die man irgendwann einmal macht. Vielleicht ist er genau die Reise, die man jetzt machen sollte.

Und wenn wir uns dafür eine Adresse aussuchen dürften?

Dann würden wir ziemlich gerne unter den alten Bäumen des Seegut Zeppelin sitzen, hinüber zum Wasser schauen und die alte Kunst der Sommerfrische wiederentdecken.

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.

Ein Sofa ohne Vorder- und Rückseite

Was passiert, wenn Möbel uns nicht länger vorschreiben, wie ein Raum genutzt werden soll? Mit Gibson machen Cattelan Italia und Designer Sergio Bicego das Sofa zum offenen System – weich, skulptural und bereit, seine Richtung zu ändern, sobald das Leben es tut.

Es gab eine Zeit, in der das Wohnzimmer einer ziemlich eindeutigen Choreografie folgte. Sofa an die Wand. Couchtisch davor. Fernseher gegenüber. Alles hatte seinen Platz – und im wahrsten Sinne des Wortes seine Richtung.

Unser Leben ist weniger vorhersehbar geworden. Wir arbeiten dort, wo wir entspannen, treffen uns dort, wo wir wohnen, und ziehen uns an Orte zurück, an denen wir gerade noch gemeinsam Zeit verbracht haben. Räume sind fließender geworden. Vielleicht sollten es die Dinge darin ebenfalls sein.

Mit Gibson hat Designer Sergio Bicego für Cattelan Italia ein modulares Sitzsystem entworfen, das diesen Gedanken erstaunlich konsequent verfolgt. Statt ein weiteres Sofa zu gestalten, das einen vorgegebenen Platz im Raum einnimmt, entwirft er beinahe eine Landschaft.

Eine Landschaft, die sich verändern darf.

Keine Vorderseite. Keine Rückseite.

Gibson setzt sich aus unabhängigen, gepolsterten Volumen zusammen. Sitze, Rücken- und Armlehnen lassen sich entsprechend der jeweiligen Architektur kombinieren und neu positionieren. Selbst ihre Funktionen sind nicht endgültig festgelegt: Eine Armlehne kann zur Rückenlehne werden, zusätzliche Module verlängern den Sitz zur Chaise Longue.

Der vielleicht interessanteste Gedanke liegt jedoch im Verschwinden der klassischen Unterscheidung zwischen vorne und hinten.

Als doppelseitiges Sofa lässt sich Gibson aus unterschiedlichen Richtungen nutzen. Statt auf einen einzigen Fixpunkt im Raum ausgerichtet zu sein, kann es verschiedene Bereiche miteinander verbinden. Plötzlich ist das Sofa keine Grenze mehr.

Es wird zur Schnittstelle.

Dieser kleine Perspektivwechsel erzählt viel über zeitgenössische Innenräume.

Architektur soll heute innerhalb ein und desselben Raumes unterschiedliche Zustände ermöglichen: Kommunikation und Rückzug, Konzentration und Entspannung, Bewegung und Ruhe. Gibson beantwortet diese Anforderungen nicht mit zusätzlicher Komplexität, sondern indem es Möglichkeiten offenlässt.

Möbel werden zu Architektur

Besonders deutlich wird das außerhalb des privaten Wohnraums. Cattelan Italia sieht Gibson auch für Hotellounges und Lobbys, Retail-Flächen, hybride Arbeitswelten und gemeinschaftlich genutzte Räume vor – also überall dort, wo Möbel im Laufe eines Tages unterschiedliche Aufgaben übernehmen müssen.

Die einzelnen Module können in größeren Räumen Inseln schaffen, ohne dass dafür fixe Wände oder starre Trennungen notwendig werden. Sie lassen sich kombinieren, drehen und neu arrangieren – für Kommunikation ebenso wie für Ruhebereiche oder strukturiertere Warte- und Empfangssituationen.

Hier beginnt Möbelgestaltung beinahe unmerklich in Innenarchitektur überzugehen.

Gibson möbliert den Raum nicht nur. Es komponiert ihn.

Eine Komposition aus Rhythmus

Dass dieser Begriff passt, ist kein Zufall. Der Name Gibson ist von der Welt der Musikproduktion inspiriert und spielt mit Begriffen wie Rhythmus, Modulation und Harmonie. Die einzelnen Elemente funktionieren beinahe wie Noten einer Partitur: Ihre Beziehungen zueinander können sich verändern, ohne dass die Komposition ihre Identität verliert.

Dieser konzeptionellen Offenheit stellt Sergio Bicego eine ausgesprochen weiche Formensprache gegenüber.

Großzügige Sitze treffen auf abgerundete Kanten; gesteppte Details betonen Volumen und Weichheit der Polyurethanpolsterung. Lose Kissen sind in der Stoffpalette von Cattelan Italia erhältlich und können bewusste farbliche Kontrapunkte setzen oder in Ton-in-Ton-Kombinationen feine Nuancen innerhalb einer Farbwelt erzeugen. Ergänzt werden kann das System durch ein Couchtischmodul aus Keramik.

Das Ergebnis wirkt einladend statt technisch. Gibson ist modular, sieht aber nicht nach einem Möbel aus, das erst noch konfiguriert werden muss. Seine technische Logik verschwindet hinter seiner Weichheit.

Für Veränderung entworfen

Vielleicht liegt genau darin Gibsons zeitgemäßeste Qualität.

Gutes Design wurde lange mit Beständigkeit verbunden. Doch Beständigkeit muss nicht Stillstand bedeuten. Ein Objekt kann gerade deshalb lange bestehen, weil es auf neue Situationen reagieren kann.

Gibson wurde für diese Entwicklung konzipiert. Jedes einzelne Modul lässt sich unabhängig neu positionieren, sodass sich das System an veränderte Räume, Funktionen und Gewohnheiten anpassen kann. Cattelan Italia greift dafür erneut auf ein musikalisches Bild zurück: eine fortlaufende Komposition aus Volumen und Leerräumen, Präsenz und Leichtigkeit, Klang und Stille.

Und vielleicht ist genau das der Moment, in dem aus einem Sofa mehr wird als ein Sofa.

Eine Einladung, nicht alles im Voraus festlegen zu müssen.

Forward Festival Wien 2026: Am 1. und 2. Oktober wird das Gartenbaukino wieder zum Treffpunkt der internationalen Kreativszene. Annie Atkins, Mirko Borsche und mehr als 25 Speaker:innen sprechen über Design, Autorenschaft und eine Frage, die plötzlich fast alle Kreativberufe betrifft: Was kann die Maschine – und wofür braucht es weiterhin den Menschen?

Es ist eine Frage, die Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen, Architekt:innen und Agenturen längst nicht mehr theoretisch diskutieren können. Generative KI produziert Bilder in Sekunden, entwickelt Varianten, imitiert Ästhetiken und verändert damit nicht nur Arbeitsprozesse, sondern auch die Vorstellung davon, was kreative Arbeit eigentlich wert ist.

Beim Forward Festival Wien am 1. und 2. Oktober 2026 wird genau diese Verschiebung zum Ausgangspunkt für Gespräche über die Zukunft der Kreativität.

Nach Stationen in Berlin und Frankfurt kehrt Forward zum Saisonabschluss ins Wiener Gartenbaukino zurück – dorthin, wo die Geschichte des Festivals 2015 begann. Aus der ersten Wiener Ausgabe wurden inzwischen 35 Festivals in europäischen Städten, mehr als 600 Speaker:innen und eine Community von rund 50.000 Kreativen aus 70 Nationen.

Die Handschrift hinter den Bildern

Besonders spannend wird die Frage nach menschlicher Autorenschaft bei zwei Gästen, deren Arbeiten viele kennen dürften – auch wenn ihre Namen einem breiteren Publikum weniger geläufig sind.

Annie Atkins erschafft jene grafischen Welten, die wesentlich zur unverwechselbaren Ästhetik der Filme von Wes Anderson beitragen. Schriftzüge, Dokumente, Verpackungen und andere grafische Requisiten entstehen mit einer Präzision, bei der gerade die Details den Unterschied machen.

Mirko Borsche wiederum gehört zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Editorial- und Grafikdesigns. Seine Arbeiten und Kollaborationen reichen von Balenciaga, Supreme und Inter Mailand bis zum Magazin 032c.

Beide verkörpern damit etwas, das im Zeitalter nahezu unbegrenzt reproduzierbarer Bilder wieder erstaunlich kostbar erscheint: eine erkennbare Handschrift.

Was also kaufen Auftraggeber:innen künftig, wenn sie einen Menschen statt eines Tools engagieren? Eine Dienstleistung? Einen Stil? Erfahrung? Urteilskraft? Oder gerade jene schwer definierbare Fähigkeit, Entscheidungen zu treffen, die nicht aus Wahrscheinlichkeiten entstehen?

Kreativität nach dem Automatisierungsschub

Forward belässt die Diskussion nicht bei ästhetischen Fragen. Ein Panel beschäftigt sich mit den konkreten Veränderungen innerhalb der Kreativwirtschaft: mit neuen Rollen in Studios und Agenturen, veränderten Erwartungen von Kund:innen sowie mit Autorenschaft und Honoraren, wenn Teile kreativer Produktion automatisiert werden.

Damit berührt das Festival einen Punkt, der womöglich entscheidender ist als die Frage, ob KI „kreativ“ sein kann.

Denn Werkzeuge haben kreative Arbeit immer verändert. Interessanter ist, welchen Wert wir der menschlichen Entscheidung beimessen, wenn das Produzieren selbst immer einfacher wird.

Neben Annie Atkins und Mirko Borsche stehen unter anderem Natasha Jen, Erik Kessels, Cachete Jack, Luna Maurer, Thomas Albdorf, Gabriela Namie, So Me, Jim Stoten und The Mill auf dem Programm. Talks werden durch Workshops, Ausstellungen, eine Expo Area, Side-Events und Networking ergänzt.

Eine Idee, die in Wien begann

Hinter Forward steht Gründer Othmar Handl. Was 2015 in Wien begann, ist längst zu einer internationalen Plattform der Kreativszene geworden. Der ursprüngliche Gedanke ist dabei erstaunlich analog geblieben: Menschen zusammenzubringen.

Vielleicht liegt gerade darin eine mögliche Antwort auf die große Frage des Festivals.

Je leistungsfähiger unsere Maschinen werden, desto interessanter könnte das werden, was sich nicht beliebig skalieren lässt: Persönlichkeit, Erfahrung, Haltung, Begegnung – und der Mut, aus einer Idee tatsächlich etwas zu machen.

Forward Festival Wien 2026
1.–2. Oktober 2026
Gartenbaukino, Wien

Was, wenn wir die Welt einmal anders betrachten – kopfüber auf der Yogamatte, angelehnt an sonnenwarme Steine, atemlos im kalten Wasser und mit Blick auf eine Kirche, die uns daran erinnert, dass Perspektive auch bedeutet, zu wissen, wo man steht.

Ankommen

Der Weg ins Hotel Schwarzschmied führt durch die Gassen von Lana. Ein Stück Alltag ist noch mit im Gepäck. Dann biegen wir ab – und plötzlich verändert sich die Szenerie. Es ist ein Ort, der mehr Postkarte ist als Wirklichkeit. Weinreben ziehen geradewegs auf eine malerische Kirche zu, Rosmarin und Lavendelduft ziehen durch die Luft und im Pool zieht jemand seine Bahnen. Mit schützenden Armen empfängt uns das sanft gebogene Hotelgebäude.

Die Kaffeemühle ertönt im Hintergrund. Und abends ertönen jetzt auch Sounds bei der Vinyl Hour. Helles Holz, Vintage-Teppiche und ein Hauch von Palo Santo mischen sich mit der Vorfreude, das Zimmer zu erkunden: es ist leicht und erdend zugleich. Hier und da sind stilisierte Personen mit schwarzen Konturen zu erkennen – an den Wänden, auf der Zimmerkarte… In gewohnten und ungewohnten Positionen. Es ist eine Einladung des Künstlers Hannes Egger, die Perspektive zu wechseln. Was mag geschehen, wenn man die Welt anders betrachtet. Stehend auf einem Hocker, einen Arm in die Höhe streckend.

Sonnengruß

Oder kopfüber im Yoga? Im Glashaus. Das muss man erlebt haben. War es Magie? Um 7:30 Uhr auf der Matte zu stehen, klingt verrückt, für jemanden, der gerne lange schläft. Die Neugier war größer als der Wunsch auszuschlafen.

Die Belohnung: ein alter Holzboden, verwurzelnd, holt uns auf den Boden zurück. Ein feiner Windzug weht die Müdigkeit weg. Ein Sonnengruß spielt mit dem Licht. Im Glashaus wachsen wir und rundherum wachsen schwarze Tomaten und riesige Zucchini. Vögel zwitschern und dann schlagen die Kirchenglocken mit ein. Wenn sie läuten, dann machen sie das nie nebenbei. Ihre Präsenz überträgt sich. Unüberhörbar.

Zeit, loszulassen

Dong Dong Dong, das Geräusch der Kugelbahn aus Holz in der Jurte gibt auch den Kleinen ihren eigenen Rhythmus vor. Achtsam schwimmen wir der Kirche entgegen. Was uns festhält, verdampft, im dunklen Nebel des Dampfbades. Und in der klaren Hitze der Sauna. Wer wagt noch den Cold Plundge ins kalten Becken? Eine Überwindung, die uns wachsen lässt.

Wenn der Hunger kommt, lehnen wir uns draußen an die aufgewärmten Steine, gabeln Pasta auf und fordern die Zunge mit den Kontrasten, die der Affogato für uns bereithält: süß und bitter – heiß und kalt. Später bestellen wir einen Negroni. Soll es dann noch einer sein?

Wir spüren in uns hinein. Und merken: Vielleicht braucht es nicht immer noch mehr. Die Koffer sind fast gepackt. Und mit ihnen Erinnerungen, die nach Rosmarin duften. Sind wir dieselben wie die, die hier angekommen sind? Ein letzter Blick zurück. Die Glocken läuten. Wir fahren los. Und die Gedanken klingen nach.

Fotos: Ana Santl, Victoria Harrison, Isa Rus, Marlene Mauer, Lena Heckl Franziska Unterholzner, Steffen Metzger, Mel Bollag