3D-gedruckte Leuchten aus recycelten und bio-basierten Kunststoffen: Lucas Zito verbindet digitale Fertigung mit einer klaren, ressourcenschonenden Designhaltung.

Lucas Zito ist Designer mit Fokus auf Lichtobjekte. Seine Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Materialforschung, neuer Technologie und nachhaltigem Denken. Auf Basis recycelter und bio-basierter Kunststoffe entstehen Leuchten, die nicht nur funktional sind, sondern eine bewusste Haltung gegenüber Material und Prozess transportieren.

Gestaltung als präziser Prozess

Ausgehend von seiner Ausbildung an der Design Academy Eindhoven entwickelte Lucas Zito einen Ansatz, der Design als kontrollierbaren, präzisen Prozess versteht. Zentrale Rolle spielt dabei der 3D-Druck, der es ermöglicht, Form, Struktur und Materialeinsatz exakt zu steuern. Ziel ist es, mit möglichst wenig Material maximale räumliche Wirkung zu erzielen.

Seine Leuchten entstehen aus reclaimed oder bio-sourced plastics und werden in Paris entworfen und gefertigt. Technologie dient dabei nicht der Effekthascherei, sondern als Werkzeug für Ressourcenschonung und formale Klarheit.

Die BUOY Collection: Schwerelosigkeit in Form gebracht

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Lucas Zito mit der BUOY Collection, die seit 2021 als seine gestalterische Signatur gilt. Der Name leitet sich von buoyancy – dem physikalischen Prinzip des Auftriebs – ab. Dieses Konzept übersetzt Zito in Leuchten, die trotz ihrer Größe visuell leicht wirken und scheinbar im Raum schweben.

Die modular aufgebauten Lichtobjekte werden von Hand assembliert und sind bewusst so konstruiert, dass auch großformatige Leuchten mit überraschend wenig Material realisiert werden können. BUOY steht exemplarisch für Zitos Designverständnis: technisch präzise, poetisch in der Wirkung und konsequent ressourcenschonend.

Lucas Zitos Arbeit zeigt, wie zeitgenössisches Design Verantwortung übernehmen kann, ohne an Ästhetik zu verlieren. Seine Leuchten stehen für bewusste Materialwahl, Langlebigkeit und eine neue Form von technischer Eleganz – Werte, die den Gedanken von mindful living auf stille, überzeugende Weise widerspiegeln.

Zum dritten Mal ist Louis Vuitton Partner der Art Basel Paris – und präsentiert gemeinsam mit Takashi Murakami die siebte Edition der Artycapucines-Kollektion, eingebettet in eine spektakuläre Installation im Grand Palais.

Mit einer acht Meter hohen Oktopus-Skulptur, leuchtenden Farben und den ikonischen Motiven von Takashi Murakami zieht Louis Vuitton bei der Art Basel Paris 2025 alle Blicke auf sich. Die neue Artycapucines VII – Louis Vuitton × Takashi Murakami Kollektion verschmilzt Haute-Couture-Handwerkskunst mit Murakamis verspielter Superflat-Ästhetik – ein visuelles Fest zwischen Kunst, Mode und Fantasie.

Auf dem Balcon d’Honneur des Grand Palais erhebt sich ein leuchtender Oktopus – inspiriert von chinesischen Laternen, überzogen mit Murakamis typischem Jellyfish Eyes-Muster. Diese monumentale Skulptur ist das Herzstück der neuen Artycapucines-Kollektion von Louis Vuitton und Takashi Murakami, die 20 Jahre nach ihrer ersten Zusammenarbeit eine neue künstlerische Blüte erlebt.

Rund um die Installation entfaltet sich eine faszinierende Welt: Elf exklusive Capucines-Taschen, eingebettet in Murakamis ikonische Figuren wie Mr. DOB, Superflat Panda und die lächelnden Blumen. Jede Tasche ist ein Unikat – von der Capucines Mini Mushroom, die mithilfe von 3D-Druck mit über 100 Pilzfiguren versehen ist, bis zur Capucines East West Dragon, inspiriert von Murakamis Gemälde Dragon in Clouds Indigo Blue (2010).

Die Installation spielt mit Gegensätzen: kindlicher Freude und mythologischer Tiefe, Handwerkskunst und digitaler Innovation. Sie erinnert an Murakamis Fähigkeit, Ängste und Träume gleichermaßen in Popkultur zu verwandeln – verspielt, farbenfroh, vielschichtig.

Seit den 1990er Jahren gilt Takashi Murakami als einer der einflussreichsten zeitgenössischen Künstler. Sein Stil verbindet traditionelle japanische Malerei (nihonga) mit Anime, Science-Fiction und westlicher Kunst. Seine Kooperation mit Louis Vuitton begann 2003 mit dem legendären Colorful Monogram – ein Symbol dafür, wie Kunst und Mode gemeinsam eine neue Sprache finden.

Seit dem Launch ihres gleichnamigen Labels im Jahr 2020 zählt Grace Ling zu den spannendsten neuen Stimmen der New Yorker Modeszene. Ihre Verbindung aus Hightech, nachhaltiger Couture und sinnlich-surrealem Design hebt sie deutlich von der Masse ab – und positioniert sie als Avantgardistin einer neuen Modegeneration.

Technik trifft auf Handwerk: Von 3D-Druck bis Zero Waste

Grace Ling, die an der Parsons School of Design und der Central Saint Martins ausgebildet wurde, setzt in ihrer Arbeit konsequent auf 3D-Druck, CAD-Entwürfe und digitale Prototyping-Techniken. Damit erschafft sie skulpturale Formen mit minimalem Materialaufwand – ganz ohne Verschnitt oder textile Verschwendung.

In ihrer Spring/Summer 2025 Kollektion mit dem Titel „Neanderthal“ zeigte sie von Feuer gezeichnete Stoffe, metallische Fragmente und rohe, ausgefranste Silhouetten – ein multisensorisches Erlebnis, das zugleich archaisch und visionär wirkte.

Zwischen Laufsteg und Red Carpet

Ihr unverwechselbarer Stil – sinnlich, surreal, strukturiert – hat Celebrities wie Jennifer Lopez, Kylie Jenner, FKA Twigs oder Anya Taylor-Joy begeistert. Ihre Entwürfe wurden auf roten Teppichen, Magazin-Covern und Fashion Weeks weltweit gezeigt.

Im Frühjahr 2025 eröffnete Grace Ling ihren ersten Flagship-Store in New Yorks Hudson Yards – ein futuristischer Raum für Couture, ready-to-wear collections und individuell angefertigte Stücke.

Primitive Symbolik trifft moderne Präzision

In ihren Kollektionen kombiniert Grace Ling archaische Symbole – etwa Faustkeil-Motive oder verbrannte Saumabschlüsse – mit eleganten, fast wissenschaftlich präzisen Schnitten. Ihre Entwürfe erinnern an Surrealismus, post-digitale Ästhetik und zeichnen sich durch einen subtilen Humor aus.

Ein Highlight: Ihre berühmte „Butt Bag“ – eine Tasche in Po-Form, aus Aluminium gefertigt, aerodynamisch geformt und mit überraschend viel Platz. Extravagant, ironisch, funktional.

Anerkennung & Nachhaltigkeit

Als Forbes 30 Under 30-Talent (2022) und Finalistin beim CFDA/Vogue Fashion Fund beweist Ling, dass High Fashion und Zero-Waste-Prinzipien kein Widerspruch sind. Ihre Stücke entstehen auf Bestellung oder in limitierter Auflage, Restbestände gibt es keine.

Mit ihrem Fokus auf digitale Produktion, Langlebigkeit und lokale Herstellung positioniert sich Ling als Vertreterin einer neuen Couture: klimasensibel, kreativ, kompromisslos.

Warum Grace Ling wichtig ist

Grace Ling zeigt, dass Mode mehr sein kann als Kleidung: eine künstlerische Haltung, ein technologisches Statement, ein feministisches Narrativ. Ihre Kreationen verbinden Vergangenheit und Zukunft, Körper und Maschine – mit Präzision, Tiefgang und überraschender Leichtigkeit.

Sportboote, Yachten, italienische Marina. Begriffe, die für Lifestyle und Luxus stehen – und nicht unbedingt für Nachhaltigkeit. Grüne Wasserstofftankstellen, entworfen von Zaha Hadid Architects, sollen das nun ändern.

Nein, was sich da schon bald an den Stegen von Italiens Yachthäfen erheben soll, sind keine neuartigen Riesenmuscheln, die das Land erobern. Es handelt sich dabei vielmehr um die weltweit erste Wasserstofftankstellen für Sportboote. Tankstellen für die Zeiten der Klimakrise also, denn hier soll man laut den Projektentwicklern künftig sogenannten grünen Wasserstoff zapfen können. Wasserstoff also, der mittels erneuerbarer Energien hergestellt wird.

In 25 Yachthäfen an italienischen Küsten sind derartige Tankstellen angedacht. Geplante Inbetriebnahme: Schon im Sommer 2024. Bis 2030 sollen schließlich im gesamten Mittelmeerraum 100 derartige Stationen errichtet werden. Die Technologie hinter dem grünen Wasserstoff für Sportboote hat das Unternehmen NatPower H mit Sitz in Mailand entwickelt. Die architektonische Ausarbeitung für die spektakulären Bauten übernahmen Zaha Hadid Architects (ZHA). Gesamtinvestition des Projekts: 100 Millionen Euro.

Energie-Netzwerk

„Nachdem es Projekte für erneuerbare Energien in der Pipeline gibt, die insgesamt 23 Gigawatt übersteigen, haben wir beschlossen, NatPower H zu gründen – den ersten globalen Betreiber für die Produktion, die Speicherung und den Vertrieb von grünem Wasserstoff –, um die weltweit ersten Wasserstofftankstellen für Sportboote zu errichten“, erklärt dazu Fabrizio Zago, CEO der NatPower-Gruppe.

Hinzu kommt, dass mittlerweile immer mehr Yachthäfen die Verwendung von Dieselmotoren untersagen. Eine Entscheidung, die die rasche Energiewendung in der Schifffahrtsbranche vorantreibt. Und eine Entwicklung, die auch der von NatPower H und ZHA vorgeschlagenen Infrastruktur den Rücken stärkt. Der gemeinsame Plan lautet daher: Man will ein Netzwerk von Energiezentren schaffen, das die weitere Entwicklung von wasserstoffbetriebenen Schiffen fördert.

Mit der Installation der Infrastruktur für die Bereitstellung von grünem Wasserstoff will NatPower H ein Netzwerk von nachhaltigen Energiezentren in allen großen italienischen Jachthäfen und ideale Bedingungen für die Weiterentwicklung und Nutzung von wasserstoffbetriebenen Schiffen schaffen.

Technologien der Zukunft im Jetzt

Nach Angaben der Architekten Studios sollen die geplanten 100 Stationen für Wasserstofftankstellen jährlich bis zu 45.000 Tonnen Treibhausgasemissionen im Segment der Freizeitboote einsparen. Eine Investition ins Klima und in die Umwelt.

Und weil sich bei diesem Projekt alles um Nachhaltigkeit dreht, werden auch die Tankstellen an sich ausschließlich aus nachhaltigen Materialien errichtet. Nach einer Art Baukastenprinzip haben ZHA ein modulares System entworfen, mit dem die verschiedenen Standorte im Mittelmeerraum individuell und flexibel gestaltet werden können. Die Segmente der einzelnen Module werden mit 3D-Drucktechnologien erstellt, sodass die am Ende vollständige Tankstelle sich den Gegebenheiten vor Ort perfekt anpasst. Schließlich sind die spezifischen lokalen Gegebenheiten wie Gesamtgröße, Sitzgelegenheiten, Fußgängerverkehr und Fahrradlademöglichkeiten in jeder Marina anders.

Altrömische Technik

Aber die 3D-Drucktechnologie hat noch einen weiteren Vorteil. So sind die Module jeweils vollständig recyclebar und werden am Standort (trocken) zusammengebaut – so reduziert man Bauabfall. Außerdem entstehen damit fließende Formen und Geometrie, die von der mediterranen Landschaft und ihrem Meeresökosystem inspiriert sind. Kohlenstoffarmer Beton verleiht dem Tankstellenhäuschen ihre Struktur und Stärke.

Und wieder einmal ist es das alte Wissen in Verbindung mit gegenwärtiger Innovation, die diesen Entwurf so besonders macht. Denn: „Die Wasserstofftankstellen verbinden die neuesten Innovationen in der Bautechnik mit der historischen Technik, welche die Römer vor mehr als 2.000 Jahren entwickelt hatten. Sie nutzen fortschrittliche kreisförmige Bautechnologien, die das Engagement von NatPower H für eine ökologisch verantwortungsvolle Zukunft widerspiegeln“, so Filippo Innocenti, Direktor von Zaha Hadid Architects. 

Alle für einen, einer für alle

Das Büro verwendet in diesem Projekt lokal gewonnene Materialien. Sand, Erde und nachhaltigen Zement bilden die Basisbausteine der jeweiligen Station, die am Ende auf lediglich 50 Quadratmetern errichtet wird. Kreativität und eine beachtliche Zusammenarbeit unterschiedlichster Experten aus verschiedensten Quellen machte diese Innovation möglich.

So arbeiteten nicht nur NatPower H an diesem Vorhaben einer nachhaltigen Zukunft, sondern auch Unternehmen wie Baglietto, BluEnergy Revolution oder Tecma Solutions. Doch auch in Sachen Design kann diese bauliche Innovation mit jener des grünen Wasserstoffs mithalten. Denn die Computation and Design Research Group der ZHA (ZHA CODE) entwickelte das modulare Bausystem der Stationen in Zusammenarbeit mit der Block Research Group und Incremental3D. Mehrfach einschlägig ausgezeichneten Design-Units.

Was sich beinahe wie der Abspann eines Spielfilms liest, ist ein schönes Zeichen globaler Zusammenarbeit. Für zunächst lokale Nachhaltigkeit, die im Gesamtbild doch wieder für klimaneutrale Zukunft Aller steht.

Text: Eva Schroeder
Bilder: Zaha Hadid Architects

Inspiration aus der Natur sowie fließende Formen prägen das FabLab im mexikanischen Dschungel von Tulum. Ein außergewöhnlicher Ort für Kreativität, Innovation und grenzenlose Fantasie.

Das globale FabLab-Netzwerk ist ein kreatives Projekt, das verschiedene Kulturen verbindet und zur Zusammenarbeit und Co-Kreation anregt. Es dient dem Austausch von Handwerker:innen, Künstler:innen und Kreativen.  Man soll aus den Fehlern und Erfolgen der anderen lernen, um so Innovation zu fördern und Bewährtes adaptieren zu können.

Dieses innovative Konzept ist auch das Ziel des FabLab von Roth Architecture in Tulum, Mexiko. Genauer: Im Dschungel auf der mexikanischen Halbinsel Yukatán. Originelle, umweltfreundliche Lösungen für die Bedürfnisse des täglichen Lebens sollen hier entwickelt werden. „Wir wollen handwerkliches Können in ein digitales Zeitalter bringen“, so das Studio.

Fabelhaftes Büro

Das FabLab ist, man kann es nicht anders ausdrücken, im wahrsten Sinne des Wortes fabelhaft und auf den ersten Blick alles andere als ein Büro. Es erinnert eher an einen Märchenwald, mit Feenhäusern und verzauberten Gestalten. Für einen kurzen Augenblick erwacht das innere Kind und ist bereit alles zu entdecken, was es dort zu entdecken gibt.

Die Mauern scheinen durch den Wald zu fließen, die Fenster wirken teilweise wie Augen oder ähneln den Mustern von Schmetterlingsflügeln. Und es stimmt, das lokal ansässige Architektenteam von Roth Architecture hat sich bei dieser außergewöhnlich kreativen Idee unter anderem von Formen von Insektenflügeln inspirieren lassen. Ein Kreativlabor, dass dem, wie die Architekten es nennen, „künstlerischen Willen der Natur“ folgt. https://www.youtube.com/embed/4pYWz0YCymY?feature=oembed

Hand in Hand mit der Natur

Stahl, Beton und Palmfasern bilden die Struktur des FabLab. Die Räume sind als einzelne Gebäude entworfen, um sich den Gegebenheiten der Umgebung anzupassen. Es wirkt, als würden die Räume knollenförmig aus dem Boden herauswachsen. Bäume und Pflanzen ergänzen das Gebäude, dessen fließende Form „sich teilweise um die Bäume zu wickeln scheint“.

Die Natur wird auch in den Innenräumen mit einbezogen: Pflanzenbeete und offene Atrien, durch die Bäume hinauswachsen ergänzt mit natürlichen Materialien in der Gebäudestruktur. Eine Kuppel aus geflochtenen Baumstämmen und Ranken, Fenster aus lichtdurchlässigen Harzen und Palmfasern, natürliche Materialien, die fantastisch wirken.

Grenzenlose Fantasie

Für Roth Architecture ist das FabLab ein Kreativlabor – Handwerk, Technologien, Forschung werden hier stattfinden. Experten können hier zusammenkommen und die Räume als Büro und „Makerspace“ nutzen. Es geht um Fortschritt und Nachhaltigkeit, neue Wege zu ergründen. Und genau das strahlt das Gebäude aus, alles ist möglich mit genug Fantasie und ausreichend neuem Werkzeug.

Es wird Räume mit verschiedenen 3D-Druckern geben, beispielsweise einen 3D-Drucker für Ton, Räume für Thermoformmaschinen, Laserschneider, Wasserstrahlschneidemaschinen und einen Raum für einen Sechs-Achsen-Roboterarm. Alles, was das Architektenherz begehrt, scheint hier erfüllt zu werden, um so Innovation zu fördern und Bewährtes adaptieren zu können.

In diesen Räumen, umgeben von der Natur, kennt Fantasie keine Grenzen. Harmonische Unregelmäßigkeiten machen den Stil des Gebäudes aus. Hier wirkt alles einzigartig, die einzelnen Formen weichen ganz leicht voneinander ab und bilden so dieses fantastische Gesamtbild. Ganz nach dem Vorbild der Natur, die den Architekten als Inspiration diente.

Text: Eva Schroeder
Bilder: Roth Architecture

Inmitten der sich ständig wandelnden Modewelt gibt es eine Konstante, die uns Jahr für Jahr begeistert – die Pantone Trendfarbe des Jahres. Für 2024 heißt die Farbe, die unsere Sinne verzaubert, „Peach Fuzz“.

BOLTENSTERN

Diverse Ohrringe, Halsketten, Armbänder sowie Ringe der Kollektionen Embrace und Fabnora von BOLTENSTERN fügen sich nahtlos in die pastellige Pantone-Trendfarbe des Jahres 2024, „Peach Fuzz“, ein. Die Schmuckstücke vereinen die filigrane Struktur und moderne Eleganz der innovativen 3D-Drucktechnologie mit schimmerndem Roségold und edler Raffinesse und schaffen ein harmonisches Zusammenspiel. Die Schmuckstücke sind nicht nur eine Hommage an die aktuelle Farbtrendlandschaft, sondern auch ein Ausdruck von kreativer Innovation und höchster Handwerkskunst. Jede Kreation strahlt eine subtile Wärme und zeitlose Schönheit aus, die perfekt mit dem modischen Zeitgeist harmoniert.

BUCHERER

Bucherer Fine Jewellery präsentiert stolz das exklusive „Collier Classics Rivière“ – ein Meisterwerk der Eleganz, das sich harmonisch in die diesjährige Pantone-Trendfarbe Peach Fuzz einfügt. Dieses atemberaubende Schmuckstück besticht durch drei Reihen aus 18K Roségold, die perfekt mit 403 Diamanten im Brillant-Schliff harmonieren und eine Gesamtkaratanzahl von 17,82 ct. Erreichen. Das Collier Classics Rivière verkörpert subtile Opulenz und zeitlose Raffinesse, wobei das strahlende Roségold die warme Nuance von „Peach Fuzz“ aufgreift und dem Schmuck eine besondere Ausstrahlung verleiht.

BULGARI

„Peach-Fuzz“ strahlt eine Zartheit aus, die sich in der Cabochon-Kollektion in Roségold von Bulgari vollständig widerspiegelt. Der raffinierte, glatte Cabochon-Schliff dient als Inspirationsquelle und bleibt ein unverkennbares Markenzeichen der Bulgari-Ästhetik. Die Schmuckstücke verkörpern Luxus und Raffinesse, die sie für jede Gelegenheit und Anlass perfekt macht.

COMMA

Die comma Trend-Teile sind absolut im modischen Stil der Pantone-Farbe des Jahres. Ob als Anzug oder in Kombination mit einem Strick-Rollkragen – sie sind vielseitig einsetzbar. Für diejenigen, die es etwas dezenter mögen bietet sich die pfirsichfarbene Haube an.

FABER CASTELL

Wer die Farbe des Jahres direkt zu Papier bringen möchte, kann das mit dem Jumbo Grip Buntstift von Faber-Castell tun. Die Grip-Zone des Stifts garantiert einen sicheren und rutschfesten Griff, damit der Kreativität unbeschwert freien Lauf gelassen werden kann.

LA BIOSTHÉTIQUE

Einen zauberhaften Hauch von Frische verleiht die Farbe Peach Fuzz auch den Wangen: Das Puder-Rouge Tender Blush von La Biosthétique gibt den Wangenknochen einen zarten Farbtouch und verleiht ein natürliches Strahlen. Wer den Look noch mit passenden Lippen vervollständigen möchte, greift am besten zu dem La Biosthétique Cream Gloss in „Soft Peach“.

MISTER SPEX

Die Chimi „Peach Fuzz“ Sonnenbrille, in einer verführerischen Pfirsichnuance, bringt Frische in jede Garderobe. Das exquisite Design und die hochwertigen Materialien verleihen dieser Brille einen Hauch von Glamour, während die Peach Fuzz-Farbe eine subtile Wärme hinzufügt.

TUDOR

Elegant kombiniert hat TUDOR die Trendfarbe in der TUDOR ROYAL. Das in dem weichen Pfirsichfarbton gefärbte Ziffernblatt mit applizierten römischen Ziffern wird von einem satinierten, polierten Gehäuse in Edelstahl und passendem Armband umschlossen. Mit diesem Uhrenklassiker wird die Farbe gekonnt in Szene gesetzt!

Dass gesunde Umwelt zusehends zum Luxus wird, widerstrebt auch Anbietern luxuriöser Kleinode. Tiffany‘s ließ sich deshalb für seinen Shop am Changi Airport eine Fassade aus Plastikabfall aus dem Meer gestalten. Von MVRDV designt, 3D-gedruckt und faszinierend.

Als Audrey Hepburn alias Holly Golightly in „Breakfast at Tiffany’s“ vom Luxusleben träumte, sah die Welt noch anders aus. 1961 waren Umweltverschmutzung und Klimawandel noch kaum Thema. Die Verfilmung des Truman Capote Romans ging in die Geschichte ein. Und das schon damals legendäre Juwelier-Unternehmen Tiffany & Co. hat heute ein globales Filialnetz mit über 300 Geschäften. Dass „Luxus“ längst nicht mehr nur Gold und Diamanten meint, zeigt Tiffany’s mit der Fassade eines neuen Shops in Singapurs Changi Airport: Aus recyceltem Plastikmüll errichtet, soll das Wunderwerk das Nachhaltigkeits-Engagement des Unternehmens unterstreichen.

Kunstwerk aus 3D-gedrucktem Müll

Designt hat die zierlich extravagante Fassade das niederländische Top-Büro MVRDV. Und zwar aus für noble Schmuckgeschäfte ungewöhnlichem Material und mit modernster Technik: Aus dem Meer „gefischter“ Plastikmüll wurde recycelt und mittels 3D-Druck zu einem eleganten Blickfang geformt. Ein komplexes Unterfangen, für das die Architekten mit dem Amsterdamer Unternehmen Aectual und dem Mailänder Ingenieurbüro BUROMILAN kooperierten.

Bei der Entwicklung des Entwurfs legte MVRDV eine Reihe charakteristischer Designmerkmale fest, die Tiffany’s Identität und Geschichte widerspiegeln. So erstrahlt die Außenfront des Shops nun im unverkennbaren Tiffany Blue®. Also im hellen blau-türkisen Farbton der Eierschalen amerikanischer Rotkehlchen, der seit jeher mit dem 1837 von Charles Tiffany und John Young in New York gegründeten Schmuckunternehmen verbunden ist.

Hommage für Tiffany’s Geschichte

Außerdem ließen sich die Gestalter von Louis Comfort Tiffany’s – im späten 19. Jahrhundert berühmt gewordener und bis heute begehrter – Glaskunst inspirieren. Ein Vermächtnis, das mit Anspielungen auf Flora und Fauna auch den Look des gesamten Geschäfts mitprägt.

Design-Vorbild Koralle

Vorlagen für den thematischen „Anker“ des Designs fand MVRDV in der lokalen Umgebung und den Korallenriffen Singapurs: Basierend auf den Mustern der Korallenarten entwarf das Team eine Art Hülle. Diese ziert die Fassade des Shops mit einem organischen, zellenartigen Dekor. Dahinter liegt eine Glasschicht, die im Siebdruckverfahren mit einem Farbverlauf bedruckt wurde, der von Tiffany‘s charakteristischem Farbton zu einem tiefen Blau übergeht. Letzteres ist als Verweis auf Singapurs Meeresumgebung gedacht.

Die spezialisierte Technologie-Taskforce MVRDV NEXT half bei der Verfeinerung der korallenähnlichen Hülle. Das eigens entwickelte Konzept des Teams stellt sicher, dass das Design unterschiedlichsten Belastungen standhält.

Luxus aus Stoff, der Meere plagt

Das Verfahren zur Herstellung der 50 Millimeter dicken Hülle erstellten die 3D-Druck-Experten von Aectual. Das Material: recycelter Kunststoff, unter anderem aus bearbeiteten Fischernetzen. Eine ungewöhnliche Bezugsquelle, die zugleich zum Schutz der Ozeane beiträgt, aus denen das Basismaterial stammt: Aus Müll, der sonst die Meere verschmutzt, entstand ein faszinierendes Konstrukt, das die Fassade des Tiffany’s Shops zur Augenweide macht.

Als besondere Herausforderung auf dem Weg dahin nennen die MVRDV Architekten die Notwendigkeit, den strengen Brandschutzvorschriften eines Flughafens zu entsprechen. Ein Problem, das BUROMILAN durch Beifügung einer chemischen Substanz löste, die ebenfalls aus Meerwasser hergestellt wird.

Mehrdimensionales Farbenspiel

Der Farbverlauf von Hell- und Dunkelblau kehrt im 3D-gedruckten Teil des Designs mehrfach wieder: Rund um die Eingänge des Tiffany’s Stores ist die Hülle an der Vorderseite hell- und an der Rückseite dunkelblau. Zu den äußersten Ecken der Fassade hin verkehrt sich dieser Look allmählich ins Gegenteil – und sorgt so für Farbverlauf in allen drei Dimensionen.

Dass sich mit 3D-Druck inzwischen Beeindruckendes schaffen lässt, ist bekannt. Von einzelnen Häusern bis zu ganzen Siedlungen, wie etwa beim von ICON errichteten Projekt „Wolf Ranch“. Aber auch feinstgliedrige Kunstwerke, wie der Altar der Pfarrkirche St. Laurentius im bayerischen Altmühldorf, den die Künstler Corbinian Böhm und Michael Gruber mit Architekt Oliver Tessin errichtet haben.

Luxus & Engagement at Tiffany’s

Was der Tiffany’s Store im Piazza Garden des Changi Flughafens jetzt präsentiert, ist allerdings mehr als ein ästhetisches Hi-Tech-Wunder. Die schöne, aus Plastikabfall gedruckte Fassade ist ein Statement für Nachhaltigkeit, mit dem ein legendärer Nobel-Juwelier ein Zeichen setzen will. In Zeiten, in denen gesunde Umwelt zusehends zum Luxus wird – und viele längst eher davon als von Gold und Diamanten träumen. 

Text: Elisabeth Schneyder
Bilder: MVRDV / Courtesy of Tiffany&Co.

Handwerk ist bei der Creative Industries Styria keineswegs oldschool. In den Styrian Products wird Handwerkskunst mit modernem Design und Computertechnologie verschmolzen. Diese Kombination ermöglicht nicht nur präzise und hochwertige Arbeit, sondern führt auch zu außergewöhnlichen Designs und Produkten, die einen positiven Einfluss auf den Alltag der Menschen haben. Hier sind unsere Top 3.

Was ist CAD?

CAD steht für „Computer Aided Design“ (computergestütztes Design) und ist eine spezialisierte Software, die in verschiedenen Branchen verwendet wird, um technische Zeichnungen, Modelle und Entwürfe zu erstellen. CAD-Programme ermöglichen es Designern, Ingenieuren, Architekten und anderen Fachleuten, präzise und detaillierte Darstellungen von Produkten, Gebäuden oder anderen Konstruktionen zu erstellen.

Wie funktioniert ein 3D-Druck?

3D-Druck, auch als additive Fertigung bekannt, ist ein Fertigungsverfahren, bei dem dreidimensionale Objekte schichtweise aufgebaut werden, indem Material schrittweise hinzugefügt wird, anstatt es aus einem Block zu entfernen (wie es beispielsweise bei traditioneller subtraktiver Fertigung der Fall ist, bei der Material abgetragen wird, um das gewünschte Objekt zu formen). Der Prozess erfolgt auf der Grundlage digitaler 3D-Modelle, die am Computer erstellt oder aus 3D-Scans abgeleitet werden – meistens mit CAD-Programmen.

„Styrian Products“ ist ein Programm der Creative Industries Styria, das Design aus der Steiermark in den Fokus stellt – online wie offline. Es handelt sich dabei um eine feine Kollektion von rund 100 herausragenden Produkten, die in der Steiermark entwickelt, gestaltet und produziert werden.

https://www.cis.at/projekte/styrian-products/

Geometric Collection Jewelry – Hexa Triple

Die von 13&9 Design gestalteten Schmuckstücke aus der GEOMETRIC COLLECTION wurden mithilfe von CAD-Programmen entworfen und vereinen moderne CNC-Technologie mit traditionellem österreichischem Handwerk. Einzigartig ist die Verwendung des hochwertigen architektonischen Materials Corian. Die fließenden Formen einer Ellipse und die kreativen Möglichkeiten eines Hexagons dienten als Inspirationsquelle.

13&9 Design ist ein interdisziplinäres Designstudio mit Sitz in Graz, gegründet von Martin Lesjak, dem Geschäftsführer des renommierten Architekturbüros INNOCAD, sowie der Designerin Anastasija Lesjak. Das Team arbeitet von der Konzeptentwicklung bis zur Produktion eng mit spezialisierten Partnern zusammen und ist in verschiedenen Bereichen tätig, darunter Beleuchtung, Möbel, Bodenbeläge, Mode, Accessoires, Ausstellungsdesign und Sounddesign.

www.xtec.at

www.13and9design.com

Recover – XAL

XAL hat mit seiner Innovation namens RECOVER die transformative Kraft des Tageslichts in Innenräume gebracht. Dieses Lichtsystem ist darauf ausgerichtet, den natürlichen Biorhythmus des Menschen zu unterstützen und das Wohlbefinden sowie die Genesung zu fördern, indem es den Verlauf des natürlichen Tageslichts durch Farbtemperaturänderungen nachahmt.

Seit seiner Gründung im Jahr 1989 in Graz hat sich XAL zu einem Unternehmen mit beeindruckenden 1.300 Mitarbeitern entwickelt. Die Spezialisierung von XAL liegt in der Schaffung zeitgemäßer und ästhetisch ansprechender Leuchten und Lichtsysteme mit einem herausragenden Designanspruch.

www.xal.com

DA27 x Lasnik

Der renommierte Brillendesigner Martin Lasnik hat in Kooperation mit dem Fußballstar David Alaba eine innovative 3D-gedruckte Brille mit faszinierenden goldenen Details entworfen. Diese Brille zeichnet sich durch ihre unkonventionelle oktogonale Form und die verspiegelten Gläser aus, was in der Welt der Brillen einen neuen Maßstab setzt und als herausragendes Beispiel für gestalterische Kreativität gilt.

Martin Lasnik zeichnet sich durch die Schaffung außergewöhnlicher Produkte aus, darunter die bekannte Marke SEEOO und insbesondere die bemerkenswerte Kollektion „13&9 Eyewear – Diamond Shades“, die in Zusammenarbeit mit 13&9 Design entstand. Diese Kollektion bricht mit konventionellen Standards und erkundet völlig neue gestalterische Wege, die sich fernab vom Mainstream bewegen.

www.lasnikeyeworks.com

Photocredits: Markus Mansi, XAL, 13_9Design, Gerald Liebminger – Robert LaRoche

Zum fünften Mal in Folge nimmt die digitale und physische Designplattform Isola an der Dutch Design Week 2023 teil, die vom 21. bis 29. Oktober 2023 in Eindhoven (Niederlande) stattfindet, und präsentiert zwei Hauptausstellungen, die vom diesjährigen Isola-Thema „Nothing Happens if Nothing Happens“ inspiriert sind.

Isola ist ein Zusammenschluss von Designern und Designern mit einer gemeinsamen Mission: über das bloße nachhaltige Designdenken hinauszugehen und wirklich etwas zu bewirken. Die Gründer rufen alle Designer und Studios dazu auf, ihre Arbeitsweise konkret zu ändern und sich dem Konzept der Regeneration anzunähern.

„Seit wir 2019 unsere Reise in den Niederlanden begonnen haben, können wir stolz auf eine beeindruckende Gemeinschaft niederländischer Designer in unserem Netzwerk verweisen, genießen die Unterstützung zahlreicher lokaler Partner und hatten sogar die Ehre eines Besuchs Ihrer Majestät der Königin während der letzten Mailänder Designwoche. In diesem Jahr freuen wir uns, zwei Ausstellungen zu präsentieren, die die Essenz unserer jüngsten Bemühungen widerspiegeln und ein Schlaglicht auf außergewöhnlich talentierte Designer und ihre bahnbrechenden Projektansätze werfen“. – bekräftigt Gabriele Cavallaro, Mitbegründer und CEO der Isola Design Group.

NICHTS PASSIERT, WENN NICHTS PASSIERT

Im Rahmen der Veranstaltung „Something Bigger“ in der Schellens Fabriek, einer ehemaligen Fabrikhalle im Stadtzentrum von Eindhoven, in der Nähe des bekannten Van Abbemuseums, präsentiert Isola auf 400 m² innovative Biomaterialien, kreisförmige Produkte und Design-Sammelstücke.

Die Zusammenarbeit zwischen der Kreativdirektorin von Isola, Elif Resitoglu, dem Designstudio IAMMI und dem italienischen Start-up-Unternehmen ReMat, das sich auf das Recycling von Matratzenabfällen spezialisiert hat, setzt sich bei der Gestaltung des Ausstellungslayouts fort. Die Elemente aus recyceltem Polyurethan, die zuvor für die Londoner Ausstellung entworfen wurden, werden wiederverwendet und neu eingesetzt, um das Engagement für wirklich nachhaltiges Design zu erhöhen. Verschiedene Themenbereiche werden die Ausstellung prägen, von der Materialforschung über das Sammeldesign bis hin zu nachhaltigen und kreisförmigen Produkten.

In Zusammenarbeit mit The Good Plastic Company, die ihr Polygood®-Material, das zu 100 % aus recyceltem und wiederverwertbarem Kunststoff besteht, in verschiedenen Aspekten der Ausstellung wie Tafeln, Beschilderung und Einrichtung einsetzen wird, setzt Isola neue Maßstäbe für eine nachhaltige Ausstellung. Dies ist der zweite Teil einer dreiteiligen Reise, bei der die Materialien, die zum ersten Mal in der Ausstellung auf dem London Design Festival zu sehen waren, wiederverwendet und in innovative Kreationen verwandelt werden. Die Polygood®-Platten werden ausschließlich von CDUK geliefert.

Dank dieser Zusammenarbeit und der großzügigen Unterstützung der Sponsoren von Isola wird die Ausstellung Nothing Happens if Nothing Happens in London, Eindhoven und Dubai nahezu abfallfrei sein. Ermöglicht wird dies durch die Verwendung nachhaltiger Materialien, die bei jeder Veranstaltung wiederverwendet werden.

Im Bereich der Materialien wird die in Dubai ansässige Materialbibliothek Colab 12 innovative und nachhaltige Materialien vorstellen. Darüber hinaus wird ein Raum mit dem Projekt New Normal New Standard dem bewussten japanischen Design gewidmet sein, das sich auf die sich ändernden Anforderungen unseres täglichen Lebens konzentriert, das von globalen Angelegenheiten beeinflusst wird. Schließlich stellt Isola im Rahmen der Auswahl an Sammeldesigns kostenlos drei Mitglieder seiner Design-Community aus: Studio Verbaan, A Waste Epiphany und Albert Potgieter, die ihr Studio bei dem Brand des Keilewerf-Gebäudes in Rotterdam im vergangenen Juni verloren haben.

Außerdem sind unter den Teilnehmern: A Waste Epiphany, AbarStudio, Albert Potgieter, Albore Design, Andres Canchan, Anett Papp, Atelier Barb, Coloruben, Cousins Design, Daniyar Uderbekov, Dublo Studio, Dutch Circular Design, Emma Leurink, Esmee Gruson, Esther De Vos, Federico Fiermonte, Felix Klein und Marina Engelhardt, Georgie Gerrard, Giulia Pirrello, Halle Design, Husarska, Jack Brandsma, Joana Teixeira, Justin Janssen, Juyoung Jung, Lisa Vlamings x vanPlestik, Maya Kaplan, Mushlume Lighting, Oliwia Ledzinska, OSSO, Paul Ketz, Raphael Pontais, Siiri Oksanen, Sof Afhb, Sofia Karnukaeva, Solmaz Primavera, Studio Annebet Philips, Studio Lo, Studio Sjoerd Geerts, Studio Verbaan, Studio-SZRAG, Thanos Deenen, The Atelier Jun, U-ak, Yujin Kang.

WERKZEUGE & HANDWERKSTÜCKE

Als Hommage an die reiche niederländische Handwerkstradition wird Isola in der Fuutlaan 12c an der Ostseite des Hauptbahnhofs mit einem lokalen Holzarbeiter zusammenarbeiten, um die Ausstellung Tools & Crafts in seiner Werkstatt zu zeigen. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht eine neue Generation von Kunsthandwerkern, die traditionelles Fachwissen mit innovativen und experimentellen Techniken kombinieren, um zeitgemäße Designobjekte mit Sammlerwert zu schaffen. Die Besucher können mit den Designern in Kontakt treten, während sie die Vielseitigkeit moderner Werkzeuge und Techniken zeigen. Von der Anwendung von Codierung und 3D-Druck bis hin zu Glasblas-, Guss- und Formtechniken zeigen die Projekte, wie Design Traditionen und alte und neue Techniken ehren und gleichzeitig Innovationen fördern kann.

Zu den Teilnehmern gehören: Atelier Iris Nijenhuis, Aysun Ay, Dirk Duif, Giulia Toneguzzo, Hanne Arends, IAMMI, IOUS Studio, Jake Lalor Zakrzewski + Moritz Liedtke, Kim Melody Zoutwelle, Studio 23:23, studio dérive, Studio Fabius Clovis, Studio Floris Meijer, Studio Jiin Yoon, Studio Range, Studio Rijsmus, Taftique, Teun Zwets, ZEYNEP BOYAN.

Die Einrichtung von Tools & Crafts wird von Wisse Trooster, einem der Kuratoren von Isola, in Zusammenarbeit mit dem Eindhovener Designer Pepijn Fabius Clovis entwickelt, der für seine praktische Herangehensweise bekannt ist. Neben dem Eingang des Ausstellungsraums wird er ein Hausmeisterbüro nachbilden. Auf einer Bühne mit einem Arbeitsplatz haben die Designer die Möglichkeit, ihre Fertigkeiten und ihr handwerkliches Geschick den Besuchern bei Live-Vorführungen zu zeigen. Die Einrichtung wird mit Pflanzenfarben von Fairf gestrichen.

Neben der Ausstellung von Isola werden drei weitere handwerkliche Veranstaltungen die Fuutlaan 12c mit Leben erfüllen. Der Holzhandwerker Jan Gerritsen bietet Workshops zum Holzhobeln an und präsentiert einen unkonventionellen Sarg, der im Laufe des Lebens als Bücherregal, Bank oder Aufbewahrungsbox verwendet werden kann. Mit „Joy of Work“ bringen die Initiatorinnen von Social Label, Petra Janssen (studio Boot) und Simone Kramer (C-mone), ihre bedeutungsvolle Designkollektion und ihre auf Betreuung, Bildung und Wiedereingliederung ausgerichtete Gemeinschaft nach Eindhoven. Social Label entwirft maßgeschneiderte Arbeiten und Aktivitäten durch „Design by Doing“, um Menschen am Rande der Gesellschaft den Einstieg in den Arbeitsmarkt zu erleichtern. Das Visionary Lab wird in Zusammenarbeit mit Modedesignern und Künstlern gebrauchten Vitra-Stühlen aus wiederverwendeten Levi’s®-Denimstoffen neues Leben einhauchen.

ÜBER ISOLA

Isola ist die weltweit erste digitale und physische Plattform, die unabhängigen Designern und Designstudios Sichtbarkeit verschafft, indem sie sie mit Designfachleuten, Unternehmen, Kuratoren, Journalisten und potenziellen Kunden zusammenbringt. Das engagierte Kuratorenteam wählt Projekte mit Schwerpunkt auf Nachhaltigkeit, Innovation und Handwerk aus.

Isola organisiert auch verschiedene persönliche Veranstaltungen unter dem Dach des Isola Design Festivals, das das ganze Jahr über während der Mailänder Designwoche, der Dutch Design Week in Eindhoven (Niederlande) und kürzlich bei Downtown Design in Dubai stattfindet und Dutzende von Ausstellungen, Hunderte von Ausstellern und Tausende von Besuchern umfasst.

Der Isola Design District wurde 2017 in Mailand gegründet und wurde sofort zu einem der wichtigsten offiziellen Bereiche der Mailänder Designwoche, mit besonderem Augenmerk auf internationale und aufstrebende Designer. Seit 2019 nimmt der Isola Design District auch an der Dutch Design Week in Eindhoven teil und ist damit der erste italienische Design District, der an einer ausländischen Veranstaltung teilnimmt.

Isola hat seine Grenzen 2022 noch weiter ausgedehnt, als es zum ersten Mal eine kuratierte Gruppe von Designern in die Vereinigten Arabischen Emirate zu Downtown Design während der Dubai Design Week führte, und 2023 durch die Teilnahme an Material Matters auf dem London Design Festival und Tanween 2023, Ithra’s Season of Creativity, der größten Kreativitätsplattform im Königreich Saudi-Arabien.

Mit mehr als 1.000 Designern aus mehr als 65 Ländern und mehr als 1.700 veröffentlichten Projekten bietet Isola seit 2021 über seine digitale Plattform mit eigenen Profilen und Portfolioseiten eine Gemeinschaft für Kreative auf der ganzen Welt. Die digitale Plattform zielt darauf ab, direkte Interaktionen in der Gemeinschaft, Diskussionen und den Austausch von Fachwissen zu fördern.

Darüber hinaus hat jeder verifizierte Designer und jedes Kreativstudio die Möglichkeit, seine physischen Produkte, digitalen Assets und NFTs über den kommenden Marketplace by Isola zu verkaufen.

CREDITS & INFO

LOCATION Dutch Design Week 2023 (Eindhoven, Netherlands)
DATES 21—29 October 2023
OPENING HOURS 11am—6pm
SPONSORS ReMat, The Good Plastic Company
CULTURAL PARTNER WORTH, an initiative of the European Commission
PARTNERS 3DD Factory, Colab, Fairf, IAMMI, Jan Gerritsen Timmerwerken, Pepijn Fabius Clovis, Something Bigger, Spaces, Wisse Trooster
MEDIA PARTNERS  DesignWanted, Dutch Design Daily, La Casa in Ordine

www.isola.design

Photocredits: Isola, Alvaro Picca & Andrés Canchán, Anwyn Howarth, Courtesy of Colab,
Courtesy Atelier Iris Nijenhuis, Wisse Trooster

Dass 3D-Bau-Pionier ICON im NASA-Auftrag an einem Projekt auf dem Mond arbeitet, ist bekannt. Was das Unternehmen jetzt in Texas‘ Wüstenlandschaft setzt, wirkt jedoch nicht minder außerirdisch: El Cosmico fasziniert mit gedrucktem, rundum rundem Hotel und Gästehäusern.

Fragt man in Texas nach Liz Lambert, heißt es meist sofort „Austin’s Queen of Cool“. Weil die Bunkhouse Group Gründerin aus der texanischen Hauptstadt stammt und seit Jahren nicht nur dort wirklich ziemlich coole Hotelprojekte realisiert. Jetzt verwirklicht die visionäre Hoteliere mit 3D-Bau-Pionier ICON und dem dänischen Star-Architekten Bjarke Ingels ein neues, spannendes Vorhaben: El Cosmico, ein Hotel mit Gästehäusern, Pool, Spa und Gastronomie. Designt von Bjarke Ingels‘ Erfolgsbüro BIG und errichtet mit ICONs riesigen 3D-Druckern. Mit runden Kuppeln und Bögen, die aus der texanischen Wüstenlandschaft von Marfa wachsen wie ein kosmischer Erholungstempel.

Vom coolen Camping zum Spa-Hotel

Die Anlage El Cosmico gibt es eigentlich schon länger. Bisher aber nur in Form eines bei Individualisten und Bohemians beliebten Camping-Treffpunkts mit schräg-schicken Trailern, Yurten, Tipees, Häuschen und einer Art Gemischtwarenladen. Jetzt wird das bisher achteinhalb Hektar umfassende Gelände auf rund 24 Hektar ausgedehnt und in eine außergewöhnliche Ferienanlage verwandelt. In eine, die völlig neue, vom 3D-Druck ermöglichte architektonische Ansätze zeigt: Futuristisch, zugleich jedoch fast wie vor Ort aus der Natur „gewachsen“.

„Ich habe seit vielen Jahren eine Vision für die Entwicklung des El Cosmico, die mehrere Bereiche umfasst, die das Erlebnis für Gäste und Einheimische bereichern: Einen Pool, ein Hammam und mehr Platz für Kunst und Workshops“, schildert Liz Lambert.

Altes Prinzip, neue Technologie

Die Zusammenarbeit mit den „revolutionären Denkern“ von BIG und ICON habe es ermöglicht, diesen Traum wahr zu machen: „Wir können diese unglaubliche 3D-Drucktechnologie einsetzen. Sie verbindet die ältesten Prinzipien des rohen Erdbaus mit einer futuristischen Technologie, die schneller, nachhaltiger und effizienter arbeitet als moderne Konstruktionen.“

Organische Formen, euklidische Kreisgeometrien und eine Farbpalette, die aus dem lokalen Terroir geboren wurde, geben dem El Cosmico das Gefühl, buchstäblich aus dem Ort, an dem es steht, entstanden zu sein.

Bjarke Ingels, Architekt und Gründer des Büros BIG

Die innovative Schönheit der mit 3D-Technik fürs neue El Cosmico baubaren Strukturen geht, so Lambert, „weit über die Box hinaus“: „Es passt, dass ICON einen Vertrag mit der NASA hat, um die ersten Wohnungen auf dem Mond und dem Mars zu bauen. Ich freue mich, dass wir ihre großartige Arbeit genau hier, in unserer kleinen kosmischen Landschaft unter den Sternen im fernen West Texas erkunden können.“ 

Das Projekt baut auf dem Erbe des bestehenden El Cosmico an der Schnittstelle von Kunst, Natur und Gastfreundschaft in Marfa auf. Und das Planer-Trio hat dabei noch einen weiteren Aspekt im Auge: Die Prüfung der Möglichkeit, in Marfa erschwingliche Wohnungen im 3D-Druckverfahren zu errichten. Mit dem Ziel, den sich entwickelnden Bedürfnissen der Stadt gerecht zu werden.

Weiterentwickelte Vision

Liz Lamberts bisheriges Schaffen bildet, wie Architekt Bjarke Ingels betont, die Basis des neuen Projekts. Vor allem ihre „Pionierarbeit für zeitgenössische texanische Ästhetik in Verbindung mit der minimalistischen Natur und Kultur, der Kunst und der Landschaft von Marfa“. 

Die von BIG für die neue El Cosmico Anlage entworfenen Häuser bieten zwischen rund 100 und 200 Quadratmeter Wohnfläche und Top-Ausblick auf die Davis Mountains. Es gibt Varianten mit zwei, drei oder vier Schlafzimmern.

Kosmisch logieren in El Cosmico

Eine 3D-gedruckte Wand windet sich spiralförmig um die erhöhte Bettplattform und umrahmt quasi den Blick auf den Himmel. So wird, wie es in ICONs Beschreibung heißt, „die Verschmelzung des Kosmos mit der Wüstenlandschaft zelebriert“. Eine Seite des Hauses bleibt massiv, während sich die andere zur Veranda und zur faszinierenden Welt des texanischen Westens öffnet.  

Dass ICON als Pionier des 3D-Baus im großen Maßstab nicht nur auf schnelleres, kostengünstigeres Bauen, sondern auch auf ökologische und soziale Nachhaltigkeit abzielt, haben andere Projekte längst bewiesen. Zum Beispiel das Vorhaben, gemeinsam mit der Non-Profit-Organisation New Story in Lateinamerika leistbare Domizile für Familien mit geringem Einkommen zu errichten.

Mit 3D-Technik gegen Wohnungsnot

Die neue Bautechnik soll helfen, Wohnungsnot auf unkomplizierte, aber auch möglichst umweltfreundliche Art zu lösen. Dass sie beste Lebensqualität schaffen kann, zeigt etwa das ebenfalls von ICON mit Bjarke Ingels konzipierte Projekt „Wolf Ranch“ unweit von Austin.

Unsere Zusammenarbeit mit El Cosmico und ICON hat es uns ermöglicht, die formalen und materiellen Möglichkeiten modernster 3D-gedruckter Konstruktionen zu erforschen. Unabhängig von den traditionellen Beschränkungen eines konventionellen Standorts oder Auftraggebers.

Bjarke Ingels, BIG-Gründer und Creative Director

ICON Gründer und CEO Jason Ballard ist überzeugt, dass „die einzigartigen und abweichenden Architekturen, die durch 3D-Druck möglich sind“, erst am Anfang stehen. Die Arbeit mit Liz Lambert und Bjarke Ingels bezeichnet der Visionär als „absoluten Traum“: „Es ist eine große Ehre für uns, gemeinsam mit ihnen an der Spitze von Design und Architektur zu stehen. Liz ist wirklich die Queen of Cool und einer der nationalen Schätze von Texas. Es ist unglaublich, ihr dabei zu helfen, ihre kosmischen Fantasien irdische Realität werden zu lassen.“

„Lebensgefühl“ El Cosmico

Das Lebensgefühl, für das schon Lamberts Camping-Anlage El Cosmico stand, soll sich im neuen, kosmischen Erholungsparadies fortsetzen. Getreu der Überzeugung, dass das Leben ein Gleichgewicht aus Abenteuer und Nichtstun sein sollte. An gemeinschaftlichen Einrichtungen wird es folglich nicht fehlen.

Kommunikativer Treffpunkt

Der große Pool ist als Herzstück für Aktivitäten, das Badehaus und das Restaurant gedacht. Und Kunst und Workshops werden vor Ort weiterhin ausgiebig einladenden Raum finden. Wie bisher. Denn El Cosmico war beispielsweise stets auch als Heimat des mehrtägigen Multimedia-Events „Trans-Pecos Festival of Music and Love“ bekannt.

Während das neue El Cosmico erst 2024 eröffnet werden wird, präsentieren seine Planer gemeinsam mit dem Long Center for the Performing Arts in Austin schon einen Vorgeschmack: Den ersten 3D-gedruckten Performance-Pavillon, der Parallelen zu den architektonischen Designthemen der Anlage aufweist. Der Entwurf dazu kombiniert und erweitert Aspekte wie kosmische Organisationen, perfekte Geometrien und organische Formen. Und zwar als Gesamtkunstwerk. In einem einzigen, skulpturalen Stück, das als Wahrzeichen und Treffpunkt für Kultur, Gemeinschaft und die Stadt dient.

3D-gedruckter Pavillon als Tor zur Kunst

„Austin wird Zeuge, wie mit dem ersten und einzigen 3D-gedruckten Performance-Pavillon der Welt Geschichte geschrieben wird“, lobt Cory Baker, CEO des Long Center for the Performing Arts. Das Bauwerk werde „unvergleichlichen Zugang zur Kunst ermöglichen“.

Wer sich indes vor dessen Eröffnung einen Platz im Spa-Resort El Cosmico sichern möchte, kann schon ab Sommer 2023 auf elcosmicohomes.com eines der hübschen Häuser reservieren. Im durch ICONs 3D-Technologie realisierten Traumprojekt von „Queen of Cool“  Liz Lambert, das kosmische Erlebnisse verspricht. 

Text: Elisabeth Schneyder
Bilder: ICON