Wie verändert ein Leben voller Malerei unseren Blick auf die Welt? Mit Frank Bowling: Seeking the Sublime widmet NOWNESS einem der bedeutendsten abstrakten Künstler unserer Zeit ein sensibles Porträt – und zeigt einen Künstler, der auch mit über 90 Jahren die Möglichkeiten der Malerei immer wieder neu auslotet.

Seit mehr als sechs Jahrzehnten erweitert Frank Bowling die Grenzen dessen, was Malerei sein kann. Der in British Guiana – dem heutigen Guyana – geborene und seit vielen Jahren in London lebende Künstler versteht Farbe nicht als Mittel zur Darstellung, sondern als eigenständige Form des Denkens. Seine Werke entstehen aus Intuition, Materialität und dem bewussten Zusammenspiel von Kontrolle und Zufall.

Der Kurzfilm Frank Bowling: Seeking the Sublime von Lucy Andia und Frederick Shelbourne, entstanden für das Fitzwilliam Museum in Cambridge, begleitet den Künstler in seinem Londoner Atelier. Im Gespräch mit dem Kunstkritiker und langjährigen Weggefährten Martin Gayford spricht Bowling über Erinnerungen, Wahrnehmung, den Einfluss des Lichts seiner Heimat und über einen kreativen Prozess, der bis heute nichts von seiner Offenheit verloren hat.

Farbe, Schwerkraft und Erinnerung

Charakteristisch für Bowlings Arbeiten sind gegossene Farbschichten, stark strukturierte Oberflächen und ein Arbeitsprozess, bei dem auch die Schwerkraft zu einer gestalterischen Kraft wird. Seine Bilder entstehen nicht nach einem festen Plan, sondern entwickeln sich Schicht für Schicht zu komplexen Kompositionen voller Tiefe und Bewegung.

Auch nachdem er seine Arbeitsweise an das Malen im Rollstuhl angepasst hat, arbeitet Bowling täglich weiter. Der Film dokumentiert diese beeindruckende Kontinuität und verbindet aktuelles Filmmaterial mit historischen Fotografien und Archivaufnahmen. Vergangenheit und Gegenwart treten dabei ebenso miteinander in Dialog wie Erinnerung und Gegenwart in Bowlings Werk selbst.

Die Suche nach dem Erhabenen

Parallel zur gleichnamigen Retrospektive entstanden, ist Frank Bowling: Seeking the Sublime weit mehr als ein klassisches Künstlerporträt. Der Film erzählt von schöpferischer Freiheit, Ausdauer und der Fähigkeit, sich auch nach Jahrzehnten immer wieder neu auf den eigenen künstlerischen Prozess einzulassen.

Mit 92 Jahren zeigt Frank Bowling eindrucksvoll, dass Kreativität kein Alter kennt. Seine Malerei erinnert daran, dass wahre Innovation dort entsteht, wo Offenheit wichtiger ist als Gewissheit – und wo Farbe zu einer Form des Denkens wird.

Hoch über Chora verbindet das Belvedere Hotel seit Generationen die Eleganz eines historischen Anwesens mit zeitgenössischem Design, außergewöhnlicher Gastfreundschaft und einer tiefen Verwurzelung in der Kultur Mykonos‘.

Es gibt Orte, die weit mehr sind als luxuriöse Rückzugsorte. Orte, deren Atmosphäre über Jahrzehnte gewachsen ist und die das Lebensgefühl einer Destination entscheidend mitgeprägt haben. Das Belvedere Hotel Mykonos gehört zweifellos dazu.

Seit 1969 empfängt das familiengeführte Haus Gäste aus aller Welt, doch seine Geschichte reicht wesentlich weiter zurück. Im Zentrum der Anlage steht die historische Mansion Stoupa, deren Ursprünge bis in die Mitte des 19. Jahrhunderts reichen. Rund um dieses Anwesen entwickelte sich im Laufe der Jahrzehnte eines der ikonischsten Boutiquehotels der Kykladen – hoch über den weißen Gassen von Chora mit weitem Blick über die Ägäis.

Zwischen Tradition und zeitgenössischer Eleganz

Die Architektur bleibt den traditionellen Formen der Kykladen treu. Weiß gekalkte Fassaden, schlichte Linien und mediterrane Gärten mit üppiger Bougainvillea schaffen eine Atmosphäre, die zugleich authentisch und zeitlos wirkt.

Behutsame architektonische Weiterentwicklungen sorgen dafür, dass das Hotel seine Geschichte weitererzählt, ohne seinen ursprünglichen Charakter zu verlieren. Ein neuer Zugang verbindet das Anwesen heute noch direkter mit der Altstadt von Mykonos und unterstreicht die besondere Lage zwischen privater Ruhe und urbanem Inselleben.

Ein Ort kreativer Begegnungen

Schon früh entwickelte sich das Belvedere zu einem Treffpunkt für Künstler, Kreative und internationale Persönlichkeiten. Namen wie Julie Andrews, Stephen Rubell oder Prinzessin Soraya von Iran gehören zur bewegten Geschichte des Hauses.

Diese Offenheit für Begegnungen prägt das Hotel bis heute. Die verschiedenen Bereiche der Anlage wurden so gestaltet, dass sie Gemeinschaft ebenso fördern wie Rückzug ermöglichen – eine Balance, die den besonderen Charakter des Belvedere ausmacht.

Passend dazu trägt die neue visuelle Identität des Hotels ein Seepferdchen als zentrales Symbol. Es steht für Freundschaft, Loyalität, Gelassenheit und eine spielerische Leichtigkeit – Werte, die die Philosophie des Hauses widerspiegeln.

Kulinarik, Wellness und Rückzugsorte mit Aussicht

Zum Herzstück des Hotels zählt das legendäre Matsuhisa Mykonos, das seit Jahren internationale Gäste anzieht und japanische Spitzenküche mit mediterraner Atmosphäre verbindet.

Ebenso prägend sind der Pool Club, das Spa sowie die historische Belvedere Bar, deren Cocktailkultur von der Handschrift des legendären Bartenders Dale DeGroff beeinflusst wurde. Gemeinsam bilden sie das gesellschaftliche Zentrum des Hauses.

Wer mehr Privatsphäre sucht, findet sie in den großzügigen Suiten, den Hilltop Rooms oder den privaten Villen mit Blick auf die Ägäis, die Windmühlen von Mykonos und die charakteristische Silhouette der Altstadt. Trotz ihrer ruhigen Lage bleiben sie eng mit den Angeboten des Hotels verbunden.

Die Seele von Mykonos

Während sich Mykonos ständig neu erfindet, bewahrt das Belvedere jene Qualitäten, die die Insel seit Jahrzehnten faszinierend machen: Gastfreundschaft, kulturelle Offenheit und eine besondere Leichtigkeit des Lebens.

Gerade diese Verbindung aus Geschichte, Architektur, Design und authentischer Inselkultur macht das Belvedere zu einem jener Orte, die nicht nur einen Aufenthalt ermöglichen, sondern Erinnerungen schaffen.

PHOTO CREDITS:

For Matsuhisa: 

Nobu Matsuhisa, Matsuhisa Mykonos. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos.

For the shots of the hotel: 

Belvedere Hotel Mykonos, 2025. Photography by Yiorgos Kaplanidis. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos 

The illustration at the end is byLuke Edward Hall

Mit Fuji, Sherazade und Tokyo präsentiert Jumbo Collection drei neue Möbelstücke, die luxuriöses Interior Design als erzählerische Kunstform verstehen. Zwischen italienischer Manufakturtradition, fernöstlicher Inspiration und zeitloser Eleganz entstehen Objekte, die Räume nicht nur einrichten, sondern inszenieren.

Es gibt Möbel, die einen funktionalen Zweck erfüllen. Und es gibt Möbel, die Geschichten erzählen. Jumbo Collection gehört seit Jahrzehnten zu jenen italienischen Manufakturen, die luxuriöses Wohnen als kulturellen Ausdruck verstehen. Die neuesten Entwürfe der Marke knüpfen genau an diese Philosophie an: Sie verbinden außergewöhnliche Handwerkskunst mit dekorativer Raffinesse und einer Formensprache, die Inspiration aus unterschiedlichen Kulturen schöpft.

Mit der Vitrine Fuji, dem Sideboard Sherazade und dem modularen Sofa Tokyo entsteht eine Kollektion, die klassische Eleganz neu interpretiert und gleichzeitig überraschend zeitgemäß wirkt.

Fuji: Transparenz als Kunstwerk

Die neue Fuji-Vitrine ist weit mehr als ein Möbelstück zur Präsentation kostbarer Objekte. Sie selbst wird zum Blickfang.

Gravierte Glastüren mit filigranen orientalischen Motiven verleihen der Vitrine eine poetische Leichtigkeit. Dahinter entsteht durch verspiegelte Rückwände, Glasböden und ein integriertes Beleuchtungssystem ein faszinierendes Spiel aus Licht, Reflexion und Tiefe. Das neue Ahornfurnier mit aufwendig gearbeitetem Sonnenstrahlmuster verleiht der Holzstruktur zusätzliche Eleganz, während goldene Profile und Messingdetails den luxuriösen Charakter der Kollektion unterstreichen.

Das Ergebnis ist ein Möbelstück, das gleichermaßen Vitrine, Lichtobjekt und dekorative Skulptur ist.

Sherazade: Die Eleganz einer Erzählung

Bereits der Name erinnert an die legendäre Geschichtenerzählerin aus Tausendundeiner Nacht. Genau diese poetische Atmosphäre transportiert auch das neue Sherazade Sideboard.

Die weiß lackierte Oberfläche wird von feinen goldenen Naturmotiven durchzogen, die beinahe wie handgemalte Landschaften wirken. Getragen wird der Korpus von einem aus Messing im Wachsausschmelzverfahren gefertigten Gestell, dessen Bambusform asiatische Einflüsse aufgreift und gleichzeitig eine außergewöhnliche Leichtigkeit erzeugt.

Sherazade verbindet dekorative Opulenz mit überraschender Zurückhaltung – luxuriös, ohne laut zu sein.

Tokyo: Organische Großzügigkeit

Mit dem modularen Sofa Tokyo schlägt Jumbo Collection einen weicheren, beinahe skulpturalen Ton an.

Großzügige Rundungen, fließende Linien und tief gesteppte Polster schaffen eine Sitzlandschaft, die Komfort und Eleganz miteinander verbindet. Die geschwungene Form strukturiert den Raum auf natürliche Weise und lädt dazu ein, sich dem Möbel anzunähern statt es lediglich zu betrachten.

Bezogene Samtrückenlehnen, hochwertige Materialien und ein goldfarben ausgeführter Sockel unterstreichen den dekorativen Charakter des Sofas, ohne dessen wohnliche Ausstrahlung zu verlieren.

Luxus als Atmosphäre

Gemeinsam zeigen Fuji, Sherazade und Tokyo, wofür Jumbo Collection seit Jahrzehnten steht: luxuriöse Möbel, die klassische Handwerkskunst mit internationaler Designkultur verbinden.

Anstelle minimalistischer Reduktion setzt die italienische Marke auf Materialität, Ornament, handwerkliche Präzision und emotionale Wirkung. Es entstehen Möbel, die nicht dem Trend folgen, sondern eine Atmosphäre schaffen – geprägt von Eleganz, Charakter und zeitloser Schönheit.

Die Villa Esencia von ELE Interior ist ein zeitgenössisches Wohnprojekt in Dubai, das sich sensibel in die grüne Oase von Al Barari einfügt. Es verweist auf traditionelle arabische Bautypologien, übersetzt sie allerdings in eine moderne Material- und Raumlogik. Dabei setzt ELE Interior bewusst auf das Unspektakuläre.

Dubai ist bekannt für seine faszinierende Skyline: Wolkenkratzer, die wie futuristische Skulpturen in den Himmel ragen, ikonische Bauwerke wie der Burj Khalifa oder das Burj al Arab, die längst globale Architektur-Symbole geworden sind. Gleichzeitig existiert ein architektonisches Erbe, das in den sogenannten Windtürmen, den verschatteten Innenhöfen und den labyrinthischen Gassen der Altstadt sichtbar bleibt. All dies ist Ausdruck einer jahrhundertealten Tradition des Bauens mit Klima, Natur und Gemeinschaft. Zwischen diesen Polen – der hypermodernen, geschäftigen Metropole und den stillen, traditionell verwurzelten Räumen – positioniert sich die Villa Esencia in Al Barari.

Kleiner Exkurs zum Thema Windturm oder auch Malqaf, wie es in der Landessprache heißt, zweifellos für alle Haustechniker interessant: Die interessanten Baukörper ragen in der Region des Persischen Golfes und des Mittelmeerraumes zwischen den „normalen“ Volumen hinauf. Durchaus manchmal als optisches Stilelement gestaltet, haben sie in erster Linie funktionale Aufgaben: Sie werden zur natürlichen Kühlung der Gebäude eingesetzt. Sie reichen von zwei Metern über Erdgeschoß-Niveau bis in eine Höhe von 15 Metern. Was es braucht: Kühlen Seewind und spezielle Leitvorrichtungen an der Oberseite des Turmes. Damit wird der Wind durch die Öffnungen in den schattigen Innenraum und nach unten in die Wohnräume dirigiert.

Das Projekt von ELE Interior dagegen ist weder ein architektonisches Spektakel noch eine nostalgische Reminiszenz. Es ist vielmehr ein bewusst zurückgenommenes Statement: Ein Haus, das den Wert von Ruhe, Materialien und Raum in den Mittelpunkt stellt – und damit als subtile Kritik an der allgegenwärtigen Tendenz Dubais verstanden werden könnte, Wohnarchitektur als Statussymbol zu überhöhen.

Ein Dialog von Architektur und Natur

Al Barari gilt als eine der grünsten Enklaven Dubais. Es ist eine Oase mit dicht bepflanzten Gärten, Wasserläufen und Vogelgesang – fast ein krasser Widerspruch zu den kargen Wüstenflächen ringsum. ELE Interior greift diese Atmosphäre auf, indem es den Innenraum konsequent auf Integration mit der Natur ausrichtet.

Das Herzstück bildet ein zentraler Innenhof, der Licht und Grün ins Haus zieht. Dieses Element erinnert an die traditionelle arabische Architektur. Der Hof spielt(e) freilich nicht nur klimatisch, sondern auch sozial eine zentrale Rolle. In der Villa Esencia wird er zum räumlichen und atmosphärischen Anker. Er ist sichtbar und spürbar von allen Hauptfunktionen des Hauses aus: Küche, Wohnraum, Büro, private Rückzugsräume.

Doch hier bleibt es nicht bei historisch-nostalgischer Anlehnung. Der Hof ist Teil einer biophilen Gestaltungsstrategie, die auf aktuellen Forschungsergebnissen basiert: Tageslicht, Pflanzen und natürliche Materialien steigern nachweislich Wohlbefinden und Regeneration – eine Qualität, die sich Familien in einem hektischen urbanen Umfeld zunehmend wünschen. Das ist in Dubai nicht anders als in Neu-Delhi, New York oder London.

Materialität als Sprache der Ruhe

Die eigentliche Stärke des Projekts liegt in seiner Materialchemie. Statt auf opulente Ornamentik oder laute Gesten zu setzen, verdichtet das Design natürliche Texturen und eine neutrale Farbpalette zu einer Atmosphäre der Stille. Der Name des Einfamilienhauses ist demnach wohl nicht zufällig gewählt: Hier geht es um die Essenz, aber um eine sehr angenehme.

Die Küche mit ihrer Insel aus Taj Mahal-Quarzit wird zum haptischen Zentrum – kühl, widerstandsfähig, doch zugleich warm im Ton. Interessanterweise stammt Taj Mahal aus Brasilien. Es wurde wohl nach dem berühmten Denkmal Indiens benannt, weil es bernsteinfarben mit beiger Untergrundfarbe und leicht transparent aussieht.

Im Innenhof der Villa Esencia prägen Porzellanverkleidungen mit Travertin-Effekt die Wände, wodurch sich ein visuelles Echo zwischen Stein und Grün entfaltet. Selbst die Möbelstücke in der Villa Esencia sind maßgefertigt, so ist der Esstisch sogar aus massivem Travertin. Auch Travertine sind interessante Gesteine. Wird der gewachsene, geschichtete Naturstein, der optisch an Marmor erinnert, gegen ihre Lagerrichtung gesägt, so zeigen sie eine Art Bänderung.

Es ist diese durchgängige Materiallogik, die überzeugt. Während viele Interiors in Dubai in einer Art globaler Luxussprache aus Marmor, Glas und Chrom regelrecht erstarren, schafft ELE Interior eine lokal gefärbte, geerdete Ästhetik. Man könnte sagen: Die Villa wirkt wie eine zurückhaltende Antwort auf den lärmenden Luxus der Stadt.

Villa Esencia: Lob der Unaufdringlichkeit

Eine wesentliche Herausforderung bestand darin, den bestehenden Grundriss wunschgemäß zu transformieren. Gezielte Eingriffe erleichtern den Familienalltag. So wurden zwei Standard-Schlafzimmer im Obergeschoss zu einer Master-Suite zusammengeführt, mit zwei Bädern und einem begehbaren Kleiderschrank.

Eine bedeutende bauliche Veränderung war die Schließung des ursprünglich doppelt so hohen Luftraums im Familienbereich. So konnte im ersten Stock ein spezielles Spielzimmer geschaffen werden – sehr zur Freude des Nachwuchses. Diese Entscheidung mag formal das Gefühl von Großzügigkeit reduzieren. Doch hier gewinnt Nutzung über die reine Repräsentation.

Die Villa Esencia lebt nicht von spektakulären Blickachsen oder ikonischen Gesten, sondern von einer leisen Raffinesse. Stoffbespannte Wände, bronzefarbenes Glas, LVT-Bodenbeläge. Jedes Detail ist sorgfältig austariert, um nicht aufdringlich zu wirken – wobei LVT für „Luxury Vinyl Tiles“ steht.

„Generation Alltagstauglichkeit“

Wenn man durch die Räume geht, erlebt man eine Qualität, die sich erst in der Berührung mit den Oberflächen, im Spiel des Lichts über den Stein, in der Ruhe des Innenhofs erschließt. Damit unterscheidet sich das Projekt von den vielen Villen, die in Dubai mit visueller Dominanz um die Blicke von Freunden, Nachbarn oder Gästen konkurrieren.

ELE Interior positioniert sich mit der Villa Esencia in eine Linie mit einer jungen Generation von Designstudios in den Emiraten, die versuchen, jenseits von ikonischer Formensprache eine alltagstaugliche Moderne zu entwickeln. Eine Moderne, die nicht nur globalen Trends folgt, sondern sich aus lokalen Ressourcen, klimatischen Bedingungen und kulturellen Erinnerungen speist.

Dass das Designstudio mit Sitz in Dubai, ELE Interior, mit seinem goldrichtig liegt, zeigt auch die Nominierung als Finalist bei den SBID Awards der Society of British and International Design in der Kategorie
„Wohnhaus unter eine Million Pfund Bauvolumen“.

Text: Linda Benkö
Fotos: Aasiya Jagadeesh, Diego Delso

Eine Kollektion zwischen Riviera, Tennisplatz und Großstadt – Louis Vuitton interpretiert den Sommer 2026 als elegante Leichtigkeit voller Handwerkskunst und Reiselust.

Es gibt Kollektionen, die Kleidung für eine Saison entwerfen. Und es gibt Kollektionen, die ein Lebensgefühl einfangen. Mit der High Summer Collection 2026 gelingt Louis Vuitton genau das: Die Maison erzählt von langen Tagen am Meer, spontanen Wochenendtrips, Aperitifs bei Sonnenuntergang und der zeitlosen Eleganz des Reisens – jenem Wert, der seit jeher das Herz der Marke bildet.

Dabei verbindet die Kollektion sommerliche Lässigkeit mit dem hohen handwerklichen Anspruch, für den Louis Vuitton weltweit bekannt ist.

Sommer als Haltung

Anstatt Trends hinterherzulaufen, setzt Louis Vuitton auf eine Garderobe, die den Rhythmus des Sommers widerspiegelt. Die Silhouetten wirken leicht und entspannt, ohne an Raffinesse zu verlieren. Zwischen Tennisplatz, Küstenpromenade und Dinner unter freiem Himmel entstehen Looks, die ebenso funktional wie luxuriös erscheinen.

Natürliche Materialien spielen dabei eine zentrale Rolle. Raffia wird zum gestalterischen Leitmotiv und erhält durch raffinierte Trompe-l’Œil-Effekte eine überraschend moderne Interpretation. Besonders eindrucksvoll zeigt sich dies bei einem langen Rock aus gehäkeltem Baumwollband mit feinen Ladder-Stitch-Details, dessen fließende Bewegung den Sommer nahezu sichtbar macht.

Auch Tweed erhält eine neue Leichtigkeit: Weiß paspelierte Jacken und passende Wickelröcke greifen die Struktur von Raffia auf und verbinden klassische Eleganz mit entspannter Ferienatmosphäre.

Femininität in Bewegung

Die High Summer Collection verzichtet bewusst auf übertriebene Inszenierung. Stattdessen stehen klare Linien und hochwertige Materialien im Mittelpunkt.

Popeline-Kleider mit aufwendig gearbeiteten Details treffen auf A-Linien-Röcke aus Jersey mit kontrastierenden Paspeln und dezent eingearbeitetem Monogramm. Die Looks wirken sportlich, feminin und modern – geschaffen für Frauen, die sich zwischen Stadt, Strand und Resort selbstverständlich bewegen.

Auch der ultraleichte Denim kehrt zurück. In der neuen Flower Minigram-Interpretation erscheint das ikonische Material mit einem feinen, von der Monogram-Blüte inspirierten Muster auf Schößchen-Tops, Shorts und Windjacken.

Sportliche Eleganz neu interpretiert

Sport beeinflusst die Mode seit Jahren – Louis Vuitton übersetzt diesen Einfluss jedoch mit einer bemerkenswerten Leichtigkeit.

Die Capsule Baby Stripes kombiniert gestreifte Jersey-Stoffe mit luxuriösen Details wie kristallähnlichen Knöpfen oder silberfarbenen Stickereien. Cropped-Shirts, Mini-Shorts, marineblaue Frotteejacken und Poloshirts aus Monogram-Jacquard schaffen einen Look, der gleichzeitig entspannt und präzise wirkt.

Accessoires vervollständigen die sommerliche Erzählung. Ein gehäkelter Bucket Hat mit grafischen schwarzen Streifen verbindet handwerkliche Tradition mit zeitgenössischem Design.

Paris als Inspiration

Selbst im Hochsommer bleibt Paris das kreative Zentrum der Maison.

Die beidseitig tragbaren Promenade Parisienne-Seidentücher zeigen skizzenhafte Ansichten der französischen Hauptstadt und greifen damit die lange Verbindung Louis Vuittons zur Stadt des Lichts auf. Ob klassisch um den Hals, als Haarband oder als sommerliches Top getragen – sie verkörpern jene Vielseitigkeit, die moderne Luxusmode heute auszeichnet.

Taschen als Ausdruck von Handwerkskunst

Auch die Taschen erzählen Geschichten vom Reisen.

Die Capucines Flowergram erscheint in frischen Sommerfarben wie Mintgrün, Fuchsia oder Iris. Die Low Key Hobo erinnert mit ihrem gestreiften Canvas an klassische Liegestühle an der Riviera, während die Side Trunk unterschiedliche Materialien zu einem modernen Patchwork verbindet.

Besonders kunstvoll präsentieren sich die limitierten Capucines-Editionen. Die Barcelona City Tour würdigt mit aufwendiger Stickerei und Handbemalung die Mosaike des Parc Güell. Die Wild Roses Capucines setzt mit Tüllblüten, Pailletten und Glitzerelementen ein poetisches Statement über Weiblichkeit und handwerkliche Perfektion.

Die Rückkehr des Reisekoffers

Den emotionalen Höhepunkt der Kollektion bildet der Louis Boat Trunk.

Der aufwendig gefertigte Miniaturkoffer entstand anlässlich des ersten Jubiläums von The Louis in Shanghai – jener spektakulären Architektur in Form eines Ozeandampfers, die Boutique, Café und Ausstellung unter einem Dach vereint.

Gefertigt aus Canvas, Leder und Holz, verbirgt sich hinter dem silberfarbenen LV-Anker ein raffinierter Öffnungsmechanismus, der kleine Fächer für Schmuck oder persönliche Erinnerungsstücke freigibt. Es ist weniger eine Tasche als vielmehr eine Hommage an die Ursprünge der Maison als Kofferhersteller.

Luxus, der nach Sommer aussieht

Die High Summer Collection 2026 zeigt eindrucksvoll, dass moderner Luxus nicht laut sein muss. Er entsteht durch hochwertige Materialien, außergewöhnliche Handwerkskunst und Designs, die Leichtigkeit nicht nur darstellen, sondern tatsächlich vermitteln.

Ab 10. Juli 2026 ist die Kollektion weltweit in den Louis Vuitton Boutiquen erhältlich – bereit für einen Sommer, in dem Eleganz und Reiselust wieder selbstverständlich zusammengehören.

Wie die Serpentine Park Nights 2026 Musik, Performance und Poesie zu einem gemeinsamen Erlebnis machen

Während Kulturinstitutionen heute zunehmend um Aufmerksamkeit konkurrieren, verfolgt die Londoner Serpentine seit Jahren einen anderen Ansatz: Sie schafft Räume, in denen Begegnung wichtiger wird als Spektakel. Mit den Park Nights 2026 verwandelt sich der diesjährige Serpentine Pavilion erneut in einen lebendigen Ort für Musik, Performance, Poesie und künstlerischen Austausch.

Von Juli bis Oktober entsteht im Herzen der Kensington Gardens kein klassischer Veranstaltungsort, sondern eine temporäre Gemeinschaft – offen, interdisziplinär und frei zugänglich. Hier begegnen sich Künstler und Publikum auf Augenhöhe. Kunst wird nicht konsumiert, sondern gemeinsam erlebt.

Kunst als gemeinsames Erlebnis

Seit mehr als zwanzig Jahren gehören die Park Nights zu den spannendsten Live-Programmen der internationalen Kunstszene. Anders als viele Festivals setzt Serpentine nicht auf große Namen allein, sondern auf Formate, die unterschiedliche Disziplinen miteinander verschmelzen lassen.

Musik trifft auf Performance, Literatur begegnet Architektur, Klang wird zu Raum. Das Publikum wird dabei nicht zum bloßen Zuschauer, sondern zum aktiven Teil einer gemeinsamen Erfahrung. Genau darin liegt die besondere Qualität des Formats: Kunst entsteht im Moment des gemeinsamen Erlebens.

Gerade in einer Zeit, in der viele kulturelle Erfahrungen digital vermittelt werden, gewinnen solche analogen Begegnungen eine neue Bedeutung. Die Park Nights schaffen Momente der Aufmerksamkeit – nicht nur für die Kunst, sondern auch füreinander.

Ein Pavillon, der Offenheit verkörpert

Den räumlichen Rahmen bildet der 25. Serpentine Pavilion, entworfen vom mexikanischen LANZA atelier unter dem Titel a serpentine.

Ausgangspunkt ist die historische englische crinkle-crankle wall – eine geschwungene Ziegelmauer, deren Stabilität aus ihrer Bewegung entsteht. Doch statt Grenzen zu definieren, wird die Mauer durchlässig. Rhythmisch angeordnete Ziegelpfeiler öffnen Sichtachsen und schaffen Verbindungen zwischen Innen und Außen.

So wird Architektur selbst zum Ausdruck einer Idee: Offenheit statt Abgrenzung. Bewegung statt Stillstand. Begegnung statt Trennung. Besucher bewegen sich frei durch den Pavillon und gestalten ihre eigene Erfahrung.

Vier künstlerische Positionen

Den Auftakt macht die kanadische Musikerin Sophia Stel, deren zwischen Indie-Rock, elektronischen Sounds und Alt-Pop changierende Musik den Pavillon erstmals mit Leben füllt.

Es folgt Chanel Beads, dessen experimenteller Underground-Pop Erinnerungen, digitale Kultur und traumartige Erzählstrukturen miteinander verbindet.

Im September präsentiert die Londoner Künstlerin und Autorin Ebun Sodipo eine neue Performance, die sich aus Schwarzer feministischer Theorie entwickelt und Fragen von Körper, Erinnerung und Identität verhandelt.

Den Abschluss bildet Anfang Oktober eine neue Auftragsarbeit der New Yorker Künstlerin Shala Miller, deren improvisierte Klang- und Stimmexperimente erstmals in Großbritannien zu erleben sind. Gemeinsam bilden sie ein Programm, das stilistische Grenzen bewusst überschreitet und unterschiedlichste Perspektiven miteinander in Dialog bringt.

Eine Kultur der Offenheit

Seit 2002 versteht Serpentine die Park Nights als Labor für interdisziplinäre Kunst. Jede Ausgabe reagiert auf den jährlich neu entstehenden Pavillon und entwickelt daraus neue Formen kultureller Begegnung. Musik, Philosophie, Literatur, Mode, Technologie und Bildende Kunst treten dabei miteinander in Beziehung und schaffen Erfahrungen, die weit über eine klassische Performance hinausgehen.

Vielleicht liegt genau darin die besondere Qualität dieses Formats. Während vielerorts über gesellschaftliche Spaltung gesprochen wird, schafft Serpentine einen Ort, an dem Unterschiede nicht überwunden werden müssen, sondern produktiv aufeinandertreffen dürfen. Die Park Nights erinnern daran, dass Kunst weit mehr sein kann als ästhetischer Ausdruck – sie kann Menschen zusammenbringen, Gespräche eröffnen und neue Perspektiven entstehen lassen.

Gerade deshalb wirken die Park Nights heute aktueller denn je.

„Water, Get Enemy?“ zeigt eine Seite von Lagos, in der Surfen zu Gemeinschaft, Identität und Hoffnung wird.

Wer an Lagos denkt, hat meist das Bild einer pulsierenden Millionenmetropole vor Augen. Der Kurzfilm „Water, Get Enemy?“ des nigerianischen Fotografen und Filmemachers Daniel Obasi richtet den Blick jedoch auf einen Ort, der in internationalen Erzählungen über die Stadt kaum vorkommt: die Küste von Tarkwa Bay.

Dort begleitet Obasi eine Gruppe junger Surferinnen und Surfer, deren Alltag eng mit dem Atlantik verbunden ist. Was zunächst wie ein Film über eine Sportart wirkt, entwickelt sich zu einem eindringlichen Porträt über Gemeinschaft, Identität und die Kraft eines Ortes, der Menschen zusammenführt.

Surfen als Lebensgefühl

Für die jungen Menschen von Tarkwa Bay ist Surfen weit mehr als Freizeitbeschäftigung. Es ist ein Raum, in dem Freundschaften entstehen, Selbstvertrauen wächst und Perspektiven entstehen. Viele kennen sich seit ihrer Kindheit, teilen Erinnerungen an das Meer und unterstützen sich gegenseitig weit über das Surfen hinaus.

Obasi erzählt ihre Geschichten in ruhigen Bildern und persönlichen Gesprächen. Statt spektakulärer Wellen stehen die Menschen im Mittelpunkt – ihre Hoffnungen, ihre Herausforderungen und die Freiheit, die sie auf dem Wasser finden.

„Für die Surferinnen und Surfer von Tarkwa Bay ist das Wellenreiten nicht einfach ein Hobby – es ist eine Lebensweise, eine Quelle der Hoffnung und Ausdruck ihrer Identität.“
— Daniel Obasi

Eine andere Perspektive auf Lagos

Der Film eröffnet einen selten gezeigten Blick auf die nigerianische Metropole. Abseits von Verkehr, Tempo und urbaner Dichte erscheint der Atlantik als Ort der Heilung, der Begegnung und der Selbstentfaltung.

Gerade darin liegt die besondere Stärke von „Water, Get Enemy?“: Der Film erzählt keine Geschichte über Mangel oder Konflikte, sondern über Zugehörigkeit, Optimismus und die Fähigkeit junger Menschen, sich ihren eigenen Raum für Lebensfreude zu schaffen.

Es ist genau diese Perspektive, die den Kurzfilm weit über das Thema Surfen hinaus relevant macht. Er erinnert daran, dass Gemeinschaft oft dort entsteht, wo Menschen eine gemeinsame Leidenschaft teilen – unabhängig von Herkunft oder gesellschaftlichen Umständen.

Neue Lieblingsplätze im Das Kaltenbach: Der jüngste Umbau verbindet alpinen Charme mit modernem Design und schafft stilvolle Räume für genussvolle Momente vom Frühstück bis zum Abend.

Im Das Kaltenbach ist Stillstand höchstens ein kleiner Zwischenmoment. Familie Haas entwickelt ihr Naturhotel im Zillertal laufend weiter – mit Gespür für Qualität und Atmosphäre, zwischen alpiner Bodenständigkeit und zeitgemäßem Design. Der jüngste Umbau ist nun abgeschlossen und führt die vertraute Handschrift aus Altholz und Ästhetik behutsam weiter…

Slow Mornings

Der neue Frühstücksraum gibt dem Morgen im Das Kaltenbach einen neuen Rahmen. Gespachtelte Terrastone-Wände verleihen dem Raum natürliche Struktur, warme Erdtöne schaffen Behaglichkeit und Designleuchten von Occhio setzen feine Akzente. Maßgefertigte Tische mit edlen Einlegearbeiten treffen auf elegante Stühle von Freifrau und gemütliche Polstermöbel im Lounge-Stil.

Auch das Frühstücksbuffet fügt sich harmonisch in das neue Raumgefühl ein: mit einer Verkleidung aus Taj Mahal Stein in Marmor-Optik, einer Saftecke mit Touchpanel und zwei modernen WMF Kaffeemaschinen.

Evening Pleasures

Auch die Bar zeigt sich voan einer neuen Seite. Besonders bequeme Stühle von KFF in gemütlichem Bouclé-Stoff, ein Raumtrenner aus demselben Stein wie im Frühstücksbereich und ein neuer Lounge-Bereich schaffen zusätzliche Lieblingsplätze. Ein Ort, um anzukommen, einzusinken und den Tag entspannt ausklingen zu lassen.

Hideaway im Zillertal

Das Kaltenbach ist ein Natur- und Lifestylehotel im Zillertal mit Zimmern, Suiten und Apartments. Leicht erhöht am Waldrand gelegen, direkt am Bach und gestaltet wie ein kleines Bergdorf, verbindet das Haus alpine Bodenständigkeit mit modernem Komfort und viel Raum für Erholung. Ein Spa auf dem Dach, der Blick in die Zillertaler Bergwelt und die persönliche Handschrift von Familie Haas machen Das Kaltenbach zu einem besonderen Rückzugsort für alle, die Natur, Qualität und Stil schätzen.

Das Kaltenbach is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hannes Niederkofler; Tom Klocker

Die KK3 Residences von VAstudio fügen sich still und selbstbewusst in die raue Schönheit der kretischen Berglandschaft ein – eine Hommage an die Natur, das kulturelle Erbe und den Luxus der Einfachheit.

Oben an den Berghängen von Stalos, unweit der historischen Hafenstadt Chania auf Kreta, dort wo sonnen- und meerhungrige Urlauber entweder mit der Fähre ankommen oder mit dem Flugzeug landen, scheinen die KK3 Residences förmlich aus dem felsigen Gelände herausgewachsen zu sein. Das Athener Büro VAstudio, mit Wurzeln und Hauptsitz in Chania, hat dort ein Wohnensemble geschaffen, das nicht nur durch seine ästhetische Zurückhaltung, sondern vor allem durch seine tiefe Verbindung zum Ort beeindruckt.

KK3 Residences: Gebäude, die dazugehören

Die drei individuell gestalteten Häuser, eingebettet in die wilde Topografie der Insel, sind Ausdruck einer Architekturhaltung, die dem Genius Loci nicht nur Rechnung trägt. Nein, er erhebt ihn zum zentralen Gestaltungsprinzip. Denn anstatt sich der Umgebung aufzudrängen, lässt sich VAstudio von ihr führen – in Form, Materialität, Farbgebung und Atmosphäre. Das Ergebnis: Gebäude, die nicht dominieren, sondern dazugehören.

Schon aus der Ferne wirken die KK3 Residences wie ein organischer Teil der Landschaft. Ockerfarbene Steinmauern, verputzte Flächen in Lehm- und Kalktönen und hölzerne Details nehmen die sonnenverwaschene Farbpalette der umliegenden Berge auf. Die Texturen sind rau, erdig, handwerklich – fast so, als wären sie schon immer da gewesen.

Absage an museale Repliken

Die Architekten von VAstudio wollten keine museale Replik traditioneller kretischer Bauweisen schaffen, sondern deren Essenz neu interpretieren: Schlichtheit, Dauerhaftigkeit, Materialehrlichkeit. „Es geht nicht um Nostalgie“, betont das Büro, „sondern um zeitgenössische Resonanz.“

Die KK3 Residences reagieren auf die Topografie: Sie schmiegen sich horizontal an den Hang. Und andererseits wachsen sie kompakt in die Höhe – wie aus dem Felsen herausgemeißelt. Jede der drei Residenzen ist individuell entworfen – mit einem jeweils spezifischen Grundriss.

Allen gemeinsam ist eine architektonische Sprache, die mit natürlichen Übergängen arbeitet: Innenhöfe, tiefe Überhänge, offene Wohnbereiche und großzügige Fensterflächen schaffen fließende Grenzen zwischen innen und außen.

Diese fließende Raumdramaturgie ermöglicht ein Leben im Rhythmus des Ortes. Morgensonne auf der Terrasse, ein Kaffee mit Blick auf das Kretische Meer, Zikadenklänge im Olivenhain … Es sind Bilder des bewussten Verweilens, die hier zum baulichen Konzept werden.

Raum für Ruhe, Rückzug und Reflexion

Die KK3 Residences sind Rückzugsorte. Kein Ort für Hast oder Spektakel, sondern für Stille und Langsamkeit. Schattige Lounges, überdachte Terrassen und tiefer gelegte Innenhöfe schaffen intime Zonen im Freien. Sie sind ebenso bedeutungsvoll wie die Innenräume selbst. Die Architektur tritt in den Dialog mit Wind, Sonne und Ausblick. Jeder Raum ist darauf ausgelegt, die Natur zu rahmen – nicht zu kontrollieren.

Auch im Inneren wird diese Haltung spürbar. Reduzierte Materialität, handgefertigte Details und eine zurückhaltende Farbpalette prägen das Ambiente. Holzbalkendecken, Terrazzoböden, Steinoberflächen und maßgefertigte Möbel zeugen von einem leisen, fast meditativen Luxus. Die Innenräume sind nicht Kulisse, sondern Lebensraum. Und zwar einer, der sich an den Bedürfnissen der Bewohner und Nutzerinnen orientiert, nicht an Trends.

Nachhaltigkeit ohne Schlagzeilen

Was auffällt: In einer Zeit, in der ökologische Konzepte oft plakativ inszeniert werden, ist die Nachhaltigkeit der KK3 Residences leise – dafür aber tiefgreifend. Die dicke Steinbauweise wirkt als thermische Masse und reguliert das Raumklima ganzjährig. Die Kühlung ist passiv.

Große Fenster und durchdachte Öffnungen ermöglichen Querlüftung und reduzieren den Bedarf an mechanischer Klimatisierung. Tiefe Überhänge schützen vor der hochstehenden Mittelmeersonne, während die Ausrichtung der Gebäude sowohl Blickbeziehungen als auch solare Energiegewinnung optimiert.

Die Landschaftsgestaltung ist bewusst zurückhaltend. Anstelle exotischer Zierpflanzen setzt VAstudio auf einheimische Vegetation: Olivenbäume, niedrige mediterrane Sträucher, lokale Palmen. So verschmelzen Architektur und Natur zu einer Einheit, die sich nicht als Eingriff, sondern als Erweiterung des Ökosystems versteht.

Keine Prestigeobjekte

Die kulturelle DNA der Insel Kreta ist in den KK3 Residences tief eingeschrieben. So fand Vastudio etwa Inspiration aus den umliegenden kretischen Klosteranlagen und Bauernhöfen – mit ihren dicken Mauern, introvertierten Höfen, klaren Volumina. Doch das Architekturbüro transformiert diese Anleihen in eine zeitgemäße Formensprache. Hier wird nicht rekonstruiert, sondern respektvoll weiterentwickelt.

Diese Balance zwischen Altem und Neuem, zwischen kulturellem Gedächtnis und architektonischer Gegenwart, prägt die Häuser. Das Ergebnis ist eine wohltuende, neue, mediterrane Wohnkultur. Weniger ist eben manchmal doch mehr als Repräsentierenwollen, Stille kann auch ein Statement sein.

VAstudio gelingt es, mit sparsamen Mitteln eine starke, verdichtete Atmosphäre zu schaffen. In einer Zeit, in der Architektur oft um Sichtbarkeit kämpft, ist das fast schon radikal.

Text: Linda Benkö
Fotos: VAstudio

Der Mexican Hospitality Summit 2026 in Mérida zeigt, warum Lateinamerika zu einer der spannendsten Regionen für neue Hotelkonzepte, Wellness Tourism und internationale Hospitality-Investments wird.

Mexiko rückt immer stärker in den Fokus der internationalen Hospitality-Branche. Nicht nur als Destination voller Kultur, Natur und Lebensfreude, sondern als Raum, in dem neue Hotelkonzepte, Wellness-Erlebnisse und nachhaltige Tourismusmodelle entstehen.

Ein deutliches Zeichen dafür setzte der Mexican Hospitality Summit 2026, der am 27. und 28. Mai 2026 im Fiesta Americana Mérida stattfand. Mehr als 400 Fachleute aus Tourismus, Hotellerie und Hospitality kamen in der Hauptstadt Yucatáns zusammen – darunter Hotelbesitzer, CEOs, General Manager, Investoren, Betreiber, Architekten, Entwickler, Consultants, Travel Advisors und Vertreter internationaler Marken.

Gegründet wurde der Summit von Rocco Bova, einem internationalen Hospitality-Experten, Consultant und Mentor, gemeinsam mit Co-Founder Adolfo Tuñón. Die zweite Ausgabe verzeichnete ein Wachstum von mehr als 100 Prozent gegenüber dem Vorjahr und etablierte sich damit als eine der wichtigsten Plattformen für Austausch, Wissenstransfer und Business Development im mexikanischen Hospitality-Sektor.

Eine Branche im Wandel

Über zwei Tage hinweg wurde in Mérida sichtbar, wie stark sich die Hotellerie derzeit verändert. Hotels sind längst nicht mehr nur Orte zum Übernachten. Sie werden zu Bühnen für Kultur, Gesundheit, Begegnung, Transformation und neue Lebensentwürfe.

Mehr als 50 Speaker und Panelisten diskutierten über Themen wie Luxusreisen, Wellness, künstliche Intelligenz, Nachhaltigkeit, Branding, Technologie, Investment und neue Hospitality-Entwicklungen. Vertreten waren unter anderem Expedia Group, STR, Accor, Belmond, Forbes Travel Guide, Virtuoso, Adyen, Kaizen, Matrix und Exclusive Tents.

Damit spiegelte der Summit genau jene Fragen wider, die die internationale Reisebranche heute beschäftigen: Wie lässt sich Luxus neu definieren? Welche Rolle spielt Technologie in einer zutiefst menschlichen Branche? Und wie können Hotels zu Orten werden, die nicht nur Komfort bieten, sondern echte Resonanz erzeugen?

Mexikos nächste große Hospitality-Projekte

Besonders große Aufmerksamkeit erhielt das Panel “The Future Checks In Here: Mexico’s Next Major Hospitality Projects”. Vertreter von Paradero Hotels, Atal Resort, Hamaak Hotels, Belmond Hotels, Accor, Leisure Partners und GND Properties gaben Einblicke in Projekte, Investitionen und Entwicklungen, die Mexikos touristische Zukunft prägen werden.

Dabei wurde deutlich: Mexiko wird zunehmend als strategischer Markt für hochwertige, innovative und international relevante Hospitality-Konzepte wahrgenommen. Zwischen Boutique-Hotellerie, Luxusresorts, regenerativen Ansätzen und wellnessorientierten Destinationen entsteht ein neues Selbstverständnis des Reisens.

Es geht nicht mehr nur darum, Gäste an einen schönen Ort zu bringen. Es geht darum, Räume zu schaffen, in denen Menschen sich verbunden fühlen – mit der Umgebung, mit einer Kultur, mit anderen Menschen und letztlich auch mit sich selbst.

Mérida als neuer Treffpunkt

Dass der Summit in Mérida stattfand, ist kein Zufall. Die Stadt gilt zunehmend als strategischer Knotenpunkt für Tourismus, Hospitality und Meetings in Mexiko. Historische Architektur, kulturelle Tiefe, eine wachsende kreative Szene und die Nähe zu außergewöhnlichen Natur- und Kulturräumen machen Mérida zu einem idealen Ort, um über die Zukunft des Reisens nachzudenken.

Auch die begleitende Exhibition Area zeigte, wie breit Hospitality heute gedacht wird. Mehr als 25 nationale und internationale Unternehmen präsentierten Lösungen und Services aus den Bereichen Technologie, Hotelausstattung, Finanzdienstleistungen, Innovation und Tourismusentwicklung. Darunter waren unter anderem Huawei, American Express, Cold Box, Matrix, Aven, Lighthouse und Triptease.

Von Mexiko nach Lateinamerika

Die wichtigste Ankündigung des Summits war jedoch der nächste Entwicklungsschritt: Ab 2027 wird die Veranstaltung offiziell als Latin American Hospitality Summit weitergeführt. Damit erweitert sich der Fokus von Mexiko auf ganz Lateinamerika.

Parallel dazu wurde der neue Latin American Wellness Tourism Summit angekündigt – ein spezialisiertes Format für Wellness, Health Tourism, transformative Experiences und Wellness Hospitality. Gerade dieser Bereich zählt weltweit zu den dynamischsten Segmenten der Reisebranche.

Die nächste Ausgabe des Latin American Hospitality Summit findet von 4. bis 6. Mai 2027 statt, der erste Latin American Wellness Tourism Summit am 28. und 29. September 2027. Beide Events werden erneut im Fiesta Americana Mérida ausgetragen.

Die Zukunft der Gastfreundschaft

Für Rocco Bova und Adolfo Tuñón bestätigt das Wachstum der zweiten Ausgabe den Bedarf der Branche nach relevanten Räumen für Austausch, Zusammenarbeit und Innovation. Ziel sei es, neue Plattformen zu schaffen, die Kollaboration, nachhaltiges Wachstum und eine lateinamerikanische Vision von Hospitality fördern.

Genau darin liegt die größere Bedeutung dieses Summits. Er zeigt, dass Lateinamerika nicht nur als Reiseziel an Bedeutung gewinnt, sondern als aktiver Gestalter einer neuen Hospitality-Kultur.

Mexiko steht dabei exemplarisch für eine Region, in der Gastfreundschaft, Lebensfreude, Natur, Wellness, Design und Investment auf neue Weise zusammenfinden.

Vielleicht wird die Zukunft der Hotellerie nicht dort geschrieben, wo man sie lange vermutet hat.

Sondern dort, wo Gastfreundschaft noch als echte Kunst verstanden wird.