Weicher, weiter, freier: MYTHS übersetzt klassische Schneiderkunst für Herbst/Winter 2026/27 in eine Garderobe, die sich nicht mehr zwischen formell und lässig entscheiden muss. Bei Damen wie Herren bestimmen fließende Silhouetten, besondere Materialien und eine neue Idee des Anzugs das Bild.

Der Anzug hat seine Strenge verloren. Und vielleicht liegt gerade darin seine neue Stärke. Bei MYTHS wird Tailoring für Herbst/Winter 2026/27 nicht abgeschafft, sondern von seinen alten Regeln befreit. Jacke und Hose werden zu einzelnen Bausteinen, Overshirts übernehmen die Rolle des Blazers und großzügige Proportionen bringen Bewegung in eine traditionell präzise Welt.

Eine Entwicklung, die sich durch die Damen- und Herrenkollektion zieht – mit unterschiedlichen Akzenten, aber einer gemeinsamen Haltung: Kleidung soll heute nicht mehr definieren, zu welchem Anlass sie gehört. Sie soll mit ihrem Träger oder ihrer Trägerin durch den Tag gehen.

Der Anzug wird zum System

Besonders deutlich wird dieser Gedanke in der Menswear. Die für MYTHS charakteristischen Hosen bleiben Ausgangspunkt der Kollektion, ihre Silhouetten werden jedoch entspannter und voluminöser. Weite Passformen treffen auf die wieder stärker ins Zentrum rückende Carrot Pant mit verkürzter Länge.

Auch der Anzug wird neu gedacht: Fünf Overshirts und fünf Hosen aus identischen Stoffqualitäten lassen sich frei miteinander kombinieren. Statt eines festgelegten Ensembles entsteht ein variables System zwischen klassischem Tailoring und moderner Casualwear.

In der Womenswear setzt sich diese neue Freiheit fort. Palazzo Pants, Culottes mit Umschlag und schmale Flared Silhouetten treffen auf Overshirts aus Denim und Cotton Bull. Selbst der Pyjama wird Teil dieser neuen Idee von Eleganz: Bedruckte Viskose-Ensembles mit leichtem Vintage-Charakter oder Ton-in-Ton-Prints bewegen sich selbstverständlich zwischen Daywear und Evening Look.

Material mit Gedächtnis

Fast noch wichtiger als die Silhouette ist bei MYTHS die Oberfläche. Garment Dyeing, Piece Dyeing, Yarn Dyeing, Vintage Wash und Frosted Wash verleihen den Stoffen Tiefe und lassen Kleidungsstücke weniger fabrikneu als vielmehr bereits persönlich erscheinen. In der Damenkollektion reicht das Spektrum von Baumwoll-Modal-Mischungen über Cashmere-Flanell bis zu Modal-Velvet und Wolle in Verbindung mit Cordura.

Bei den Herren treffen garngefärbte Cashmere-Flanelle und Herringbone-Qualitäten aus Wolle, Seide und Cashmere auf die sogenannte Combat Wool: ein Material, das Knitterresistenz, Temperaturausgleich und Strapazierfähigkeit mit einem hochwertigen Erscheinungsbild verbinden soll.

Auch Denim verlässt bei MYTHS sein gewohntes Terrain. Denim-Flanell, Fischgrat-Denim aus organischen Garnen und spezielle Indigo-Behandlungen bringen den robusten Klassiker näher an die Welt der Schneiderkunst. Bei den Damen entstehen durch Indigo-Lock-Waschungen und garngefärbte Velvets ungewöhnlich elegante Oberflächen.

Zwischen Geschichte und Gegenwart

Mélange-Grau, Dunkelbraun und Bordeaux, ergänzt um Mastix und Taupe, geben der Menswear eine ruhige, fast herbstliche Tiefe. Doch letztlich erzählt FW26/27 weniger von einzelnen Farben oder Pieces als von einer veränderten Vorstellung davon, wie wir uns kleiden.

MYTHS bewegt sich dabei genau zwischen zwei Polen: der Präzision klassischer Schneiderkunst und dem Wunsch nach Freiheit, Komfort und Individualität. Tradition muss dafür nicht verschwinden. Sie muss nur beweglich genug sein, um in der Gegenwart anzukommen.

Pikachu in 10.000 Metern Höhe? Für ANA ist das längst kein ungewöhnlicher Anblick mehr. Zum 30. Geburtstag von Pokémon schickt die japanische Airline gleich drei neue Pokémon Jets in die Luft. Nach Rot folgt nun Grün – und verbindet Popkultur, Gaming und Reisen auf ziemlich charmante Weise.

Ein Flugzeug ist normalerweise vor allem eines: Transportmittel. Doch manchmal wird aus einer Boeing eine riesige fliegende Leinwand. Bei All Nippon Airways gehört das beinahe zur Tradition. Bereits 1998 brachte ANA den weltweit ersten Pokémon Jet in die Luft. Fast drei Jahrzehnte später kehrt die Idee zurück – größer und bunter denn je.

2026 bietet dafür den passenden Anlass. Vor 30 Jahren erschienen in Japan die ersten Pokémon-Spiele Pokémon Red und Pokémon Green. Gleichzeitig feiert ANA das 40-jährige Jubiläum seiner internationalen Flugverbindungen. Gefeiert wird mit gleich drei Sonderflugzeugen: dem Red Pokémon Jet, dem Green Pokémon Jet und dem Blue Pokémon Jet.

Grün steht für Abenteuer

Nach dem Red Pokémon Jet, der seit Ende Juli auf japanischen Inlandsstrecken unterwegs ist, startet am 18. September 2026 die grüne Version. Der Green Pokémon Jet ist eine Boeing 787-9 mit der Registrierung JA923A und wird im internationalen Streckennetz eingesetzt. Auf dem Rumpf dominieren Pflanzen-Pokémon, während Pikachu und seine Begleiter gewissermaßen zu einer überdimensionalen Reisegesellschaft werden.

Die erste geplante Reise führt passend weit hinaus in den Pazifik: von Tokio-Haneda nach Honolulu. Anschließend soll der Jet unter anderem auf Verbindungen nach Seattle, Vancouver, Sydney, Manila, Singapur, Delhi, Bangkok, Jakarta und Kuala Lumpur eingesetzt werden. Von Tokio-Narita sind außerdem Bangkok, Singapur, Jakarta, Perth und Mumbai vorgesehen. Welche Maschine letztlich auf welchem Flug eingesetzt wird, entscheidet sich allerdings erst am jeweiligen Flugtag.

Dass gerade Grün gewählt wurde, ist kein Zufall. Während der Red Pokémon Jet Feuer-Pokémon in Szene setzt, gehört der Green Jet den Pflanzen-Pokémon. Beim bereits angekündigten Blue Pokémon Jet wiederum dreht sich alles um Wasser-Pokémon. Die drei Designs greifen damit die Logik der Pokémon-Spiele selbst auf.

Vom Flugzeug ins Spiel

ANA belässt es jedoch nicht bei einer spektakulären Außenlackierung. Auch das Reiseerlebnis wird Teil der Pokémon-Welt. Für die drei Jets wurden unter anderem eigene Becher, Cocktailservietten und Kopfstützenbezüge gestaltet. Passagiere sollen außerdem limitierte Sticker erhalten; eigenes Merchandise ist ebenfalls angekündigt.

Parallel dazu wandert das Erlebnis vom realen Flughafen direkt ins Smartphone. Gemeinsam mit Pokémon GO entstehen an ausgewählten Flughäfen in Japan spezielle ANA-PokéStops und Arenen. Zum Start des Green Pokémon Jet beginnt am 18. September eine neue Eventphase mit Raid Battles und zeitlich begrenzten Aufgaben. Unter anderem kann Bisasam mit einem exklusiven Green-Pokémon-Jet-Standorthintergrund erscheinen. Die Aktion soll bis Ende August 2027 laufen.

Die Verbindung zwischen beiden Welten funktioniert erstaunlich gut: Im Game sucht man Pokémon, im echten Leben sucht man plötzlich das richtige Flugzeug.

Popkultur auf Reiseflughöhe

Dass ANA und Pokémon zusammenpassen, ist dabei mehr als eine Marketingidee. Die Airline ist Teil des Projekts Pokémon Air Adventures, das Reisen, Entdecken und das Wiederzusammenbringen von Menschen ins Zentrum stellt. Pikachu und Eevee waren bereits auf früheren Sonderjets zu sehen; seit Ende 2024 zeigt ANA außerdem gemeinsam mit The Pokémon Company produzierte Sicherheits- und Ausstiegsvideos mit Pokémon auf nahezu allen eigenen Flügen.

Vielleicht liegt genau darin der Reiz dieser ungewöhnlichen Kooperation. Sie macht aus etwas so funktionalem wie einem Langstreckenflug für einen Moment wieder ein kleines Abenteuer.

Und wer am Gate plötzlich vor einer Boeing 787 voller Pikachus und Pflanzen-Pokémon steht, dürfte zumindest eines kaum empfinden: Flugalltag.

Auf Mallorca gibt es Orte, deren Geschichte älter ist als der Tourismus. Das Fontsanta Hotel Thermal Spa & Wellness ist einer davon. Lange bevor hier Gäste eincheckten, kamen Menschen wegen einer natürlichen Thermalquelle in den Süden der Insel. Das Hotel ist nur das jüngste Kapitel einer Geschichte, die tief unter der Erde begann.

Mallorca verbinden wir mit dem Meer, mit langen Sommerabenden, versteckten Buchten und jenem besonderen Licht, das die Insel seit Jahrzehnten zu einem Sehnsuchtsort macht. Im Süden Mallorcas jedoch erzählt ein Ort eine andere Geschichte. Eine, die nicht am Strand beginnt, sondern mit Wasser, das aus der Tiefe kommt.

Nahe Es Trenc und dem Naturschutzgebiet Salobrar de Campos liegt das Fontsanta Hotel Thermal Spa & Wellness – an der einzigen natürlichen Thermalquelle der Balearen.

Lange bevor das Hotel kam

Schon seit Jahrhunderten werden dem Wasser von Fontsanta besondere Eigenschaften zugeschrieben. Bereits seit der Römerzeit suchten Menschen die Quelle auf. Und natürlich gehört zu einem Ort mit einer derart langen Geschichte auch eine Legende.

Sie erzählt von einer Tierseuche auf Mallorca und der Beobachtung, dass Tiere, die im Wasser der Quelle badeten, von der Krankheit verschont blieben. Die Nachricht verbreitete sich, Menschen kamen, eine Kapelle und Unterkünfte entstanden und schließlich entwickelte sich Fontsanta zu einem Thermalbad.

1869 wurde das Wasser offiziell als Thermalwasser von öffentlichem Nutzen anerkannt.

Vieles rund um die Quelle veränderte sich im Laufe der Jahrhunderte. Das Wasser blieb.

Eine Geschichte, die man nicht erfinden musste

1916 erwarb Don Cosme María Oliver Fontsanta. Mehr als hundert Jahre später befindet sich der Ort noch immer im Besitz der Familie Morell Oliver. Schließlich wurde Torre de Canyamel damit beauftragt, das historische Thermalbad neu zu interpretieren und daraus das heutige Fünf-Sterne-Hotel zu entwickeln.

Vielleicht liegt gerade darin die besondere Qualität von Fontsanta: Für dieses Hotel musste keine Geschichte konstruiert werden. Sie war längst vorhanden.

Die Quelle, das historische Thermalbad, die Landschaft und all jene Menschen, die über Generationen hierherkamen, bilden eine Vergangenheit, zu der das heutige Hotel lediglich ein neues Kapitel hinzufügt.

Geschichte trifft Gegenwart

Dabei wirkt Fontsanta keineswegs wie ein nostalgisches Grandhotel, das seine Vergangenheit konserviert. Mediterrane Gärten, helle Räume und natürliche Materialien geben dem Haus eine ruhige, zeitgemäße Atmosphäre.

Hinzu kommt eine eigens für das Hotel zusammengestellte Kunstsammlung mit Skulpturen, Gemälden und Installationen. Sie steht für eine Haltung, die auch andere Häuser von Torre de Canyamel prägt: Das Bestehende wird bewahrt, ohne das Neue auszuschließen.

Und im Zentrum steht noch immer das Element, mit dem alles begann.

Das Thermalwasser ist keine Ergänzung zum Hotel. Es ist sein Ursprung.

Noch heute bildet die natürliche Quelle das Herz des Thermal Spa. Was für heutige Gäste Wellness, Rückzug und Regeneration bedeutet, verbindet Fontsanta gleichzeitig mit einer Geschichte, die weit vor unserem modernen Verständnis von Spa und Wellbeing begann.

Eine andere Seite Mallorcas

Vielleicht macht gerade das Fontsanta zu einer so schönen Ergänzung einer Mallorca-Reise. Es will nichts von dem ersetzen, weswegen wir die Insel lieben.

Das Meer bleibt. Es Trenc liegt ganz in der Nähe. Ebenso die kleinen Orte, Restaurants, mediterranen Landschaften und langen Abende, wegen derer man immer wieder zurückkehrt.

Doch Fontsanta fügt etwas hinzu.

Der Morgen kann im Thermalwasser beginnen, bevor es Richtung Küste geht. Am Nachmittag kehrt man in den mediterranen Garten zurück, und irgendwann entsteht dieser eigenartige Gedanke: Wie viele Menschen mögen wohl schon vor uns genau wegen dieses Wassers hier gewesen sein?

In einer anderen Zeit, mit anderen Erwartungen und in einem völlig anderen Mallorca.

Das Geheimnis lag immer schon unter der Erde

Reisen bedeutet auch, einem Ort für kurze Zeit die eigene Geschichte hinzuzufügen. Einen Morgen im warmen Wasser. Einen Nachmittag am Meer. Ein Abendessen, ein Gespräch oder einen jener unscheinbaren Momente, die Jahre später plötzlich wieder in Erinnerung auftauchen.

Im Fontsanta entstehen solche neuen Erinnerungen dort, wo seit Jahrhunderten Geschichten geschrieben werden.

Denn lange bevor Mallorca zur Destination wurde und lange bevor hier der erste Hotelgast eincheckte, war eines bereits da: das Wasser.

Und vielleicht ist genau das der größte Luxus von Fontsanta: Teil einer Geschichte zu sein, die nicht für uns erfunden wurde.

Im Bumburet Valley im Norden Pakistans begleitet Regisseurin Bea Austin die 20-jährige Alina. Ihr Film erzählt von einer jungen Generation der Kalasha, die zwischen jahrhundertealten spirituellen Traditionen, gesellschaftlichem Wandel und der digitalen Welt ihren eigenen Weg sucht.

Wie bewahrt man eine Kultur, ohne sich der Gegenwart zu verschließen? Im Bumburet Valley, umgeben von den mächtigen Bergen des Hindukusch und nahe der Grenze zu Afghanistan, bekommt diese Frage eine besondere Dringlichkeit.

Hier leben die Kalasha, die kleinste ethnische Minderheit Pakistans. Ihre polytheistische Religion, ihre Rituale, Feste und Traditionen unterscheiden sie deutlich von der muslimischen Mehrheitsgesellschaft des Landes. Doch ihre Lebensweise gerät zunehmend unter Druck. Klimawandel, politische Instabilität, gesellschaftliche Veränderungen und der Druck zur Konversion bedrohen eine Kultur, die über Jahrhunderte hinweg ihre Eigenständigkeit bewahrt hat.

Gleichzeitig zieht es immer mehr junge Kalasha in die Städte – und über Smartphones und Social Media kommt die Welt ohnehin längst zu ihnen.

Eine junge Frau zwischen zwei Welten

Für ihren Kurzfilm Alina reist Regisseurin Bea Austin in ein Dorf im Bumburet Valley und begegnet dort der 20-jährigen Alina. Statt den vermeintlichen Gegensatz zwischen Tradition und Moderne zu inszenieren, richtet der Film seinen Blick auf etwas Interessanteres: die Möglichkeit, beides gleichzeitig in sich zu tragen.

Alina wächst mit den spirituellen Vorstellungen und Bräuchen ihrer Gemeinschaft auf und ist zugleich Teil einer Generation, für die Social Media und globale Popkultur selbstverständlich geworden sind. Ihre Identität scheint deshalb weniger an einen bestimmten Ort gebunden zu sein als an das Bewusstsein darüber, woher sie kommt.

„Alina erklärte, dass ihre Identität in ihrem Glauben verwurzelt ist und dass sie ihr kulturelles Erbe überallhin mitnehmen wird. Mich hat berührt, wie sehr das der Vorstellung der Kalasha vom Tod ähnelt – dem Glauben daran, dass Geist und Traditionen in den Zurückbleibenden weiterleben.“

— Bea Austin

Kultur in Bewegung

Gerade darin liegt die Stärke von Alina. Der Film erzählt kulturelle Bewahrung nicht als Stillstand. Denn vielleicht bedeutet Tradition heute nicht zwangsläufig, dort zu bleiben, wo frühere Generationen gelebt haben.

Während sich die Lebenswelt der Kalasha verändert und manche ihrer überlieferten Strukturen langsam verschwinden, zeigt Alina eine junge Frau, die ihre Herkunft nicht als Grenze versteht. Alinas Weg mag sie eines Tages an einen anderen Ort führen. Ihre Geschichte macht jedoch deutlich, dass kulturelle Identität mitreisen kann.

So wird das Porträt einer jungen Kalasha auch zu einer größeren Geschichte über eine Generation, die zwischen Herkunft und Zukunft ihren eigenen Platz sucht.

Film: Alina | Regie: Bea Austin | via NOWNESS

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Zwei Künstler, zwei Generationen und ein gemeinsames Thema: der Mensch. Die ALBERTINA Wien bringt Pablo Picasso und Francis Bacon in einer großen Ausstellung zusammen – und zeigt, wie aus Bewunderung ein künstlerisches Ringen wurde.

Was bleibt vom Menschen, wenn man seine äußere Form nicht länger als unverrückbare Wahrheit begreift? Wenn ein Gesicht auseinanderfällt, ein Körper sich verdreht und Schönheit plötzlich nichts Harmonisches mehr sein muss?

Pablo Picasso und Francis Bacon haben darauf sehr unterschiedliche Antworten gefunden. Und doch führt ihr Werk immer wieder an denselben Ort: zum Menschen in all seiner Widersprüchlichkeit. Zu Begierde und Angst, Gewalt und Verletzlichkeit, Körper und Psyche.

Die Ausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“, die vom 18. September 2026 bis 31. Januar 2027 in der ALBERTINA Wien zu sehen ist, stellt die beiden großen figurativen Maler des 20. Jahrhunderts einander gegenüber. Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen machen sichtbar, wie eng ihre künstlerischen Welten miteinander verbunden sind – obwohl zwischen ihnen keine Beziehung auf Augenhöhe bestand.

Der übermächtige Vorgänger

Für Francis Bacon begann vieles mit Picasso. Unter dem Eindruck von dessen Werk fasste er den Entschluss, selbst Maler zu werden. Picasso wurde zum Vorbild – und damit zwangsläufig auch zu jener Figur, von der Bacon sich emanzipieren musste.

Das Verhältnis lässt sich als künstlerischer Generationenkonflikt lesen. Picasso hatte die menschliche Figur zerlegt, Perspektiven aufgebrochen und den Körper von der Verpflichtung befreit, die sichtbare Realität abzubilden. Bacon konnte diese Revolution nicht ignorieren. Er musste dort beginnen, wo Picasso bereits gewesen war – und versuchen, weiterzugehen.

Sein Anspruch war entsprechend groß: Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das werden, was Picasso für dessen erste Hälfte gewesen war – ein Chronist seiner Zeit und vor allem des Menschen darin.

Picasso wiederum blieb von Bacon künstlerisch unbeeinflusst. Dessen Karriere verfolgte er dennoch aufmerksam. Allein dieser Umstand macht die Gegenüberstellung faszinierend: Hier begegnen einander nicht Lehrer und Schüler, sondern zwei Künstler, zwischen deren Werken ein Dialog entstand, ohne dass er jemals tatsächlich geführt werden musste.

Der Körper als Schauplatz

Bei beiden wird der menschliche Körper zum Material. Er wird zerlegt, deformiert, neu zusammengesetzt und von seiner anatomischen Selbstverständlichkeit befreit. Doch diese Verzerrungen führen nicht vom Menschen weg. Im Gegenteil: Gerade dort, wo die äußere Ähnlichkeit verloren geht, scheint etwas Inneres sichtbar zu werden.

Picassos Körper können zugleich aus mehreren Perspektiven bestehen, Bacons Figuren scheinen unter der Oberfläche ihrer eigenen Existenz zu vibrieren. Gesichter werden zu Bewegungen, Münder zu Schreien, Körper zu Zuständen.

Themen wie Kreuzigung, Stierkampf, Akt oder die „Tränen des Eros“ tauchen in den Bildwelten beider Künstler auf. Schmerz und Begehren liegen dabei erstaunlich nahe beieinander. Der Körper ist nicht bloß Hülle, sondern Austragungsort dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Verbindung zwischen Picasso und Bacon: Beide misstrauen der intakten Oberfläche.

Schönheit nach der Schönheit

Heute begegnen wir menschlichen Körpern häufiger denn je als optimierten Bildern. Gesichter werden geglättet, Proportionen korrigiert, digitale Oberflächen perfektioniert. Vor diesem Hintergrund besitzen Picasso und Bacon eine überraschende Aktualität.

Ihre Bilder verweigern die Idee, dass der Mensch erst durch Perfektion interessant wird. Sie suchen Wahrheit nicht in Symmetrie oder Makellosigkeit, sondern in Brüchen, Verschiebungen und Ambivalenzen.

Das macht ihre Kunst nicht unbedingt angenehm. Aber vielleicht muss Kunst das auch nicht sein.

„Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ erzählt letztlich weniger von zwei großen Namen der Kunstgeschichte als von einer Frage, die sich nicht erledigt hat: Wie sieht ein Mensch aus, wenn man nicht nur seine Oberfläche zeigen möchte?

Picasso und Bacon geben darauf keine eindeutige Antwort. Sie zerlegen den Menschen, um ihm näherzukommen.

Und vielleicht liegt gerade darin ihre eigentümliche Form von Humanismus.

Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human
18. September 2026 – 31. Januar 2027
ALBERTINA Wien

Wir planen, organisieren, optimieren – und dann kommt das Leben dazwischen. Unsicherheit lässt sich nicht vermeiden. Aber vielleicht müssen wir das auch gar nicht. Denn die Kunst besteht weniger darin, alles unter Kontrolle zu haben, als darin, mit dem Unvorhersehbaren umgehen zu können.

„In dieser Welt ist nichts gewiss außer dem Tod und den Steuern“, soll Benjamin Franklin einmal gesagt haben. Ein Satz, der mehr als zwei Jahrhunderte später erstaunlich zeitgemäß klingt.

Denn selten schien die Sehnsucht nach Sicherheit so groß wie heute. Wir planen Karrieren, Beziehungen, Reisen, unsere Finanzen und manchmal sogar unsere Freizeit bis ins Detail. Vision Boards treffen auf To-do-Listen, Fünfjahrespläne auf perfekt kuratierte Vorstellungen davon, wie unser Leben aussehen sollte.

Und dann passiert etwas, das darin nicht vorgesehen war.

Ein Flug wird gestrichen. Ein Job geht verloren. Eine Beziehung endet. Eine Chance, auf die wir gesetzt haben, verschwindet. Oder wir wachen einfach eines Morgens mit dem Gefühl auf, dass der Weg, den wir so sorgfältig geplant haben, plötzlich nicht mehr der richtige ist.

Unsicherheit beginnt oft genau dort: in der Lücke zwischen dem, was wir erwartet haben, und dem, was tatsächlich geschieht.

Eine Welt ohne Fahrplan

Technologische Entwicklungen, gesellschaftliche Veränderungen und eine permanente Flut an Informationen verstärken das Gefühl, dass sich die Welt schneller verändert, als wir sie verstehen können. Was gestern noch sicher erschien, kann morgen bereits infrage stehen.

Gerade jungen Menschen fällt es mitunter schwer, darin Orientierung zu finden. Eine 2023 veröffentlichte Untersuchung des Harvard Graduate School of Education zeigte, dass ein erheblicher Teil junger Erwachsener in den USA mit fehlendem Sinn, Orientierungslosigkeit und Zukunftssorgen kämpft.

Doch vielleicht liegt ein Teil des Problems in unserer Vorstellung, wir müssten jederzeit wissen, wohin unser Leben führt.

Schule und Studium vermitteln uns lange Zeit eine relativ klare Struktur: Semester folgen auf Semester, Prüfungen auf Lehrveranstaltungen, Abschlüsse auf Ausbildungsschritte. Danach öffnet sich plötzlich ein Raum voller Möglichkeiten – und Möglichkeiten können ebenso befreiend wie beängstigend sein.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht: Wie werde ich Unsicherheit los? Sondern: Wie lerne ich, mich in ihr zu bewegen?

Kontrollieren, was kontrollierbar ist

Wenn etwas Unvorhergesehenes passiert, reagiert unser Kopf gerne mit einem paradoxen Reflex: Gerade weil wir die Kontrolle verlieren, versuchen wir, noch mehr zu kontrollieren.

Dabei hilft zunächst eine einfache Unterscheidung. Was kann ich beeinflussen – und was nicht?

Nicht kontrollierbar sind das Wetter, Entscheidungen anderer Menschen, wirtschaftliche Entwicklungen oder vieles von dem, was morgen passieren könnte. Beeinflussbar sind hingegen unsere Reaktion, unsere nächsten Schritte und die Art, wie wir mit einer Situation umgehen.

Das klingt banal, verändert aber die Perspektive.

Wird beispielsweise ein Flug wegen schlechten Wetters gestrichen, hilft hektisches Wechseln zwischen Gates ebenso wenig wie der Versuch, das Gewitter mental wegzuorganisieren. Hilfreicher ist es, Informationen zu sammeln, Alternativen zu prüfen und dann eine Entscheidung zu treffen.

Ruhe bedeutet dabei keineswegs Passivität. Im Gegenteil: Sie schafft erst den Raum, in dem vernünftiges Handeln möglich wird.

Pläne sind gut – solange sie beweglich bleiben

Planung ist nicht der Feind von Unsicherheit. Sie kann uns Orientierung geben, Komplexität reduzieren und aus einem scheinbar unlösbaren Problem eine Reihe kleiner, machbarer Schritte machen.

Entscheidend ist nur, wie sehr wir uns an unseren Plan klammern.

Vielleicht ist ein guter Plan weniger eine exakt vorgezeichnete Route als eine Art Kompass. Er gibt eine Richtung vor, lässt aber zu, dass wir unterwegs den Weg verändern.

Das gilt für einen gestrandeten Flughafenpassagier ebenso wie für die großen Fragen des Lebens. Wir können Informationen sammeln, Entscheidungen treffen und handeln. Wir können aber nicht garantieren, dass daraus exakt das Ergebnis entsteht, das wir uns vorgestellt haben.

Und genau an diesem Punkt beginnt eine Fähigkeit, die in einer auf Kontrolle und Optimierung ausgerichteten Welt beinahe radikal erscheint: loszulassen.

Die Freiheit des Nichtwissens

Loslassen bedeutet nicht, gleichgültig zu werden. Es bedeutet auch nicht, darauf zu vertrauen, dass sich schon irgendwie alles zum Guten wenden wird.

Es bedeutet vielmehr, anzuerkennen, dass unser Einfluss Grenzen hat.

Vielleicht müssen wir nicht auf jede Frage sofort eine Antwort haben. Vielleicht darf ein Lebensabschnitt offen sein. Vielleicht darf eine Entscheidung vorläufig bleiben. Und vielleicht ist ein Umweg nicht automatisch ein Fehler.

Rückblickend entstehen schließlich erstaunlich viele entscheidende Veränderungen aus Situationen, die wir ursprünglich niemals gewählt hätten. Das macht Verlust, Enttäuschung oder Angst nicht automatisch zu etwas Positivem. Aber es erinnert daran, dass wir im Moment des Umbruchs noch nicht wissen können, welche Bedeutung er später haben wird.

Unsicherheit ist deshalb nicht das Gegenteil eines guten Lebens. Sie ist ein Teil davon.

Die eigentliche Sicherheit liegt vielleicht ohnehin an einem anderen Ort: nicht darin, zu wissen, was passieren wird – sondern darauf vertrauen zu können, dass wir mit dem umgehen werden, was passiert.

Alles vergeht. Was zunächst melancholisch klingt, wird bei Ivan Gette zu einer Einladung, den Moment umso intensiver wahrzunehmen. Mit „TUTTO PASSA“ zeigt der Berliner Künstler während der Berlin Art Week eine neue Werkserie über Veränderung, Erinnerung und das, was von einem Augenblick bleibt.

Tutto passa – alles vergeht. Im Italienischen sind es zwei einfache Worte, hinter denen sich eine ganze Lebensphilosophie verbirgt. Nicht das Festhalten steht dabei im Mittelpunkt, sondern die Erkenntnis, dass gerade die Vergänglichkeit einem Moment seinen Wert gibt.

Für den in Berlin lebenden Künstler Ivan Gette wurde dieser Gedanke zum Ausgangspunkt seiner gleichnamigen Werkserie. Den Impuls dazu fand er während eines Aufenthalts in Pietrasanta in der Toskana. Dort begann er, sich intensiver mit der Idee des Tutto Passa auseinanderzusetzen: Alles verändert sich, jeder Augenblick ist einmalig – und dennoch hinterlassen manche Momente Spuren, die weit über ihre eigentliche Dauer hinausreichen.

Erinnerungen werden zu Farbe

Gette versucht nicht, diese Momente abzubilden. Er übersetzt sie vielmehr in Farbe, Struktur und Bewegung. Seine abstrakten Arbeiten entstehen intuitiv und unmittelbar, geprägt von Reisen, Begegnungen und Emotionen.

Seine eigene künstlerische Sprache bezeichnet Gette als „abstrakten Nihilismus“. Struktur trifft darin auf Chaos, Ordnung auf Auflösung. Es ist eine Malerei, die sich einer eindeutigen Lesart entzieht – und genau darin ihre Offenheit findet.

Gette erklärt seine Bilder bewusst nicht. Was ein Werk bedeutet, entscheidet sich erst in der Begegnung mit den Betrachtenden. Diesen Gedanken führt er ungewöhnlich konsequent weiter: Seine Gemälde bleiben zunächst ohne Titel. Erst die Sammlerinnen und Sammler, die ein Werk erwerben, sind eingeladen, ihm einen Namen zu geben.

Aus dem Besitz eines Kunstwerks wird damit eine persönliche Beziehung. Der Titel schreibt eine individuelle Erinnerung in das Bild ein und verbindet es mit einem neuen Moment.

Was bleibt, wenn alles vergeht?

Bevor sich Ivan Gette vollständig der Malerei widmete, arbeitete er mehrere Jahre als Art Director und im Marketing, unter anderem für Nike. Heute lebt und arbeitet der in Sibirien geborene Künstler in Berlin. Seine Werke wurden international gezeigt, unter anderem im Umfeld der Art Basel Miami Beach sowie bei der Parallel Vienna, und befinden sich mittlerweile in privaten Sammlungen von Europa über die USA bis nach Indien und in die Vereinigten Arabischen Emirate.

Mit „TUTTO PASSA“ rückt nun jedoch weniger die Karriere des Künstlers als vielmehr eine universelle Erfahrung in den Mittelpunkt: Zeit lässt sich weder besitzen noch zurückholen. Was bleibt, sind Erinnerungen – an Orte, Begegnungen, Gefühle und jene scheinbar kleinen Augenblicke, die sich manchmal erst im Rückblick als bedeutend erweisen.

Vielleicht liegt genau darin die Spannung dieser Arbeiten. Sie versuchen nicht, die Zeit anzuhalten. Sie akzeptieren, dass sie weiterläuft.

Und machen sichtbar, was sie hinterlässt.

TUTTO PASSA | IVAN GETTE
9. September bis 22. November 2026
Opening: 9. September 2026
AK GALERIE | Behrenstraße 31 | 10117 Berlin

POSITIONS Berlin Art Fair
10. bis 13. September 2026
Flughafen Tempelhof | Hangar 5–6 | Berlin

Im Das Graseck bei Garmisch-Partenkirchen wird die Bergluft ganz nebenbei zum Rezept. Mit der Gondel geht es hinauf zu einem Ort, an dem Erholung und Gesundheitsvorsorge zusammenfließen.

Der Blick schweift über die Gipfel. Ein stetes Auf und Ab zeichnet sich am Horizont ab – fast wie die Linie eines Herzschlags. Während die Berge von Beständigkeit erzählen, erinnert ihr Profil daran, wie fragil selbst das Selbstverständlichste sein kann. Gesundheit ist ein leiser Luxus. Sie fordert keine Aufmerksamkeit und macht sich selten bemerkbar. Sie ist einfach da – bis sie es nicht mehr ist. Dass Vorsorge besser als Nachsorge ist, mag bekannt sein. Dennoch gerät sie im Alltag oft in Vergessenheit. Umso wertvoller sind jene Orte, die Raum dafür schaffen.

Check-in fürs Check-up

Das Graseck – mountain hideaway & health care im Wettersteingebirge verbindet Wellness mit Prävention. Wer hier auf 900 Metern Höhe eincheckt, bekommt nicht nur die Ruhe der Berge verschrieben, sondern bei Bedarf auch die ein oder andere Vorsorgeuntersuchung. So lassen sich Risikofaktoren und bestimmte Erkrankungen frühzeitig erkennen und rechtzeitig behandeln.

Inhaberin Dr. Sylvia Weingart, selbst Kardiologin, führt im Graseck unter anderem Herz-Check-ups und Belastungstests durch. Gemeinsam mit ihrem Mann Dr. Vincens Weingart, der neben seiner Tätigkeit als Chefarzt der Gastroenterologie im Klinikum Garmisch auch im Graseck endoskopische Untersuchungen übernimmt, hat sie ein Team aus Ärztinnen und Ärzten aufgebaut. Diese kommen für die Vorsorgeuntersuchungen in die eigens eingerichteten Praxisräume des Hotels. Genauso wie die Gäste auch reisen sie dabei mit der Seilbahn an.

Von der Bergstation der Gondel geht es direkt in das vielleicht schönste Wartezimmer Bayerns. Dass dabei jedoch kaum Zeit bleibt, die Aussicht zu genießen, liegt daran, dass es praktisch keine Wartezeiten gibt. Die Untersuchungen werden so koordiniert, dass sie sich je nach Umfang auf einen Tag oder entspannt auf mehrere Tage verteilen lassen. Was dabei auf dem Plan steht, wird vorab individuell beschlossen – egal, ob für Individualreisende oder als Teamevent.

Hoch über dem Alltag

Zeit und Raum, die Aussicht nach den Untersuchungen zu genießen, bleibt vor allem den Übernachtungsgästen. Denn abgesehen von der einzigartigen Lage oberhalb der Partnachklamm bei Garmisch-Partenkirchen, bringt das Graseck die Ruhe der bayrischen Berge auch in seine Räumlichkeiten. In den breiten Sesseln des Leseraums mit großzügiger Verglasung und Panoramablick versinkt man mit Achtsamkeitsliteratur, Alpen-Bildbändern oder einer THE Stylemate-Ausgabe in der Hand. Ein paar Schritte hinunter, verschwimmt der Horizont mit dem Infinity Pool. Im großzügigen Sauna- und Ruhebereich schmelzen dann die letzten Alltagsgedanken dahin.

Selbst wenn eine endoskopische Untersuchung bevorsteht, genießt man nur gerinfügig modifiziert die mehrgängigen Fine-Dining-Menüs. Frische, regionale Zutaten sind selbstverständlich, Verzicht gehört jedoch nicht zur Philosophie des Hauses. Stattdessen steht die Kunst der Balance im Mittelpunkt, sowohl in der Komposition als auch in der Größe der einzelnen Gänge.

Und dann schweift der Blick wieder über die Gipfel – ein Moment, der nicht nur das Auge, sondern auch das Herz berührt.

Das Graseck is a member of Lifestylehotels

Fotos: Gordon Kohlstock, Lucas Adrian, Oliver Nieder

Im Boutiquehotel Solea Südtirol wandert das Licht über die Hänge, verliert sich im Wasser und weicht langsam der Dunkelheit…

Aus Meran kommend, scheint es, als müsse man nur der Sonne folgen, um ins Solea Südtirol zu gelangen. Das Boutiquehotel in Schenna, oberhalb der Kurstadt, ist dem Licht ganz nah – und zugleich der Dunkelheit nicht fern. Ein Zusammenspiel, das hier seine ganz eigene Strahlkraft entfaltet.

Wo die Sonne Schatten wirft

Wie stimmig, dass das Hotel Solea diesen Namen trägt: fast wie eine stille Hommage an die Sonne – il sole –, die Schenna so verwöhnt und ihren goldenen Schein über die sanften Hänge bis weit hinab ins Tal legt.

Und wo viel Licht ist, da ist auch Schatten. Es ist ein poetisches Spiel, wenn sich das Dunkel der Palmblätter im stillen Wasser des Pools verliert, ein Schleier durch die Vorhänge wandert und unter dem Sonnenschirm ein stiller Rückzugsort entsteht.

Im Gleichgewicht

Das Interieur fängt diesen Kontrast auf seine eigene stimmige Weise ein. Anthrazitfarbene Wände, dunkles Leder in der Bar und der graue Steinboden im Eingangsbereich bilden eine erdende Basis. Dazwischen treten hellere Akzente umso stärker hervor: echter Kerzenschein, ein gelber Luster, gezielt gesetzte Stimmungslichter. Und irgendwo dazwischen der Gong der Klangschalenmeditation, der die Atmosphäre für einen Moment noch weiter ins Innere zieht.

Wer hierherkommt, möchte loslassen. Vielleicht zu zweit – wie Yin und Yang, die erst im Zusammenspiel ihre ganze Balance finden. Auch das Luxury All Inclusive folgt diesem Gedanken: Es nimmt dem Aufenthalt das Dazwischen. Kein Rechnen, kein Organisieren, kein Abwägen – nur die Gewissheit, dass für alles gesorgt ist.

Tagsüber zieht man ruhige Bahnen durch den frischen Salzwasserpool. Später spürt man die Wärme der Panoramasauna, den Blick weit über den Horizont gerichtet. Darf’s vielleicht noch ein Spritz sein?

Und dann geht die Sonne unter..

Zum mehrgängigen Menü auf der einladenden Terrasse wird Wein eingeschenkt. Edle Tropfen, gewachsen an den sonnengeküssten Hängen rund um Meran und vollendet in den dunklen Kellereien, etwa vom benachbarten Weingut Schloss Rametz der Familie Schmid. Wer genau schaut, entdeckt auch die Anspielungen an den Wein im Haus: Liegen aus Weinfässern im Spa Bereich, eine gusseiserne Outdoordusche mit Weinblättern oder Weinkisten als Namensschilder der Zimmer.

In der Nacht wird gespielt. Il capo Hannes Illmer wechselt vom Casual Fit zum Smoking, vom charmanten Gastgeber zum versierten Croupier.

Noch eine Karte oder lieber stehen bleiben? Beim Blackjack liegt die 21 zum Greifen nah – und mit ihr die Frage, wie viel Glück man dem Moment überlässt. Gewinnen oder verlieren? Am Ende gehört beides dazu.

Man kommt ins Gespräch. Die Sternen durchbrechen den tiefblauen Nachthimmel. In der Bar trifft man sich wieder. Oder zieht sich zurück mit einem rubinrotem Negroni am Tisch und der Sonne im Herzen.

Fotos: Nicolo dalle Molle, Daniele Paternoster