Für Pavimenti Sansone entwickeln Icona Architetti Associati fünf Zementfliesen-Kollektionen, die Farbe und Geometrie mit sizilianischem Handwerk verbinden. Die beiden jüngsten Entwürfe beginnen mit einer einfachen Kurve.

Eine Zementfliese ist ein kleines Stück Wiederholung. Gleiche Maße, gleiche Formen, ein Muster, das sich über den Boden fortsetzt. Bei Pavimenti Sansone bleibt dabei jede einzelne Fliese ein wenig anders. Feine Unterschiede in Farbe und Oberfläche erzählen von ihrer Herstellung: von Hand, Stück für Stück, im Südosten Siziliens.

Diese Variationen bilden den Ausgangspunkt der Zusammenarbeit mit Icona Architetti Associati. Das von Federica Poggio und Marco Orto gegründete Mailänder Architekturbüro übernahm vor zwei Jahren die kreative Leitung des Herstellers. Seither entstehen Kollektionen, deren Wirkung sich aus dem Zusammenspiel von Material, Farbe und Verlegung entwickelt. Nach Sessanta, Twist und Line, vorgestellt 2025, erweitern 2026 die Entwürfe Novilunio und Pura das Sortiment.

Die Hände bleiben sichtbar

Pavimenti Sansone wurde Anfang des 20. Jahrhunderts als kleine Handwerkswerkstatt gegründet. In der Gegend um Comiso fertigt das Unternehmen bis heute Zementfliesen einzeln von Hand. Marmorpulver, Zement und mineralische Pigmente werden mithilfe von Metallschablonen in Form gebracht, gepresst und anschließend an der Luft getrocknet. Die Fliesen werden weder gebrannt noch poliert.

Das Verfahren hinterlässt Spuren. Nuancen im Farbton und kleine Unregelmäßigkeiten gehören zur Oberfläche – und damit zur späteren Wirkung eines Raumes. Ein Boden aus solchen Fliesen besitzt eine Lebendigkeit, die sich aus vielen feinen Abweichungen zusammensetzt.

Für ihre Entwürfe beschäftigten sich Poggio und Orto zunächst mit den Abläufen in der Werkstatt: mit Werkzeugen, Handgriffen und dem Verhalten der Pigmente. Ihre gestalterische Arbeit setzt bei diesen Eigenschaften an. Farbe, Modul und Wiederholung werden zu Bausteinen einer zeitgemäßen Formensprache, in der die handwerkliche Herkunft ablesbar bleibt.

Ein Muster mit Spielraum

Die 2025 präsentierte Icona Collection umfasst Sessanta, Twist und Line. Klare geometrische Formen treffen auf unterschiedliche Farbkombinationen und Verlegemöglichkeiten. Die Palette reicht von zurückhaltenden, an Naturtönen orientierten Farben bis zu kräftigeren Kontrasten.

Wie die fertige Fläche aussieht, entscheidet sich auch beim Verlegen. Die einzelnen Module können unterschiedliche Rhythmen bilden; Farbe verstärkt Verbindungen oder setzt Akzente. Damit wird die Gestaltung des Bodens zu einem Teil des räumlichen Entwurfs. Eine Fliese liefert einen Baustein, dessen Wirkung sich erst im Zusammenhang entfaltet.

Zwei Wege entlang einer Kurve

Mit Novilunio und Pura führen Icona Architetti Associati diesen Gedanken 2026 weiter. Beide Kollektionen gehen von derselben geometrischen Grundform aus: der Kurve.

Bei Novilunio verbinden sich vier Fliesen zu einem zentralen Motiv. Das Zusammenspiel von Farbflächen und ausgesparten Bereichen erzeugt eine weiche Geometrie, die sich über den Boden wiederholt. Je nach Farbwahl treten die Formen deutlicher hervor oder fügen sich ruhiger in die Fläche ein.

Pura lässt die Anordnung offener. Die Kurve bildet hier den Ausgangspunkt für wechselnde Sequenzen. Das Muster entsteht aus den Beziehungen zwischen benachbarten Fliesen; neue Kombinationen verändern seinen Rhythmus.

Darin liegt der Reiz dieser Zusammenarbeit: Eine seit Generationen vertraute Herstellung eröffnet neue gestalterische Möglichkeiten. Das Handwerk bleibt in jeder Fliese sichtbar, während sich das Bild des Bodens mit ihrer Anordnung wandelt. Sizilien steckt dabei in der Tiefe der Farben, im Material und in den kleinen Unterschieden von Stück zu Stück.

Ein Palast von 1861, Porträts portugiesischer Dichter in kunstvollen Stuckdecken, zeitgenössische Kunst in historischen Räumen und ein Restaurant, das von einem der bekanntesten Romane José Saramagos inspiriert wurde. Die Geschichte des Torel Palace Porto begann lange bevor das Haus zum Hotel wurde – und genau darin liegt die Idee für das, was es heute ist.

Der Blick geht nach oben. Von der Decke eines Hotelzimmers schaut Luís de Camões zurück. Und er war schon lange dort, bevor irgendjemand entschieden hatte, dass dieser Palast einmal ein Hotel werden würde. Der Palacete Campos Navarro wurde 1861 für António de Campos Navarro als eine der prachtvollsten Privatresidenzen Portos erbaut. Das Interesse der Familie an Kunst und Literatur hinterließ Spuren im Haus: In den kunstvollen Stuckdecken fanden portugiesische Persönlichkeiten der Literatur ihren Platz. Mehr als eineinhalb Jahrhunderte später waren es genau diese Details, die mitbestimmten, welche Geschichte das Gebäude weitererzählen sollte.

Der Anfang an der Decke

Die originale Büste von Luís de Camões befindet sich noch heute in einem der Zimmer. Ebenso jene von Almeida Garrett. Sie landeten nicht in einer Vitrine, sondern wurden zum Ausgangspunkt für etwas Neues. Heute sind die 24 Zimmer und Suiten portugiesischen Schriftstellern und Dichtern gewidmet – darunter Fernando Pessoa, Florbela Espanca, Sophia de Mello Breyner Andresen, Camões und Eça de Queiroz. Zu den historischen Porträts kamen zeitgenössische Arbeiten von Jorge Curval, während in den alten Räumen überraschend moderne Elemente auftauchen.

In manchen Zimmern steht zum Beispiel ein großer, vollständig verspiegelter Kubus. Sieht aus wie zeitgenössische Kunst. Ist das Badezimmer. Und vielleicht erzählt gerade dieses Detail besonders viel über das Torel Palace Porto. Die Vergangenheit ist geblieben, aber niemand versucht so zu tun, als wäre noch immer 1861.

Was es zu bewahren galt

Zu den eindrucksvollsten historischen Elementen des Palastes gehört die Claraboia, das kunstvoll gestaltete Oberlicht über dem Gebäude. Unter ihren acht dekorativen Motiven finden sich neben pflanzlichen Elementen auch Merkur, Minerva sowie Symbole für Industrie und Schifffahrt. Ihre Restaurierung war so aufwendig, dass sich die Arbeiten am Gebäude dadurch um mehrere Monate verlängerten. Darin zeigt sich auch das Gleichgewicht, das sich durch das gesamte Haus zieht: Bestimmte Details wurden sorgfältig bewahrt, während direkt daneben etwas Neues entstehen durfte. Historischer Stuck und zeitgenössische Porträts. Camões an der Decke und ein modernes Hotel darunter. Man musste sich nicht zwischen beidem entscheiden.

Wenn man ein Buch nicht mehr liest, sondern erlebt

Die Literatur endet allerdings nicht an den Zimmertüren. Das Restaurant BLIND ist von José Saramagos Roman Die Stadt der Blinden inspiriert. Was das mehrgängige Menü bereithält, wissen die Gäste nicht im Voraus. Während des Erlebnisses kann das Sehen zeitweise in den Hintergrund treten, während Geschmack, Duft, Klang und Textur umso wichtiger werden. Literatur ist hier plötzlich nicht mehr etwas, das wir an der Decke betrachten oder im Namen eines Zimmers wiedererkennen. Sondern etwas, das wir erleben.

Eine Geschichte, die weitergeschrieben wird

Bei der Bewahrung eines historischen Gebäudes geht es schnell darum, die Zeit möglichst anzuhalten. Im Torel Palace Porto ist etwas anderes passiert. Die Camões-Büste blieb. Der Stuck blieb. Die Claraboia blieb. Gleichzeitig kamen neue Porträts zu den alten, die Namen von Schriftstellern an die Zimmertüren und aus einem Roman wurde ein kulinarisches Erlebnis. Die Geschichte des Palacete Campos Navarro endete also weder 1861 noch in dem Moment, als daraus ein Hotel wurde.

Das Torel Palace Porto geht mit seiner Vergangenheit vielmehr um wie mit einem Buch, dessen letzte Seite jemand ganz bewusst leer gelassen hat.

Damit noch Platz bleibt, sie weiterzuschreiben.

Im November werden in Norditalien langsam die Winterjacken hervorgeholt. In einem besonderen Tal im Trentino gibt es jedoch noch einiges zu entdecken: Weinberge, alte Weinkeller, mittelalterliche Dörfer und Weihnachtsmärkte, die keine eigens gebaute Kulisse brauchen. Das Valle dei Laghi hält auch zu dieser Jahreszeit einige Überraschungen bereit.

Zwischen Gardasee und Dolomiten liegt das Valle dei Laghi, wo alpine und mediterrane Einflüsse aufeinandertreffen. Dank der milderen Luft vom Gardasee kann es hier selbst im Spätherbst angenehmer sein, als man es zwischen den Bergen Norditaliens erwarten würde. Und zwischen Seen und Weinbergen gibt es eine Tradition, die im November noch lange nicht abgeschlossen ist.

Nach der Weinlese geht es erst richtig los

Eine Besonderheit des Valle dei Laghi ist die weiße Rebsorte Nosiola. Ihr Name leitet sich vom italienischen nocciola, also Haselnuss, ab und verweist auf ihre feinen nussigen Noten. Aus diesen Trauben entsteht auch der berühmte Vino Santo Trentino.

Doch mit der Weinlese ist die Arbeit längst nicht vorbei. Ausgewählte Trauben werden auf Holzgestellen ausgelegt und über mehrere Monate getrocknet. Der Ora, ein Wind vom Gardasee, unterstützt diesen Prozess. Gepresst werden die Trauben traditionell erst um die Osterzeit.

Wenn wir also im November die Weingüter der Region besuchen, entsteht ganz in unserer Nähe bereits ein Wein, auf den man noch Monate warten muss. Und wenn wir schon einmal hier sind, lohnt es sich natürlich auch, ein Glas Nosiola zu probieren.

Morgens Apfel, abends Sauna

Ein guter Ausgangspunkt, um das Tal zu erkunden, ist das La Dolce Mela in Ciago. Der Apfel im Namen ist kein Zufall: Aus den eigenen Äpfeln wird hier unter anderem Saft hergestellt.

Morgens stehen frisches Brot, hausgemachte Kuchen, handgemachte Marmeladen, saisonales Obst und Käse aus der Region auf dem Tisch. Nach dem Frühstück mit Bio-Zutaten können wir zu den Seen aufbrechen, Weingüter besuchen oder durch die umliegenden Dörfer spazieren.

Und wenn wir genug unterwegs waren, beginnt der zweite Teil des Tages. Im La Dolce Mela erwarten die Gäste Massagen. Einige der Zimmer verfügen zudem über eine private Sauna und einen Whirlpool. Nach einem längeren Ausflug im November klingt das ziemlich verlockend.

Weihnachtsmarkt im alten Weinkeller?

In Rango werden die Weihnachtsstände im Advent nicht einfach auf dem Dorfplatz aufgebaut. Auch die gewölbten Durchgänge, alten Innenhöfe und Keller der mittelalterlichen Häuser füllen sich mit Kunsthandwerk, regionalen Produkten und Besuchern.

Ähnlich ist es in Canale di Tenno, wo schmale Gassen und historische Gebäude zur Kulisse des Weihnachtsmarktes werden. Hier muss niemand ein Weihnachtsdorf nachbauen. Die Häuser stehen schließlich schon seit Jahrhunderten.

Und genau das macht den Reiz aus. Plötzlich können wir einen Blick in Räume werfen, an denen wir sonst vielleicht einfach vorbeigegangen wären.

Die Trauben warten noch auf den Frühling, die Dörfer bereiten sich bereits auf Weihnachten vor. Und wir kommen genau dazwischen. Vielleicht ist das sogar der beste Zeitpunkt.

Bei House of Santal in New York erzählt zeitgenössisches südasiatisches Design vom Wandel – durch Materialien, handwerkliches Wissen und den Mut, vertrauten Formen eine neue Richtung zu geben.

Ein Sessel, dessen textile Oberfläche ohne Nähte entsteht. Ein Tisch, der Pyrit, Stein und spiegelndes Chrom zusammenbringt. Eine Konsole, in der traditionelle Einlegekunst eine neue gestalterische Sprache findet. Die Objekte der Ausstellung Roopantara: Matter in Metamorphosis tragen ihre Herkunft in sich. Zugleich zeigen sie, wie viel Bewegung in überliefertem Wissen steckt.

Mit ihrer zweiten Ausstellung widmet sich die New Yorker Galerie House of Santal dem schöpferischen Moment der Veränderung. Roopantara, aus dem Sanskrit abgeleitet, bezeichnet einen Wandel der Form. Hier wird dieser Gedanke greifbar: in Möbeln, Paravents, Spiegeln und Teppichen, die südasiatische Handwerkstraditionen aus der Gegenwart heraus weiterentwickeln.

Was die Hände wissen

Handwerk besitzt ein Gedächtnis. Es liegt in eingeübten Bewegungen, im Gespür für Oberflächen, im Wissen darüber, wie sich ein Material bearbeiten lässt. Jede neue Arbeit kann dieses Wissen aufnehmen und ihm eine andere Richtung geben.

Genau dort setzt Raksha Sanikam an. Die Designerin und Kuratorin gründete House of Santal in New York als Galerie und digitale Plattform für zeitgenössisches südasiatisches Design. Mit Roopantara richtet sie den Blick auf den Prozess des Machens: auf das Experiment, die Neuinterpretation und die Entscheidungen, durch die sich eine überlieferte Technik verändert.

Die Ausstellung stellt damit eine ebenso einfache wie produktive Frage: Wie bleibt eine Tradition lebendig? Die gezeigten Arbeiten legen nahe, dass ihre Zukunft auch davon abhängt, wie frei Gestalter mit ihr umgehen dürfen.

Das Ornament bekommt Bewegung

Bei Saira Yousaf und Shahbaz Lahore aus Lahore werden historische Ornamente räumlich und taktil. Arbeiten wie der Mountain Screen, die Ribbon Console oder der Undulating Mirror übersetzen dekorative Formensprachen in zeitgenössische Objekte. Das Ornament erhält Volumen; es wird Teil der Struktur eines Möbels.

Einen anderen Zugang wählt Veeram Shah aus Ahmedabad. Für seinen Button Masala Armchair verwendet er die von Anuj Sharma entwickelte Button-Masala-Technik. Sie ermöglicht textile Verbindungen ohne Nähen und schafft anpassbare Oberflächen. Das Handwerk steckt hier im Prinzip der Konstruktion – und in der Möglichkeit, eine Form weiterzuverändern.

Auch der KODO Table von Aaj und Khushi Patel aus Gandhinagar erzählt vom Entstehen. Material und bearbeitende Hand prägen seine Form gemeinsam. Der gestalterische Prozess bleibt dadurch ein wesentlicher Teil der Aussage des Objekts.

Materie mit Möglichkeiten

Die Ausstellung führt diese Überlegungen durch unterschiedliche Materialien und Maßstäbe weiter. Keerthi Tummala aus Hyderabad kombiniert Pyriteinlagen mit Stein und reflektierendem Chrom im Rock Pyrite Dining Table und im Ori Coffee Table. Mineralische Oberflächen und metallischer Glanz treten miteinander in Beziehung.

Abin Chaudhuri aus Kolkata untersucht in Urban Gravity und Lehar, wie vertraute Strukturen Spannung und Bewegung ausdrücken können. Nithika und Annanya Agarwal beschäftigen sich in Sylvan Echo und der Trace Console mit der Veränderung von Material über die Zeit. Die handgeknüpften Woll- und Seidenteppiche von Rug & Kilim erweitern den Blick um Motive, deren Neuinterpretation sich über eine textile Fläche entfaltet.

Zusammen entsteht ein vielstimmiges Bild südasiatischen Designs. Die Arbeiten verbindet eine Aufmerksamkeit für das, was bereits vorhanden ist: Techniken, Formen, Materialkenntnis. Ihre Eigenständigkeit entwickelt sich aus der Art, wie sie damit weiterarbeiten.

Darin liegt der Reiz von Roopantara. Die Ausstellung macht Veränderung an konkreten Objekten lesbar. Eine Verbindung wird anders gedacht, ein Ornament räumlich, ein Material neu kombiniert. Tradition erhält ihre nächste Form durch die Hände, die heute mit ihr arbeiten.

Roopantara: Matter in Metamorphosis, House of Santal, New York. 30. September bis 15. Dezember 2026. Weitere Informationen: Die Galerie präsentiert die Ausstellung als zweite Edition ihres Programms.

An der toskanischen Küste hat Pierattelli Architetture eine Residenz aus den 1950er-Jahren neu gestaltet. Ihre Architektur folgt dem felsigen Gelände – und einem Horizont, der die Räume prägt.

Von einigen Bereichen dieser Villa aus ist ausschließlich das Meer zu sehen. Kein Küstenstreifen, kein benachbartes Gebäude lenkt den Blick ab. Dieses besondere Verhältnis zum Wasser wurde zum Ausgangspunkt für Pierattelli Architetture: Das Büro hat eine bestehende Residenz am Argentario so umgebaut, dass der mediterrane Horizont im ganzen Haus spürbar wird.

Die 450 Quadratmeter große Villa liegt auf einem felsigen Küstenvorsprung, verteilt sich über drei terrassierte Ebenen und verfügt über einen direkten Zugang zum Meer. Ihre ursprünglichen Formen und Volumen blieben erhalten. Die Veränderung liegt vor allem darin, wie sich die Räume öffnen, miteinander verbinden und in die Landschaft übergehen.

Ein Gedanke aus der Nautik

Die Vorstellung, sich an Bord einer Yacht zu befinden, begleitete den Entwurf. Sie erklärt die lang gezogenen, dezent getönten Bänder entlang der Terrassen und des Dachprofils ebenso wie die neu gestalteten Außenflächen. Die Terrassen wurden erweitert und teilweise neu geordnet, um die Nähe zum Wasser stärker erlebbar zu machen.

Große Glasflächen holen Tageslicht ins Haus und geben den Blick auf das Mittelmeer frei. Die ursprünglichen Steinflächen der Fassade halten die Verbindung zum felsigen Standort. Dazwischen entsteht eine Architektur, deren nautische Anklänge zurückhaltend bleiben: Entscheidend sind die Proportionen, die horizontalen Linien und die Ausrichtung zum Meer.

Auch im Inneren wurden die Wege und Raumbeziehungen neu organisiert. Der Haupteingang liegt auf der oberen Terrasse, auf der Ebene der Schlafräume. Eine ergänzte Außentreppe führt zu den tiefer gelegenen Terrassen. Darunter befindet sich der Mittelpunkt des Hauses: Wohnbereich, Küche und Esszimmer, die sich zu Außenflächen mit Sitzgelegenheiten und Platz für gemeinsame Mahlzeiten öffnen.

Holz, Travertin und wenige Farbakzente

Die Innenräume greifen die Farben und Materialien des Ortes auf. Holz trifft auf Travertin, einen Stein mit langer Tradition in der toskanischen Baukultur. Beige und Weiß bestimmen die Palette; einzelne Elemente in Rot oder Blau setzen Akzente.

Sitzmöbel mit fließenden Konturen ergänzen diese ruhige Grundlage. Leuchten von Flos und Tische von Gervasoni stehen neben zahlreichen Entwürfen des Architekturbüros. Küchen, einige Betten und die Portale zwischen den Räumen wurden eigens für das Haus gestaltet. Dadurch zieht sich eine gemeinsame gestalterische Sprache durch die unterschiedlichen Ebenen.

Die Holzböden entstanden in Zusammenarbeit mit Fiemme 3000. Auf den Terrassen kommen ebenfalls Holzböden zum Einsatz, während auf der untersten Ebene helle Resinböden und äußere Wege aus Naturstein die Materialpalette erweitern. Bei den Fenster- und Türelementen aus gebürstetem Stahl und Cortenstahl schützt eine spezielle Beschichtung vor der salzhaltigen Meeresluft. Die exponierte Lage bestimmt damit auch Details, die im fertigen Raum kaum auffallen.

Eine Landschaft, die weiterwächst

Zum Projekt gehören rund 1.800 Quadratmeter Außenflächen. Ihre Neugestaltung nutzt die vorhandene Terrassierung und schafft zusätzliche begrünte Bereiche. Ein Infinitypool mit Blick auf das Meer fügt sich in diese Struktur ein.

Die Bepflanzung ist auf Entwicklung angelegt. Mit der Zeit soll sie die Stützmauern bewachsen, die stellenweise bis zu fünf Meter hoch sind, und die Präsenz des Gebäudes an der Küste mildern. Während die Innenräume bereits ihre neue Ordnung gefunden haben, wird sich das Verhältnis zwischen Haus und Landschaft weiter verändern.

Darin liegt eine besondere Qualität dieses Umbaus: Die Villa behält ihre Geschichte und gewinnt zugleich eine neue Offenheit. Der Blick führt hinaus aufs Wasser; die Vegetation wird allmählich näher an die Architektur heranrücken. Beides gibt dem Haus seinen Rhythmus.

Architektur: Pierattelli Architetture
Fotografie: Thomas Pagani
Styling: Giulia Red

Mit der achten Artycapucines Collection übersetzt Louis Vuitton Keith Harings Bildsprache in 13 Taschen – und bringt die Energie seiner Zeichnungen in eine neue Form.

Ein Herz hat Beine bekommen. Es läuft los, als könnte es die nächste Begegnung kaum erwarten. Keith Harings „Running Heart“ braucht wenige Linien, um etwas auszulösen: Bewegung, Zuneigung, vielleicht auch die Lust, einfach mitzulaufen. Diese Unmittelbarkeit prägt das Werk des Künstlers. Und sie macht den Reiz der neuen Keith Haring Artycapucines Collection von Louis Vuitton aus.

In enger Zusammenarbeit mit der Keith Haring Foundation widmet die Maison das achte Kapitel ihrer Artycapucines-Reihe dem 1990 verstorbenen Künstler. 13 Neuinterpretationen der Capucines greifen seine Motive auf: das „Running Heart“, das „Radiant Baby“, tanzende Figuren, Tiere und grafische Kompositionen. Bilder, die vielen längst vertraut sind – und deren Wirkung sich dennoch nicht im Wiedererkennen erschöpft.

Ein paar Linien, und alles bewegt sich

Harings Figuren haben keine ausgearbeiteten Gesichter. Ihre Körper sprechen durch Gesten, ihre Umgebung durch kurze Striche. Ein Arm hebt sich, ein Körper beugt sich, ein Baby strahlt. Man versteht diese Bilder oft, bevor man darüber nachdenkt.

Im New York der 1980er-Jahre fand Haring sein Publikum auch auf den Bahnsteigen der Subway. Mit weißer Kreide zeichnete er auf schwarze, ungenutzte Werbeflächen. Seine Kunst begegnete Menschen unterwegs, mitten in ihrem Alltag. Die direkte Beziehung zum Publikum gehörte zu ihrem Wesen.

Die Leichtigkeit seiner Bildsprache konnte dabei ernste Anliegen tragen. Haring setzte seine Kunst unter anderem für die Aufklärung über AIDS und gegen Apartheid ein. Lebensfreude und gesellschaftliches Engagement stehen in seinem Werk nah beieinander. Seine Figuren erinnern daran, wie viel sich durch eine Geste ausdrücken lässt: Nähe, Verletzlichkeit, Zusammenhalt.

Die Zeichnung bekommt einen Körper

Auf der Capucines verändert sich das Verhältnis zwischen Bild und Oberfläche. Leder besitzt eine eigene Struktur, eine Tasche Volumen. Eine Linie muss hier über eine dreidimensionale Form hinweg lesbar bleiben; ein Motiv begegnet uns aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Louis Vuitton nutzt für die Kollektion Techniken von traditioneller Leder-Marketerie bis zu modernstem Laser-Druck. Darin liegt der gestalterisch interessante Teil dieser Begegnung: Harings scheinbar mühelose Zeichnungen werden zum Ausgangspunkt einer aufwendigen handwerklichen Übersetzung. Entscheidend ist, ob ihr Rhythmus dabei spürbar bleibt.

Die Kollektion führt zugleich einen Dialog fort, den Nicolas Ghesquière mit seiner Cruise-2027-Kollektion begonnen hat, präsentiert im Mai 2026 in der Frick Collection in New York. Harings Bildwelt wandert weiter – durch unterschiedliche Materialien, Formen und Zusammenhänge.

Ein Herz läuft weiter

Seit dem Debüt von Artycapucines 2019 haben über 35 zeitgenössische Künstler:innen die Capucines als gestalterische Fläche genutzt. Mehr als 50 Designs sind daraus hervorgegangen, unter anderem von Takashi Murakami, Beatriz Milhazes, Daniel Buren und Vik Muniz.

Das neue Kapitel richtet den Blick auf eine Bildsprache, deren Energie bis heute unmittelbar ankommt. Ein laufendes Herz bleibt ein merkwürdiges, schönes Bild: Gefühle haben plötzlich Füße. Und man möchte wissen, wohin sie unterwegs sind.

Die 13 Modelle der Keith Haring Artycapucines Collection erscheinen ab 1. Jänner 2027 als limitierte Editionen in Louis-Vuitton-Boutiquen weltweit.

50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Zoë Schlangers Buch „Die Lichtwandler“ erzählt von den Fähigkeiten der Pflanzen. Es öffnet zugleich eine größere Frage: Was wird möglich, wenn sich unsere Vorstellung vom Leben erweitert?

Ein Blatt dreht sich zum Licht. Wurzeln wachsen durch den Boden. Ein Baum steht jahrzehntelang an derselben Stelle und verändert dabei unablässig seine Umgebung. Vieles davon geschieht in einem Tempo, das sich dem flüchtigen Blick entzieht. Wer vorbeigeht, sieht Grün. Wer genauer hinschaut, begegnet einem Leben mit eigenen Rhythmen und Beziehungen.

In „Die Lichtwandler“ folgt die Wissenschaftsjournalistin Zoë Schlanger der Forschung zu den Fähigkeiten von Pflanzen. Sie besucht ein Feld, in dem neue Beobachtungen auch die Sprache herausfordern: Wie lassen sich Wahrnehmung, Kommunikation und Anpassung beschreiben, wenn die beteiligten Lebewesen so anders organisiert sind als Menschen?

Das Buch führt damit an eine Grenze, die weit über die Botanik hinausreicht. Sie verläuft zwischen der Welt und dem Bild, das wir uns von ihr machen. Dort kann etwas Erfreuliches geschehen: Eine vertraute Vorstellung öffnet sich, und das Leben bekommt mehr Möglichkeiten, als ihm zuvor zugestanden wurden.

Ein Blatt ist kein stilles Gegenüber

Pflanzen reagieren auf Licht und mechanische Reize. Sie verarbeiten Signale, verändern ihr Wachstum und passen ihre physiologischen Abläufe an die Bedingungen ihrer Umgebung an. Forschung kann solche Prozesse sichtbar machen und untersuchen, welche Mechanismen daran beteiligt sind. Das scheinbar unbewegte Grün gewinnt Kontur als aktiver Organismus.

Begriffe wie Intelligenz und Bewusstsein bleiben dabei umstritten. Eine messbare Reaktion belegt noch kein subjektives Erleben. Gerade diese Unterscheidung macht die Auseinandersetzung interessant: Neue Erkenntnisse verdienen Aufmerksamkeit und sorgfältige Prüfung. Eine Pflanze darf faszinieren, auch wenn die Frage nach ihrem Bewusstsein offenbleibt.

Die größere Verschiebung beginnt bereits davor. Ein Lebewesen muss weder sprechen noch sich fortbewegen oder auf menschliche Weise handeln, um eine komplexe Beziehung zu seiner Umwelt zu haben. Mit dieser Einsicht verliert der Mensch ein Stück seiner Rolle als alleiniger Maßstab. Andere Formen des Lebens werden auf ihre eigenen Bedingungen hin interessant.

Das erweitert auch die Erfahrung eines Gartens. Was nach Farbe, Wuchs und Atmosphäre ausgewählt wurde, führt ein eigenes Leben. Ein Baum ist Lebensraum, bevor er Aussicht ist. Eine Landschaft besteht aus Beziehungen, die längst begonnen haben, wenn Menschen sie betreten. Das Wissen darum gibt dem Sichtbaren Tiefe.

Der Blick kann sich bewegen

Schlanger verdichtet diese Offenheit in einem Bild: „The world is a prism, not a window.“ Die Welt als Prisma. Je nach Winkel treten andere Facetten hervor; das Bekannte kann etwas zeigen, das bisher verborgen blieb.

Auf das Leben übertragen, wird daraus eine Einladung, die eigenen Maßstäbe beweglich zu halten. Erfahrungen und Begriffe geben Orientierung. Sie bestimmen zugleich, was auffällt und was übersehen wird. Aktivität erscheint oft als schnelle Bewegung, Bedeutung als Sichtbarkeit, Entwicklung als messbarer Fortschritt. Für langsamere, leisere oder ungewohnte Vorgänge bleibt in diesem Bild wenig Platz.

Die Begegnung mit pflanzlichem Leben kann daran etwas ändern. Sie führt vor Augen, dass der eigene Rhythmus nur einer unter vielen ist. Von hier aus lässt sich auch das menschliche Leben neu betrachten: ein Gedanke, der Zeit braucht; eine Beziehung, die sich allmählich verändert; eine Fähigkeit, die erst unter anderen Bedingungen sichtbar wird. Solche Erfahrungen sind keine botanischen Beweise. Sie sind Möglichkeiten, die eine veränderte Perspektive für den Alltag eröffnet.

Ein Raum kann Menschen näher zusammenbringen, sobald seine Anordnung sich verändert. Ein Gespräch kann eine neue Richtung nehmen, wenn eine Frage eine vorschnelle Einschätzung ersetzt. Und eine Gewohnheit kann sich lockern, weil jemand entdeckt, dass es auch anders geht. In diesen kleinen Verschiebungen liegt eine praktische Form von Zuversicht: Das bisherige Bild muss nicht das letzte sein.

Ein Paradigmenwechsel geschieht deshalb auch in den Fragen, die gestellt werden. Wer nur nach Ähnlichkeiten sucht, wird Unterschiede leicht als Mangel lesen. Wer sich für die Eigenart eines Lebewesens interessiert, kann Fähigkeiten entdecken, für die bislang die Aufmerksamkeit fehlte. Wissen wächst hier zusammen mit der Bereitschaft, sich überraschen zu lassen.

Mehr Platz für Lebendigkeit

Aliveness bekommt vor diesem Hintergrund eine weitere Dimension. Lebendigkeit umgibt uns bereits. Sie lässt sich entdecken, und wir können Bedingungen mitgestalten, unter denen sie Raum gewinnt. In einem Garten ebenso wie in einer Stadt, einem gemeinsamen Projekt oder im eigenen Tagesablauf.

Verbundenheit hat dabei einen konkreten Ausgangspunkt. Nahrung, Luft und Lebensräume entstehen in ökologischen Zusammenhängen. Menschliches Leben wird von anderem Leben getragen. Daraus ein gemeinsames Bewusstsein abzuleiten, wäre ein weiterer, philosophischer Schritt. Die tatsächlichen Abhängigkeiten reichen schon aus, um Zugehörigkeit neu zu denken.

Zugehörigkeit kann Freude machen. Sie gibt der Aufmerksamkeit ein Gegenüber und dem eigenen Handeln einen Zusammenhang. Eine Pflanzung verändert einen Ort. Ein Gespräch verändert eine Beziehung. Eine neue Erkenntnis verändert, welche Möglichkeiten überhaupt vorstellbar werden. Jede dieser Erfahrungen macht spürbar, dass Menschen an einer lebendigen Welt teilhaben und etwas zu ihr beitragen können.

Der optimistische Gedanke in „Die Lichtwandler“ liegt aus dieser Perspektive in der Erweiterung des Möglichen. Es gibt noch Fähigkeiten zu verstehen, Beziehungen zu entdecken und Formen des Zusammenlebens zu erproben. Unvollständiges Wissen lässt Raum für Forschung, Fantasie und neue Erfahrungen. Staunen kann dabei der Anfang einer genaueren Aufmerksamkeit sein.

NEW YORK TIMES BESTSELLER

The New Yorker’s Best Books of 2024 • TIME’s 10 Best Nonfiction Books of 2024 • New York Magazine’s 10 Best Books of the Year • Washington Post’s 50 Notable Works of Nonfiction of 2024 • Smithsonian’s 10 Best Science Books of the Year •  A Best Book of the Year: Boston Globe, Scientific American, New York Public Library, Christian Science Monitor, Library Journal, and Publishers

Das Blatt vor dem Fenster bleibt ein Blatt. Doch wer seine Beziehung zum Licht bemerkt, sieht darin einen Vorgang, eine Antwort, eine eigene Art, in der Welt zu sein. Der Blick gewinnt an Tiefe. Und mit ihm die Freude an einem Leben, das immer noch etwas zu zeigen hat.

Für Frühjahr/Sommer 2027 stellt Nicolas Ghesquière die Bewegung ins Zentrum. Unter dem Titel „Ergonomie“ entsteht eine Louis Vuitton Kollektion, deren Leichtigkeit auf präziser Konstruktion beruht.

Ein Kleidungsstück verändert sich mit jedem Schritt. Stoff verschiebt sich, eine Kontur löst sich auf, eine andere entsteht. Genau dort setzt Nicolas Ghesquière mit der Louis Vuitton Damenkollektion für Frühjahr/Sommer 2027 an: beim Körper, der sich bewegt und seiner Kleidung immer wieder eine neue Form gibt.

„Ergonomie“ lautet der Titel. Ein Begriff, den man zunächst mit einem Stuhl, einem Werkzeug oder der Gestaltung eines Arbeitsplatzes verbindet. Auf Mode übertragen, führt er zu einer spannenden Frage: Wie lässt sich Kleidung vom Körper und seinen Bewegungen her denken?

Schnitt in Bewegung

Ghesquières Ausgangspunkt ist die Anatomie. Die Kleidungsstücke sollen den wechselnden Konturen des Körpers folgen, sich mit ihm verschieben und anpassen. Struktur bleibt dabei wesentlich, ihre Steifheit wird jedoch aufgelöst.

Was auf den ersten Blick unkompliziert wirkt, ist konstruktiv anspruchsvoll. Unterschiedliche Spannungen innerhalb der Materialien erzeugen ein Gefüge, das auf den Körper reagiert. Stoffe und Leder liegen am Menschen an; die Vorstellung einer zweiten Haut beschreibt hier vor allem ein Gefühl und eine Funktion.

Darin liegt der Reiz des Entwurfs: Die technische Arbeit soll sich beim Tragen als Leichtigkeit bemerkbar machen. Eine präzise Konstruktion ermöglicht Bewegungsfreiheit.

Die Arbeit hinter der Leichtigkeit

Mehrlagige Chiffon-Konstruktionen, Carré-Seiden sowie Tuchstoffe aus Seide und Kaschmir ziehen sich durch unterschiedliche Kleidungsstücke. Materialien, die man mit Schals und fließenden Accessoires verbindet, werden zum Ausgangspunkt einer ganzen Garderobe.

Auch die klassische Schneiderkunst wird auf ihr Gewicht hin untersucht. Innere Lagen werden entfernt, Aufbauten reduziert, Kleidungsstücke neu konstruiert. Strick zeichnet den Körper nach. Das Schuhwerk setzt den scheinbar schwerelosen Formen einen geerdeten Akzent entgegen.

Diese Suche nach Leichtigkeit verbindet Ghesquière mit der Reisegeschichte von Louis Vuitton. Form, Funktion und Beweglichkeit gehören zum Erbe des Hauses. Für Frühjahr/Sommer 2027 wird dieser Gedanke unmittelbar am Körper weitergeführt: Kleidung soll das Unterwegssein erleichtern.

Eine Stadt steht still

Die Szenografie macht das Prinzip sichtbar. Eine statische Stadtlandschaft bildet den Hintergrund für einzelne Figuren in Bewegung. Ihre Leichtigkeit erinnert an eine Feder oder einen Ballon; die unbewegte Umgebung lässt jede körperliche Veränderung deutlicher hervortreten.

So richtet die Kollektion den Blick auf etwas, das in der Modefotografie oft für einen Moment angehalten wird: das Leben innerhalb der Kleidung. Eine Silhouette lässt sich im Bild festhalten. Hier entfaltet sie sich erst mit dem nächsten Schritt.

Europäisches Küchenhandwerk, japanische Einflüsse und drei Gründer zwischen Gastronomie und Musik: Am 20. Oktober 2026 soll SISU in Berlin-Kreuzberg eröffnen.

Ein Musikstudio und ein Restaurant haben auf den ersten Blick wenig gemeinsam. Für Christian Hubert Raab liegen sie erstaunlich nah beieinander. Der Songwriter und Musikproduzent kennt beide Welten: 2012 eröffnete er das Café Bald Neu in München, später schuf er mit HAUS2000 in Berlin einen kreativen Ort für Songwriter und Produzenten. Hier wie dort geht es um Timing, Balance und die Atmosphäre, in der etwas zusammenkommt. Mit SISU erhält dieser Gedanke nun eine neue Adresse: die Köpenicker Straße 174 in Berlin-Kreuzberg.

Gemeinsam mit dem Gastronomen Daniel Nini und dem Musik- und Medienmanager Belmin Sehovic plant Raab ein Restaurant, in dem Essen, Musik, Kunst und Kultur zusammenfinden. Die Küche verantwortet Michael Englhart. Sein Ansatz passt zu einem Haus, das handwerklich viel vorhat und seinen Gästen einen unkomplizierten Abend ermöglichen möchte.

Viel Arbeit für einen klaren Geschmack

Englhart bringt rund 13 Jahre Erfahrung aus der gehobenen Gastronomie und aus Sternerestaurants mit. Im SISU verbindet er europäische Kochtradition mit japanischen Einflüssen. Klassische Fonds, Jus und Saucen bilden das Fundament; Koji, Miso und Kombu erweitern das geschmackliche Spektrum. Fermentation, Säure und Umami gehören zu den Werkzeugen einer Küche, die vieles selbst herstellt.

Hinzu kommt das Feuer. Fisch, Fleisch und Gemüse werden auf dem Konro oder über offenem Feuer gegart. Röstaromen sollen den Eigengeschmack vertiefen und dem jeweiligen Produkt Raum lassen. Wie viel Vorbereitung und Präzision dahinterstecken, muss sich beim Essen nicht in den Vordergrund drängen.

„Komplexität darf in der Entstehung liegen. Auf dem Teller soll sie sich nicht kompliziert anfühlen“, beschreibt Englhart seinen Ansatz.

Das ist ein sympathischer Gedanke für Fine Dining: Der Anspruch liegt im Produkt und in seiner Zubereitung. Am Tisch darf daraus einfach Genuss werden.

Gastgeber mit Gespür für Menschen

Für die Gastfreundschaft steht Daniel Nini, Geschäftsführer, Partner und Gastgeber des SISU. Der gebürtige Hamburger hat unter anderem im Fischereihafen Restaurant, im Grill Royal, im Borchardt und im Telegraphenamt gearbeitet, zuletzt als Restaurant Manager im GRACE. Was ihn an seinem Beruf fasziniert, ist die Energie, die entsteht, wenn Menschen zusammenkommen – und das gute Gefühl, mit dem sie später wieder gehen.

Ein Restaurant kann für ihn Treffpunkt, Wohnzimmer, Nachtclub und Salon zugleich sein. Diese Offenheit prägt die Idee hinter SISU. Raab bringt seine Erfahrung mit Musik, Kaffee und Gestaltung ein, Sehovic mehr als zehn Jahre im Musik- und Medienmanagement sowie Kontakte in die Kreativ- und Kulturszene. Wie sich das Zusammenspiel von Gastronomie und Kultur im Alltag entfalten wird, bleibt mit der Eröffnung zu entdecken. Die Voraussetzungen dafür liegen jedenfalls in den unterschiedlichen Lebenswegen der Gründer.

Ein finnisches Wort in Kreuzberg

SISU steht im Finnischen für innere Stärke, Ausdauer, Mut und Entschlossenheit. Für die Gründer beschreibt der Name den Wunsch, einen eigenen Weg konsequent zu verfolgen. Kulinarisch führt dieser Weg durch Europa und Japan; als Restaurant soll SISU in Berlin verwurzelt sein, offen für die Menschen und Ideen, die an seinen Tischen zusammenkommen.

Vielleicht liegt darin die schönste Verbindung zum Musikstudio: Ein guter Abend lässt sich sorgfältig vorbereiten. Seinen eigenen Rhythmus entwickelt er mit den Menschen, die ihn miteinander verbringen.

SISU
Köpenicker Straße 174, Forum-Gebäude, Berlin-Kreuzberg
Angekündigte Eröffnung: 20. Oktober 2026
Öffnungszeiten ab Eröffnung: Dienstag und Mittwoch 18–22 Uhr, Donnerstag bis Samstag 18–24 Uhr
Reservierungen: www.sisu-restaurant.com