Die Bergspitzen sind noch von Schnee bedeckt und erzählen leise davon, dass gerade noch Winter war. Doch weiter unten hat schon längst eine andere Jahreszeit übernommen…

Rund um den Schwarzsee ist der Frühling eingekehrt. Und mit ihm ein Gefühl von Aufwachen, Frische und Neuanfang. Das Alpenhotel Kitzbühel bietet hierfür die passende Starthilfe.

Während der Schwarzsee seinem Namen zu jeder Jahreszeit alle Ehre macht, so verwandelt sich das Moor mit seinen Feuchtflächen im Frühling in ein buntes Meer mit eindrucksvoller Pflanzenvielfalt. Weiß-violette Krokusse und gelbe Schlüsselblumen setzen Farbtupfer in die Landschaft, dazwischen blitzen seltene Schönheiten wie der fleischfressende Sonnentau, die zarten rosa Blüten der Moosbeere und die in Tirol seltene Sumpf-Calla hervor.

Das Licht in den Bergen ist zu dieser Jahreszeit besonders weich und klar. Die frische Frühlingsluft und die klare Sicht lassen die Landschaft ruhig und stimmungsvoll wirken. Ein schöner Zeitpunkt für Yoga oder Meditation am See, oder?

Und während Amseln, Meisen und Finken zwitschern, hört man Spechte in den Wäldern klopfen. Und hier und da ein leises Woosh, wenn am naheliegenden Golfplatz Kitzbühel-Schwarzsee-Reith beim Spiel ein Schläger schwingt und sauber auf den Ball trifft. In nur 7 Minuten ist der Platz mit den hauseigenen E-Cars des Alpenhotel Kitzbühel zu erreichen. Mit 18 Loch, dem abwechslungsreichen Terrain und einem Panorama mit einzigartigem Blick auf die Tiroler Bergwelt bietet er ein einzigartiges Spielerlebnis.

Wer statt zum Golfschläger lieber zum Wanderstock oder zum E-Bike greifen möchte, kann direkt vor der Hoteltür losgehen oder -fahren. Wie wäre es mit einer leichten Runde zu Fuß um den See oder etwas schwerer die Streif hinauf vom Zielhang zum Starthaus. Mit zwei Rädern geht es zur Kitzbühler Hausrunde auf schönen Nebenstraßen oder zur Fleckalm hinauf zum Speichersee.

Und nachdem wir den Frühling draußen aktiv eingeatmet, erradelt und erspielt haben, möchten wir den Glow auch im Hotel selbst erspüren. Mit einer ganzheitlichen Wellnessbehandlung, die das Gesicht zum Strahlen bringt und müde Hände und Füße erfrischt.

Zwischen schwindendem Schnee und erwachender Erde entsteht also sanft und leise jener stille Moment, in dem alles von Neuem beginnt. In der Natur, aber auch in uns selbst.

Alpenhotel Kitzbühel am Schwarzsee is a Member of Lifestylehotels

Fotos: Alpenhotel Kitzbühel & Kitzbühel Tourismus

Wo Architektur, Achtsamkeit und Natur zu einer neuen Form von Luxus verschmelzen

Mitten im üppigen Dschungel von Nosara, nur wenige Minuten von den Wellen des Pazifiks entfernt, definiert das ESH Hotel & Spa Luxus neu: als bewusste Rückverbindung zu sich selbst, zur Natur und zum Wesentlichen.

Ein Ort für Transformation

Der Name „Esh“ – hebräisch für „Feuer“ – steht sinnbildlich für Transformation und innere Entwicklung. Genau dieses Konzept prägt das gesamte Erlebnis des Boutiquehotels: ein Ort, an dem Gäste innehalten, reflektieren und sich neu ausrichten können.

Eingebettet zwischen tropischem Regenwald und Pazifikküste ist das Adults-Only-Hotel (ab 13 Jahren) mehr als nur ein Rückzugsort – es ist ein bewusst gestalteter Raum für Sinnsuche, Ruhe und Erneuerung.

Architektur zwischen Brutalismus und Natur

Das architektonische Konzept verbindet rohe, reduzierte Formen mit der organischen Kraft der Umgebung. Realisiert von FAMM Arquitectura und dem mexikanischen Studio Sulkin Askenazi, entsteht eine Ästhetik, die von Wabi-Sabi und brutalistischer Klarheit geprägt ist.

Natürliche Materialien, gedämpfte Farbtöne und gezielte Lichtführung schaffen Räume, die zugleich kraftvoll und meditativ wirken. Innen und Außen verschmelzen – der Dschungel wird Teil des Designs.

Mindful Luxury: Wellness als Lebenshaltung

Im Zentrum steht das Vitalis Spa – ein Rückzugsort für Regeneration und Balance. Anwendungen, Sauna, Kaltwasserbäder und ganzheitliche Rituale fördern ein tiefes Gefühl von Klarheit und Vitalität.

Yoga, Breathwork und achtsame Bewegungsformate sind integraler Bestandteil des Konzepts – inspiriert von Nosaras Status als „Blue Zone“, einer Region, in der Langlebigkeit und bewusstes Leben im Einklang mit Natur und Gemeinschaft stehen.

Erlebnisse zwischen Abenteuer und Achtsamkeit

Das kuratierte Experience-Programm verbindet Naturerlebnis mit persönlicher Entwicklung:
Surfen an Playa Guiones, Reiten am Strand, Wasserfallwanderungen oder Kajaktouren durch Mangroven.

Diese Balance aus Aktivität und Stille macht das ESH Hotel zu einem Ort, der sowohl inspiriert als auch entschleunigt.

Kulinarik: Die Seele des Meeres

Mit dem Restaurant Almar und der Bar Ember & Ash setzt das Hotel auf eine Küche, die Regionalität und Sinnlichkeit verbindet. Mexikanisch-pazifische Einflüsse treffen auf frische Zutaten und eine bewusst reduzierte Ästhetik.

Hier wird Essen zum Ritual – nährend, intensiv und entschleunigt.

Rückzug im Rhythmus der Natur

Die 29 Suiten und Villen sind bewusst reduziert gestaltet und bieten gleichzeitig höchsten Komfort – oft mit privaten Pools, Outdoor-Badewannen und Blick ins Grün.

Nur wenige Gehminuten entfernt: der weite, goldene Strand von Playa Guiones – einer der entspanntesten Surfspots Costa Ricas.

Das ESH Hotel ist kein klassisches Luxusresort – es ist ein Ort der inneren Bewegung.
Ein Refugium für alle, die nicht nur reisen, sondern sich selbst neu begegnen möchten.

Zwischen Instinkt, Materialität und der Kraft des „Presque“

Manche Wege beginnen nicht mit einer Entscheidung, sondern mit einem inneren Bruch. Für Aurélie Fretti war es genau dieser Moment, der alles veränderte – und sie zu einer künstlerischen Praxis führte, die heute zwischen Skulptur, Design und intuitiver Formensprache oszilliert.

Ein Neuanfang jenseits der Stadt

Aufgewachsen in einem Dorf im Osten Frankreichs, geprägt von einer lebendigen italienischen Arbeiterkultur, trägt Aurélie Fretti ihre Herkunft bis heute in sich. Italienische Wurzeln väterlicherseits, polnische mütterlicherseits – eine Mischung, die sich später auch in ihrer Arbeit widerspiegelt.

Viele Jahre arbeitete sie in der Werbung in Paris. Doch der eigentliche Wendepunkt kam leise. Mutterschaft, Rückzug und die Entscheidung, das urbane Leben hinter sich zu lassen, führten sie zunächst an den Rand des Waldes von Rambouillet und später in den Luberon.

Dort veränderten Isolation, Natur und Entschleunigung ihre Perspektive grundlegend.

„Ich hatte keine Wahl, als mein Leben dem zu widmen. Dramatisch? Vielleicht – einfach italienisch.“

Vom Experiment zur Ausdrucksform

Ohne klassische Ausbildung fand Aurélie intuitiv zur Keramik. Was zunächst als Hobby begann, entwickelte sich rasch zu einer existenziellen Praxis. Die Zusammenarbeit mit Schneider:innen sowie die Arbeit mit Holz und Stein erweiterten ihr Verständnis von Material und Form.

Ihre erste Skulptur – ein Fuß – war „etwas unbeholfen, aber voller Aufrichtigkeit“. Ein Ursprung, der bis heute nachwirkt.

„Diese Stunden waren wie Meditation. Ich habe erkannt, dass ich nicht nur gerne forme, sondern dass ich dadurch ich selbst sein kann.“

Material, Körper und Transformation

Aurélie Frettis Arbeiten bewegen sich zwischen Gegensätzen: roh und sinnlich, kraftvoll und fragil. Sie arbeitet mit gegossenem Harz, versetzt mit Marmor-, Bronze- oder Aluminiumpulver, ebenso wie mit massivem Holz, das sie mit der Kettensäge bearbeitet.

Aus dieser freien Herangehensweise entstand eines ihrer prägendsten Werke: die Babka – benannt nach dem traditionellen polnischen Hefekuchen ihrer Kindheit. Eine organische, großzügige Form, die längst zu ihrer Signatur geworden ist.

Im Zentrum ihres Schaffens steht das Konzept des „presque“ – des „Fast“.
Unvollkommenheit wird hier nicht als Fehler verstanden, sondern als Raum für Entwicklung.

Inspiration: Antike, Italien und der menschliche Körper

Ein weiterer zentraler Einfluss ist Italien. Die Rückbesinnung auf den Körper, wie sie in der Antike verankert ist, übersetzt Aurélie in eine zeitgenössische Formsprache.

Römische Reliefs werden zu Lichtobjekten, sizilianische Vasen verwandeln sich in invertierte Skulpturen – wie bei der Upside Down Lamp, bei der das Gefäß selbst zur Lichtquelle wird.

Der Körper bleibt dabei stets Ausgangspunkt:

„Alles beginnt mit dem Körper – und damit auch mit der Natur.“

Der Moment der Sichtbarkeit

Ein entscheidender Schritt in ihrer Entwicklung war die Begegnung mit Chiara Colombini im Jahr 2024. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete Aurélie noch in einem kleinen Atelier, begleitet von Zweifeln.

Die Anerkennung durch Colombini wurde zum Wendepunkt. Eine erste Ausstellung in Paris folgte – und damit der Eintritt in eine neue künstlerische Dimension.

Gegenwart und Ausblick

Heute lebt und arbeitet Aurélie Fretti im Luberon – ein Ort, der ihr Verständnis von Zeit und Prozess nachhaltig verändert hat.

„Hier hat sich Zeit ausgedehnt.“

Ihre Arbeiten bleiben zutiefst persönlich: Fragmente eines inneren Prozesses, getragen von Intuition, Spannung und einem bewussten Spiel mit Unsicherheit.

Nach der ikonischen Babka-Serie folgt nun ihre neue Kollektion: Drappegio.

Jedes Stück ist ein Unikat. Von Hand gefertigt. Ausdruck eines fortlaufenden Dialogs zwischen Körper, Material und Emotion.

Ein Gespräch über KI, Identität und die Zukunft des Menschseins

Was bleibt vom Menschen, wenn Denken keine Währung mehr ist? In einem eindringlichen Gespräch beleuchtet Emad Mostaque eine Zukunft, die näher scheint, als wir glauben – eine Welt, in der künstliche Intelligenz nicht nur unterstützt, sondern ersetzt.

Im Dialog mit Know Thyself widmet sich Emad Mostaque einer der drängendsten Fragen unserer Zeit: Was geschieht, wenn menschliche Intelligenz ihren ökonomischen Wert verliert?

Die rasante Entwicklung künstlicher Intelligenz deutet auf eine Realität hin, in der kognitive Arbeit – einst Kern unserer Existenz – zunehmend obsolet wird. Dabei geht es weniger um ferne Visionen als um die Skalierung dessen, was bereits heute möglich ist: Systeme, die menschliches Denken, Entscheiden und sogar Kreativität nachbilden können.

Doch jenseits technologischer Fortschritte öffnet sich eine tiefere, existenzielle Dimension. Wenn unser Selbstbild so eng mit dem verknüpft ist, was wir tun – wer sind wir, wenn genau das wegfällt?

Mostaque skizziert mögliche Zukunftsszenarien zwischen zentralisierter Kontrolle und offenen, kollaborativen Systemen. Entscheidend, so wird deutlich, sind die Narrative, an die wir glauben: Sie könnten bestimmen, ob wir auf eine Ära des Mangels oder eine Zeit des Überflusses zusteuern.

Dieses Gespräch ist eine Einladung, Arbeit, Sinn und Identität neu zu denken – und die Frage zu stellen, was es bedeutet, Mensch zu sein, wenn Intelligenz kein rares Gut mehr ist.

Wo Heilung zur Lebenskunst wird

Zwischen Weinbergen, wild duftenden Gärten und jahrhundertealten Bäumen entsteht in Südafrikas Cape Winelands ein Ort, der sich bewusst jeder klassischen Kategorisierung entzieht. Sterrekopje ist kein Hotel. Kein Retreat. Kein Spa. Es ist eine Haltung – und vielleicht einer der radikalsten Orte für „mindful living“ unserer Zeit.

Ein Ort jenseits von Konzepten

Sterrekopje liegt auf einer rund 50 Hektar großen, regenerativen Farm in den Ausläufern der Franschhoek-Berge – eingebettet in eine Landschaft, die eher an ein poetisches Ideal als an eine touristische Destination erinnert.

Was diesen Ort besonders macht, ist nicht nur seine Schönheit, sondern seine Haltung: Sterrekopje versteht sich als „Healing Farm“. Ein Begriff, der bewusst gewählt ist – denn hier geht es nicht um klassische Wellness, sondern um eine tiefere Form der Rückverbindung.

Gegründet von Nicole Boekhoorn und Fleur Huijskens, entstand der Ort aus einer persönlichen Suche heraus: ein Raum, in dem Natur, Ritual und Selbstreflexion gleichwertig nebeneinander existieren.

Ritual statt Routine

Das Leben auf Sterrekopje folgt keinem fixen Programm – sondern einem Rhythmus.

Tage sind geprägt von sogenannten „Rhythms“ und „Rituals“:

• Yoga, Breathwork und Meditation
• gemeinsames Kochen, Backen und Ernten
• kreative Prozesse wie Malerei oder Keramik
• therapeutische Anwendungen von Sound Healing bis Hypnose

Alles ist optional – nichts ist vorgegeben.

Dieser Ansatz schafft etwas Seltenes: einen Raum, in dem Gäste wieder lernen, ihrer eigenen Intuition zu folgen. Genau darin liegt die Essenz des Konzepts.

Die Rückkehr zur Sinnlichkeit

Ein zentraler Bestandteil ist die radikale Rückbesinnung auf das Sinnliche.

Die Küche folgt einem Farm-to-Table-Prinzip, gespeist aus einem Garten mit über 60 essbaren Pflanzenarten.
Selbst Getränke entstehen in der hauseigenen Apotheke – aus Kräutern, Blüten und Wurzeln der Umgebung.

Bemerkenswert: Obwohl Sterrekopje in einer der bekanntesten Weinregionen der Welt liegt, verschiebt sich der Fokus bewusst weg vom Alkohol – hin zu alternativen, bewusstseinserweiternden Geschmackserlebnissen.

Design als emotionaler Raum

Die elf „Sanctuaries“ sind keine klassischen Hotelzimmer, sondern intime Rückzugsorte.

Antike Möbel, handverlesene Stoffe, kunstvolle Tapeten und warme Farbtöne erzeugen eine Atmosphäre, die weniger inszeniert als vielmehr empfunden wird.

Hier geht es nicht um visuelle Perfektion, sondern um emotionale Resonanz: Räume, die Geborgenheit schaffen, Ruhe ermöglichen und Tiefenschlaf fördern.

Luxus neu gedacht

Sterrekopje steht exemplarisch für einen neuen Luxusbegriff.

Nicht Überfluss, sondern:

• Zeit
• Raum
• Stille
• Aufmerksamkeit

Wie ein Reisejournalist treffend formulierte: Es ist „kein Hotel, kein Retreat, sondern ein Ort, an dem man sich wieder daran erinnert, wie es sich anfühlt, Mensch zu sein.“

Oder anders gesagt: Luxus wird hier nicht konsumiert – sondern erlebt.

THE Stylemate Insight

Sterrekopje verkörpert all jene Werte, die wir bei THE Stylemate als zukunftsweisend betrachten:

Slow Living. Regeneration. Sinnlichkeit. Authentizität.

Es ist ein Ort, der nicht beeindrucken will – sondern berühren.
Und genau darin liegt seine stille Radikalität.

Im Entwicklungsgebiet Wendelstrand nahe Göteborg soll in einem stillgelegten Steinbruch eine ökologisch und sozial nachhaltige Siedlung wachsen. Die Architekten von Snøhetta zeigen mit ihrem Masterplan und dem Lakehouse, wie man Stadtplanung und Wohnbau neu denken kann.

Bagger und Abbruchmaschinen haben über die Jahre eine tiefe Wunde in die Landschaft gerissen. Doch schon bald wird der Steinbruch am Ufer des idyllischen Sees Landvettersjøen Geschichte sein. An seine Stelle tritt eine sozial und ökologisch nachhaltige Wohnsiedlung mit dem Namen Wendelstrand. Neben unterschiedlichen Typologien des Wohnens sieht der Masterplan vor allem viel naturnahen Grünraum vor, der sich durch die Anlage schlängelt und schließlich auf der Dachlandschaft des Lakehouse endet. Von hier hat man eine großartige Aussicht über die Wald- und Seelandschaft ringsum.

Wendelstrand ist ein Sehnsuchtsort für das Wohnen im Grünen. Man lebt hier in direktem Kontakt mit der Natur und Göteborg, die zweitgrößte Stadt Schwedens, liegt nur 15 Minuten entfernt. Eine kurze Autofahrt, auf die künftige Bewohner der autarken Community eigentlich nicht angewiesen sind.

Keine weitere Satellitenstadt

„Was als hehres Konzept für ein heilsames Pflaster über der Wunde im Boden begann, hat sich nun als Gartenstadt mit unterschiedlichen Haustypologien manifestiert, die für jede Familie etwas bereit hält“, erklärt das norwegische Architekturbüro Snøhetta die Entstehung des Projektes. „Unsere Ambition war es, etwas zu schaffen, das über ein konventionelles Wohnquartier hinausgeht und mit traditionellen Haustypologien bricht.“

Unsere Ambition war es, etwas zu schaffen, das über ein konventionelles Wohnquartier hinausgeht und mit traditionellen Haustypologien bricht.

Snøhetta, Architekturbüro

Mit den ökologisch bedenklichen Satellitenstädten wird die neue Siedlung nicht viel gemeinsam haben. Im Gegenteil. Der Masterplan ist bemüht, die Fehler der autozentrierten Stadtplanung der Vergangenheit auszumerzen. Wendelstrand soll kein Wohngebiet für Pendler werden, sondern eine vollwertige kleine Stadt im Grünen mit all der Infrastruktur, die es dafür braucht. 

Die neue Normalität des Arbeitens

Diese Infrastruktur findet man gebündelt im Lakehouse, das sich mit seiner gerundeten Form in die Landschaft schmiegt. „Das Design des Lakehouse folgt der natürlichen Topografie und lädt mit seiner nachhaltigen Materialität Menschen dazu ein, sich in ihm, auf ihm und um ihn zu bewegen“, heißt es von Seiten der Architekten.

Lokale und flexible Büroräumlichkeiten bieten nicht nur eine Alternative für das Arbeiten am Küchentisch, man spart auch wertvolle Zeit und CO₂-Emissionen, wenn man nicht in die Stadt pendelt.

Snøhetta, Architekturbüro

Die Bewohner können in dem multifunktionalen Gebäude einkaufen, essen gehen, Konzerte besuchen, ihre Fitness trainieren und in der Wellness-Oase entspannen. Damit sie auch zum Arbeiten nicht in die Stadt fahren müssen, können sie im Gemeinschaftscenter Büroflächen und Co-Working-Spaces mieten.

„Lokale und flexible Büroräumlichkeiten bieten nicht nur eine Alternative für das Arbeiten am Küchentisch, man spart auch wertvolle Zeit und CO₂-Emissionen, wenn man nicht in die Stadt pendelt“, so das Architekten-Team über die neue Normalität des Arbeitens.

Vom Apartment bis zur Villa

Dass das Lakehouse im ressourcenschonenden Holzbau errichtet wird, versteht sich dabei von selbst. Das gilt auch für all die unterschiedlichen Wohn-Typologien, die auf einer Gesamtfläche von 70.000 Quadratmetern entstehen werden und auch Betreuungseinrichtungen für Kleinkinder und Senioren bieten sollen. Dabei reicht das Angebot an Wohnraum von Reihenhäusern und Apartmentblocks bis hin zu Einfamilienhäusern und Villen.

Vom mitwirkenden Architekturbüro Tham & Videgård stammt der Entwurf für eine Reihe an Einfamilienhäusern, den sogenannten Vertical Villas. Ihre trapezoide Dachform und die unterschiedlichen Farben der Holzfassade geben ihnen ein verspieltes Erscheinungsbild. Das schwedische Büro White Arkitekter, das sich im konstruktiven Holzbau bereits einen Namen gemacht hat, liefert das Design für die mehrstöckigen Wohnhäuser der Siedlung.

Ein Prototyp aus Holz

„In vielerlei Hinsicht fungiert das Lakehouse als eine Art Prototyp für das gesamte Areal und die übergeordnete Idee dahinter“, erklärt Joakim Garfvé, einer der Gründer des Immobilien-Developers Next Step Group und Bauherr des Projektes. 

„Mit dem Fokus auf Holz als Baumaterial kann der ökologische Fußabdruck reduziert werden – nicht nur in Schweden, sondern in der gesamten nordischen Region“, ergänzt Rikard Jaucis, einer der leitenden Architekten von Snøhetta.

Die neue Stadt vom Reißbrett versteht sich auch als Versuchslabor für innovative Verkehrslösungen wie selbstfahrende Busse, E-Mobilität und Car-Sharing. In erster Linie sollen sich die Bewohner von Wendeltstrand aber mit eigener Kraft fortbewegen – zu Fuß oder mit dem Rad.

Text: Gertraud Gerst
Visualisierungen: Snøhetta, Next Step Group

Wo Textil zur Erzählung wird und Handwerk zur Haltung

Zwischen Kunst und Design, zwischen Poesie und Materialität bewegt sich das Werk von Giulio Caponi. Der italienische Künstler erschafft textile Unikate, die Erinnerungen, Gedanken und Emotionen in eine visuelle Sprache übersetzen – leise, präzise und zutiefst persönlich.

Design als poetischer Prozess

Ein ehemaliger Journalist, Autodidakt und Dichter aus innerer Berufung: Giulio Caponi verfolgt eine künstlerische Praxis, in der Wort, Bild und Material miteinander verschmelzen. Seine Arbeiten entstehen aus Fragmenten – Erinnerungen, Gedanken, Beobachtungen –, die sich zunächst als Intuition formen, dann als Zeichnung konkretisieren und schließlich als Stickerei materialisieren.

So entstehen Teppiche und Tapisserien, die weit mehr sind als funktionale Objekte. Sie sind Träger von Geschichten, visuelle Gedichte, die eine Balance zwischen künstlerischem Ausdruck und gestalterischer Funktion schaffen.

Langsamkeit als Qualität

Caponis Atelier ist ein Ort der Entschleunigung. Der kreative Prozess folgt keiner industriellen Logik, sondern einer fast meditativen Praxis. Jede Arbeit beginnt mit einer bewussten Geste – einer Skizze, einer Vision, einem inneren Bild.

Durch traditionelle Sticktechniken wie Stielstich und Kreuzstich wird der Faden zum erzählerischen Medium. Linien werden zu Schriftzügen, Flächen zu Denklandschaften. Das Handwerk ist dabei nicht bloß Mittel zum Zweck, sondern essenzieller Bestandteil des Werks: Zeit wird sichtbar, spürbar, greifbar.

Authentizität und Erinnerungskultur

Im Zentrum von Caponis Schaffen steht eine klare Haltung: Authentizität. Seine Arbeiten bewahren den Wert des Handgemachten und verleihen scheinbar alltäglichen Dingen eine poetische Würde.

Postkarten, Schallplatten, Widmungen oder imaginäre Korrespondenzen werden zu erzählerischen Elementen. Jedes Werk ist ein Unikat – unwiederholbar, geprägt von der Intensität des Moments, aus dem es hervorgegangen ist.

„Cartolina – A Design e Arte“: Eine textile Hommage

Ein exemplarisches Werk aus der Serie CARTOLINE ist die Arbeit „Cartolina – A Design e Arte“. Inspiriert von der nostalgischen Bedeutung von Postkarten als verbindendes Medium zwischen Menschen, erschafft Caponi eine textile Erzählung über Nähe, Distanz und Imagination.

Die Arbeit besteht aus Filz aus naturbelassener Alpenwolle aus Südtirol und ist vollständig von Hand im Stielstich gefertigt. Mit einer Größe von 150 x 225 cm wird sie zur begehbaren Erinnerung – ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Caponi beschreibt seinen Ansatz selbst als eine Art „literarischer DJ“: Er mischt Zitate, Gedanken und fiktive Botschaften zu neuen Narrativen, die sich zwischen Realität und Vorstellung bewegen.

Zwischen Kunst und Funktion

Caponis Werke bewegen sich in einem Spannungsfeld: zwischen künstlerischer Geste und dekorativer Funktion, zwischen persönlicher Geschichte und universeller Resonanz. Sein Atelier wird zum Ort, an dem sich Imagination in Material einschreibt – und Design eine zutiefst menschliche Dimension erhält.

Zwischen Handwerk und Konzeptkunst: Maison Margielas kreatives Labor

Im April 2026 verwandelte Maison Margiela eine Straße im Herzen von Shanghai in ein begehbares Archiv seiner radikalsten Ideen. Die Ausstellung „Artisanal: Our Creative Laboratory“ bot einen seltenen, inzwischen abgeschlossenen Einblick in die DNA eines Hauses, das Mode seit Jahrzehnten neu denkt.

Couture als Experiment: Ein offenes Archiv

Die Ausstellung, die vom 2. bis 6. April 2026 stattfand, präsentierte 58 ausgewählte Couture-Looks – erstmals gemeinsam kuratiert. Von ikonischen Anfängen bis hin zu aktuellen Entwürfen spannte sich ein erzählerischer Bogen durch die Geschichte der Artisanal-Linie.

Den Auftakt bildete das legendäre Porzellanteller-Waistcoat aus der Herbst/Winter-Kollektion 1989 – ein frühes Beispiel für Margielas dekonstruktive Handschrift. Den Abschluss markierte ein mit Bienenwachs behandeltes Kleid aus der Herbst/Winter-Show 2026, die ebenfalls in Shanghai inszeniert wurde.

Artisanal ist dabei mehr als eine Couture-Linie: Es ist das Herzstück der kreativen Praxis des Hauses. Jedes Stück wird im Pariser Atelier von Hand gefertigt – oft aus gefundenen Materialien, die durch Transformation und Experiment zu neuen Bedeutungen gelangen.

Themenräume: Dekonstruktion, Upcycling und Illusion

Die Ausstellung war nicht chronologisch, sondern thematisch aufgebaut. In offenen Containern – inspiriert von der Szenerie der FW2026 Show – wurden zentrale Konzepte des Hauses erfahrbar gemacht:

• Upcycling: Die Wiederverwertung von Materialien als kreativer Ausgangspunkt
• Dekonstruktion: Das Sichtbarmachen von Schnitt, Struktur und Prozess
• Trompe l’œil: Die spielerische Täuschung des Auges
• Archetypen: Neuinterpretationen klassischer Kleidungsformen
• Rohmaterialien: Die poetische Kraft des Unfertigen
• Transformation des Alltäglichen: Mode als Umdeutung von Realität

Diese kuratorische Entscheidung unterstrich den experimentellen Charakter von Artisanal als „Labor“ – ein Raum, in dem Ideen entstehen, scheitern und neu gedacht werden.

Teil eines größeren Narrativs: MaisonMargiela/folders

Die Ausstellung war der Auftakt eines umfassenderen Projekts: MaisonMargiela/folders. Dieses mehrteilige Format erstreckte sich über vier chinesische Städte und widmete sich jeweils einem zentralen Code des Hauses – von Anonymität über das ikonische Tabi bis hin zur Atelierpraxis.

In Shanghai begann diese Reise mit Artisanal – als Ursprung und kreativer Motor.

Mode als Denkraum

Mit „Artisanal: Our Creative Laboratory“ hat Maison Margiela einmal mehr gezeigt, dass Mode weit über Kleidung hinausgeht. Die Ausstellung – inzwischen abgeschlossen – war ein temporärer Denkraum, in dem Handwerk, Konzept und Kunst miteinander verschmolzen.

Ein flüchtiger Moment, der dennoch nachwirkt.

Zwischen Tradition und Gegenwart: Wie Nymphenburg und MCM ein Sammlerstück aus Porzellan erschaffen

In der Porzellan-Manufaktur Nymphenburg verschmelzen seit Jahrhunderten Handwerkskunst, Geschichte und Emotion. Für das 50-jährige Jubiläum von MCM entsteht hier ein außergewöhnliches Objekt – eine Porzellantasse, die Tradition und zeitgenössisches Design vereint.

Gegründet im Jahr 1747, zählt die Porzellan-Manufaktur Nymphenburg zu den bedeutendsten europäischen Werkstätten ihrer Art. Bis heute wird auf dem Gelände des Schlosses Nymphenburg jedes Stück in präziser Handarbeit gefertigt – von der Herstellung der Porzellanmasse bis zur finalen Veredelung.

In einer Zeit industrieller Massenproduktion bewahrt Nymphenburg ein fast vergessenes Ideal: kompromisslose Handwerkskunst. Selbst die Energie für mechanische Prozesse stammt aus dem natürlichen Wasserlauf des Anwesens – ein leises, aber kraftvolles Symbol für Kontinuität und Nachhaltigkeit.

Zum 50-jährigen Bestehen interpretiert MCM gemeinsam mit Nymphenburg eines seiner ikonischsten Motive neu: das charakteristische Diamantmuster, inspiriert von der bayerischen Flagge. Das Ergebnis ist eine limitierte Porzellantasse, die Vergangenheit und Gegenwart in einem zeitlosen Objekt vereint.

Der Regisseur Felipe Sanguinetti begleitet diesen Entstehungsprozess in dem Kurzfilm Formed from Heritage. Mit sensibler Bildsprache dokumentiert er die Hingabe und Präzision der Porzellankünstler:innen und macht die stille Intensität des Handwerks spürbar.

Der Film ist weniger Dokumentation als vielmehr eine meditative Annäherung an Material, Zeit und Können. Er erzählt von einem Objekt, das nicht nur benutzt, sondern erlebt werden will – ein Sammlerstück, das Wissen, Kultur und Identität in sich trägt.

Wie der Bassist der Red Hot Chili Peppers mit „Honora“ zu seinen musikalischen Wurzeln zurückkehrt

Nach über vier Jahrzehnten als treibende Kraft der Red Hot Chili Peppers überrascht Flea mit einem zutiefst persönlichen Schritt: seinem ersten Soloalbum. „Honora“ ist kein Rock-Statement – sondern ein intimes Jazz-Manifest, das von Hingabe, Disziplin und der Rückkehr zu den eigenen Ursprüngen erzählt.

Ein Kindheitstraum, der Jahrzehnte reifte

„Ich habe beschlossen, jeden Tag Trompete zu spielen“, erzählt Flea im Gespräch mit Zane Lowe. Diese scheinbar einfache Entscheidung wurde zum Ausgangspunkt einer Reise, die schließlich in Honora mündete.

Denn bevor Flea als einer der einflussreichsten Bassisten der Rockgeschichte gefeiert wurde, war die Trompete seine erste große Liebe. Inspiriert von Jazzgrößen wie Dizzy Gillespie begann er schon als Kind zu spielen – und kehrt nun, Jahrzehnte später, zu diesem Ursprung zurück.

Der Entschluss: tägliche Praxis, kompromisslose Hingabe – und irgendwann ein Album. Ein Versprechen an sich selbst.

„Honora“ – Zwischen Intimität und Improvisation

Das am 27. März 2026 veröffentlichte Album Honora markiert Fleas ersten Solo-Longplayer und eine bewusste Abkehr vom gewohnten Sound.

Die zehn Tracks bewegen sich zwischen freier Improvisation, spirituellen Klanglandschaften und zugänglichen Jazzmomenten. Besonders prägend: Fleas Spiel auf der Trompete, das den Kern des Albums bildet.

Neben Eigenkompositionen finden sich auch überraschende Neuinterpretationen – etwa von Frank Ocean oder Jimmy Webb. Gäste wie Thom Yorke und Nick Cave verleihen dem Werk zusätzliche Tiefe.

„Now we are human beings right here…“ – Flea in A Plea

Ein Satz, der das Album auf den Punkt bringt: Es geht um Menschlichkeit, Verbindung – und Musik als universelle Sprache.

Loslassen, um anzukommen

Ein zentrales Thema im Interview mit Zane Lowe: das Loslassen von Erwartungen. Flea beschreibt, wie er sich bewusst vom Perfektionismus befreit hat – zugunsten von Ausdruck und Authentizität.

Jazz wird hier nicht als Genre verstanden, sondern als Haltung: offen, suchend, lebendig.

Auch die LA Times beschreibt diesen Schritt als späte, aber konsequente Transformation: Mit 63 werde Flea „endlich der Jazzmusiker, der er immer sein wollte“.

Ein anderer Zugang zur Musik

Was Honora besonders macht, ist weniger ein stilistischer Bruch als eine Verschiebung im Zugang zur Musik.

Flea beschreibt im Gespräch mit Zane Lowe immer wieder die Entscheidung, sich auf tägliche Praxis zu konzentrieren – ohne Ziel, ohne Erwartungsdruck. Dieses konsequente Wiederholen wird zum eigentlichen Fundament des Albums.

Die Stücke wirken entsprechend offen und prozesshaft. Improvisation ist kein Effekt, sondern Ausgangspunkt. Auch die reduzierte Produktion unterstützt diesen Eindruck: viel Raum, wenig Überlagerung, klare Instrumentierung.

In diesem Kontext erscheint Honora weniger als „Solo-Debüt“ im klassischen Sinne, sondern eher als dokumentierter Arbeitszustand – ein Moment, in dem sich Technik, Routine und Intuition treffen.