Wie die Comcaac an Mexikos Sonoraküste ihr überliefertes Wissen bis heute bewahren

An der abgelegenen Küste der Sonora-Wüste im Norden Mexikos lebt eines der kleinsten indigenen Völker des Landes: die Comcaac, auch als Seri bekannt. Weniger als tausend Menschen bewahren hier bis heute eine Lebensweise, die seit Generationen eng mit Wüste, Meer und den Rhythmen der Natur verbunden ist. Der NOWNESS-Kurzfilm Un Canto por el Desierto („Ein Lied für die Wüste“) begleitet diese außergewöhnliche Gemeinschaft und zeigt, wie Kultur, Erinnerung und Spiritualität in einem einzigen Handwerk zusammenfinden.

Geflochtenes Wissen

Im Mittelpunkt des Films steht die traditionelle Korbflechterei der Comcaac-Frauen. Aus den Fasern der Torote-Pflanze – auch Elefantenbaum genannt – entstehen Gefäße, die seit Jahrhunderten den Alltag begleiten: Sie transportieren Wasser, Nahrung, Saatgut oder sogar Kinder.

Doch diese Körbe erfüllen weit mehr als einen praktischen Zweck. Jeder einzelne ist Ausdruck eines kulturellen Gedächtnisses, das über Generationen ausschließlich mündlich weitergegeben wurde. In den Mustern, Materialien und Techniken lebt das Wissen einer Gemeinschaft weiter, deren Identität untrennbar mit ihrer Landschaft verbunden ist.

„Die Körbe der Comcaac sind niemals nur Körbe. Sie sind Gefäße – für Samen, Früchte, Wasser, Kinder und manchmal auch für Geschichten aus einer anderen Welt.“
– Enrique M. Rizo

Zwischen Natur und Mythos

Gemeinsam mit Ana María, einer Angehörigen der Comcaac, die in ihrer Muttersprache Cmiique Iitom spricht, führt Regisseur Enrique M. Rizo den Zuschauer in eine Welt, in der Natur und Spiritualität nicht voneinander getrennt werden.

Lieder an den Wind, die Sonne, das Meer oder die Wüste sind keine Folklore für Besucher, sondern lebendiger Teil einer Weltsicht, in der jedes Element eine eigene Stimme besitzt. Der Film macht deutlich, dass sich kulturelles Wissen nicht ausschließlich in geschriebenen Archiven bewahren lässt – sondern ebenso in Ritualen, Erzählungen und handwerklichen Gesten.

Ein Porträt kultureller Widerstandskraft

Un Canto por el Desierto erzählt nicht nur von einer seltenen Flechttechnik. Es ist ein sensibles Porträt über Identität, weibliches Wissen und die Kraft kultureller Kontinuität. Gerade in einer Zeit, in der viele indigene Traditionen zu verschwinden drohen, erinnert der Film daran, dass Handwerk ein lebendiges Archiv sein kann – eines, das Vergangenheit und Zukunft miteinander verbindet.

Wie so oft gelingt NOWNESS dabei kein dokumentarischer Bericht im klassischen Sinn, sondern eine poetische Annäherung an einen Ort und seine Menschen. Ein Film, der weniger erklärt als spüren lässt.

Zwischen Kalligrafie, Natur und Skulptur

Papier gehört zu den selbstverständlichsten Materialien unseres Alltags. Es wird beschrieben, gefaltet, entsorgt oder recycelt. Die koreanisch-amerikanische Künstlerin Jae Ko macht daraus etwas völlig anderes: monumentale Skulpturen, die an geologische Formationen, Baumringe, Gletscher oder vom Wind gezeichnete Landschaften erinnern. Für ihre erste Einzelausstellung in Belgien präsentiert die Antwerpener Galerie 22MUSE unter dem Titel „Striated – Writing with Form“ Werke, die das Verhältnis zwischen Material, Zeit und Natur neu erfahrbar machen.

Die Sprache des Materials

Seit mehr als vier Jahrzehnten arbeitet Jae Ko nahezu ausschließlich mit Papier. Genauer gesagt: mit Rollen aus Recyclingpapier, Additionsrollen oder Industriepapier, die sie abwickelt, neu aufrollt, faltet, verdreht, tränkt, trocknen lässt und über Monate hinweg transformiert.

Was zunächst nach einem handwerklichen Prozess klingt, entwickelt sich bei ihr zu einer fast meditativen Form des Bildhauens. Die Arbeiten entstehen nicht gegen das Material, sondern gemeinsam mit ihm. Jede Falte, jede Spannung und jede Unebenheit bleibt sichtbar und wird Teil der endgültigen Form. Papier verliert seine ursprüngliche Funktion und wird zu einer plastischen Landschaft.

Schreiben ohne Worte

Der Ausstellungstitel „Writing with Form“ beschreibt Jae Kos Arbeiten überraschend präzise. Obwohl keine Schriftzeichen zu erkennen sind, erinnern ihre Skulpturen an überdimensionale kalligrafische Gesten. Linien verdichten sich zu Volumen, Bewegung wird zu Körper, Rhythmus erhält räumliche Präsenz.

Ihre frühen Arbeiten waren stark von der ostasiatischen Kalligrafie beeinflusst. Bis heute verwendet sie Pigmenttinten, deren Ursprung im verbrannten Holz liegt – ein Material, das wiederum direkt auf die Natur verweist. Gleichzeitig fließen heute ebenso Einflüsse ihrer amerikanischen Wahlheimat in die Arbeiten ein. Baumringe, Wurzeln, Tornados oder von Wind geformte Kiefern werden zu stillen Referenzen, ohne jemals illustrativ zu wirken.

Zeit als unsichtbarer Werkstoff

Jae Kos Werke entstehen langsam. Manche Installationen wachsen über Monate hinweg. Das Papier wird gewässert, der Sonne ausgesetzt, vergraben oder immer wieder neu bearbeitet. Dieser kontrollierte Prozess des Werdens ist wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Sprache.

Gerade darin liegt ihre besondere Kraft: Die Arbeiten wirken gleichzeitig organisch und präzise, monumental und fragil. Sie erinnern daran, dass Veränderung selten abrupt geschieht, sondern Schicht für Schicht entsteht – ähnlich wie Landschaften oder geologische Formationen.

Papier neu denken

Die Werke von Jae Ko überschreiten die Grenzen zwischen Skulptur, Installation und Zeichnung. Sie zeigen, dass ein alltägliches Material eine erstaunliche emotionale und räumliche Kraft entwickeln kann.

Mit „Striated“ lädt die Künstlerin dazu ein, Papier nicht mehr als Träger von Gedanken zu betrachten, sondern als Gedanken selbst – geformt durch Zeit, Bewegung und die stille Intelligenz des Materials.

Die Ausstellung ist vom 23. Oktober bis 28. November 2026 in der 22MUSE Gallery in Antwerpen zu sehen und markiert die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Belgien.

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Wie verändert ein Leben voller Malerei unseren Blick auf die Welt? Mit Frank Bowling: Seeking the Sublime widmet NOWNESS einem der bedeutendsten abstrakten Künstler unserer Zeit ein sensibles Porträt – und zeigt einen Künstler, der auch mit über 90 Jahren die Möglichkeiten der Malerei immer wieder neu auslotet.

Seit mehr als sechs Jahrzehnten erweitert Frank Bowling die Grenzen dessen, was Malerei sein kann. Der in British Guiana – dem heutigen Guyana – geborene und seit vielen Jahren in London lebende Künstler versteht Farbe nicht als Mittel zur Darstellung, sondern als eigenständige Form des Denkens. Seine Werke entstehen aus Intuition, Materialität und dem bewussten Zusammenspiel von Kontrolle und Zufall.

Der Kurzfilm Frank Bowling: Seeking the Sublime von Lucy Andia und Frederick Shelbourne, entstanden für das Fitzwilliam Museum in Cambridge, begleitet den Künstler in seinem Londoner Atelier. Im Gespräch mit dem Kunstkritiker und langjährigen Weggefährten Martin Gayford spricht Bowling über Erinnerungen, Wahrnehmung, den Einfluss des Lichts seiner Heimat und über einen kreativen Prozess, der bis heute nichts von seiner Offenheit verloren hat.

Farbe, Schwerkraft und Erinnerung

Charakteristisch für Bowlings Arbeiten sind gegossene Farbschichten, stark strukturierte Oberflächen und ein Arbeitsprozess, bei dem auch die Schwerkraft zu einer gestalterischen Kraft wird. Seine Bilder entstehen nicht nach einem festen Plan, sondern entwickeln sich Schicht für Schicht zu komplexen Kompositionen voller Tiefe und Bewegung.

Auch nachdem er seine Arbeitsweise an das Malen im Rollstuhl angepasst hat, arbeitet Bowling täglich weiter. Der Film dokumentiert diese beeindruckende Kontinuität und verbindet aktuelles Filmmaterial mit historischen Fotografien und Archivaufnahmen. Vergangenheit und Gegenwart treten dabei ebenso miteinander in Dialog wie Erinnerung und Gegenwart in Bowlings Werk selbst.

Die Suche nach dem Erhabenen

Parallel zur gleichnamigen Retrospektive entstanden, ist Frank Bowling: Seeking the Sublime weit mehr als ein klassisches Künstlerporträt. Der Film erzählt von schöpferischer Freiheit, Ausdauer und der Fähigkeit, sich auch nach Jahrzehnten immer wieder neu auf den eigenen künstlerischen Prozess einzulassen.

Mit 92 Jahren zeigt Frank Bowling eindrucksvoll, dass Kreativität kein Alter kennt. Seine Malerei erinnert daran, dass wahre Innovation dort entsteht, wo Offenheit wichtiger ist als Gewissheit – und wo Farbe zu einer Form des Denkens wird.

Wie die Serpentine Park Nights 2026 Musik, Performance und Poesie zu einem gemeinsamen Erlebnis machen

Während Kulturinstitutionen heute zunehmend um Aufmerksamkeit konkurrieren, verfolgt die Londoner Serpentine seit Jahren einen anderen Ansatz: Sie schafft Räume, in denen Begegnung wichtiger wird als Spektakel. Mit den Park Nights 2026 verwandelt sich der diesjährige Serpentine Pavilion erneut in einen lebendigen Ort für Musik, Performance, Poesie und künstlerischen Austausch.

Von Juli bis Oktober entsteht im Herzen der Kensington Gardens kein klassischer Veranstaltungsort, sondern eine temporäre Gemeinschaft – offen, interdisziplinär und frei zugänglich. Hier begegnen sich Künstler und Publikum auf Augenhöhe. Kunst wird nicht konsumiert, sondern gemeinsam erlebt.

Kunst als gemeinsames Erlebnis

Seit mehr als zwanzig Jahren gehören die Park Nights zu den spannendsten Live-Programmen der internationalen Kunstszene. Anders als viele Festivals setzt Serpentine nicht auf große Namen allein, sondern auf Formate, die unterschiedliche Disziplinen miteinander verschmelzen lassen.

Musik trifft auf Performance, Literatur begegnet Architektur, Klang wird zu Raum. Das Publikum wird dabei nicht zum bloßen Zuschauer, sondern zum aktiven Teil einer gemeinsamen Erfahrung. Genau darin liegt die besondere Qualität des Formats: Kunst entsteht im Moment des gemeinsamen Erlebens.

Gerade in einer Zeit, in der viele kulturelle Erfahrungen digital vermittelt werden, gewinnen solche analogen Begegnungen eine neue Bedeutung. Die Park Nights schaffen Momente der Aufmerksamkeit – nicht nur für die Kunst, sondern auch füreinander.

Ein Pavillon, der Offenheit verkörpert

Den räumlichen Rahmen bildet der 25. Serpentine Pavilion, entworfen vom mexikanischen LANZA atelier unter dem Titel a serpentine.

Ausgangspunkt ist die historische englische crinkle-crankle wall – eine geschwungene Ziegelmauer, deren Stabilität aus ihrer Bewegung entsteht. Doch statt Grenzen zu definieren, wird die Mauer durchlässig. Rhythmisch angeordnete Ziegelpfeiler öffnen Sichtachsen und schaffen Verbindungen zwischen Innen und Außen.

So wird Architektur selbst zum Ausdruck einer Idee: Offenheit statt Abgrenzung. Bewegung statt Stillstand. Begegnung statt Trennung. Besucher bewegen sich frei durch den Pavillon und gestalten ihre eigene Erfahrung.

Vier künstlerische Positionen

Den Auftakt macht die kanadische Musikerin Sophia Stel, deren zwischen Indie-Rock, elektronischen Sounds und Alt-Pop changierende Musik den Pavillon erstmals mit Leben füllt.

Es folgt Chanel Beads, dessen experimenteller Underground-Pop Erinnerungen, digitale Kultur und traumartige Erzählstrukturen miteinander verbindet.

Im September präsentiert die Londoner Künstlerin und Autorin Ebun Sodipo eine neue Performance, die sich aus Schwarzer feministischer Theorie entwickelt und Fragen von Körper, Erinnerung und Identität verhandelt.

Den Abschluss bildet Anfang Oktober eine neue Auftragsarbeit der New Yorker Künstlerin Shala Miller, deren improvisierte Klang- und Stimmexperimente erstmals in Großbritannien zu erleben sind. Gemeinsam bilden sie ein Programm, das stilistische Grenzen bewusst überschreitet und unterschiedlichste Perspektiven miteinander in Dialog bringt.

Eine Kultur der Offenheit

Seit 2002 versteht Serpentine die Park Nights als Labor für interdisziplinäre Kunst. Jede Ausgabe reagiert auf den jährlich neu entstehenden Pavillon und entwickelt daraus neue Formen kultureller Begegnung. Musik, Philosophie, Literatur, Mode, Technologie und Bildende Kunst treten dabei miteinander in Beziehung und schaffen Erfahrungen, die weit über eine klassische Performance hinausgehen.

Vielleicht liegt genau darin die besondere Qualität dieses Formats. Während vielerorts über gesellschaftliche Spaltung gesprochen wird, schafft Serpentine einen Ort, an dem Unterschiede nicht überwunden werden müssen, sondern produktiv aufeinandertreffen dürfen. Die Park Nights erinnern daran, dass Kunst weit mehr sein kann als ästhetischer Ausdruck – sie kann Menschen zusammenbringen, Gespräche eröffnen und neue Perspektiven entstehen lassen.

Gerade deshalb wirken die Park Nights heute aktueller denn je.

Warum die Zukunft nicht nur mehr Freude, sondern auch mehr Verbindung braucht

Die Sehnsucht nach dem Gemeinsamen

Noch nie zuvor waren Menschen so stark miteinander vernetzt.

Und gleichzeitig fühlen sich viele Menschen so isoliert wie nie.

Wir kommunizieren permanent. Wir teilen Gedanken, Bilder und Meinungen in Echtzeit. Dennoch wächst in vielen Teilen der Welt das Gefühl von Einsamkeit, Polarisierung und gesellschaftlicher Fragmentierung.

Vielleicht liegt genau darin eine der großen Herausforderungen unserer Zeit:

Wie schaffen wir Verbindung in einer Welt, die immer stärker auseinanderzudriften scheint?

Die britische Künstlerin und Bühnenbildnerin Es Devlin widmet ihr gesamtes Werk dieser Frage.

Die Architektin kollektiver Erfahrungen

Es Devlin zählt zu den einflussreichsten Kreativen unserer Zeit.

Sie entwirft Bühnenbilder für Musiker, Operninszenierungen und globale Veranstaltungen. Doch ihre eigentliche Arbeit beginnt dort, wo klassische Bühnenbilder enden.

Devlin interessiert sich weniger für das, was Menschen betrachten.

Sie interessiert sich für das, was Menschen gemeinsam erleben.

Ihre Installationen aus Licht, Spiegeln, Sprache und Bewegung verwandeln Besucher nicht in Zuschauer, sondern in aktive Teilnehmer.

Immer wieder entstehen Räume, die eine überraschende Erkenntnis sichtbar machen:

Wir existieren niemals isoliert.

Wir entstehen in Beziehung.

Die Kraft der Perspektive

Viele Arbeiten von Es Devlin spielen mit Spiegelungen.

Auf den ersten Blick erscheinen sie als visuelle Effekte.

Tatsächlich verfolgen sie ein tieferes Ziel.

Wer in einen Spiegel blickt, sieht nicht nur sich selbst. Man erkennt auch die Umgebung und die Menschen, die sich mit einem im selben Raum befinden.

Die Grenzen zwischen Individuum und Gemeinschaft beginnen zu verschwimmen.

Damit stellt Devlin eine Frage, die heute aktueller wirkt denn je:

Was passiert, wenn wir aufhören, uns als voneinander getrennte Wesen zu betrachten?

Optimismus als Verbindung

Optimismus wird oft mit positiven Gedanken verwechselt.

Für Devlin scheint Optimismus etwas anderes zu bedeuten.

Nicht die Überzeugung, dass alles gut wird.

Sondern die Erkenntnis, dass wir Herausforderungen gemeinsam bewältigen können.

Ihre Arbeiten erinnern daran, dass Menschen seit Jahrtausenden Geschichten erzählen, Musik machen, feiern und trauern, um Gemeinschaft zu erzeugen.

Verbindung ist kein Luxus.

Sie ist eine menschliche Notwendigkeit.

Die neue Kultur des Miteinanders

Interessanterweise lässt sich dieser Gedanke heute weit über die Kunst hinaus beobachten.

Hotels entwickeln sich zu Orten der Begegnung.

Architektur sucht nach neuen Gemeinschaftsräumen.

Marken sprechen über Community statt über Zielgruppen.

Selbst die erfolgreichsten öffentlichen Räume entstehen dort, wo Menschen miteinander in Kontakt treten können.

Es Devlin steht exemplarisch für diese Entwicklung.

Ihre Kunst macht sichtbar, was oft unsichtbar bleibt:

Die Beziehungen, die Menschen miteinander verbinden.

Eine Zukunft, die wir gemeinsam gestalten

Vielleicht wird die wichtigste Ressource der Zukunft nicht Technologie sein.

Nicht Daten.

Nicht künstliche Intelligenz.

Sondern die Fähigkeit, Verbindung herzustellen.

Zwischen Menschen.

Zwischen Kulturen.

Zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Die Arbeiten von Es Devlin erinnern uns daran, dass wir Teil größerer Zusammenhänge sind.

In einer Zeit, die oft von Trennung geprägt ist, schafft sie Räume der Begegnung.

Und genau darin liegt ihre Form des Optimismus.

Die Hoffnung, dass Menschen einander nicht nur verstehen können.

Sondern sich in den Geschichten der anderen auch selbst wiederfinden.

In seinem Kurzfilm Morning, Afternoon, Evening richtet Leonel Dietsche den Blick auf ein Thema, das paradoxerweise gerade in den pulsierendsten Metropolen unserer Zeit allgegenwärtig ist: die Sehnsucht nach echter Verbindung.

Vor der Kulisse von Los Angeles begleitet der Film drei Geschichten, die sich innerhalb eines einzigen Tages entfalten. Ein trauernder Jugendlicher in der Metro, eine Besucherin aus Taiwan, die emotionale Distanz statt Nähe erlebt, und ein alternder Musikmanager, der seine Gedanken mit einer jungen Escort teilt – sie alle verbindet das Gefühl, dass Intimität stets greifbar scheint und doch unerreichbar bleibt.

Mit dokumentarischer Sensibilität beobachtet Dietsche die feinen Spannungen zwischen Nähe und Distanz, Verletzlichkeit und Schutzmechanismen. Die Stadt wird dabei mehr als nur Kulisse: Los Angeles erscheint als Spiegel einer Gesellschaft, in der Begegnungen oft von Erwartungen, Rollenbildern oder Transaktionen geprägt sind.

Ein stiller, poetischer Film über die Fragilität menschlicher Beziehungen – und über die universelle Suche nach Verbundenheit in einer zunehmend fragmentierten Welt.

Mehr dazu auf NOWNESS.

Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Zwischen den weiten Landschaften Colorados und den archaischen Materialien des amerikanischen Südwestens entsteht das Werk eines Künstlers, der seit Jahrzehnten eine außergewöhnliche Verbindung zur Natur pflegt. Der US-amerikanische Bildhauer James Surls zählt zu den prägenden Stimmen der modernen Skulptur. Seine monumentalen Arbeiten aus Holz und Stahl finden sich heute in renommierten Sammlungen wie dem Smithsonian American Art Museum, dem Solomon R. Guggenheim Museum und dem Museum of Modern Art.

Heute arbeitet Surls in seinem Atelier in Carbondale, Colorado, umgeben von der rauen Schönheit der Rocky Mountains. Die Landschaft ist dabei weit mehr als Kulisse. Sie ist Inspirationsquelle, spiritueller Resonanzraum und Lieferant jener Materialien, die seine Skulpturen prägen.

Für den NOWNESS-Film Will of the Wisp begleitet Regisseur Garrett Creamer den Künstler bei einem außergewöhnlichen Vorhaben: dem Transport eines gewaltigen Baumstamms, den Surls auf einem Feld entdeckt hat und der zur Grundlage eines neuen Werkes werden soll. Der Film eröffnet einen seltenen Einblick in den kreativen Prozess eines Künstlers, dessen Arbeiten von physischer Präsenz, organischer Kraft und einer tiefen Achtung vor natürlichen Formen geprägt sind.

Dabei geht es nicht nur um Skulptur. Es geht um Zeit, Vergänglichkeit und die Frage, wie sich der Blick auf das Leben mit zunehmendem Alter verändert. Mit der Gelassenheit eines Menschen, der seit Jahrzehnten mit den Kräften der Natur arbeitet, spricht Surls über Kreativität, Gesundheit und die Überzeugung, dass letztlich alles seinen Platz findet.

„One part artist, poet and philosopher, one part uncompromising Texan.“ – Garrett Creamer

Will of the Wisp ist ein stilles, eindrucksvolles Porträt eines Künstlers, der aus rohen Materialien Werke erschafft, die zugleich kraftvoll und poetisch wirken – und der zeigt, dass wahre Größe oft dort entsteht, wo Mensch und Natur miteinander in Dialog treten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine globale Videoplattform für Kunst, Kultur, Design, Mode und außergewöhnliches Storytelling. Mit einem kuratierten Ansatz präsentiert NOWNESS Filme, die kreative Perspektiven sichtbar machen und den Blick auf zeitgenössische Kultur erweitern. Die Plattform arbeitet mit einigen der spannendsten Filmemacher:innen, Künstler:innen und Kreativen weltweit zusammen und gilt als eine der wichtigsten Adressen für visuelles Erzählen im digitalen Raum.