Zwischen den weiten Landschaften Colorados und den archaischen Materialien des amerikanischen Südwestens entsteht das Werk eines Künstlers, der seit Jahrzehnten eine außergewöhnliche Verbindung zur Natur pflegt. Der US-amerikanische Bildhauer James Surls zählt zu den prägenden Stimmen der modernen Skulptur. Seine monumentalen Arbeiten aus Holz und Stahl finden sich heute in renommierten Sammlungen wie dem Smithsonian American Art Museum, dem Solomon R. Guggenheim Museum und dem Museum of Modern Art.

Heute arbeitet Surls in seinem Atelier in Carbondale, Colorado, umgeben von der rauen Schönheit der Rocky Mountains. Die Landschaft ist dabei weit mehr als Kulisse. Sie ist Inspirationsquelle, spiritueller Resonanzraum und Lieferant jener Materialien, die seine Skulpturen prägen.

Für den NOWNESS-Film Will of the Wisp begleitet Regisseur Garrett Creamer den Künstler bei einem außergewöhnlichen Vorhaben: dem Transport eines gewaltigen Baumstamms, den Surls auf einem Feld entdeckt hat und der zur Grundlage eines neuen Werkes werden soll. Der Film eröffnet einen seltenen Einblick in den kreativen Prozess eines Künstlers, dessen Arbeiten von physischer Präsenz, organischer Kraft und einer tiefen Achtung vor natürlichen Formen geprägt sind.

Dabei geht es nicht nur um Skulptur. Es geht um Zeit, Vergänglichkeit und die Frage, wie sich der Blick auf das Leben mit zunehmendem Alter verändert. Mit der Gelassenheit eines Menschen, der seit Jahrzehnten mit den Kräften der Natur arbeitet, spricht Surls über Kreativität, Gesundheit und die Überzeugung, dass letztlich alles seinen Platz findet.

„One part artist, poet and philosopher, one part uncompromising Texan.“ – Garrett Creamer

Will of the Wisp ist ein stilles, eindrucksvolles Porträt eines Künstlers, der aus rohen Materialien Werke erschafft, die zugleich kraftvoll und poetisch wirken – und der zeigt, dass wahre Größe oft dort entsteht, wo Mensch und Natur miteinander in Dialog treten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine globale Videoplattform für Kunst, Kultur, Design, Mode und außergewöhnliches Storytelling. Mit einem kuratierten Ansatz präsentiert NOWNESS Filme, die kreative Perspektiven sichtbar machen und den Blick auf zeitgenössische Kultur erweitern. Die Plattform arbeitet mit einigen der spannendsten Filmemacher:innen, Künstler:innen und Kreativen weltweit zusammen und gilt als eine der wichtigsten Adressen für visuelles Erzählen im digitalen Raum.

Mit Braid erschaffen die polnischen Filmemacher Mateusz Miszczynski und Maria Słabek ein sensibles filmisches Porträt über Schwesterliebe, Erwachsenwerden und die leisen Schmerzen des Abschieds. Im Mittelpunkt stehen die belarussischen Schwestern Anastasiia und Polina, deren Beziehung von Nähe geprägt ist – und von der Distanz, die entsteht, als die ältere Schwester Minsk verlässt, um in Warschau ein neues Leben zu beginnen.

Zwischen dokumentarischer Beobachtung und poetischer Bildsprache entfaltet sich ein intimer Blick auf das fragile Gefühl des Loslassens. Der titelgebende Zopf wird dabei zum stillen Symbol der Verbindung zwischen den beiden Schwestern – wie ein unsichtbarer Faden, der Erinnerung, Herkunft und Zugehörigkeit zusammenhält.

Gedreht auf 35mm, verbindet Braid natürliche Alltagsmomente mit einer beinahe märchenhaften Atmosphäre. Miszczynski und Słabek verweben magischen Realismus mit echten biografischen Erfahrungen und schaffen so einen Film, der zugleich zart, melancholisch und universell wirkt.

Es ist ein Werk über das Erwachsenwerden, über Sehnsucht nach einem besseren Leben – und über die emotionale Kraft familiärer Bindungen, die selbst Grenzen und Zeit überdauern.

Über NOWNESS
NOWNESS gilt seit Jahren als eine der stilprägendsten Plattformen für visuelles Storytelling an der Schnittstelle von Kunst, Kultur, Fashion und Film. Mit kuratierten Kurzfilmen und dokumentarischen Arbeiten schafft NOWNESS Raum für emotionale, ästhetisch anspruchsvolle Geschichten, die oft leise erzählt werden – und gerade dadurch lange nachwirken.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Ein Besuch im Atelier eines der prägendsten abstrakten Künstler Chinas

Im lichtdurchfluteten Atelier am Fluss in Shanghai reflektiert der Künstler Ding Yi über vier Jahrzehnte künstlerischen Schaffens, die Kraft der Wiederholung – und die stille Transformation eines einzigen Symbols in ein universelles Vokabular.

Die Entscheidung für das Kreuz

Als Ding Yi 1988 an der Shanghai Academy of Fine Arts studierte, traf er eine radikale Entscheidung: Er wandte sich bewusst von der gegenständlichen Malerei ab und begann, das Kreuz – als „+“ oder „x“ – als zentrales Motiv zu verwenden.

Diese Reduktion war mehr als eine ästhetische Wahl. Sie wurde zu einem künstlerischen Manifest, das bis heute Bestand hat.

„Sobald ich mich für das Kreuzmotiv entschieden hatte, bin ich diesem Weg treu geblieben.“

Abstraktion als Haltung

In einer Zeit, in der China lange vom westlichen Kunstgeschehen isoliert war, bedeutete dieser Schritt auch eine Suche nach Identität.

Ding Yi erinnert sich an diese prägende Phase als eine Zeit des Fragens:
Was inspiriert mich wirklich? Welche Form von Kunst möchte ich schaffen?

Seine frühen Arbeiten folgten strengen, fast meditativen Rasterstrukturen. Mit der Zeit entwickelten sich daraus komplexe geometrische Kompositionen – lebendig, rhythmisch, oft in intensiven Farbwelten, die den urbanen Wandel Shanghais widerspiegeln.

Vom Raster zum Universum

Seit etwa 2011 hat sich Ding Yis Blick erweitert. Seine Arbeiten bewegen sich zunehmend zwischen Rationalität und Intuition – zwischen Struktur und Spiritualität.

Seine Muster erinnern heute an Sternenkonstellationen, an kosmische Ordnungen und natürliche Rhythmen. Das Kreuz bleibt – doch es transformiert sich, wird Teil eines größeren, fast universellen Zusammenhangs.

Vergangenheit und Zukunft im Dialog

Für seine Ausstellung „Cosmotechnics“ in der Fondazione Querini Stampalia, entstanden in Zusammenarbeit mit Lisson Gallery und ShanghArt Gallery, verbindet Ding Yi neue und historische Arbeiten.

Neben Archivwerken präsentiert er eine Serie von zwölf schwarz-weißen Reliefgemälden aus Lindenholz sowie zwei monumentale Steinstelen – graviert mit seinem ikonischen Kreuzmotiv.

„Fast jede Zivilisation hat Steinstelen genutzt, um ihre Geschichte festzuhalten“, erklärt der Künstler.
„Ich blicke nicht nur in den Himmel, sondern auch zurück in die Vergangenheit – und lasse beides in meine Arbeit einfließen.“

Ausstellungsinfo

„Cosmotechnics“
Fondazione Querini Stampalia
9. Mai – 22. November 2026
Venice

Land und Meer als Anker der Identität: Im vietnamesischen Küstendorf Thài An erzählt der Kurzfilm NỐI:BOND von der tiefen Verbindung zwischen Mensch, Natur und Herkunft – und davon, wie der Klimawandel traditionelle Lebensweisen neu formt.

Eine Reise in den Süden Vietnams wird zur stillen Reflexion über Zugehörigkeit, Erinnerung und die unsichtbaren Fäden, die Menschen mit ihrem Ursprung verbinden.

Mit NỐI:BOND begeben sich der französische Filmemacher Cyril Catan und die vietnamesisch-französische Creative Director Claire Duc in das Küstendorf Thài An in der Gemeinde Vĩnh Hải. Ihr Film ist weniger eine klassische Dokumentation als vielmehr eine poetische Annäherung an die Frage, was uns mit unserer Heimat verbindet.

Geprägt vom Rhythmus der Gezeiten und getragen von tief verwurzelten Traditionen zeigt sich Thài An als ein Ort, an dem Mensch und Natur in feiner Balance existieren. Doch diese Harmonie ist fragil: Der Klimawandel verändert die Bedingungen des Lebens, fordert Anpassung und lässt alte Praktiken in neuem Licht erscheinen.

Im Zentrum des Films steht das Gedicht „Cho Và Đi“ des vietnamesischen Dichters Inrasara. Es dient als erzählerischer Leitfaden und eröffnet einen Blick auf ein Gefüge, in dem jedes Handeln mit dem nächsten verbunden ist – vom Auswerfen der Fischernetze bis zur Arbeit auf den Feldern.

Visuell übersetzt NỐI:BOND diese Zusammenhänge in kunstvolle Installationen aus Alltagsgegenständen und Textilien. Sie spiegeln die essenziellen Rollen innerhalb der Dorfgemeinschaft wider und verdeutlichen die untrennbare Bindung an das Land der Vorfahren.

„Eine Hommage an die Harmonie zwischen Mensch und Natur – NỐI:BOND webt feine Fäden von Herz zu Herz und verankert die Seele im Flüstern der wilden Natur.“
– Claire Duc

So entsteht ein sensibles Porträt eines Ortes, an dem Identität nicht nur entsteht, sondern kontinuierlich weitergegeben wird – als Vermächtnis für kommende Generationen.

Wie der japanische Künstler die Verbindung von Natur, Architektur und Champagner neu interpretiert

Mit der Fortsetzung der Kunstreihe “Conversations with Nature” setzt die Maison Ruinart 2026 ein poetisches Zeichen für Nachhaltigkeit, Wahrnehmung und die stille Kraft der Natur. Der japanische Künstler Tadashi Kawamata verwandelt Orte in sinnliche Erfahrungsräume – und lädt dazu ein, die Welt neu zu sehen.

Kunst, die Perspektiven verschiebt

Seit Jahren pflegt Ruinart einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur. 2026 wird dieser Dialog mit Tadashi Kawamata fortgeführt – einem Künstler, der für seine ephemeren, architektonischen Interventionen bekannt ist. Seine Werke entstehen aus Holz, oft aus recycelten Materialien, und greifen subtil in bestehende Landschaften ein.

Ob fragile Stege, Hütten oder Beobachtungsplattformen: Kawamatas Installationen eröffnen neue Blickwinkel und verändern bewusst unsere Wahrnehmung von Raum, Maßstab und Natur.

Reims als Inspirationsquelle

Bei seinem ersten Besuch in den Weinbergen rund um die historische Adresse 4 RUE DES CRAYÈRES zeigte sich Kawamata tief beeindruckt von der Atmosphäre des Ortes – vom Morgennebel, der Feuchtigkeit der Luft bis hin zu den kaum sichtbaren Lebenswelten von Vögeln und Insekten.

Diese Eindrücke übersetzt der Künstler in Zeichnungen, Modelle und schließlich in großformatige Installationen. Seine Werke verstehen sich als „imaginäre Zufluchtsorte“ – poetische Antworten auf die Fragilität des Lebendigen.

Drei Installationen – ein Gesamtkunstwerk

Im Sommer 2026 entstehen in Reims drei permanente In-situ-Arbeiten:
Cabane, Nid und Observatoire.

Sie bilden ein Ensemble, das Kunst, Handwerk und Natur miteinander verbindet. Besucher:innen können die Installationen begehen, erleben und die „Schwingungen der Natur“ bewusst wahrnehmen – ein zentrales Element für die Harmonie des Champagners.

„Hier oben nimmt man jede Wetterlage ganz deutlich wahr … Ich möchte, dass die Besucher dem Vergehen der Zeit bewusst nachspüren.“

Zwischen Miniatur und Monument

Ein spannender Aspekt von Kawamatas Arbeit ist das Spiel mit Maßstäben. Modelle aus recyceltem Holz fungieren als konzeptuelle Vorstudien, bevor sie in monumentale Installationen übersetzt werden.

Diese Transformation vom Kleinen ins Große eröffnet neue Perspektiven auf Material, Raum und Zeit – und macht den kreativen Prozess selbst sichtbar.

Ruinart & die Kunst des Dialogs

Die Verbindung von Kunst und Natur ist tief in der DNA von Ruinart verankert. Bereits im 19. Jahrhundert setzte das Haus auf künstlerische Ausdrucksformen – heute arbeiten internationale Künstler:innen daran, ökologische Fragestellungen erfahrbar zu machen.

Kawamata reiht sich damit in eine Tradition ein, die Kunst nicht als Dekoration versteht, sondern als Medium für Bewusstsein und Veränderung.

Ein sinnliches Erlebnis zwischen Natur und Champagner

Die 4 RUE DES CRAYÈRES ist heute mehr als ein Ort der Champagnerproduktion – sie ist ein kultureller Erlebnisraum. Zwischen historischen Kreidekellern (UNESCO-Weltkulturerbe) und zeitgenössischer Architektur entsteht ein Ort, an dem sich Natur, Kunst und Handwerk verbinden.

Mit Kawamatas Intervention wird dieser Ort um eine weitere Dimension erweitert: eine Einladung, die Natur nicht nur zu sehen, sondern zu fühlen.

Zwischen Sichtbarkeit und Erinnerung – eine Ausstellung über das Sehen selbst

Im Espace Louis Vuitton München entfaltet sich mit Grey Eyes eine eindringliche Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Erinnerung und der Macht der Bilder. Die Ausstellung des polnischen Künstlers Wilhelm Sasnal lädt dazu ein, das Sehen neu zu denken – fragmentarisch, ambivalent und zutiefst persönlich.

Vom 24. April bis 12. September 2026 präsentiert der Espace Louis Vuitton München die Ausstellung Grey Eyes, eine kuratierte Auswahl von Werken aus der Collection der Fondation Louis Vuitton sowie aus dem Atelier des Künstlers Wilhelm Sasnal. Die Schau ist Teil des internationalen Hors-les-murs-Programms, das Kunst über institutionelle Grenzen hinaus zugänglich macht und weltweit in den Espaces Louis Vuitton realisiert wird.

Die Poetik des Unklaren

Seit den 1990er Jahren entwickelt Wilhelm Sasnal eine Bildsprache, die sich konsequent mit der Rolle von Bildern in unserer Gegenwart auseinandersetzt. Seine Werke – Malerei, Zeichnung und Film – basieren auf einer reduzierten, präzisen Ästhetik, die das Alltägliche transformiert. Pressebilder, Filmstills oder private Szenen werden nicht reproduziert, sondern fragmentiert, vereinfacht und neu kontextualisiert.

Es entsteht ein Spannungsfeld zwischen Sichtbarkeit und Entzug, in dem das Bild zugleich präsent und flüchtig erscheint. Sasnals Arbeiten laden dazu ein, Unsicherheit nicht als Defizit, sondern als integralen Bestandteil von Wahrnehmung zu akzeptieren.

Formale Freiheit als Methode

Charakteristisch für Sasnals Werk ist seine formale Offenheit: Von glatten Oberflächen bis zu expressiven Pinselstrichen, von Porträts über Landschaften bis hin zu architektonischen Fragmenten – alles existiert gleichwertig nebeneinander. Diese Vielschichtigkeit ist kein stilistischer Zufall, sondern eine bewusste Strategie, die Malweise dem Motiv anzupassen.

Dabei schwingt stets ein leises Unbehagen mit. Hinter scheinbar alltäglichen Motiven öffnen sich historische und politische Dimensionen, insbesondere im Kontext der europäischen Geschichte des 20. Jahrhunderts.

Grey Eyes – Die Ambivalenz des Sehens

Die Ausstellung vereint Werke aus zwei Jahrzehnten und wurde von Sasnal selbst zusammengestellt. Das wiederkehrende Motiv des Auges wird zur Metapher für das Sehen in einer überladenen Bildwelt.

Die Farbe Grau – weder eindeutig opak noch transparent – steht sinnbildlich für Ambiguität:
für müde Augen, für abgewandte Blicke oder für jene, die sehen, ohne wirklich wahrzunehmen.

Die zentrale Frage lautet: Was bedeutet es heute, zu sehen?
Eine klare Antwort bleibt aus – stattdessen entstehen offene, fragile Wahrnehmungsräume, die Raum für individuelle Interpretation lassen.

Der Künstler

Wilhelm Sasnal (1972 in Tarnów, Polen) lebt und arbeitet in Krakau. Nach einem Architekturstudium wandte er sich der Malerei zu und wurde Mitbegründer der Künstlergruppe Ładnie, die eine neue Generation im postkommunistischen Polen prägte. Sein Werk ist international ausgestellt und verbindet persönliche Narrative mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen.

Ein Gespräch über Improvisation, Haltung und die Zukunft des Jazz

Anlässlich der Auszeichnung mit dem Deutschen Jazzpreis 2026 für ihr Lebenswerk spricht Aki Takase im Interview über ihre künstlerische Entwicklung, die Rolle von Improvisation und ihren Blick auf die heutige Jazzszene. Seit Jahrzehnten zählt sie zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Jazz – mit einer musikalischen Sprache, die sich konsequent zwischen Komposition und Improvisation bewegt und sich immer wieder neu erfindet.

Die Preisverleihung findet am 25. April 2026 im Congress Centrum Bremen im Rahmen des 20-jährigen Jubiläums der jazzahead! statt. Im Vorfeld gibt die Pianistin und Komponistin Einblicke in ihre Arbeit, ihre Einflüsse und die Dynamiken einer Szene, die sich stetig verändert. Heute sind wir mit Aki Takase im Gespräch.

INTERVIEW

Sie erhalten den Deutschen Jazzpreis für Ihr Lebenswerk. Was bedeutet es für Sie, in diesem Zusammenhang gelesen zu werden – also nicht nur rückblickend, sondern im Kontext der heutigen Jazzszene?

Aki Takase:
Das ist eine große Ehre und erfüllt mich mit Stolz. Außerdem hat mir die Anerkennung für die Musik, die ich bisher geschaffen habe, den Mut gegeben, meine Musik in neue Richtungen weiterzuentwickeln. Herzlichen Dank!

Ihre Musik bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen unterschiedlichen kulturellen Kontexten. Wie haben diese Perspektiven Ihr künstlerisches Denken geprägt und was hat sich daran im Laufe der Zeit verändert?

Aki Takase:
Alle Musik hat sich von der Vergangenheit bis zur Gegenwart weiterentwickelt und die Welt, wie wir sie heute kennen, geprägt. Ich habe mich schon immer für die Geschichte des Jazz interessiert, insbesondere dafür, die musikalischen Botschaften von Komponisten und Musikern, die mich faszinieren, aufzunehmen und sie aus meiner eigenen Perspektive weiterzuentwickeln, um ihnen heute neues Leben einzuhauchen. Seit letztem Jahr widme ich mich, aufbauend auf meinen bisherigen Erfahrungen, einem neuen Projekt: dem Timeless Orchestra.

Was hat Sie ursprünglich zum Jazz gebracht und was hält Sie bis heute in dieser Form, die sich ja ständig verändert?

Aki Takase:
Es fing ganz zufällig an. Als ich an der Musikhochschule studierte, lud mich eine Freundin ein, mir ein paar Jazzplatten anzuhören, und das war der Beginn meiner neuen musikalischen Reise. Jazz ist wie eine Droge – ein starkes Aphrodisiakum. Ehe ich mich versah, war ich in die Welt des Jazz hineingezogen worden, und hier bin ich heute.

Sie haben sehr unterschiedliche musikalische Phasen durchlaufen. Gab es Momente, in denen Sie Ihre eigene künstlerische Richtung grundlegend infrage gestellt haben?

Aki Takase:
Ich hatte nie Zweifel an der Richtung meiner Musik. Ich habe mich schon immer für alle Arten von Musik interessiert, vor allem für klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazzimprovisation, Volksmusik und so weiter. Für Popmusik oder Anime-Soundtracks habe ich jedoch absolut kein Interesse.

Sie arbeiten seit vielen Jahren in wechselnden Konstellationen. Was macht für Sie eine Zusammenarbeit produktiv und wann wird sie es nicht?

Aki Takase:
Wenn die musikalischen Ansichten der Mitmusiker sich von meinen unterscheiden, ist es schwierig, lange zusammen zu spielen. Im Idealfall wäre es großartig, wenn wir trotz etwas unterschiedlicher Musikgeschmäcker gemeinsam großartige Musik schaffen könnten.

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle. Was bedeutet Improvisation für Sie heute – auch im Verhältnis zu Erfahrung und Routine?

Aki Takase:
„Extremer Inspiration“

Wenn Sie auf Ihre Laufbahn zurückblicken: Wie haben sich die Bedingungen für Frauen im Jazz verändert und wo sehen Sie heute noch strukturelle Unterschiede?

Aki Takase:
Eine positive Entwicklung ist, dass sich heute mehr Frauen für Jazz interessieren als früher. Es ist auch gut, dass es – teilweise als Folge davon – heute mehr Musikerinnen gibt als früher; da Männer und Frauen jedoch je nach Instrument unterschiedliche Körperbauten haben, sind die Voraussetzungen möglicherweise nicht dieselben. Das hat auch mit politischen und soziologischen Entwicklungen zu tun.

Wenn Sie auf die heutige Jazzszene blicken: Welche Entwicklungen interessieren Sie und wo sehen Sie vielleicht auch Spannungen oder Brüche?

Aki Takase:
In letzter Zeit spüre ich eine größere Klangvielfalt, da immer mehr interessante Musiker auftauchen, die sich vom Jazzgenre entfernt haben oder von anderen Musikrichtungen beeinflusst wurden. Es ist jedoch schade, dass die Dynamik und Spannung, die dem Jazz innewohnen, nachlassen.

Was würden Sie jüngeren Musiker:innen heute mitgeben – nicht nur künstlerisch, sondern auch im Hinblick auf Arbeitsrealitäten im Jazz?

Aki Takase:
Lasst euch nicht von der Informationsflut verwirren. Und vergesst bitte nicht, dass es die Musiker sind, denen wir die Musik verdanken. Sucht nach Musik, die ihr eines Tages selbst gerne hören würdet.

Woran arbeiten Sie im Moment und was interessiert Sie gerade musikalisch?

Aki Takase:
Letztes Jahr habe ich mit Daniel Erdmann ein Projekt namens „Timeless“ ins Leben gerufen. Gemeinsam mit jungen Musikern aus verschiedenen Genres möchte ich mich mit faszinierender Musik von der Vergangenheit bis zur Gegenwart auseinandersetzen, neue musikalische Wege erkunden und herausfinden, wohin sich die Musik entwickelt.

Zwischen Aneignung und Ikonografie: Eine radikale Reflexion der Bilderwelt

Mit einer umfassenden Retrospektive widmet die ALBERTINA Wien dem US-amerikanischen Künstler Richard Prince eine Ausstellung, die nicht nur sein Werk, sondern auch unser Verständnis von Bildern hinterfragt. Zwischen Ironie, Provokation und analytischer Schärfe eröffnet sich ein faszinierender Blick auf die Mechanismen visueller Kultur.

Eine visuelle Dekonstruktion der Konsumgesellschaft

Richard Prince zählt zu den prägendsten Künstlern der sogenannten Appropriation Art. Seit den 1970er-Jahren untersucht er die Bildwelten der amerikanischen Alltagskultur – von Werbung über Magazine bis hin zu Social Media. Seine Methode ist ebenso einfach wie radikal: Er appropriierte bestehende Bilder, verändert sie minimal und führt sie in einen neuen Kontext über.

Was dabei entsteht, ist weit mehr als bloße Aneignung. Princes Werke legen die verborgenen Codes frei, die unsere Wahrnehmung formen – von Geschlechterrollen bis hin zu Mythen wie Freiheit und Männlichkeit.

Ikonen neu gelesen: Cowboys, Fashion und Gangs

Die Ausstellung in der ALBERTINA zeigt rund 150 Arbeiten aus fünf Jahrzehnten. Im Zentrum steht die Fotografie als Leitmedium seines Schaffens. Ikonische Serien wie Cowboys, Fashion oder Gangs verdeutlichen, wie Prince Bilder nicht nur reproduziert, sondern ihre Bedeutung verschiebt.

Besonders die berühmten Cowboys – basierend auf Marlboro-Werbung – entlarven die Konstruktion eines amerikanischen Mythos. Der Cowboy als Symbol von Freiheit wird gleichzeitig kritisiert und ästhetisch überhöht.

Auch in der Serie Fashion verwandelt Prince Modefotografie in eine Bühne gesellschaftlicher Projektionen. Gesichter werden zu Projektionsflächen – vertraut und doch irritierend fremd.

Zwischen Realität und Fiktion

Spätere Werkgruppen wie Upstate zeigen einen Perspektivwechsel: Statt vorhandene Bilder zu appropriieren, richtet Prince seine Kamera auf seine eigene Umgebung. Doch auch hier bleibt die Frage bestehen – ist das Dokumentation oder Inszenierung?

Die Grenzen verschwimmen. Realität erscheint ebenso konstruiert wie Werbung oder Medienbilder. Genau in dieser Ambivalenz liegt die Stärke seines Werks.

Vom Print zur digitalen Gegenwart

Mit den New Portraits überträgt Prince seine künstlerische Praxis in die digitale Welt. Instagram-Posts werden zu Kunstwerken, Likes und Kommentare Teil der Komposition.

Hier zeigt sich besonders deutlich, wie sich Bildproduktion und -konsum verändert haben: Bilder sind nicht mehr nur Repräsentation – sie sind Währung, Identität und Inszenierung zugleich.

Ein Werk zwischen Kritik und Verführung

Richard Prince gelingt es, gleichzeitig zu analysieren und zu verführen. Seine Arbeiten sind nie eindeutig – sie oszillieren zwischen Kritik und Affirmation.

Gerade diese Spannung macht die Ausstellung in der ALBERTINA zu einem der spannendsten Kunstereignisse des Jahres.

Zwischen Instinkt, Materialität und der Kraft des „Presque“

Manche Wege beginnen nicht mit einer Entscheidung, sondern mit einem inneren Bruch. Für Aurélie Fretti war es genau dieser Moment, der alles veränderte – und sie zu einer künstlerischen Praxis führte, die heute zwischen Skulptur, Design und intuitiver Formensprache oszilliert.

Ein Neuanfang jenseits der Stadt

Aufgewachsen in einem Dorf im Osten Frankreichs, geprägt von einer lebendigen italienischen Arbeiterkultur, trägt Aurélie Fretti ihre Herkunft bis heute in sich. Italienische Wurzeln väterlicherseits, polnische mütterlicherseits – eine Mischung, die sich später auch in ihrer Arbeit widerspiegelt.

Viele Jahre arbeitete sie in der Werbung in Paris. Doch der eigentliche Wendepunkt kam leise. Mutterschaft, Rückzug und die Entscheidung, das urbane Leben hinter sich zu lassen, führten sie zunächst an den Rand des Waldes von Rambouillet und später in den Luberon.

Dort veränderten Isolation, Natur und Entschleunigung ihre Perspektive grundlegend.

„Ich hatte keine Wahl, als mein Leben dem zu widmen. Dramatisch? Vielleicht – einfach italienisch.“

Vom Experiment zur Ausdrucksform

Ohne klassische Ausbildung fand Aurélie intuitiv zur Keramik. Was zunächst als Hobby begann, entwickelte sich rasch zu einer existenziellen Praxis. Die Zusammenarbeit mit Schneider:innen sowie die Arbeit mit Holz und Stein erweiterten ihr Verständnis von Material und Form.

Ihre erste Skulptur – ein Fuß – war „etwas unbeholfen, aber voller Aufrichtigkeit“. Ein Ursprung, der bis heute nachwirkt.

„Diese Stunden waren wie Meditation. Ich habe erkannt, dass ich nicht nur gerne forme, sondern dass ich dadurch ich selbst sein kann.“

Material, Körper und Transformation

Aurélie Frettis Arbeiten bewegen sich zwischen Gegensätzen: roh und sinnlich, kraftvoll und fragil. Sie arbeitet mit gegossenem Harz, versetzt mit Marmor-, Bronze- oder Aluminiumpulver, ebenso wie mit massivem Holz, das sie mit der Kettensäge bearbeitet.

Aus dieser freien Herangehensweise entstand eines ihrer prägendsten Werke: die Babka – benannt nach dem traditionellen polnischen Hefekuchen ihrer Kindheit. Eine organische, großzügige Form, die längst zu ihrer Signatur geworden ist.

Im Zentrum ihres Schaffens steht das Konzept des „presque“ – des „Fast“.
Unvollkommenheit wird hier nicht als Fehler verstanden, sondern als Raum für Entwicklung.

Inspiration: Antike, Italien und der menschliche Körper

Ein weiterer zentraler Einfluss ist Italien. Die Rückbesinnung auf den Körper, wie sie in der Antike verankert ist, übersetzt Aurélie in eine zeitgenössische Formsprache.

Römische Reliefs werden zu Lichtobjekten, sizilianische Vasen verwandeln sich in invertierte Skulpturen – wie bei der Upside Down Lamp, bei der das Gefäß selbst zur Lichtquelle wird.

Der Körper bleibt dabei stets Ausgangspunkt:

„Alles beginnt mit dem Körper – und damit auch mit der Natur.“

Der Moment der Sichtbarkeit

Ein entscheidender Schritt in ihrer Entwicklung war die Begegnung mit Chiara Colombini im Jahr 2024. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete Aurélie noch in einem kleinen Atelier, begleitet von Zweifeln.

Die Anerkennung durch Colombini wurde zum Wendepunkt. Eine erste Ausstellung in Paris folgte – und damit der Eintritt in eine neue künstlerische Dimension.

Gegenwart und Ausblick

Heute lebt und arbeitet Aurélie Fretti im Luberon – ein Ort, der ihr Verständnis von Zeit und Prozess nachhaltig verändert hat.

„Hier hat sich Zeit ausgedehnt.“

Ihre Arbeiten bleiben zutiefst persönlich: Fragmente eines inneren Prozesses, getragen von Intuition, Spannung und einem bewussten Spiel mit Unsicherheit.

Nach der ikonischen Babka-Serie folgt nun ihre neue Kollektion: Drappegio.

Jedes Stück ist ein Unikat. Von Hand gefertigt. Ausdruck eines fortlaufenden Dialogs zwischen Körper, Material und Emotion.