Ein Gespräch über Improvisation, Haltung und die Zukunft des Jazz

Anlässlich der Auszeichnung mit dem Deutschen Jazzpreis 2026 für ihr Lebenswerk spricht Aki Takase im Interview über ihre künstlerische Entwicklung, die Rolle von Improvisation und ihren Blick auf die heutige Jazzszene. Seit Jahrzehnten zählt sie zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Jazz – mit einer musikalischen Sprache, die sich konsequent zwischen Komposition und Improvisation bewegt und sich immer wieder neu erfindet.

Die Preisverleihung findet am 25. April 2026 im Congress Centrum Bremen im Rahmen des 20-jährigen Jubiläums der jazzahead! statt. Im Vorfeld gibt die Pianistin und Komponistin Einblicke in ihre Arbeit, ihre Einflüsse und die Dynamiken einer Szene, die sich stetig verändert. Heute sind wir mit Aki Takase im Gespräch.

INTERVIEW

Sie erhalten den Deutschen Jazzpreis für Ihr Lebenswerk. Was bedeutet es für Sie, in diesem Zusammenhang gelesen zu werden – also nicht nur rückblickend, sondern im Kontext der heutigen Jazzszene?

Aki Takase:
Das ist eine große Ehre und erfüllt mich mit Stolz. Außerdem hat mir die Anerkennung für die Musik, die ich bisher geschaffen habe, den Mut gegeben, meine Musik in neue Richtungen weiterzuentwickeln. Herzlichen Dank!

Ihre Musik bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen unterschiedlichen kulturellen Kontexten. Wie haben diese Perspektiven Ihr künstlerisches Denken geprägt und was hat sich daran im Laufe der Zeit verändert?

Aki Takase:
Alle Musik hat sich von der Vergangenheit bis zur Gegenwart weiterentwickelt und die Welt, wie wir sie heute kennen, geprägt. Ich habe mich schon immer für die Geschichte des Jazz interessiert, insbesondere dafür, die musikalischen Botschaften von Komponisten und Musikern, die mich faszinieren, aufzunehmen und sie aus meiner eigenen Perspektive weiterzuentwickeln, um ihnen heute neues Leben einzuhauchen. Seit letztem Jahr widme ich mich, aufbauend auf meinen bisherigen Erfahrungen, einem neuen Projekt: dem Timeless Orchestra.

Was hat Sie ursprünglich zum Jazz gebracht und was hält Sie bis heute in dieser Form, die sich ja ständig verändert?

Aki Takase:
Es fing ganz zufällig an. Als ich an der Musikhochschule studierte, lud mich eine Freundin ein, mir ein paar Jazzplatten anzuhören, und das war der Beginn meiner neuen musikalischen Reise. Jazz ist wie eine Droge – ein starkes Aphrodisiakum. Ehe ich mich versah, war ich in die Welt des Jazz hineingezogen worden, und hier bin ich heute.

Sie haben sehr unterschiedliche musikalische Phasen durchlaufen. Gab es Momente, in denen Sie Ihre eigene künstlerische Richtung grundlegend infrage gestellt haben?

Aki Takase:
Ich hatte nie Zweifel an der Richtung meiner Musik. Ich habe mich schon immer für alle Arten von Musik interessiert, vor allem für klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazzimprovisation, Volksmusik und so weiter. Für Popmusik oder Anime-Soundtracks habe ich jedoch absolut kein Interesse.

Sie arbeiten seit vielen Jahren in wechselnden Konstellationen. Was macht für Sie eine Zusammenarbeit produktiv und wann wird sie es nicht?

Aki Takase:
Wenn die musikalischen Ansichten der Mitmusiker sich von meinen unterscheiden, ist es schwierig, lange zusammen zu spielen. Im Idealfall wäre es großartig, wenn wir trotz etwas unterschiedlicher Musikgeschmäcker gemeinsam großartige Musik schaffen könnten.

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle. Was bedeutet Improvisation für Sie heute – auch im Verhältnis zu Erfahrung und Routine?

Aki Takase:
„Extremer Inspiration“

Wenn Sie auf Ihre Laufbahn zurückblicken: Wie haben sich die Bedingungen für Frauen im Jazz verändert und wo sehen Sie heute noch strukturelle Unterschiede?

Aki Takase:
Eine positive Entwicklung ist, dass sich heute mehr Frauen für Jazz interessieren als früher. Es ist auch gut, dass es – teilweise als Folge davon – heute mehr Musikerinnen gibt als früher; da Männer und Frauen jedoch je nach Instrument unterschiedliche Körperbauten haben, sind die Voraussetzungen möglicherweise nicht dieselben. Das hat auch mit politischen und soziologischen Entwicklungen zu tun.

Wenn Sie auf die heutige Jazzszene blicken: Welche Entwicklungen interessieren Sie und wo sehen Sie vielleicht auch Spannungen oder Brüche?

Aki Takase:
In letzter Zeit spüre ich eine größere Klangvielfalt, da immer mehr interessante Musiker auftauchen, die sich vom Jazzgenre entfernt haben oder von anderen Musikrichtungen beeinflusst wurden. Es ist jedoch schade, dass die Dynamik und Spannung, die dem Jazz innewohnen, nachlassen.

Was würden Sie jüngeren Musiker:innen heute mitgeben – nicht nur künstlerisch, sondern auch im Hinblick auf Arbeitsrealitäten im Jazz?

Aki Takase:
Lasst euch nicht von der Informationsflut verwirren. Und vergesst bitte nicht, dass es die Musiker sind, denen wir die Musik verdanken. Sucht nach Musik, die ihr eines Tages selbst gerne hören würdet.

Woran arbeiten Sie im Moment und was interessiert Sie gerade musikalisch?

Aki Takase:
Letztes Jahr habe ich mit Daniel Erdmann ein Projekt namens „Timeless“ ins Leben gerufen. Gemeinsam mit jungen Musikern aus verschiedenen Genres möchte ich mich mit faszinierender Musik von der Vergangenheit bis zur Gegenwart auseinandersetzen, neue musikalische Wege erkunden und herausfinden, wohin sich die Musik entwickelt.

Zwischen Aneignung und Ikonografie: Eine radikale Reflexion der Bilderwelt

Mit einer umfassenden Retrospektive widmet die ALBERTINA Wien dem US-amerikanischen Künstler Richard Prince eine Ausstellung, die nicht nur sein Werk, sondern auch unser Verständnis von Bildern hinterfragt. Zwischen Ironie, Provokation und analytischer Schärfe eröffnet sich ein faszinierender Blick auf die Mechanismen visueller Kultur.

Eine visuelle Dekonstruktion der Konsumgesellschaft

Richard Prince zählt zu den prägendsten Künstlern der sogenannten Appropriation Art. Seit den 1970er-Jahren untersucht er die Bildwelten der amerikanischen Alltagskultur – von Werbung über Magazine bis hin zu Social Media. Seine Methode ist ebenso einfach wie radikal: Er appropriierte bestehende Bilder, verändert sie minimal und führt sie in einen neuen Kontext über.

Was dabei entsteht, ist weit mehr als bloße Aneignung. Princes Werke legen die verborgenen Codes frei, die unsere Wahrnehmung formen – von Geschlechterrollen bis hin zu Mythen wie Freiheit und Männlichkeit.

Ikonen neu gelesen: Cowboys, Fashion und Gangs

Die Ausstellung in der ALBERTINA zeigt rund 150 Arbeiten aus fünf Jahrzehnten. Im Zentrum steht die Fotografie als Leitmedium seines Schaffens. Ikonische Serien wie Cowboys, Fashion oder Gangs verdeutlichen, wie Prince Bilder nicht nur reproduziert, sondern ihre Bedeutung verschiebt.

Besonders die berühmten Cowboys – basierend auf Marlboro-Werbung – entlarven die Konstruktion eines amerikanischen Mythos. Der Cowboy als Symbol von Freiheit wird gleichzeitig kritisiert und ästhetisch überhöht.

Auch in der Serie Fashion verwandelt Prince Modefotografie in eine Bühne gesellschaftlicher Projektionen. Gesichter werden zu Projektionsflächen – vertraut und doch irritierend fremd.

Zwischen Realität und Fiktion

Spätere Werkgruppen wie Upstate zeigen einen Perspektivwechsel: Statt vorhandene Bilder zu appropriieren, richtet Prince seine Kamera auf seine eigene Umgebung. Doch auch hier bleibt die Frage bestehen – ist das Dokumentation oder Inszenierung?

Die Grenzen verschwimmen. Realität erscheint ebenso konstruiert wie Werbung oder Medienbilder. Genau in dieser Ambivalenz liegt die Stärke seines Werks.

Vom Print zur digitalen Gegenwart

Mit den New Portraits überträgt Prince seine künstlerische Praxis in die digitale Welt. Instagram-Posts werden zu Kunstwerken, Likes und Kommentare Teil der Komposition.

Hier zeigt sich besonders deutlich, wie sich Bildproduktion und -konsum verändert haben: Bilder sind nicht mehr nur Repräsentation – sie sind Währung, Identität und Inszenierung zugleich.

Ein Werk zwischen Kritik und Verführung

Richard Prince gelingt es, gleichzeitig zu analysieren und zu verführen. Seine Arbeiten sind nie eindeutig – sie oszillieren zwischen Kritik und Affirmation.

Gerade diese Spannung macht die Ausstellung in der ALBERTINA zu einem der spannendsten Kunstereignisse des Jahres.

Zwischen Instinkt, Materialität und der Kraft des „Presque“

Manche Wege beginnen nicht mit einer Entscheidung, sondern mit einem inneren Bruch. Für Aurélie Fretti war es genau dieser Moment, der alles veränderte – und sie zu einer künstlerischen Praxis führte, die heute zwischen Skulptur, Design und intuitiver Formensprache oszilliert.

Ein Neuanfang jenseits der Stadt

Aufgewachsen in einem Dorf im Osten Frankreichs, geprägt von einer lebendigen italienischen Arbeiterkultur, trägt Aurélie Fretti ihre Herkunft bis heute in sich. Italienische Wurzeln väterlicherseits, polnische mütterlicherseits – eine Mischung, die sich später auch in ihrer Arbeit widerspiegelt.

Viele Jahre arbeitete sie in der Werbung in Paris. Doch der eigentliche Wendepunkt kam leise. Mutterschaft, Rückzug und die Entscheidung, das urbane Leben hinter sich zu lassen, führten sie zunächst an den Rand des Waldes von Rambouillet und später in den Luberon.

Dort veränderten Isolation, Natur und Entschleunigung ihre Perspektive grundlegend.

„Ich hatte keine Wahl, als mein Leben dem zu widmen. Dramatisch? Vielleicht – einfach italienisch.“

Vom Experiment zur Ausdrucksform

Ohne klassische Ausbildung fand Aurélie intuitiv zur Keramik. Was zunächst als Hobby begann, entwickelte sich rasch zu einer existenziellen Praxis. Die Zusammenarbeit mit Schneider:innen sowie die Arbeit mit Holz und Stein erweiterten ihr Verständnis von Material und Form.

Ihre erste Skulptur – ein Fuß – war „etwas unbeholfen, aber voller Aufrichtigkeit“. Ein Ursprung, der bis heute nachwirkt.

„Diese Stunden waren wie Meditation. Ich habe erkannt, dass ich nicht nur gerne forme, sondern dass ich dadurch ich selbst sein kann.“

Material, Körper und Transformation

Aurélie Frettis Arbeiten bewegen sich zwischen Gegensätzen: roh und sinnlich, kraftvoll und fragil. Sie arbeitet mit gegossenem Harz, versetzt mit Marmor-, Bronze- oder Aluminiumpulver, ebenso wie mit massivem Holz, das sie mit der Kettensäge bearbeitet.

Aus dieser freien Herangehensweise entstand eines ihrer prägendsten Werke: die Babka – benannt nach dem traditionellen polnischen Hefekuchen ihrer Kindheit. Eine organische, großzügige Form, die längst zu ihrer Signatur geworden ist.

Im Zentrum ihres Schaffens steht das Konzept des „presque“ – des „Fast“.
Unvollkommenheit wird hier nicht als Fehler verstanden, sondern als Raum für Entwicklung.

Inspiration: Antike, Italien und der menschliche Körper

Ein weiterer zentraler Einfluss ist Italien. Die Rückbesinnung auf den Körper, wie sie in der Antike verankert ist, übersetzt Aurélie in eine zeitgenössische Formsprache.

Römische Reliefs werden zu Lichtobjekten, sizilianische Vasen verwandeln sich in invertierte Skulpturen – wie bei der Upside Down Lamp, bei der das Gefäß selbst zur Lichtquelle wird.

Der Körper bleibt dabei stets Ausgangspunkt:

„Alles beginnt mit dem Körper – und damit auch mit der Natur.“

Der Moment der Sichtbarkeit

Ein entscheidender Schritt in ihrer Entwicklung war die Begegnung mit Chiara Colombini im Jahr 2024. Zu diesem Zeitpunkt arbeitete Aurélie noch in einem kleinen Atelier, begleitet von Zweifeln.

Die Anerkennung durch Colombini wurde zum Wendepunkt. Eine erste Ausstellung in Paris folgte – und damit der Eintritt in eine neue künstlerische Dimension.

Gegenwart und Ausblick

Heute lebt und arbeitet Aurélie Fretti im Luberon – ein Ort, der ihr Verständnis von Zeit und Prozess nachhaltig verändert hat.

„Hier hat sich Zeit ausgedehnt.“

Ihre Arbeiten bleiben zutiefst persönlich: Fragmente eines inneren Prozesses, getragen von Intuition, Spannung und einem bewussten Spiel mit Unsicherheit.

Nach der ikonischen Babka-Serie folgt nun ihre neue Kollektion: Drappegio.

Jedes Stück ist ein Unikat. Von Hand gefertigt. Ausdruck eines fortlaufenden Dialogs zwischen Körper, Material und Emotion.

Zwischen Tradition und Gegenwart: Wie Nymphenburg und MCM ein Sammlerstück aus Porzellan erschaffen

In der Porzellan-Manufaktur Nymphenburg verschmelzen seit Jahrhunderten Handwerkskunst, Geschichte und Emotion. Für das 50-jährige Jubiläum von MCM entsteht hier ein außergewöhnliches Objekt – eine Porzellantasse, die Tradition und zeitgenössisches Design vereint.

Gegründet im Jahr 1747, zählt die Porzellan-Manufaktur Nymphenburg zu den bedeutendsten europäischen Werkstätten ihrer Art. Bis heute wird auf dem Gelände des Schlosses Nymphenburg jedes Stück in präziser Handarbeit gefertigt – von der Herstellung der Porzellanmasse bis zur finalen Veredelung.

In einer Zeit industrieller Massenproduktion bewahrt Nymphenburg ein fast vergessenes Ideal: kompromisslose Handwerkskunst. Selbst die Energie für mechanische Prozesse stammt aus dem natürlichen Wasserlauf des Anwesens – ein leises, aber kraftvolles Symbol für Kontinuität und Nachhaltigkeit.

Zum 50-jährigen Bestehen interpretiert MCM gemeinsam mit Nymphenburg eines seiner ikonischsten Motive neu: das charakteristische Diamantmuster, inspiriert von der bayerischen Flagge. Das Ergebnis ist eine limitierte Porzellantasse, die Vergangenheit und Gegenwart in einem zeitlosen Objekt vereint.

Der Regisseur Felipe Sanguinetti begleitet diesen Entstehungsprozess in dem Kurzfilm Formed from Heritage. Mit sensibler Bildsprache dokumentiert er die Hingabe und Präzision der Porzellankünstler:innen und macht die stille Intensität des Handwerks spürbar.

Der Film ist weniger Dokumentation als vielmehr eine meditative Annäherung an Material, Zeit und Können. Er erzählt von einem Objekt, das nicht nur benutzt, sondern erlebt werden will – ein Sammlerstück, das Wissen, Kultur und Identität in sich trägt.

Wie der Bassist der Red Hot Chili Peppers mit „Honora“ zu seinen musikalischen Wurzeln zurückkehrt

Nach über vier Jahrzehnten als treibende Kraft der Red Hot Chili Peppers überrascht Flea mit einem zutiefst persönlichen Schritt: seinem ersten Soloalbum. „Honora“ ist kein Rock-Statement – sondern ein intimes Jazz-Manifest, das von Hingabe, Disziplin und der Rückkehr zu den eigenen Ursprüngen erzählt.

Ein Kindheitstraum, der Jahrzehnte reifte

„Ich habe beschlossen, jeden Tag Trompete zu spielen“, erzählt Flea im Gespräch mit Zane Lowe. Diese scheinbar einfache Entscheidung wurde zum Ausgangspunkt einer Reise, die schließlich in Honora mündete.

Denn bevor Flea als einer der einflussreichsten Bassisten der Rockgeschichte gefeiert wurde, war die Trompete seine erste große Liebe. Inspiriert von Jazzgrößen wie Dizzy Gillespie begann er schon als Kind zu spielen – und kehrt nun, Jahrzehnte später, zu diesem Ursprung zurück.

Der Entschluss: tägliche Praxis, kompromisslose Hingabe – und irgendwann ein Album. Ein Versprechen an sich selbst.

„Honora“ – Zwischen Intimität und Improvisation

Das am 27. März 2026 veröffentlichte Album Honora markiert Fleas ersten Solo-Longplayer und eine bewusste Abkehr vom gewohnten Sound.

Die zehn Tracks bewegen sich zwischen freier Improvisation, spirituellen Klanglandschaften und zugänglichen Jazzmomenten. Besonders prägend: Fleas Spiel auf der Trompete, das den Kern des Albums bildet.

Neben Eigenkompositionen finden sich auch überraschende Neuinterpretationen – etwa von Frank Ocean oder Jimmy Webb. Gäste wie Thom Yorke und Nick Cave verleihen dem Werk zusätzliche Tiefe.

„Now we are human beings right here…“ – Flea in A Plea

Ein Satz, der das Album auf den Punkt bringt: Es geht um Menschlichkeit, Verbindung – und Musik als universelle Sprache.

Loslassen, um anzukommen

Ein zentrales Thema im Interview mit Zane Lowe: das Loslassen von Erwartungen. Flea beschreibt, wie er sich bewusst vom Perfektionismus befreit hat – zugunsten von Ausdruck und Authentizität.

Jazz wird hier nicht als Genre verstanden, sondern als Haltung: offen, suchend, lebendig.

Auch die LA Times beschreibt diesen Schritt als späte, aber konsequente Transformation: Mit 63 werde Flea „endlich der Jazzmusiker, der er immer sein wollte“.

Ein anderer Zugang zur Musik

Was Honora besonders macht, ist weniger ein stilistischer Bruch als eine Verschiebung im Zugang zur Musik.

Flea beschreibt im Gespräch mit Zane Lowe immer wieder die Entscheidung, sich auf tägliche Praxis zu konzentrieren – ohne Ziel, ohne Erwartungsdruck. Dieses konsequente Wiederholen wird zum eigentlichen Fundament des Albums.

Die Stücke wirken entsprechend offen und prozesshaft. Improvisation ist kein Effekt, sondern Ausgangspunkt. Auch die reduzierte Produktion unterstützt diesen Eindruck: viel Raum, wenig Überlagerung, klare Instrumentierung.

In diesem Kontext erscheint Honora weniger als „Solo-Debüt“ im klassischen Sinne, sondern eher als dokumentierter Arbeitszustand – ein Moment, in dem sich Technik, Routine und Intuition treffen.

Don Bronstein und die visuelle Sprache des Jazz

Ein leiser Beobachter, ein Chronist der Improvisation und ein unsichtbarer Teil der Szene: Die Triennale Milano widmet Don Bronstein die erste umfassende Ausstellung in Europa – und eröffnet damit einen neuen Blick auf die visuelle Kultur des Jazz.

Zwischen Rauchschwaden, gedämpftem Licht und vibrierenden Klängen entstand in den Clubs von Chicago eine Bildwelt, die bis heute nachhallt. Don Bronstein hielt sie fest – nicht als distanzierter Dokumentarist, sondern als Teil des Moments selbst.

Der Rhythmus des Sehens

Mit der Ausstellung „The Rhythm of the Eye“ präsentiert die Triennale Milano erstmals in Europa das Werk von Don Bronstein – Fotograf, Art Director und stille Schlüsselfigur der amerikanischen Nachkriegsästhetik. Gezeigt wird eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1953 bis 1968, die tief in die Jazz- und Bluesszene Chicagos eintauchen.

Was Bronsteins Arbeiten so besonders macht, ist ihre Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie bewegt sich mit. Sie atmet im Takt der Musik, folgt Blicken, Gesten, Pausen. Seine Bilder sind keine Inszenierungen, sondern fragile Momente zwischen Spannung und Stille.

Zwischen Improvisation und Intimität

Als Fotograf für Magazine und Plattencover war Bronstein ein Meister der Komposition – und doch liegt die eigentliche Kraft seiner Arbeit in der Improvisation.

Er arbeitete eng mit seinen Protagonist:innen zusammen, entwickelte Vertrauen und schuf so eine seltene Offenheit. In seinen Bildern entstehen Porträts, die nicht nur zeigen, sondern spürbar machen: den Moment vor dem Ton, das Zögern, die Energie eines Raumes.

Sein Blick ist dabei niemals aufdringlich. Vielmehr scheint er Teil des Geschehens – ein unsichtbarer Begleiter zwischen Musiker:innen, Publikum und Raum.

Chicago als pulsierende Bühne

Bronsteins fotografisches Universum ist untrennbar mit Chicago verbunden. In legendären Clubs wie dem London House oder Mr. Kelly’s traf er auf Ikonen der Musikgeschichte: von Muddy Waters über Miles Davis bis hin zu Ella Fitzgerald.

Doch sein Blick ging über die Musik hinaus. Auch Persönlichkeiten aus Comedy und Kultur fanden ihren Weg vor seine Linse – ein Zeichen für die Vielschichtigkeit seines künstlerischen Interesses.

Zwischen Plattencovern und Popkultur

Neben seiner fotografischen Arbeit prägte Bronstein die visuelle Identität der Musikindustrie maßgeblich. Mehr als 500 Albumcover gehen auf sein Konto – für Labels wie Chess Records oder Columbia.

Später wurde er der erste festangestellte Fotograf des Playboy-Magazins und trug entscheidend zu dessen Bildsprache bei. Seine Arbeiten bewegen sich damit an der Schnittstelle von Kunst, Design und Popkultur – lange bevor diese Disziplinen selbstverständlich miteinander verschmolzen.

Ein verborgenes Archiv, neu entdeckt

Nach seinem frühen Tod im Jahr 1968 blieb Bronsteins umfangreiches Archiv jahrzehntelang unangetastet. Erst seine Töchter begannen, das Material zu sichten – und stießen auf ein visuelles Zeitkapsel: Negative, Kontaktbögen, Briefe und bislang ungesehene Fotografien.

Diese Wiederentdeckung verleiht seinem Werk heute eine neue Dringlichkeit. Die Ausstellung in Mailand markiert dabei nicht nur eine Retrospektive, sondern einen Ausgangspunkt für ein tieferes Verständnis seines Einflusses.

Eine Einladung zum genauen Hinsehen

„The Rhythm of the Eye“ ist mehr als eine Ausstellung über Fotografie. Sie ist eine Einladung, Wahrnehmung neu zu denken – als etwas, das sich im Moment entfaltet, im Detail, im Rhythmus.

Don Bronstein zeigt uns, dass Sehen kein statischer Akt ist, sondern ein lebendiger Prozess. Einer, der – wie der Jazz selbst – von Intuition, Timing und Sensibilität lebt.

Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.

Unter dem Alter Ego Sheisinblack.art erschafft die österreichische Künstlerin Manuela Klauser surreale Bildwelten zwischen künstlicher Intelligenz, digitaler Ästhetik und poetischer Dunkelheit.

Die Zukunft der Kunst ist zunehmend digital – und manchmal auch algorithmisch. Mit ihrem künstlerischen Alter Ego Sheisinblack.art gehört die österreichische Künstlerin Manuela Klauser zu jener neuen Generation von Kreativen, die künstliche Intelligenz als kreativen Partner begreifen. Ihre Werke bewegen sich zwischen surrealen Traumlandschaften, urbanen Fragmenten und einer subtil düsteren Ästhetik, die sie selbst als eine Form von „Soft Goth Surrealism“ beschreibt.

Die Bildwelten von Sheisinblack.art

Unter dem Namen Sheisinblack.art entwickelt Manuela Klauser visuelle Kompositionen, die zwischen Traum und digitaler Realität oszillieren. Ihre Arbeiten wirken oft wie Szenen aus einem surrealen Film: geheimnisvolle Figuren, architektonische Fragmente und atmosphärische Lichtstimmungen verschmelzen zu poetischen Bildräumen.

Diese Ästhetik ist charakteristisch für Sheisinblack.art – eine künstlerische Praxis, die künstliche Intelligenz mit intuitiver Bildgestaltung verbindet. Die generierten Bildwelten entstehen im Dialog zwischen menschlicher Idee und algorithmischer Interpretation.

Dabei nutzt Klauser AI-basierte Bildgeneratoren, digitale Bearbeitung und kuratorische Auswahl, um aus einer Vielzahl generierter Bilder jene Kompositionen zu formen, die ihre künstlerische Vision am präzisesten widerspiegeln.

AI als Werkzeug und künstlerischer Dialog

Für Sheisinblack.art ist künstliche Intelligenz nicht bloß ein technisches Hilfsmittel. Vielmehr versteht Manuela Klauser AI als eine Form kreativer Kollaboration – ein System, das neue Bildmöglichkeiten eröffnet und unerwartete visuelle Ideen hervorbringen kann.

Diese Herangehensweise prägt auch ihre Workshops und Vorträge, in denen sie über Prompting, Bildgenerierung und kreative AI-Prozesse spricht. Dabei geht es nicht nur um Technik, sondern vor allem um die Frage, wie Künstler:innen diese neuen Werkzeuge bewusst und kritisch einsetzen können.

Gerade in der aktuellen Debatte über AI in der Kunst nimmt Sheisinblack.art damit eine interessante Position ein: Die Technologie wird nicht als Ersatz menschlicher Kreativität verstanden, sondern als Erweiterung.

Zwischen Kunst, Innovation und digitaler Kultur

Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Manuela Klauser auch als Creative & Innovation Consultant aktiv und engagiert sich in der kreativen Community. Talks, Workshops und Veranstaltungen im Bereich künstliche Intelligenz gehören ebenso zu ihrer Praxis wie die kontinuierliche Weiterentwicklung von Sheisinblack.art.

Gerade diese Verbindung aus künstlerischem Ausdruck, technologischer Kompetenz und Vermittlung macht das Projekt besonders relevant. Sheisinblack.art steht exemplarisch für eine neue Generation digitaler Kunstpraxis, in der kreative Intuition und algorithmische Systeme miteinander verschmelzen.

Die Zukunft der AI-Kunst

Mit Sheisinblack.art zeigt Manuela Klauser, wie sich neue ästhetische Räume im Zeitalter künstlicher Intelligenz eröffnen. Die Bilder sind atmosphärisch, manchmal düster, oft überraschend poetisch – und immer Ausdruck eines kreativen Dialogs zwischen Mensch und Maschine.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von Technologie geprägt ist, gehört Sheisinblack.art zu jenen Projekten, die zeigen, wie künstliche Intelligenz zu einem eigenständigen künstlerischen Medium werden kann.

Ein filmischer Blick in das Haus der Schweizer Surrealistin – und in die Gedankenwelt einer der faszinierendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

In seinem Kurzfilm Meret Lives Here begibt sich Regisseur Matteo Lonardi auf Spurensuche im Haus der Schweizer Surrealistin Meret Oppenheim. In der Casa Costanza im Tessiner Dorf Carona scheinen Kunstwerke, Fundstücke und Alltagsobjekte noch immer den Geist der Künstlerin zu tragen.

Seit Oppenheims Tod im Jahr 1985 nahezu unverändert, wirkt ihr Haus wie ein eingefrorener Ausdruck ihrer Gedankenwelt. Neugier, Disziplin und ein leiser Widerstand gegen Konventionen spiegeln sich in Räumen und Gegenständen wider. Die Umgebung der Casa Costanza inspirierte viele ihrer bekanntesten Arbeiten – Werke, in denen gewöhnliche Objekte des Alltags zu surrealen, poetischen und oft provokanten Skulpturen und Assemblagen transformiert wurden.

“Walking through Meret Oppenheim’s home today feels like entering her state of mind. I was drawn not only to the objects and rooms, but to the sense that Meret never fully left.”
— Matteo Lonardi

Gemeinsam mit Oppenheims Nichte Lisa Wegner, die den künstlerischen Nachlass der Surrealistin betreut, erkundet Lonardi das Haus als Spiegel ihres inneren Kosmos. Zwischen Erinnerungen an das Paris der 1930er-Jahre – wo Oppenheim mit Künstlern wie Max Ernst und Man Ray verkehrte – und ihrem konsequenten Widerstand gegen jede Form der Kategorisierung entsteht ein intimes Porträt der Künstlerin.

Der Film verbindet die poetischen Widersprüche der Casa Costanza mit der geistigen Freiheit und dem spielerischen Witz, die Oppenheims Werk prägen. In den Objekten, Möbeln und Kunstwerken ihres Hauses scheint ihre kreative Energie bis heute weiterzuleben.

Die Ausstellung „Tanzbild“ in der ALBERTINA MODERN erzählt anhand historischer Fotografien die faszinierende Geschichte des Tanzes zwischen Bewegung, Inszenierung und fotografischer Innovation – von den frühen Atelieraufnahmen des 19. Jahrhunderts bis zur avantgardistischen Tanzfotografie der 1930er-Jahre.

Wenn Bewegung zum Bild wird

Tanz ist flüchtig. Eine Bewegung existiert nur für einen Augenblick – und verschwindet im selben Moment wieder. Genau diese Vergänglichkeit fasziniert Fotograf:innen seit den Anfängen der Fotografie. Mit der Ausstellung „Tanzbild. Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA“ widmet sich die ALBERTINA MODERN diesem Spannungsfeld zwischen Bewegung und Stillstand und zeichnet eine visuelle Geschichte der Tanzfotografie von den 1860er-Jahren bis in die frühen 1940er-Jahre nach. Rund 120 Werke aus der Fotosammlung der Albertina geben Einblick in eine Epoche, in der Tanz und Fotografie gleichermaßen neue Ausdrucksformen entwickelten.

Tanzfotografie zwischen Bühne und Atelier

Die frühesten Tanzfotografien entstanden in den Ateliers des 19. Jahrhunderts. Tänzerinnen und Tänzer wurden dort in statischen Posen oder klassischen Porträts inszeniert – oft als Sammelbilder im sogenannten Visitformat oder als großformatige Kabinettkarten. Diese Fotografien machten Künstler:innen zu frühen Stars und prägten eine neue visuelle Kultur der Prominenz.

Mit den technischen Fortschritten der Fotografie – insbesondere kürzeren Belichtungszeiten – begann sich das Bild des Tanzes zu verändern. Ab dem späten 19. Jahrhundert konnte erstmals Bewegung selbst fotografisch festgehalten werden. Serienaufnahmen und Bewegungsstudien machten Abläufe sichtbar, die zuvor dem menschlichen Auge verborgen geblieben waren.

Die Geburt der Tanzmoderne

Besonders intensiv widmet sich die Ausstellung der Zwischenkriegszeit, einer Phase, in der sich der moderne Tanz als eigenständige Kunstform etablierte. Tänzerinnen wie Isadora Duncan, Mary Wigman oder Josephine Baker prägten eine neue Körperästhetik, die sich bewusst vom klassischen Ballett abgrenzte. Ausdruck, Individualität und körperliche Freiheit rückten in den Mittelpunkt.

Parallel dazu entwickelte sich die Fotografie zu einem kreativen Partner der Performance. Fotograf:innen wie Trude Fleischmann, Rudolf Koppitz, Atelier d’Ora oder Charlotte Rudolph arbeiteten eng mit den Tänzer:innen zusammen. In diesem dialogischen Prozess entstanden ikonische Bilder, die nicht nur Bewegung dokumentierten, sondern selbst zu künstlerischen Interpretationen des Tanzes wurden. pressemappe_tanzbild_de

Avantgarde, Ausdruck und Inszenierung

Die Tanzfotografie wurde zunehmend experimentell. Fotograf:innen suchten nach neuen Möglichkeiten, Dynamik, Geschwindigkeit und Emotion sichtbar zu machen. Ungewöhnliche Perspektiven, fragmentierte Bildausschnitte oder bewusst inszenierte Gesten spiegelten die ästhetischen Strömungen der Moderne wider.

Ein eindrucksvolles Beispiel ist die Fotografie der Tänzerin Gret Palucca während eines Sprungs, aufgenommen von Charlotte Rudolph. Das Bild vermittelt eine fast schwerelose Dynamik und wurde zu einem ikonischen Motiv der fotografischen Avantgarde der 1920er-Jahre.

Tanz als Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen

Die Fotografien zeigen nicht nur Tanz, sondern auch gesellschaftliche Entwicklungen. In den Illustrierten der Zwischenkriegszeit wurden Tänzerinnen zunehmend als moderne, selbstbewusste Persönlichkeiten inszeniert. Gleichzeitig spiegelte ihre Darstellung neue Vorstellungen von Körperlichkeit, Emanzipation und Sinnlichkeit wider.

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 in Deutschland und 1938 in Österreich erlebten sowohl Tanzszene als auch Fotografie jedoch einen drastischen Bruch. Viele Künstler:innen wurden verfolgt, vertrieben oder ermordet – eine Zäsur, die auch in der Geschichte der Tanzfotografie tiefe Spuren hinterließ.

Eine visuelle Geschichte des Tanzes

„Tanzbild“ macht deutlich, wie eng Tanz und Fotografie miteinander verbunden sind. Die Kamera konserviert nicht nur flüchtige Bewegungen, sondern erschafft auch neue Bildwelten des Körpers in Bewegung.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Tanz nicht nur als Performance zu erleben, sondern als ästhetisches Zusammenspiel von Körper, Licht, Technik und künstlerischer Interpretation.

Ausstellung:
Tanzbild – Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA
Ort: ALBERTINA MODERN, Wien
Dauer: 3. März – 7. Juni 2026
Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: ca. 120 Fotografien