Drei Schwestern, ein Sommer in der Toskana und die leise Frage, was von einer gemeinsamen Vergangenheit bleibt, wenn das Leben längst weitergezogen ist.

In How Long Is Now widmet sich die slowakische Autorin und Regisseurin Adriána Ingeli dem Vergehen der Zeit – nicht als sichtbare Veränderung, sondern als kaum wahrnehmbare Bewegung, die Beziehungen, Erinnerungen und Identitäten neu ordnet.

Auf 16-mm-Film gedreht, begleitet der atmosphärische Kurzfilm drei Schwestern durch einen langen, trägen Sommer in der Toskana. Im Haus ihrer Großmutter, einem Ort voller Kindheitserinnerungen, scheint die Zeit für einen Moment stillzustehen. Doch gerade dort wird spürbar, wie weit sich das Leben inzwischen von der gemeinsamen Vergangenheit entfernt hat.

Zwischen Nähe und Distanz

Die Gespräche der Schwestern kreisen um Erinnerungen, während vieles, was sie heute bewegt, unausgesprochen bleibt. Vertrautheit und Distanz existieren nebeneinander. Die Kindheit verbindet sie noch immer – und wird zugleich zu einem Bild, in dem ihre damalige Beziehung wie eingefroren erscheint.

„Manchmal ist die gemeinsame Vergangenheit die einzige Brücke, die noch bleibt.“

In leisen Dialogen und langen Momenten des Schweigens erzählt How Long Is Now davon, wie Nostalgie Nähe herstellen kann, aber auch davon, wie schwierig es ist, einander in der Gegenwart neu zu begegnen.

Die Erwartungen der Zeit

Im Zentrum steht eine Frau, die sich ihrem dreißigsten Geburtstag nähert. Ohne es offen auszusprechen, setzt sie sich mit gesellschaftlichen Erwartungen auseinander: mit der Vorstellung, in diesem Alter einen Partner, eine Familie und einen klar definierten Lebensweg haben zu müssen.

Adriána Ingeli findet dafür keine dramatischen Gesten. Vielmehr beobachtet sie jene innere Spannung, die entsteht, wenn das eigene Leben nicht mit den vermeintlichen Zeitplänen der Gesellschaft übereinstimmt. Der Film fragt, ob uns das Festhalten an früheren Bildern daran hindert, die Gegenwart wirklich wahrzunehmen – und ob Beziehungen weiterleben können, wenn sich die Menschen in ihnen verändern.

How Long Is Now ist eine sanfte, bittersüße Betrachtung über Schwesternschaft, Erinnerung und die unausweichliche Bewegung der Zeit.

Das belgische Studio Monad Origin verwandelt Frequenzen in Möbel, Skulpturen und räumliche Erfahrungen. Während der Berlin Art Week zeigt das Duo Nick Peeters und Anujin Byambaa mit WITNESS, wie aus etwas Unsichtbarem etwas Bleibendes entstehen kann.

Ein Ton ist flüchtig. Er entsteht, breitet sich aus und verschwindet. Für Monad Origin ist genau das der Ausgangspunkt einer ungewöhnlichen Designpraxis.

Das belgische Studio von Nick Peeters und Anujin Byambaa übersetzt rohe Klangfrequenzen in physische Formen. Tische, Sessel, Gefäße und Skulpturen entstehen nicht aus klassischen Entwürfen oder Moodboards, sondern aus den geometrischen Strukturen von Vibration.

Function follows Frequency

Bei Monad Origin beginnt Design nicht mit einer Funktion, sondern mit einer Frequenz. Diese wird in räumliche Parameter wie Proportion, Spannung, Volumen und Leere übersetzt. Erst danach entscheidet sich, ob aus einer Form ein Tisch, ein Sitzmöbel oder vielleicht doch eine reine Skulptur wird.

Die Objekte wirken dadurch weniger entworfen als entdeckt. Selbst ihre Namen dokumentieren den Prozess: Study for a Lounge Chair (B) [14Hz | 15Hz | 14Hz] verweist direkt auf jene Frequenzen, aus denen die Form hervorgegangen ist.

Ein besonders schönes Beispiel ist der Side Table [30Hz 0.4y – 26Hz 0.8y] aus Aluminium. Monad Origin beschreibt ihn als eingefangenen Moment der Resonanz – beinahe als Fossil einer Frequenz.

Von Brüssel nach Berlin

2026 präsentierte Monad Origin seine Arbeiten bereits bei COLLECTIBLE Brussels, bei FORMA während des Madrid Design Festival und bei SOLIDIFIED im Rahmen der Milan Design Week.

Nun folgt mit WITNESS während der Berlin Art Week eine weitere Entwicklung der Idee.

Vom 9. bis 13. September bespielt Monad Origin den neuen Kunstraum DISTILL in Berlin-Neukölln. Die Ausstellung erweitert das Prinzip über Designobjekte hinaus: Skulptur, Licht, Vibration und live erzeugte Bilder treffen aufeinander. Klang wird hier nicht nur in Materie übersetzt, sondern auch in Bewegung und Raum.

Zu den neuen Arbeiten zählen der Wing Lounge Chair, entstanden aus dem Frequenzintervall 16,4 bis 17,3 Hz, sowie die Aluminiumserien Talisman und Vessels.

Die persönlichste Frequenz

Besonders spannend ist die Möglichkeit, ein individuelles Artefakt aus einem persönlichen Klang entstehen zu lassen – aus einer Stimme, einer Erinnerung oder einem bestimmten Moment.

Der Klang wird durch das System von Monad Origin in eine einzigartige Form übersetzt. Nicht Dekoration oder Personalisierung stehen im Mittelpunkt, sondern die Idee, etwas Flüchtiges dauerhaft werden zu lassen.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination von Monad Origin: Hinter Technologie, Frequenzanalyse und Materialexperiment steckt eine sehr menschliche Frage.

Wie lässt sich etwas festhalten, das eigentlich dazu bestimmt ist, zu verschwinden?

WITNESS – Monad Origin

DISTILL, Donaustraße 16, Berlin-Neukölln
9.–13. September 2026
Opening & Performances: 10. September, 18–21 Uhr

Forward Festival Wien 2026: Am 1. und 2. Oktober wird das Gartenbaukino wieder zum Treffpunkt der internationalen Kreativszene. Annie Atkins, Mirko Borsche und mehr als 25 Speaker:innen sprechen über Design, Autorenschaft und eine Frage, die plötzlich fast alle Kreativberufe betrifft: Was kann die Maschine – und wofür braucht es weiterhin den Menschen?

Es ist eine Frage, die Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen, Architekt:innen und Agenturen längst nicht mehr theoretisch diskutieren können. Generative KI produziert Bilder in Sekunden, entwickelt Varianten, imitiert Ästhetiken und verändert damit nicht nur Arbeitsprozesse, sondern auch die Vorstellung davon, was kreative Arbeit eigentlich wert ist.

Beim Forward Festival Wien am 1. und 2. Oktober 2026 wird genau diese Verschiebung zum Ausgangspunkt für Gespräche über die Zukunft der Kreativität.

Nach Stationen in Berlin und Frankfurt kehrt Forward zum Saisonabschluss ins Wiener Gartenbaukino zurück – dorthin, wo die Geschichte des Festivals 2015 begann. Aus der ersten Wiener Ausgabe wurden inzwischen 35 Festivals in europäischen Städten, mehr als 600 Speaker:innen und eine Community von rund 50.000 Kreativen aus 70 Nationen.

Die Handschrift hinter den Bildern

Besonders spannend wird die Frage nach menschlicher Autorenschaft bei zwei Gästen, deren Arbeiten viele kennen dürften – auch wenn ihre Namen einem breiteren Publikum weniger geläufig sind.

Annie Atkins erschafft jene grafischen Welten, die wesentlich zur unverwechselbaren Ästhetik der Filme von Wes Anderson beitragen. Schriftzüge, Dokumente, Verpackungen und andere grafische Requisiten entstehen mit einer Präzision, bei der gerade die Details den Unterschied machen.

Mirko Borsche wiederum gehört zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Editorial- und Grafikdesigns. Seine Arbeiten und Kollaborationen reichen von Balenciaga, Supreme und Inter Mailand bis zum Magazin 032c.

Beide verkörpern damit etwas, das im Zeitalter nahezu unbegrenzt reproduzierbarer Bilder wieder erstaunlich kostbar erscheint: eine erkennbare Handschrift.

Was also kaufen Auftraggeber:innen künftig, wenn sie einen Menschen statt eines Tools engagieren? Eine Dienstleistung? Einen Stil? Erfahrung? Urteilskraft? Oder gerade jene schwer definierbare Fähigkeit, Entscheidungen zu treffen, die nicht aus Wahrscheinlichkeiten entstehen?

Kreativität nach dem Automatisierungsschub

Forward belässt die Diskussion nicht bei ästhetischen Fragen. Ein Panel beschäftigt sich mit den konkreten Veränderungen innerhalb der Kreativwirtschaft: mit neuen Rollen in Studios und Agenturen, veränderten Erwartungen von Kund:innen sowie mit Autorenschaft und Honoraren, wenn Teile kreativer Produktion automatisiert werden.

Damit berührt das Festival einen Punkt, der womöglich entscheidender ist als die Frage, ob KI „kreativ“ sein kann.

Denn Werkzeuge haben kreative Arbeit immer verändert. Interessanter ist, welchen Wert wir der menschlichen Entscheidung beimessen, wenn das Produzieren selbst immer einfacher wird.

Neben Annie Atkins und Mirko Borsche stehen unter anderem Natasha Jen, Erik Kessels, Cachete Jack, Luna Maurer, Thomas Albdorf, Gabriela Namie, So Me, Jim Stoten und The Mill auf dem Programm. Talks werden durch Workshops, Ausstellungen, eine Expo Area, Side-Events und Networking ergänzt.

Eine Idee, die in Wien begann

Hinter Forward steht Gründer Othmar Handl. Was 2015 in Wien begann, ist längst zu einer internationalen Plattform der Kreativszene geworden. Der ursprüngliche Gedanke ist dabei erstaunlich analog geblieben: Menschen zusammenzubringen.

Vielleicht liegt gerade darin eine mögliche Antwort auf die große Frage des Festivals.

Je leistungsfähiger unsere Maschinen werden, desto interessanter könnte das werden, was sich nicht beliebig skalieren lässt: Persönlichkeit, Erfahrung, Haltung, Begegnung – und der Mut, aus einer Idee tatsächlich etwas zu machen.

Forward Festival Wien 2026
1.–2. Oktober 2026
Gartenbaukino, Wien

Was bleibt von unseren Vorstellungen von Identität und Verbundenheit, wenn sich die Welt um uns immer schneller verändert? In „Lightscape – Open House“ verwandelt der amerikanische Künstler Doug Aitken ein Meisterwerk der kalifornischen Moderne in einen ebenso faszinierenden wie verstörenden Raum der Selbstreflexion.

Ein Haus aus Glas. Licht wandert durch die Räume, Schatten verschieben sich, Spiegel vervielfachen Körper und Perspektiven. Und mittendrin Menschen, die nach etwas zu suchen scheinen: nach Bedeutung, nach Nähe, vielleicht auch nach sich selbst.

Für „Lightscape – Open House“ wählte der amerikanische Künstler Doug Aitken einen außergewöhnlichen Schauplatz: das von Richard Neutra entworfene Tremaine House in Montecito, Kalifornien. Die private Residenz, die zuvor noch nie als Filmlocation genutzt wurde, wird bei Aitken weit mehr als eine spektakuläre architektonische Kulisse. Sie wird selbst zur Protagonistin.

Ein Haus als Spiegel

Der experimentelle Kurzfilm ist Teil von Aitkens einstündigem Werk „Lightscape“, einer filmbasierten Installation, die derzeit im The Shed in New York City zu sehen ist. Darin begegnen sich Jugend und Alter, Vergangenheit und Gegenwart, während die Figuren zunehmend mit ihrer Umgebung zu verschmelzen scheinen.

Surreale Bildwelten treffen auf eine eindringliche Klanglandschaft mit dem Los Angeles Master Chorale, dem Los Angeles Philharmonic und dem isländischen Künstler Bjarki. Bild, Architektur und Musik bilden einen Raum, in dem Realität und Wahrnehmung zunehmend ineinanderfließen.

Im Zentrum steht dabei eine Frage, die weit über das Geschehen im Film hinausweist: Wie finden wir Bedeutung und Identität in einer Welt, deren vertraute Vorstellungen und Mythen zunehmend verblassen?

Die Schönheit der Distanz

Aitken nutzt Neutras charakteristische Glasarchitektur meisterhaft. Licht und Schatten wandern über transparente Flächen, Spiegel erzeugen kaleidoskopartige Perspektiven, Menschen erscheinen gleichzeitig nah und unerreichbar.

Gerade darin liegt die Spannung von „Lightscape – Open House“. Das Haus verspricht Offenheit und Transparenz und wird zugleich zu einer Art gläsernem Gefängnis. Seine Bewohner können einander sehen, beobachten und reflektieren – doch die unsichtbare Grenze zwischen ihnen bleibt bestehen.

Aus der Ikone des West Coast Modernism entsteht so ein beinahe fiebriger Traum über das moderne Leben: Geschichten kreuzen sich, Generationen begegnen einander, Menschen suchen Verbindung. Und dennoch scheint immer eine dünne Schicht Glas zwischen dem eigenen Blick und der Welt zu liegen.

Vielleicht erzählt Aitkens Film deshalb weniger von Architektur als davon, wie wir heute leben: sichtbar, vernetzt und einander scheinbar nahe – und gleichzeitig auf der Suche nach echter Verbindung.

Doug Aitkens „Lightscape“ ist noch bis 13. September im The Shed in New York City zu sehen.

Der Original-Soundtrack zu „Lightscape“ wird von The Vinyl Factory auf Vinyl veröffentlicht und ist auch über Streaming-Plattformen erhältlich.

Zwei Künstler, zwei Generationen und ein gemeinsames Thema: der Mensch. Die ALBERTINA Wien bringt Pablo Picasso und Francis Bacon in einer großen Ausstellung zusammen – und zeigt, wie aus Bewunderung ein künstlerisches Ringen wurde.

Was bleibt vom Menschen, wenn man seine äußere Form nicht länger als unverrückbare Wahrheit begreift? Wenn ein Gesicht auseinanderfällt, ein Körper sich verdreht und Schönheit plötzlich nichts Harmonisches mehr sein muss?

Pablo Picasso und Francis Bacon haben darauf sehr unterschiedliche Antworten gefunden. Und doch führt ihr Werk immer wieder an denselben Ort: zum Menschen in all seiner Widersprüchlichkeit. Zu Begierde und Angst, Gewalt und Verletzlichkeit, Körper und Psyche.

Die Ausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“, die vom 18. September 2026 bis 31. Januar 2027 in der ALBERTINA Wien zu sehen ist, stellt die beiden großen figurativen Maler des 20. Jahrhunderts einander gegenüber. Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen machen sichtbar, wie eng ihre künstlerischen Welten miteinander verbunden sind – obwohl zwischen ihnen keine Beziehung auf Augenhöhe bestand.

Der übermächtige Vorgänger

Für Francis Bacon begann vieles mit Picasso. Unter dem Eindruck von dessen Werk fasste er den Entschluss, selbst Maler zu werden. Picasso wurde zum Vorbild – und damit zwangsläufig auch zu jener Figur, von der Bacon sich emanzipieren musste.

Das Verhältnis lässt sich als künstlerischer Generationenkonflikt lesen. Picasso hatte die menschliche Figur zerlegt, Perspektiven aufgebrochen und den Körper von der Verpflichtung befreit, die sichtbare Realität abzubilden. Bacon konnte diese Revolution nicht ignorieren. Er musste dort beginnen, wo Picasso bereits gewesen war – und versuchen, weiterzugehen.

Sein Anspruch war entsprechend groß: Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das werden, was Picasso für dessen erste Hälfte gewesen war – ein Chronist seiner Zeit und vor allem des Menschen darin.

Picasso wiederum blieb von Bacon künstlerisch unbeeinflusst. Dessen Karriere verfolgte er dennoch aufmerksam. Allein dieser Umstand macht die Gegenüberstellung faszinierend: Hier begegnen einander nicht Lehrer und Schüler, sondern zwei Künstler, zwischen deren Werken ein Dialog entstand, ohne dass er jemals tatsächlich geführt werden musste.

Der Körper als Schauplatz

Bei beiden wird der menschliche Körper zum Material. Er wird zerlegt, deformiert, neu zusammengesetzt und von seiner anatomischen Selbstverständlichkeit befreit. Doch diese Verzerrungen führen nicht vom Menschen weg. Im Gegenteil: Gerade dort, wo die äußere Ähnlichkeit verloren geht, scheint etwas Inneres sichtbar zu werden.

Picassos Körper können zugleich aus mehreren Perspektiven bestehen, Bacons Figuren scheinen unter der Oberfläche ihrer eigenen Existenz zu vibrieren. Gesichter werden zu Bewegungen, Münder zu Schreien, Körper zu Zuständen.

Themen wie Kreuzigung, Stierkampf, Akt oder die „Tränen des Eros“ tauchen in den Bildwelten beider Künstler auf. Schmerz und Begehren liegen dabei erstaunlich nahe beieinander. Der Körper ist nicht bloß Hülle, sondern Austragungsort dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Verbindung zwischen Picasso und Bacon: Beide misstrauen der intakten Oberfläche.

Schönheit nach der Schönheit

Heute begegnen wir menschlichen Körpern häufiger denn je als optimierten Bildern. Gesichter werden geglättet, Proportionen korrigiert, digitale Oberflächen perfektioniert. Vor diesem Hintergrund besitzen Picasso und Bacon eine überraschende Aktualität.

Ihre Bilder verweigern die Idee, dass der Mensch erst durch Perfektion interessant wird. Sie suchen Wahrheit nicht in Symmetrie oder Makellosigkeit, sondern in Brüchen, Verschiebungen und Ambivalenzen.

Das macht ihre Kunst nicht unbedingt angenehm. Aber vielleicht muss Kunst das auch nicht sein.

„Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ erzählt letztlich weniger von zwei großen Namen der Kunstgeschichte als von einer Frage, die sich nicht erledigt hat: Wie sieht ein Mensch aus, wenn man nicht nur seine Oberfläche zeigen möchte?

Picasso und Bacon geben darauf keine eindeutige Antwort. Sie zerlegen den Menschen, um ihm näherzukommen.

Und vielleicht liegt gerade darin ihre eigentümliche Form von Humanismus.

Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human
18. September 2026 – 31. Januar 2027
ALBERTINA Wien

Alles vergeht. Was zunächst melancholisch klingt, wird bei Ivan Gette zu einer Einladung, den Moment umso intensiver wahrzunehmen. Mit „TUTTO PASSA“ zeigt der Berliner Künstler während der Berlin Art Week eine neue Werkserie über Veränderung, Erinnerung und das, was von einem Augenblick bleibt.

Tutto passa – alles vergeht. Im Italienischen sind es zwei einfache Worte, hinter denen sich eine ganze Lebensphilosophie verbirgt. Nicht das Festhalten steht dabei im Mittelpunkt, sondern die Erkenntnis, dass gerade die Vergänglichkeit einem Moment seinen Wert gibt.

Für den in Berlin lebenden Künstler Ivan Gette wurde dieser Gedanke zum Ausgangspunkt seiner gleichnamigen Werkserie. Den Impuls dazu fand er während eines Aufenthalts in Pietrasanta in der Toskana. Dort begann er, sich intensiver mit der Idee des Tutto Passa auseinanderzusetzen: Alles verändert sich, jeder Augenblick ist einmalig – und dennoch hinterlassen manche Momente Spuren, die weit über ihre eigentliche Dauer hinausreichen.

Erinnerungen werden zu Farbe

Gette versucht nicht, diese Momente abzubilden. Er übersetzt sie vielmehr in Farbe, Struktur und Bewegung. Seine abstrakten Arbeiten entstehen intuitiv und unmittelbar, geprägt von Reisen, Begegnungen und Emotionen.

Seine eigene künstlerische Sprache bezeichnet Gette als „abstrakten Nihilismus“. Struktur trifft darin auf Chaos, Ordnung auf Auflösung. Es ist eine Malerei, die sich einer eindeutigen Lesart entzieht – und genau darin ihre Offenheit findet.

Gette erklärt seine Bilder bewusst nicht. Was ein Werk bedeutet, entscheidet sich erst in der Begegnung mit den Betrachtenden. Diesen Gedanken führt er ungewöhnlich konsequent weiter: Seine Gemälde bleiben zunächst ohne Titel. Erst die Sammlerinnen und Sammler, die ein Werk erwerben, sind eingeladen, ihm einen Namen zu geben.

Aus dem Besitz eines Kunstwerks wird damit eine persönliche Beziehung. Der Titel schreibt eine individuelle Erinnerung in das Bild ein und verbindet es mit einem neuen Moment.

Was bleibt, wenn alles vergeht?

Bevor sich Ivan Gette vollständig der Malerei widmete, arbeitete er mehrere Jahre als Art Director und im Marketing, unter anderem für Nike. Heute lebt und arbeitet der in Sibirien geborene Künstler in Berlin. Seine Werke wurden international gezeigt, unter anderem im Umfeld der Art Basel Miami Beach sowie bei der Parallel Vienna, und befinden sich mittlerweile in privaten Sammlungen von Europa über die USA bis nach Indien und in die Vereinigten Arabischen Emirate.

Mit „TUTTO PASSA“ rückt nun jedoch weniger die Karriere des Künstlers als vielmehr eine universelle Erfahrung in den Mittelpunkt: Zeit lässt sich weder besitzen noch zurückholen. Was bleibt, sind Erinnerungen – an Orte, Begegnungen, Gefühle und jene scheinbar kleinen Augenblicke, die sich manchmal erst im Rückblick als bedeutend erweisen.

Vielleicht liegt genau darin die Spannung dieser Arbeiten. Sie versuchen nicht, die Zeit anzuhalten. Sie akzeptieren, dass sie weiterläuft.

Und machen sichtbar, was sie hinterlässt.

TUTTO PASSA | IVAN GETTE
9. September bis 22. November 2026
Opening: 9. September 2026
AK GALERIE | Behrenstraße 31 | 10117 Berlin

POSITIONS Berlin Art Fair
10. bis 13. September 2026
Flughafen Tempelhof | Hangar 5–6 | Berlin

Lorenzo Agius und Izzy Weissgerber zeigen auf Mallorca, wie Fotografie und Malerei zu einer gemeinsamen Bildsprache verschmelzen

Mit ICONIC zieht eine Ausstellung in die HMH Galeria in Port Andratx ein, die Fotografie und Malerei nicht als Gegensätze versteht, sondern als gleichberechtigte Gesprächspartner. Vom 22. August 2026 bis 6. Januar 2027 treffen die ikonischen Porträts des international renommierten Fotografen Lorenzo Agius auf die intuitiven, emotionalen Interventionen der Berliner Künstlerin Izzy Weissgerber. Das Ergebnis ist keine klassische Kooperation, sondern eine neue visuelle Sprache, in der Kontrolle und Hingabe, Schönheit und Verletzlichkeit miteinander verschmelzen.

Zwischen Glamour und Menschlichkeit

Seit den 1990er-Jahren gehört Lorenzo Agius zu den bedeutendsten Porträtfotografen der internationalen Film- und Modeszene. Seine Fotografien von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Madonna, Ewan McGregor, Jude Law, Jack Nicholson oder Valentino haben längst Kultstatus erreicht. Doch Agius interessiert sich weniger für Prominenz als für den flüchtigen Moment dahinter.

Seine Bilder entstehen dort, wo Perfektion für einen Augenblick ihre Fassade verliert und Authentizität sichtbar wird. Statt Inszenierung sucht er emotionale Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie führt einen stillen Dialog mit ihrem Gegenüber.

Diese Fähigkeit machte ihn bereits mit seinen ikonischen Fotografien rund um Trainspotting und später während der Ära der britischen „Cool Britannia“ zu einem der prägendsten visuellen Chronisten seiner Generation. Heute befinden sich seine Werke unter anderem in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.

Wenn Farbe Emotion sichtbar macht

Wo Agius mit Licht arbeitet, setzt Izzy Weissgerber auf Intuition. Die deutsch-amerikanische Künstlerin verbindet Malerei, Zeichnung und Mixed Media zu Arbeiten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen.

Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Kunst ist ihre Synästhesie – die Fähigkeit, Menschen als individuelle Farben und Zahlen wahrzunehmen. Diese unsichtbaren Codes übersetzt sie in expressive Eingriffe, die Fotografien nicht übermalen, sondern emotional erweitern.

Ihre charakteristischen Porträts verzichten häufig auf den direkten Blickkontakt. Die Augen verschwinden hinter kräftigen Farbfeldern, wodurch sich der Fokus vom Äußeren auf die innere Energie der dargestellten Persönlichkeit verschiebt. Bekannt wurde Weissgerber international, nachdem Joe Dallesandro – Schauspieler und Muse Andy Warhols – eines ihrer Werke entdeckte und ein Porträt in Auftrag gab.

Ein kreativer Dialog statt einer Überarbeitung

Der besondere Reiz von ICONIC liegt nicht darin, dass Malerei Fotografien verändert. Vielmehr entstehen Werke, die sich zwischen beiden Disziplinen bewegen.

Weissgerbers Eingriffe überdecken die Fotografien von Agius nicht, sondern verdichten sie. Jede Farbschicht eröffnet neue emotionale Ebenen, ohne die ursprüngliche fotografische Sprache auszulöschen. Dadurch entwickelt sich zwischen beiden Künstlern eine geteilte Autorenschaft – eine visuelle Kommunikation, die weder der Fotografie noch der Malerei allein gehört.

Gerade in einer Zeit permanenter Bilderflut wirkt dieser Ansatz bemerkenswert entschleunigend. Statt Aufmerksamkeit durch Lautstärke zu erzeugen, fordert ICONIC Konzentration. Die Ausstellung lädt dazu ein, länger hinzusehen und jene Zwischentöne wahrzunehmen, die im digitalen Bilderstrom oft verloren gehen.

Port Andratx als Bühne für internationale Kunst

Nach ihrer viel beachteten Präsentation während des Gallery Weekends Berlin macht ICONIC nun Station auf Mallorca. In der HMH Galeria werden unter anderem Arbeiten mit Cate Blanchett, Madonna, Jude Law und Diana Ross gezeigt.

Die Ausstellung macht deutlich, dass Porträts weit mehr sein können als Abbilder prominenter Gesichter. Sie werden zu Projektionsflächen für Erinnerung, Emotion und Identität – und zeigen, wie kraftvoll Kunst wird, wenn unterschiedliche Handschriften nicht konkurrieren, sondern miteinander arbeiten.

Zwischen unvollendeten Gebäuden und gelebter Realität erzählt der Kurzfilm Liminal von NOWNESS eine Geschichte über Räume, die weder Vergangenheit noch Zukunft sind. In Accra wird Architektur dabei nicht zur Kulisse, sondern zum Gegenüber einer Performerin, deren Körper die Spannungen einer Stadt sichtbar macht.

Zwischen Aufbruch und Stillstand

Accra gilt als eine der dynamischsten Metropolen Westafrikas. Die ghanaische Hauptstadt wächst rasant, verändert sich beinahe täglich und steht zugleich vor Herausforderungen, die viele schnell wachsende Städte teilen. Unvollendete Bauprojekte, vernachlässigte Infrastruktur und Orte, die scheinbar auf ihre Zukunft warten, gehören ebenso zum Stadtbild wie neue Visionen.

Genau in diesem Spannungsfeld setzt der Kurzfilm Liminal an. Regisseurin und bildende Künstlerin Naafia Naahemaa verlegt die Handlung in einen nie fertiggestellten brutalistischen Bau. Sichtbeton, offene Treppenhäuser und freistehende Pfeiler bilden eine Architektur, die weder verlassen noch belebt wirkt – ein Ort im Schwebezustand.

Der Körper als Spiegel der Stadt

Im Zentrum steht die Performance-Künstlerin Nana Yaa Poku Asare-Boadu. Ihre Bewegungen folgen keiner klassischen Choreografie. Stattdessen entstehen sie unmittelbar aus der Begegnung mit dem Gebäude selbst. Jeder Schritt, jede Pause und jede Geste scheint auf den Raum zu reagieren und macht sichtbar, wie eng Architektur und menschliche Erfahrung miteinander verbunden sind.

Begleitet von der atmosphärischen Komposition von Malick Koly entwickelt sich ein Dialog zwischen Körper und Bauwerk. Die Architektur wirkt dabei nicht statisch, sondern beinahe lebendig – als würde sie auf jede Bewegung antworten.

Der Film verzichtet bewusst auf eindeutige Botschaften. Stattdessen eröffnet er einen emotionalen Erfahrungsraum, in dem Fragen nach Entwicklung, Veränderung und gesellschaftlicher Verantwortung körperlich erfahrbar werden.

Räume, die Geschichten speichern

Liminal entstand nicht isoliert von seinem Umfeld. Gespräche mit Bewohnerinnen einer in den 1960er-Jahren errichteten Wohnsiedlung im Stadtteil Kaneshie flossen in das Projekt ein. Ihre Erfahrungen mit Verdrängung, ungeklärten Besitzverhältnissen und schleichendem Verlust öffentlicher Infrastruktur bilden den unsichtbaren Hintergrund der Performance.

Gerade dadurch gewinnt der Film an Tiefe. Die Architektur erzählt nicht nur von Beton und Konstruktion, sondern von Erinnerungen, Hoffnungen und den Spuren gesellschaftlicher Entwicklungen.

Wie viele der außergewöhnlichen Kurzfilme auf NOWNESS bewegt sich Liminal zwischen Kunstfilm, Architekturbetrachtung und Performance. Das Ergebnis ist kein klassischer Dokumentarfilm, sondern eine poetische Reflexion darüber, wie Menschen Räume prägen – und wie Räume wiederum ihre Bewohner formen.

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

Wie die Comcaac an Mexikos Sonoraküste ihr überliefertes Wissen bis heute bewahren

An der abgelegenen Küste der Sonora-Wüste im Norden Mexikos lebt eines der kleinsten indigenen Völker des Landes: die Comcaac, auch als Seri bekannt. Weniger als tausend Menschen bewahren hier bis heute eine Lebensweise, die seit Generationen eng mit Wüste, Meer und den Rhythmen der Natur verbunden ist. Der NOWNESS-Kurzfilm Un Canto por el Desierto („Ein Lied für die Wüste“) begleitet diese außergewöhnliche Gemeinschaft und zeigt, wie Kultur, Erinnerung und Spiritualität in einem einzigen Handwerk zusammenfinden.

Geflochtenes Wissen

Im Mittelpunkt des Films steht die traditionelle Korbflechterei der Comcaac-Frauen. Aus den Fasern der Torote-Pflanze – auch Elefantenbaum genannt – entstehen Gefäße, die seit Jahrhunderten den Alltag begleiten: Sie transportieren Wasser, Nahrung, Saatgut oder sogar Kinder.

Doch diese Körbe erfüllen weit mehr als einen praktischen Zweck. Jeder einzelne ist Ausdruck eines kulturellen Gedächtnisses, das über Generationen ausschließlich mündlich weitergegeben wurde. In den Mustern, Materialien und Techniken lebt das Wissen einer Gemeinschaft weiter, deren Identität untrennbar mit ihrer Landschaft verbunden ist.

„Die Körbe der Comcaac sind niemals nur Körbe. Sie sind Gefäße – für Samen, Früchte, Wasser, Kinder und manchmal auch für Geschichten aus einer anderen Welt.“
– Enrique M. Rizo

Zwischen Natur und Mythos

Gemeinsam mit Ana María, einer Angehörigen der Comcaac, die in ihrer Muttersprache Cmiique Iitom spricht, führt Regisseur Enrique M. Rizo den Zuschauer in eine Welt, in der Natur und Spiritualität nicht voneinander getrennt werden.

Lieder an den Wind, die Sonne, das Meer oder die Wüste sind keine Folklore für Besucher, sondern lebendiger Teil einer Weltsicht, in der jedes Element eine eigene Stimme besitzt. Der Film macht deutlich, dass sich kulturelles Wissen nicht ausschließlich in geschriebenen Archiven bewahren lässt – sondern ebenso in Ritualen, Erzählungen und handwerklichen Gesten.

Ein Porträt kultureller Widerstandskraft

Un Canto por el Desierto erzählt nicht nur von einer seltenen Flechttechnik. Es ist ein sensibles Porträt über Identität, weibliches Wissen und die Kraft kultureller Kontinuität. Gerade in einer Zeit, in der viele indigene Traditionen zu verschwinden drohen, erinnert der Film daran, dass Handwerk ein lebendiges Archiv sein kann – eines, das Vergangenheit und Zukunft miteinander verbindet.

Wie so oft gelingt NOWNESS dabei kein dokumentarischer Bericht im klassischen Sinn, sondern eine poetische Annäherung an einen Ort und seine Menschen. Ein Film, der weniger erklärt als spüren lässt.