Was macht ein Kleidungsstück wertvoll? Welche Vorstellungen von Männlichkeit trägt ein Anzug? Und wie viel Persönlichkeit kann eine Tasche aufnehmen? Im Rahmen der Austrian Fashion Awards 2026 werden Arbeiten von fünf Designerinnen, Designern und Labels gezeigt, die mit einem Startstipendium Mode gefördert wurden. Ihre Entwürfe geben sehr unterschiedliche Antworten.

Wer bestimmt den Wert?

Für Hao Wu und Alexander Georg Lehner von Sale Sale Studio beginnt diese Frage bei etwas Vertrautem: einem Hemd, einer Anzughose und drei Stoffen. In ihrer ersten Kollektion Copy Paste werden die Ausgangsstücke kopiert, verändert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis spielt mit der Grenze zwischen Original und Nachahmung – und mit der Vorstellung, dass Originalität allein über den Wert von Kleidung entscheidet.

Auch Miranda Matondo, das Label von Marie Matondo und Danaide Miranda, interessiert sich dafür, welche Geschichten Materialien und Techniken erzählen. Die Kollektion Mosaico entstand nach einem Aufenthalt in Agadir. Sie verbindet Einflüsse des Flamenco mit Amazigh-Schmuckkunst und setzt auf Bewegung, Handwerk und kulturellen Austausch. Die Kleidung ist dabei nicht an binäre Geschlechterkategorien gebunden; sie lässt Raum für die Person, die sie trägt.

Menswear mit Erinnerung

Oliver Kuzma blickt auf historische Formen der Männermode und übersetzt sie in eine robuste Garderobe für die Gegenwart. Seine aktuelle Kollektion, angeregt durch die frühen Filme Guy Ritchies, beschäftigt sich mit den Bildern von Aristokratie und Arbeiterklasse. Ihn interessieren Kleidungsstücke, die genutzt werden dürfen und mit der Zeit eine eigene Patina bekommen.

Bei Paul Alexander Reisinger liegt die Vergangenheit im Material selbst. Er arbeitet überwiegend mit Vintage-Beständen und gebrauchten Stoffen, verbindet alpine und florale Bezüge mit klassischen Menswear-Silhouetten. So entstehen Entwürfe, in denen persönliche Erinnerung ebenso Platz hat wie eine offenere Vorstellung von Männlichkeit.

Viola Kollár richtet den Blick auf ein Accessoire, das uns oft täglich begleitet. Ihre Taschen sollen funktionieren, lange halten und zugleich eine eigene Präsenz haben. Handnaht, sorgfältig verarbeitete Lederkanten und wiederverwendete Materialien gehören zu einer Arbeit, in der handwerkliche Qualität und persönliche Bedeutung zusammenfinden.

Die fünf Positionen sind am 5. November 2026 bei den Austrian Fashion Awards in der Kunsthalle Wien im MuseumsQuartier zu sehen. Die Veranstaltung der Austrian Fashion Association zeigt damit auch, was aus gezielter Förderung entstehen kann: eigenständige Arbeiten, die vertraute Formen aufnehmen und ihnen neue Fragen stellen. Die Gewinnerinnen und Gewinner der diesjährigen Modepreise werden erst an diesem Abend bekannt gegeben.

Im Das Graseck bei Garmisch-Partenkirchen wird die Bergluft ganz nebenbei zum Rezept. Mit der Gondel geht es hinauf zu einem Ort, an dem Erholung und Gesundheitsvorsorge zusammenfließen.

Der Blick schweift über die Gipfel. Ein stetes Auf und Ab zeichnet sich am Horizont ab – fast wie die Linie eines Herzschlags. Während die Berge von Beständigkeit erzählen, erinnert ihr Profil daran, wie fragil selbst das Selbstverständlichste sein kann. Gesundheit ist ein leiser Luxus. Sie fordert keine Aufmerksamkeit und macht sich selten bemerkbar. Sie ist einfach da – bis sie es nicht mehr ist. Dass Vorsorge besser als Nachsorge ist, mag bekannt sein. Dennoch gerät sie im Alltag oft in Vergessenheit. Umso wertvoller sind jene Orte, die Raum dafür schaffen.

Check-in fürs Check-up

Das Graseck – mountain hideaway & health care im Wettersteingebirge verbindet Wellness mit Prävention. Wer hier auf 900 Metern Höhe eincheckt, bekommt nicht nur die Ruhe der Berge verschrieben, sondern bei Bedarf auch die ein oder andere Vorsorgeuntersuchung. So lassen sich Risikofaktoren und bestimmte Erkrankungen frühzeitig erkennen und rechtzeitig behandeln.

Inhaberin Dr. Sylvia Weingart, selbst Kardiologin, führt im Graseck unter anderem Herz-Check-ups und Belastungstests durch. Gemeinsam mit ihrem Mann Dr. Vincens Weingart, der neben seiner Tätigkeit als Chefarzt der Gastroenterologie im Klinikum Garmisch auch im Graseck endoskopische Untersuchungen übernimmt, hat sie ein Team aus Ärztinnen und Ärzten aufgebaut. Diese kommen für die Vorsorgeuntersuchungen in die eigens eingerichteten Praxisräume des Hotels. Genauso wie die Gäste auch reisen sie dabei mit der Seilbahn an.

Von der Bergstation der Gondel geht es direkt in das vielleicht schönste Wartezimmer Bayerns. Dass dabei jedoch kaum Zeit bleibt, die Aussicht zu genießen, liegt daran, dass es praktisch keine Wartezeiten gibt. Die Untersuchungen werden so koordiniert, dass sie sich je nach Umfang auf einen Tag oder entspannt auf mehrere Tage verteilen lassen. Was dabei auf dem Plan steht, wird vorab individuell beschlossen – egal, ob für Individualreisende oder als Teamevent.

Hoch über dem Alltag

Zeit und Raum, die Aussicht nach den Untersuchungen zu genießen, bleibt vor allem den Übernachtungsgästen. Denn abgesehen von der einzigartigen Lage oberhalb der Partnachklamm bei Garmisch-Partenkirchen, bringt das Graseck die Ruhe der bayrischen Berge auch in seine Räumlichkeiten. In den breiten Sesseln des Leseraums mit großzügiger Verglasung und Panoramablick versinkt man mit Achtsamkeitsliteratur, Alpen-Bildbändern oder einer THE Stylemate-Ausgabe in der Hand. Ein paar Schritte hinunter, verschwimmt der Horizont mit dem Infinity Pool. Im großzügigen Sauna- und Ruhebereich schmelzen dann die letzten Alltagsgedanken dahin.

Selbst wenn eine endoskopische Untersuchung bevorsteht, genießt man nur gerinfügig modifiziert die mehrgängigen Fine-Dining-Menüs. Frische, regionale Zutaten sind selbstverständlich, Verzicht gehört jedoch nicht zur Philosophie des Hauses. Stattdessen steht die Kunst der Balance im Mittelpunkt, sowohl in der Komposition als auch in der Größe der einzelnen Gänge.

Und dann schweift der Blick wieder über die Gipfel – ein Moment, der nicht nur das Auge, sondern auch das Herz berührt.

Das Graseck is a member of Lifestylehotels

Fotos: Gordon Kohlstock, Lucas Adrian, Oliver Nieder

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.

Jacob & Co. Haute Living interpretiert mit der neuen CRONO Collection Präzision als Lebenskunst

Zwischen Beschleunigung und Gelassenheit

Unsere Zeit scheint immer schneller zu werden.

Termine, Benachrichtigungen und permanente Erreichbarkeit bestimmen den Rhythmus des Alltags. Dabei wächst gleichzeitig die Sehnsucht nach Orten, an denen Zeit nicht verloren geht, sondern bewusst erlebt werden kann.

Genau hier setzt die erste Möbelkollektion von Jacob & Co. Haute Living an. Mit der CRONO Collection, die erstmals während des Salone del Mobile präsentiert wurde, übersetzt das Maison seine jahrzehntelange Erfahrung aus der Haute Horlogerie in eine völlig neue Form des Interior Designs.

Dabei entstehen Möbel, die weniger vom Messen der Zeit erzählen als von ihrer Qualität.

Chronos als Inspiration

Namensgeber der Kollektion ist Chronos, der griechische Gott der Zeit.

Doch statt Zeit als starre Größe zu verstehen, interpretiert CRONO sie als Rhythmus. Weiche Radien treffen auf klare Linien, kraftvolle Volumen scheinen gleichzeitig leicht und schwebend zu wirken. Jedes Möbelstück bewegt sich gestalterisch zwischen Dynamik und Ruhe – als würde ein präziser Zeitmesser für einen Moment stillstehen.

Gerade diese Balance macht die Kollektion bemerkenswert.

Nicht Geschwindigkeit wird gefeiert.

Sondern die Kunst, den richtigen Moment entstehen zu lassen.

Design mit Zuversicht

Während viele Luxusinterieurs heute auf zurückhaltende Neutralität setzen, entscheidet sich Jacob & Co. bewusst für einen anderen Weg.

Warme Bernsteintöne, kräftiges Senfgelb, helles Himmelblau und glänzende Goldakzente verleihen der Kollektion eine überraschende Leichtigkeit. Die mutigen Farbkombinationen, kontrastierenden Flächen und präzise gesetzten Paspelierungen erzeugen eine grafische Spannung, die zugleich elegant und optimistisch wirkt.

Es ist eine Gestaltung, die Präsenz zeigt, ohne laut zu sein.

Und vielleicht genau deshalb ein Statement für eine neue Form von Luxus wird.

Wohnen als Ausdruck einer Haltung

Die CRONO Linie umfasst ein modulares Sofa, Sessel, Bank, Pouf sowie ein großzügiges Bett. Trotz ihrer unterschiedlichen Funktionen folgen sämtliche Objekte derselben gestalterischen Sprache: weiche, skulpturale Silhouetten, sorgfältig abgestimmte Materialien und metallische Details, die an die Präzision der legendären Jacob-&-Co.-Zeitmesser erinnern.

Dabei geht es weniger um einzelne Möbelstücke als um eine Atmosphäre.

Eine Umgebung, die Ruhe nicht als Verzicht versteht, sondern als Luxus.

Die neue Ästhetik der Zeit

Vielleicht ist genau das die eigentliche Botschaft dieser Kollektion.

In einer Welt, die immer schneller wird, entsteht echter Luxus nicht durch mehr Geschwindigkeit, sondern durch bewusst gestaltete Momente.

Die CRONO Collection erinnert daran, dass Design weit mehr sein kann als Funktion oder Dekoration. Es kann unseren Alltag entschleunigen, unseren Blick verändern und Räume schaffen, in denen Zeit wieder zu etwas Wertvollem wird.

Nicht, weil sie langsamer vergeht.

Sondern weil sie bewusster erlebt wird.

Wo der neue Luxus nicht laut sein muss

Es gibt Orte, die entstehen aus Marketingstrategien. Und es gibt Orte, die entstehen aus einer Sehnsucht. Comporta gehört zweifellos zur zweiten Kategorie.

Während viele der berühmtesten Sommerdestinationen Europas in den vergangenen Jahren immer größer, exklusiver und zugleich austauschbarer wurden, entwickelte sich an der portugiesischen Atlantikküste ein Gegenmodell. Fast unbemerkt wurde Comporta zu einem jener Orte, die Reisende nicht wegen einer Attraktion besuchen, sondern wegen eines Gefühls.

Nur eine gute Stunde südlich von Lissabon entfernt beginnt eine Landschaft, die auf bemerkenswerte Weise entschleunigt wirkt. Endlose Sandstrände treffen auf Dünenlandschaften, Reisfelder auf Pinienwälder und Korkeichenhaine. Die Natur bestimmt den Rhythmus. Nicht die Menschen.

Wer hier ankommt, spürt schnell, dass Comporta nicht versucht, Eindruck zu machen. Genau darin liegt seine Anziehungskraft.

Die Kunst, sich nicht verändern zu lassen

Viele europäische Küstenregionen haben in den vergangenen Jahrzehnten ihre Identität dem Erfolg geopfert. Wo einst Ursprünglichkeit herrschte, entstanden Promenaden, Resorts und Inszenierungen. Comporta hingegen scheint sich bewusst gegen diesen Mechanismus entschieden zu haben.

Die kleinen Orte der Region wirken bis heute zurückhaltend. Die Architektur orientiert sich an traditionellen Formen und natürlichen Materialien. Die Landschaft bleibt der eigentliche Protagonist.

Vielleicht liegt genau darin die Erklärung für den internationalen Hype, den Comporta mittlerweile auslöst. In einer Zeit permanenter Aufmerksamkeit wird Zurückhaltung zur neuen Exklusivität. Menschen suchen heute weniger nach dem spektakulärsten Ort als nach einem Ort, an dem sie wieder wahrnehmen können.

Comporta bietet genau das: Raum.

Warum sich unser Verständnis von Luxus verändert

Lange Zeit wurde Luxus über Sichtbarkeit definiert. Über Größe, Status und Exklusivität. Heute verschieben sich diese Werte zunehmend.

Zeit, Privatsphäre, Authentizität und Naturverbundenheit gelten für viele Menschen als die eigentlichen Luxusgüter unserer Gegenwart. Nicht mehr das Mehr steht im Mittelpunkt, sondern das Wesentliche.

Comporta verkörpert diesen Wandel auf fast exemplarische Weise. Die Region beeindruckt nicht durch spektakuläre Inszenierungen, sondern durch ihre Selbstverständlichkeit. Ein Spaziergang entlang des Atlantiks. Das Licht über den Reisfeldern. Ein Abend unter den Sternen. Erfahrungen, die gerade deshalb wertvoll erscheinen, weil sie nichts beweisen müssen.

Es ist ein Luxus, der weniger mit Besitz als mit Wahrnehmung zu tun hat.

Das Sublime Comporta als Ausdruck eines Lebensgefühls

Kaum ein Ort übersetzt diesen Geist so überzeugend wie das Sublime Comporta.

Eingebettet zwischen Pinienwäldern, Dünen und Reisfeldern wirkt das Hotel weniger wie ein klassisches Resort als vielmehr wie eine natürliche Erweiterung der Landschaft. Architektur, Materialien und Atmosphäre folgen keinem kurzfristigen Trend, sondern einer Haltung: Die Umgebung soll nicht beherrscht, sondern respektiert werden.

Großzügige Freiflächen, private Rückzugsorte und die enge Verbindung zur Natur schaffen jene Ruhe, für die Comporta heute weltweit bekannt ist. Gleichzeitig eröffnet das Hotel einen idealen Zugang zur Region – zu den weiten Atlantikstränden, den kleinen Dörfern und den geschützten Naturräumen, die den Charakter dieser Küste prägen.

Das Sublime Comporta steht damit nicht nur für gehobene Gastlichkeit. Es steht für eine Form des Reisens, die auf Qualität statt Quantität setzt und auf Erlebnisse, die lange nachwirken.

Mehr als ein Trend

Es wäre leicht, Comporta als das nächste angesagte Sommerziel Europas zu bezeichnen. Doch damit würde man die eigentliche Bedeutung dieses Ortes übersehen.

Die wachsende Faszination für die Region erzählt von einem gesellschaftlichen Wandel. Von dem Wunsch nach Einfachheit in einer komplexen Welt. Von der Suche nach Orten, die ihre Identität bewahrt haben. Und von einem Luxusverständnis, das nicht auf Sichtbarkeit, sondern auf Tiefe basiert.

Vielleicht taucht Comporta deshalb heute so häufig in internationalen Design-, Architektur- und Reisemagazinen auf. Nicht weil es lauter geworden ist als andere Orte. Sondern weil es still geblieben ist.

Und möglicherweise ist genau das der Grund, warum plötzlich alle nach Comporta wollen.

Zwischen Tradition und moderner Gesundheitsforschung

Was passiert, wenn jahrhundertealtes Wissen über Bienenprodukte auf moderne Life-Science-Forschung trifft? Genau an dieser Schnittstelle bewegt sich Bee People – ein Schweizer Unternehmen aus St. Moritz, das funktionale Lebensmittel und Supplements entwickelt, die Gesundheit nicht nur verlängern, sondern vor allem bewusster gestalten sollen.

Im Fokus steht dabei nicht allein die Lebensdauer, sondern die sogenannte „Healthspan“ – jene Jahre, in denen wir uns vital, ausgeglichen und gesund fühlen. Ein Ansatz, der perfekt zur Philosophie von THE Stylemate passt: Mindful Living bedeutet heute mehr denn je, den eigenen Alltag mit natürlichen Ritualen, bewusster Ernährung und nachhaltigen Entscheidungen zu gestalten.

Die stille Intelligenz der Bienen

Seit Jahrhunderten gelten Honig und Propolis als wertvolle Naturstoffe. Während Honig seit jeher als nährendes Lebensmittel geschätzt wird, ist Propolis – das von Bienen produzierte Schutzharz – vor allem für seine antibakteriellen und entzündungshemmenden Eigenschaften bekannt.

Bee People verbindet beide Komponenten zu sogenannten Honey-Propolis-Blends. Diese enthalten natürliche bioaktive Verbindungen wie Polyphenole und Flavonoide, die mit antioxidativen Eigenschaften sowie dem Schutz der Zellen vor oxidativem Stress in Verbindung gebracht werden.

Die Produkte basieren auf Bio-Honig und sind unter anderem in Varianten mit Kastanien- oder Lindenhonig erhältlich. Ergänzt wird das Sortiment durch Propolis-Kapseln für alle, die eine zuckerfreie Alternative bevorzugen. Dabei bleibt der Ansatz stets unkompliziert: Die Produkte sollen sich mühelos in tägliche Routinen integrieren lassen – als kleiner, bewusster Moment im Alltag.

Schweizer Qualität mit nachhaltigem Anspruch

Produziert wird in Zusammenarbeit mit ausgewählten Schweizer Imkereien. Verarbeitung und Qualitätskontrolle erfolgen ebenfalls in der Schweiz – unter Einbindung aktueller wissenschaftlicher Erkenntnisse und mit einem klaren Fokus auf natürliche Inhaltsstoffe.

Gegründet wurde Bee People von Marie So und Daniel Meyer, die traditionelle Bienenkunde mit moderner präventiver Gesundheitsforschung verbinden möchten. Gleichzeitig versteht sich das Unternehmen auch als Teil eines größeren ökologischen Bewusstseins: Denn Bienen spielen eine essenzielle Rolle für Biodiversität und Bestäubung. Entsprechend arbeitet Bee People mit Imkereien zusammen, die nachhaltige und verantwortungsvolle Bienenhaltung fördern.

Mindful Living beginnt im Kleinen

Vielleicht liegt wahre Gesundheit nicht in radikalen Veränderungen, sondern in kleinen täglichen Entscheidungen. Ein bewusster Morgenritual. Natürliche Inhaltsstoffe. Produkte, deren Ursprung nachvollziehbar bleibt.

Bee People zeigt, wie sich traditionelle Naturstoffe neu denken lassen – reduziert, wissenschaftlich begleitet und mit einem klaren Blick auf Nachhaltigkeit und Wohlbefinden.

Im Entwicklungsgebiet Wendelstrand nahe Göteborg soll in einem stillgelegten Steinbruch eine ökologisch und sozial nachhaltige Siedlung wachsen. Die Architekten von Snøhetta zeigen mit ihrem Masterplan und dem Lakehouse, wie man Stadtplanung und Wohnbau neu denken kann.

Bagger und Abbruchmaschinen haben über die Jahre eine tiefe Wunde in die Landschaft gerissen. Doch schon bald wird der Steinbruch am Ufer des idyllischen Sees Landvettersjøen Geschichte sein. An seine Stelle tritt eine sozial und ökologisch nachhaltige Wohnsiedlung mit dem Namen Wendelstrand. Neben unterschiedlichen Typologien des Wohnens sieht der Masterplan vor allem viel naturnahen Grünraum vor, der sich durch die Anlage schlängelt und schließlich auf der Dachlandschaft des Lakehouse endet. Von hier hat man eine großartige Aussicht über die Wald- und Seelandschaft ringsum.

Wendelstrand ist ein Sehnsuchtsort für das Wohnen im Grünen. Man lebt hier in direktem Kontakt mit der Natur und Göteborg, die zweitgrößte Stadt Schwedens, liegt nur 15 Minuten entfernt. Eine kurze Autofahrt, auf die künftige Bewohner der autarken Community eigentlich nicht angewiesen sind.

Keine weitere Satellitenstadt

„Was als hehres Konzept für ein heilsames Pflaster über der Wunde im Boden begann, hat sich nun als Gartenstadt mit unterschiedlichen Haustypologien manifestiert, die für jede Familie etwas bereit hält“, erklärt das norwegische Architekturbüro Snøhetta die Entstehung des Projektes. „Unsere Ambition war es, etwas zu schaffen, das über ein konventionelles Wohnquartier hinausgeht und mit traditionellen Haustypologien bricht.“

Unsere Ambition war es, etwas zu schaffen, das über ein konventionelles Wohnquartier hinausgeht und mit traditionellen Haustypologien bricht.

Snøhetta, Architekturbüro

Mit den ökologisch bedenklichen Satellitenstädten wird die neue Siedlung nicht viel gemeinsam haben. Im Gegenteil. Der Masterplan ist bemüht, die Fehler der autozentrierten Stadtplanung der Vergangenheit auszumerzen. Wendelstrand soll kein Wohngebiet für Pendler werden, sondern eine vollwertige kleine Stadt im Grünen mit all der Infrastruktur, die es dafür braucht. 

Die neue Normalität des Arbeitens

Diese Infrastruktur findet man gebündelt im Lakehouse, das sich mit seiner gerundeten Form in die Landschaft schmiegt. „Das Design des Lakehouse folgt der natürlichen Topografie und lädt mit seiner nachhaltigen Materialität Menschen dazu ein, sich in ihm, auf ihm und um ihn zu bewegen“, heißt es von Seiten der Architekten.

Lokale und flexible Büroräumlichkeiten bieten nicht nur eine Alternative für das Arbeiten am Küchentisch, man spart auch wertvolle Zeit und CO₂-Emissionen, wenn man nicht in die Stadt pendelt.

Snøhetta, Architekturbüro

Die Bewohner können in dem multifunktionalen Gebäude einkaufen, essen gehen, Konzerte besuchen, ihre Fitness trainieren und in der Wellness-Oase entspannen. Damit sie auch zum Arbeiten nicht in die Stadt fahren müssen, können sie im Gemeinschaftscenter Büroflächen und Co-Working-Spaces mieten.

„Lokale und flexible Büroräumlichkeiten bieten nicht nur eine Alternative für das Arbeiten am Küchentisch, man spart auch wertvolle Zeit und CO₂-Emissionen, wenn man nicht in die Stadt pendelt“, so das Architekten-Team über die neue Normalität des Arbeitens.

Vom Apartment bis zur Villa

Dass das Lakehouse im ressourcenschonenden Holzbau errichtet wird, versteht sich dabei von selbst. Das gilt auch für all die unterschiedlichen Wohn-Typologien, die auf einer Gesamtfläche von 70.000 Quadratmetern entstehen werden und auch Betreuungseinrichtungen für Kleinkinder und Senioren bieten sollen. Dabei reicht das Angebot an Wohnraum von Reihenhäusern und Apartmentblocks bis hin zu Einfamilienhäusern und Villen.

Vom mitwirkenden Architekturbüro Tham & Videgård stammt der Entwurf für eine Reihe an Einfamilienhäusern, den sogenannten Vertical Villas. Ihre trapezoide Dachform und die unterschiedlichen Farben der Holzfassade geben ihnen ein verspieltes Erscheinungsbild. Das schwedische Büro White Arkitekter, das sich im konstruktiven Holzbau bereits einen Namen gemacht hat, liefert das Design für die mehrstöckigen Wohnhäuser der Siedlung.

Ein Prototyp aus Holz

„In vielerlei Hinsicht fungiert das Lakehouse als eine Art Prototyp für das gesamte Areal und die übergeordnete Idee dahinter“, erklärt Joakim Garfvé, einer der Gründer des Immobilien-Developers Next Step Group und Bauherr des Projektes. 

„Mit dem Fokus auf Holz als Baumaterial kann der ökologische Fußabdruck reduziert werden – nicht nur in Schweden, sondern in der gesamten nordischen Region“, ergänzt Rikard Jaucis, einer der leitenden Architekten von Snøhetta.

Die neue Stadt vom Reißbrett versteht sich auch als Versuchslabor für innovative Verkehrslösungen wie selbstfahrende Busse, E-Mobilität und Car-Sharing. In erster Linie sollen sich die Bewohner von Wendeltstrand aber mit eigener Kraft fortbewegen – zu Fuß oder mit dem Rad.

Text: Gertraud Gerst
Visualisierungen: Snøhetta, Next Step Group

Zwischen Fair Isle, Folklore und Future-Craft: Der in London arbeitende Designer Oscar Ouyang zeigt, wie traditionelles Stricken plötzlich radikal zeitgenössisch wirken kann.

Es gibt Designer, die Silhouetten neu denken. Und es gibt Designer, die beim Material beginnen – als würde das Kleidungsstück erst dann eine Stimme bekommen, wenn der Faden seine Geschichte erzählt. Oscar Ouyang gehört zur zweiten Kategorie. Der in Beijing geborene, in London lebende Knitwear-Designer hat sich in kürzester Zeit eine klare Handschrift erarbeitet: heritage Stricktechniken, aber nicht nostalgisch, sondern als Bühne für Narrative, Symbole und eigensinnige Proportionen. Vogue beschreibt ihn als LFW-Debütanten, der „time-honoured craft techniques“ mit innovativen Twists auflädt.

Wofür Oscar Ouyang steht

1) Knitwear als Sprache (nicht als „Saisontrend“)
Ouyang behandelt Strick nicht als gemütliche Oberfläche, sondern als System: Muster, Dichte, Fransen, Applikationen und unruhige Texturen werden zu Codes. AnOther spricht von „mossy knits“, „coded symbols“ und einer bewusst gesetzten Sanftheit.
Diese Haltung macht seine Mode weniger „look-driven“ und stärker weltbildgetrieben: Kleidung als erzählendes Medium.

2) Tradition – aber subversiv
Vogue UK verortet ihn in einer Londoner Linie von Designer:innen, die Heritage-Strick „sliced, chopped and screwed“ neu interpretieren – und nennt Ouyangs Ansatz idiosynkratisch und kultbildend.
Das ist entscheidend: Bei ihm geht es nicht um Retro, sondern um Reibung – zwischen Handwerk und Popkultur, zwischen Schutz und Zurschaustellung, zwischen Uniform und Fantasie.

3) Gender-neutral & zeitgemäße Materialethik
Auf dem offiziellen London-Fashion-Week-Profil wird Ouyang als Designer mit Fokus auf gender-neutral fashion beschrieben, mit Betonung auf sustainable knitwear and textile practices.
Das wirkt bei ihm nicht wie ein Label-Statement, sondern wie eine logische Konsequenz aus dem Prozess: Strick bedeutet Zeit, Materialintelligenz, Verantwortung.

Was ihn anders macht (und warum das relevant ist)

Er baut nicht nur eine Ästhetik, sondern eine funktionierende Designer-Realität.
i-D hebt seinen unternehmerischen Blick hervor: Er beobachtet, dass manche nach einem „hyped show“ explodieren – und dann an Nachfrage, Finanzierung und Struktur scheitern.
Diese Perspektive ist selten in einer Szene, die oft von Konzept und Moment lebt. Ouyang denkt Mode als Langstrecke.

Seine Referenzen sind nicht „Moodboard“, sondern Mythologie.
Wallpaper nennt als Einflüsse u. a. Anime und mittelalterliche Folklore – und rahmt ihn als Rising Star, der Knitwear in „new realms“ führt.
Das passt: Seine Looks wirken häufig wie tragbare Artefakte – vertraut (Strick), aber in einem anderen Kontext aufgeladen.

Institutionelle Relevanz + Retail-Beweis
Er ist im LFW-Kosmos sichtbar (inkl. BFC-Newgen-Kontext in der Berichterstattung) – und gleichzeitig bereits kommerziell präsent: Dover Street Market führt seine Stücke, was für ein junges Label ein wichtiges Signal ist.

Perspektive: Warum wir ihn jetzt beobachten sollten

Oscar Ouyang steht für eine Generation, die Handwerk nicht romantisiert, sondern als High-Tech der Langsamkeit versteht: präzise, arbeitsintensiv, bedeutungsvoll. In einer Zeit, in der Mode oft zwischen Quiet Luxury und Algorithmus-Ästhetik pendelt, setzt er einen dritten Pol: Craft als Storytelling-System.
Das macht seine Kleidung nicht automatisch „besser“ – aber eigensinniger. Und Eigensinn ist im Moment vielleicht die wertvollste Ressource im Design.

Ein Ort zum Durchatmen. Zum Ankommen. Zum Loslassen

Am achten Tag unseres THE Stylemate Adventkalenders verlosen wir eine exklusive Auszeit in St. Michael am Waal – 3 Tage / 2 Nächte in stilvollen Design-Apartments oberhalb von Schenna in Südtirol.
Zwischen mediterranem Flair und alpiner Frische erwartet Sie ein Rückzugsort, der Ruhe schenkt, Weite öffnet und Gelassenheit spürbar macht.

Das Michael am Waal liegt in sonnenverwöhnter Traumlage über Meran, eingebettet zwischen Apfelwiesen und Weinbergen.
Ein Hideaway, das mit reduzierter Architektur, natürlichen Materialien und liebevollen Details begeistert – geschaffen für alle, die sich nach Entschleunigung und Wohlgefühl sehnen.

Eine Einladung, wertvolle Momente bewusst zu genießen – frei, unbeschwert und vollkommen im Einklang mit der Umgebung.

So nehmen Sie teil:

1. Öffnen Sie das Kalendertürchen und akzeptieren Sie die Teilnahmebedingungen.
2. Beantworten Sie die Gewinnspielfrage richtig.
3. Bestätigen Sie Ihre Teilnahme.
4. Erhöhen Sie Ihre Gewinnchancen:
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    • Facebook: THE Stylemate

Der Partner: Michael am Waal

Das Michael am Waal vereint mediterrane Leichtigkeit mit alpiner Klarheit.
Ein Ort, an dem Natur den Rhythmus vorgibt und jeder Moment zu einer Gelegenheit wird, innezuhalten, sich neu zu verbinden und Kraft zu schöpfen.

Hochwertige Apartments, ein moderner Wellnessbereich, ein idyllischer Garten mit Panoramapool – und das Gefühl, angekommen zu sein.
Ohne Verpflichtungen, ohne Programm. Nur Raum fürs Wesentliche: Ruhe, Natur, Wohlgefühl.

Hier beginnt der Tag mit Weite – und endet mit goldenen Sonnenuntergängen über Meran.

Website: https://www.michaelamwaal.com

Zwischen Europa und Japan, zwischen Konzept und Schönheit, zwischen Alltag und Philosophie: Die in Japan lebende österreichische Designerin Edwina Hörl versteht Mode als Sprache – als Medium, das über das bloße Kleidungsstück hinausgeht.

In einer Welt der Schnelllebigkeit und des Konsums sucht Edwina Hörl nach Tiefe, Haltung und Resonanz. Ihre Entwürfe sind Reflexionen über Identität, Gesellschaft und die Ästhetik des Politischen – getragen von Stoffen, die Geschichten erzählen. Im Gespräch spricht sie über Wert, Schönheit und die feine Kunst, im Dazwischen neue Perspektiven zu finden.

Mode als Haltung

„Ein Kleidungsstück ist dann wertvoll, wenn es eine Geschichte erzählt“, sagt Edwina Hörl. Für sie bedeutet Mode nicht Luxus, sondern Tiefe – eine Beziehung zwischen Mensch, Material und Idee. Sie versteht Kleidung als Medium, das Haltung ausdrückt und Verantwortung transportiert: gegenüber Ressourcen, Menschen und der eigenen Identität.

Performativität und Ästhetik des Politischen

Wenn Hörl Mode philosophisch beschreiben müsste, wären es Begriffe wie Performativität und Ästhetik des Politischen. Kleidung ist für sie keine bloße Hülle, sondern Handlung, Reflexion, Sprache.
„Ästhetische Formen können Machtverhältnisse sichtbar machen, verschieben oder kritisieren“, erklärt sie – und so wird jedes Stück Teil einer größeren gesellschaftlichen Erzählung.

Mode zwischen Welten

Seit vielen Jahren arbeitet Hörl zwischen Japan und Europa – zwei Kulturen, die sie nicht vereinen, sondern reflektieren möchte.
„Klischees sind für mich kein Problem, sondern Material. Sie zeigen, wie wir sehen – und wie sehr dieses Sehen geprägt ist von kulturellen Filtern.“
Ihre Arbeit bewegt sich im produktiven Spannungsfeld des Dazwischen, wo neue Verbindungen entstehen und Wahrnehmung sich verändert.

Schönheit als Konsequenz

„Echte Schönheit entsteht dort, wo Form, Inhalt und Haltung zusammenkommen.“ Für Hörl ist das Schöne kein Gegensatz zum Konzept, sondern dessen Essenz. „Einfach schön“ ist für sie nie oberflächlich, sondern Ergebnis einer intensiven, bewussten Auseinandersetzung – mit Stoff, Zeit und Bedeutung.

„Mode ist kein Statussymbol und keine Galeriearbeit – sie ist eine soziale Sprache.“
– Edwina Hörl