Mit der neuen Polsterkollektion Jazz übersetzt Designer Giuseppe Viganò musikalische Improvisation in eine zeitlose Formensprache für Turri.

Musik war schon immer mehr als Klang. Sie kann Atmosphäre schaffen, Geschichten erzählen und Emotionen transportieren. Genau diesen Gedanken greift der italienische Designer Giuseppe Viganò mit seiner neuen Sofakollektion Jazz für Turri auf. Nach der erfolgreichen Serie Blues erweitert er die musikalische Inspirationswelt nun um eine weitere Designkomposition.

Vorgestellt wurde die Kollektion auf dem Salone del Mobile.Milano 2026. Die Linie umfasst Zwei- und Dreisitzer-Sofas, deren Gestaltung von einer bemerkenswerten Balance geprägt ist: klare Linien, eine leichte visuelle Präsenz und eine handwerkliche Detailtiefe, die typisch für Turri ist. Charakteristisch sind die lederbezogene Basis mit doppelten Ziernähten und feinen Metalleinsätzen sowie die hochwertige Verarbeitung von Leder- oder Stoffbezügen mit ledernen Paspelierungen.

Dabei steht nicht nur die Ästhetik im Mittelpunkt. Großzügige Armlehnen und komfortabel gepolsterte Sitz- und Rückenelemente schaffen einen Ort der Ruhe und des Ankommens. Luxus zeigt sich hier nicht als Inszenierung, sondern als Selbstverständlichkeit.

Zwischen Kunst, Mode und Poesie

Die Handschrift von Giuseppe Viganò entsteht seit Jahren an der Schnittstelle von Design, Kunst und Kultur. Seine Entwürfe greifen immer wieder Impulse aus Malerei, Mode und Poesie auf und übersetzen sie in Möbel mit eigener Identität. Dabei entstehen oft ganze Kollektionen aus der Auseinandersetzung mit neuen Materialien oder ungewöhnlichen gestalterischen Ansätzen.

Mit Studio Viganò arbeitet der Designer international für renommierte Marken der Möbelbranche und verbindet industrielle Präzision mit kreativer Experimentierfreude. Zu seinen langjährigen Partnern zählen unter anderem Poliform, Arflex, Bonaldo, Visionnaire, Lema, Minotti und Porada.

Die Leichtigkeit des Jazz

Wie die Musik, nach der sie benannt ist, lebt die Kollektion Jazz von Harmonie und Freiheit zugleich. Sie verbindet die handwerkliche Tradition des italienischen Möbeldesigns mit einer zeitgenössischen Eleganz, die sich selbstverständlich in internationale Wohnwelten einfügt.

Ein Sofa als stille Komposition – geprägt von Komfort, Materialität und dem Rhythmus guter Gestaltung.

Zu den Laufsteg-Naturen Südtirols

Eine stille Selbsterfahrung zwischen Bergen, Schafen und jahrhundertealter Tradition

Falls die Uhren mal wieder auf fünf vor Stress stehen, gibt es in Südtirol ein Schauspiel, das auf besondere Weise entschleunigt und erdet: die legendäre Transhumanz. Jahr für Jahr zieht der traditionelle Schafabtrieb vom österreichischen Ötztal zurück ins Schnalstal zahlreiche Wanderer, Hirten und Naturliebhaber in seinen Bann – ein uralter Brauch, der heute zum immateriellen UNESCO-Weltkulturerbe zählt.

Vom Wiener Laufsteg in die alpine Stille

Es beginnt wie ein klassischer Abend der Modewelt: Ein renommiertes Wiener Fashion-Label lädt zur Show. Menschen begrüßen sich mit Küsschen, Prosecco wird gereicht, Kunst präsentiert, Jazz gespielt. Dann gleiten Models in traumhaften Kleidern über den Laufsteg – Attitüde unter feinsten Stoffen, perfekt inszeniert.

Nur wenige Tage später wartet in Südtirol ein völlig anderer Laufsteg: ein steiler Bergpfad oberhalb von Vernagt im Schnalstal. Statt Blitzlicht und Catwalk bestimmen Lärchenwälder, Gebirgsbäche und alpine Ruhe das Bild. Die „Models“ dieses Schaulaufens kommen aus der Natur selbst – über tausend Schafe, die von den Hochweiden des Ötztals zurück nach Südtirol getrieben werden.

Loslassen auf anderem Weg

Der Aufstieg führt durch stille Wälder hinauf Richtung Hochgebirge. Gedanken kreisen, Fragmente innerer Dialoge tauchen auf und verschwinden wieder zwischen Vogelrufen und dem Rauschen der Bäche. Mit jedem Höhenmeter wird die Luft dünner, der Wind kühler und der eigene Atem präsenter.

Die alpine Landschaft der südlichen Ötztaler Alpen wirkt beinahe surreal: Gräser, Flechten und Moose ziehen sich in spätsommerlichen Grün- und Gelbtönen bis an die schroffen Bergmassive. Tiefhängende Wolken verhüllen die Gipfel und tauchen die Szenerie in eine fast meditative Ruhe.

Selbst eingefleischten Kopfmenschen fällt es hier leichter, den Gedankenstrom loszulassen und sich ganz auf Bewegung, Atmung und Wahrnehmung einzulassen.

Wenn Stille zum Ereignis wird

Auf rund 2300 Metern öffnet sich schließlich ein Plateau zwischen gewaltigen Felsformationen. Hier wird Stille zu einem Erlebnis. Kein konsumgetriebener Reiz, kein künstlicher Nervenkitzel – nur Berge, Licht, Wind und die eigene Wahrnehmung.

Während warmer Tee und einfache belegte Brote in dieser rauen Umgebung beinahe zu einer sensorischen Neuerfahrung werden, beginnt sich der Geist zu beruhigen. Die Rastlosigkeit des Alltags zieht sich zurück. Für einen Moment zählt nur das Hier und Jetzt.

Dann erscheinen sie in der Ferne: die Schafe. Zunächst nur schemenhaft sichtbar, bewegen sich hunderte Tiere langsam den steilen Hang hinab. Mit ihnen kommen das Läuten der Glocken und das charakteristische Blöken näher.

Die legendäre Transhumanz

Mehr als ein Dutzend Hirten treiben rund 1300 Schafe von den Sommerweiden des österreichischen Ötztals zurück nach Südtirol. Der Weg führt über Felsrinnen, Schneefelder und Grate – und gilt als weltweit einziger Schafabtrieb über einen Gletscher, der zwei Nationen miteinander verbindet.

Die Tradition reicht bis ins 14. Jahrhundert zurück. Ein historisches Weiderecht erlaubt den Bauern des Schnalstals bis heute, ihre Tiere im Sommer auf österreichischen Weiden grasen zu lassen. Über Generationen hinweg entstanden daraus kulturelle Beziehungen, gemeinschaftliche Rituale und gelebte alpine Identität.

Auch Nachhaltigkeit spielt eine zentrale Rolle: Oberhirte Manuel Götsch engagiert sich für Biodiversität sowie die traditionelle Herstellung von Milch- und Wollprodukten und setzt sich dafür ein, dass junge Menschen dieses kulturelle Erbe weiterführen.

Das Glück im Geerdeten

Besonders eindrucksvoll ist das Schmücken der Tiere vor dem Abstieg ins Tal. Die schönsten Schafe werden mit bunten Stoffblumen dekoriert, während Hirten und Treiber mit humorvoller Gelassenheit zusammenarbeiten. Die Tiere tragen farbige Markierungen, um sie ihren Besitzern und Zuchtvereinen zuordnen zu können.

Es braucht hier keine große Inszenierung. Stolze Blicke, ehrliche Freude und das stille Beobachten reichen völlig aus. Selbst ein Border Collie legt sich plötzlich neben einen Wanderer, als wäre man längst Teil der Herde geworden.

Am Nachmittag beginnt schließlich der große Abstieg nach Vernagt. Tausende Menschen erwarten dort die geschmückten Tiere. Unter Glockenklang und lautem Blöken zieht die Herde über einen naturbelassenen Laufsteg, geschaffen von Bergen, Wind und Jahrtausenden alpiner Geschichte.

Die Transhumanz ist weit mehr als Brauchtum. Sie ist eine geerdete Selbsterfahrung – eine Erinnerung daran, wie wichtig innere Balance in einer rastlosen Welt geworden ist.

Ein Gespräch über Improvisation, Haltung und die Zukunft des Jazz

Anlässlich der Auszeichnung mit dem Deutschen Jazzpreis 2026 für ihr Lebenswerk spricht Aki Takase im Interview über ihre künstlerische Entwicklung, die Rolle von Improvisation und ihren Blick auf die heutige Jazzszene. Seit Jahrzehnten zählt sie zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Jazz – mit einer musikalischen Sprache, die sich konsequent zwischen Komposition und Improvisation bewegt und sich immer wieder neu erfindet.

Die Preisverleihung findet am 25. April 2026 im Congress Centrum Bremen im Rahmen des 20-jährigen Jubiläums der jazzahead! statt. Im Vorfeld gibt die Pianistin und Komponistin Einblicke in ihre Arbeit, ihre Einflüsse und die Dynamiken einer Szene, die sich stetig verändert. Heute sind wir mit Aki Takase im Gespräch.

INTERVIEW

Sie erhalten den Deutschen Jazzpreis für Ihr Lebenswerk. Was bedeutet es für Sie, in diesem Zusammenhang gelesen zu werden – also nicht nur rückblickend, sondern im Kontext der heutigen Jazzszene?

Aki Takase:
Das ist eine große Ehre und erfüllt mich mit Stolz. Außerdem hat mir die Anerkennung für die Musik, die ich bisher geschaffen habe, den Mut gegeben, meine Musik in neue Richtungen weiterzuentwickeln. Herzlichen Dank!

Ihre Musik bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen unterschiedlichen kulturellen Kontexten. Wie haben diese Perspektiven Ihr künstlerisches Denken geprägt und was hat sich daran im Laufe der Zeit verändert?

Aki Takase:
Alle Musik hat sich von der Vergangenheit bis zur Gegenwart weiterentwickelt und die Welt, wie wir sie heute kennen, geprägt. Ich habe mich schon immer für die Geschichte des Jazz interessiert, insbesondere dafür, die musikalischen Botschaften von Komponisten und Musikern, die mich faszinieren, aufzunehmen und sie aus meiner eigenen Perspektive weiterzuentwickeln, um ihnen heute neues Leben einzuhauchen. Seit letztem Jahr widme ich mich, aufbauend auf meinen bisherigen Erfahrungen, einem neuen Projekt: dem Timeless Orchestra.

Was hat Sie ursprünglich zum Jazz gebracht und was hält Sie bis heute in dieser Form, die sich ja ständig verändert?

Aki Takase:
Es fing ganz zufällig an. Als ich an der Musikhochschule studierte, lud mich eine Freundin ein, mir ein paar Jazzplatten anzuhören, und das war der Beginn meiner neuen musikalischen Reise. Jazz ist wie eine Droge – ein starkes Aphrodisiakum. Ehe ich mich versah, war ich in die Welt des Jazz hineingezogen worden, und hier bin ich heute.

Sie haben sehr unterschiedliche musikalische Phasen durchlaufen. Gab es Momente, in denen Sie Ihre eigene künstlerische Richtung grundlegend infrage gestellt haben?

Aki Takase:
Ich hatte nie Zweifel an der Richtung meiner Musik. Ich habe mich schon immer für alle Arten von Musik interessiert, vor allem für klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazzimprovisation, Volksmusik und so weiter. Für Popmusik oder Anime-Soundtracks habe ich jedoch absolut kein Interesse.

Sie arbeiten seit vielen Jahren in wechselnden Konstellationen. Was macht für Sie eine Zusammenarbeit produktiv und wann wird sie es nicht?

Aki Takase:
Wenn die musikalischen Ansichten der Mitmusiker sich von meinen unterscheiden, ist es schwierig, lange zusammen zu spielen. Im Idealfall wäre es großartig, wenn wir trotz etwas unterschiedlicher Musikgeschmäcker gemeinsam großartige Musik schaffen könnten.

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle. Was bedeutet Improvisation für Sie heute – auch im Verhältnis zu Erfahrung und Routine?

Aki Takase:
„Extremer Inspiration“

Wenn Sie auf Ihre Laufbahn zurückblicken: Wie haben sich die Bedingungen für Frauen im Jazz verändert und wo sehen Sie heute noch strukturelle Unterschiede?

Aki Takase:
Eine positive Entwicklung ist, dass sich heute mehr Frauen für Jazz interessieren als früher. Es ist auch gut, dass es – teilweise als Folge davon – heute mehr Musikerinnen gibt als früher; da Männer und Frauen jedoch je nach Instrument unterschiedliche Körperbauten haben, sind die Voraussetzungen möglicherweise nicht dieselben. Das hat auch mit politischen und soziologischen Entwicklungen zu tun.

Wenn Sie auf die heutige Jazzszene blicken: Welche Entwicklungen interessieren Sie und wo sehen Sie vielleicht auch Spannungen oder Brüche?

Aki Takase:
In letzter Zeit spüre ich eine größere Klangvielfalt, da immer mehr interessante Musiker auftauchen, die sich vom Jazzgenre entfernt haben oder von anderen Musikrichtungen beeinflusst wurden. Es ist jedoch schade, dass die Dynamik und Spannung, die dem Jazz innewohnen, nachlassen.

Was würden Sie jüngeren Musiker:innen heute mitgeben – nicht nur künstlerisch, sondern auch im Hinblick auf Arbeitsrealitäten im Jazz?

Aki Takase:
Lasst euch nicht von der Informationsflut verwirren. Und vergesst bitte nicht, dass es die Musiker sind, denen wir die Musik verdanken. Sucht nach Musik, die ihr eines Tages selbst gerne hören würdet.

Woran arbeiten Sie im Moment und was interessiert Sie gerade musikalisch?

Aki Takase:
Letztes Jahr habe ich mit Daniel Erdmann ein Projekt namens „Timeless“ ins Leben gerufen. Gemeinsam mit jungen Musikern aus verschiedenen Genres möchte ich mich mit faszinierender Musik von der Vergangenheit bis zur Gegenwart auseinandersetzen, neue musikalische Wege erkunden und herausfinden, wohin sich die Musik entwickelt.

Wie der Bassist der Red Hot Chili Peppers mit „Honora“ zu seinen musikalischen Wurzeln zurückkehrt

Nach über vier Jahrzehnten als treibende Kraft der Red Hot Chili Peppers überrascht Flea mit einem zutiefst persönlichen Schritt: seinem ersten Soloalbum. „Honora“ ist kein Rock-Statement – sondern ein intimes Jazz-Manifest, das von Hingabe, Disziplin und der Rückkehr zu den eigenen Ursprüngen erzählt.

Ein Kindheitstraum, der Jahrzehnte reifte

„Ich habe beschlossen, jeden Tag Trompete zu spielen“, erzählt Flea im Gespräch mit Zane Lowe. Diese scheinbar einfache Entscheidung wurde zum Ausgangspunkt einer Reise, die schließlich in Honora mündete.

Denn bevor Flea als einer der einflussreichsten Bassisten der Rockgeschichte gefeiert wurde, war die Trompete seine erste große Liebe. Inspiriert von Jazzgrößen wie Dizzy Gillespie begann er schon als Kind zu spielen – und kehrt nun, Jahrzehnte später, zu diesem Ursprung zurück.

Der Entschluss: tägliche Praxis, kompromisslose Hingabe – und irgendwann ein Album. Ein Versprechen an sich selbst.

„Honora“ – Zwischen Intimität und Improvisation

Das am 27. März 2026 veröffentlichte Album Honora markiert Fleas ersten Solo-Longplayer und eine bewusste Abkehr vom gewohnten Sound.

Die zehn Tracks bewegen sich zwischen freier Improvisation, spirituellen Klanglandschaften und zugänglichen Jazzmomenten. Besonders prägend: Fleas Spiel auf der Trompete, das den Kern des Albums bildet.

Neben Eigenkompositionen finden sich auch überraschende Neuinterpretationen – etwa von Frank Ocean oder Jimmy Webb. Gäste wie Thom Yorke und Nick Cave verleihen dem Werk zusätzliche Tiefe.

„Now we are human beings right here…“ – Flea in A Plea

Ein Satz, der das Album auf den Punkt bringt: Es geht um Menschlichkeit, Verbindung – und Musik als universelle Sprache.

Loslassen, um anzukommen

Ein zentrales Thema im Interview mit Zane Lowe: das Loslassen von Erwartungen. Flea beschreibt, wie er sich bewusst vom Perfektionismus befreit hat – zugunsten von Ausdruck und Authentizität.

Jazz wird hier nicht als Genre verstanden, sondern als Haltung: offen, suchend, lebendig.

Auch die LA Times beschreibt diesen Schritt als späte, aber konsequente Transformation: Mit 63 werde Flea „endlich der Jazzmusiker, der er immer sein wollte“.

Ein anderer Zugang zur Musik

Was Honora besonders macht, ist weniger ein stilistischer Bruch als eine Verschiebung im Zugang zur Musik.

Flea beschreibt im Gespräch mit Zane Lowe immer wieder die Entscheidung, sich auf tägliche Praxis zu konzentrieren – ohne Ziel, ohne Erwartungsdruck. Dieses konsequente Wiederholen wird zum eigentlichen Fundament des Albums.

Die Stücke wirken entsprechend offen und prozesshaft. Improvisation ist kein Effekt, sondern Ausgangspunkt. Auch die reduzierte Produktion unterstützt diesen Eindruck: viel Raum, wenig Überlagerung, klare Instrumentierung.

In diesem Kontext erscheint Honora weniger als „Solo-Debüt“ im klassischen Sinne, sondern eher als dokumentierter Arbeitszustand – ein Moment, in dem sich Technik, Routine und Intuition treffen.

Don Bronstein und die visuelle Sprache des Jazz

Ein leiser Beobachter, ein Chronist der Improvisation und ein unsichtbarer Teil der Szene: Die Triennale Milano widmet Don Bronstein die erste umfassende Ausstellung in Europa – und eröffnet damit einen neuen Blick auf die visuelle Kultur des Jazz.

Zwischen Rauchschwaden, gedämpftem Licht und vibrierenden Klängen entstand in den Clubs von Chicago eine Bildwelt, die bis heute nachhallt. Don Bronstein hielt sie fest – nicht als distanzierter Dokumentarist, sondern als Teil des Moments selbst.

Der Rhythmus des Sehens

Mit der Ausstellung „The Rhythm of the Eye“ präsentiert die Triennale Milano erstmals in Europa das Werk von Don Bronstein – Fotograf, Art Director und stille Schlüsselfigur der amerikanischen Nachkriegsästhetik. Gezeigt wird eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1953 bis 1968, die tief in die Jazz- und Bluesszene Chicagos eintauchen.

Was Bronsteins Arbeiten so besonders macht, ist ihre Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie bewegt sich mit. Sie atmet im Takt der Musik, folgt Blicken, Gesten, Pausen. Seine Bilder sind keine Inszenierungen, sondern fragile Momente zwischen Spannung und Stille.

Zwischen Improvisation und Intimität

Als Fotograf für Magazine und Plattencover war Bronstein ein Meister der Komposition – und doch liegt die eigentliche Kraft seiner Arbeit in der Improvisation.

Er arbeitete eng mit seinen Protagonist:innen zusammen, entwickelte Vertrauen und schuf so eine seltene Offenheit. In seinen Bildern entstehen Porträts, die nicht nur zeigen, sondern spürbar machen: den Moment vor dem Ton, das Zögern, die Energie eines Raumes.

Sein Blick ist dabei niemals aufdringlich. Vielmehr scheint er Teil des Geschehens – ein unsichtbarer Begleiter zwischen Musiker:innen, Publikum und Raum.

Chicago als pulsierende Bühne

Bronsteins fotografisches Universum ist untrennbar mit Chicago verbunden. In legendären Clubs wie dem London House oder Mr. Kelly’s traf er auf Ikonen der Musikgeschichte: von Muddy Waters über Miles Davis bis hin zu Ella Fitzgerald.

Doch sein Blick ging über die Musik hinaus. Auch Persönlichkeiten aus Comedy und Kultur fanden ihren Weg vor seine Linse – ein Zeichen für die Vielschichtigkeit seines künstlerischen Interesses.

Zwischen Plattencovern und Popkultur

Neben seiner fotografischen Arbeit prägte Bronstein die visuelle Identität der Musikindustrie maßgeblich. Mehr als 500 Albumcover gehen auf sein Konto – für Labels wie Chess Records oder Columbia.

Später wurde er der erste festangestellte Fotograf des Playboy-Magazins und trug entscheidend zu dessen Bildsprache bei. Seine Arbeiten bewegen sich damit an der Schnittstelle von Kunst, Design und Popkultur – lange bevor diese Disziplinen selbstverständlich miteinander verschmolzen.

Ein verborgenes Archiv, neu entdeckt

Nach seinem frühen Tod im Jahr 1968 blieb Bronsteins umfangreiches Archiv jahrzehntelang unangetastet. Erst seine Töchter begannen, das Material zu sichten – und stießen auf ein visuelles Zeitkapsel: Negative, Kontaktbögen, Briefe und bislang ungesehene Fotografien.

Diese Wiederentdeckung verleiht seinem Werk heute eine neue Dringlichkeit. Die Ausstellung in Mailand markiert dabei nicht nur eine Retrospektive, sondern einen Ausgangspunkt für ein tieferes Verständnis seines Einflusses.

Eine Einladung zum genauen Hinsehen

„The Rhythm of the Eye“ ist mehr als eine Ausstellung über Fotografie. Sie ist eine Einladung, Wahrnehmung neu zu denken – als etwas, das sich im Moment entfaltet, im Detail, im Rhythmus.

Don Bronstein zeigt uns, dass Sehen kein statischer Akt ist, sondern ein lebendiger Prozess. Einer, der – wie der Jazz selbst – von Intuition, Timing und Sensibilität lebt.

Fairmont Le Montreux Palace: Voglauer lässt das Grand Hotel am Genfersee neu erstrahlen.

Zwischen Schwanenflügeln und Trompetenklang

Am Ufer des Genfer Sees steht seit 1906 das geschichtsträchtige Fairmont Le Montreux Palace, das dank Voglauer nun noch mehr glänzt als zuvor. Der Generalunternehmer hat das Grand Hotel nicht nur aufpoliert, sondern auch auf elegante Art über sich hinauswachsen lassen. Was ein Schwan und eine Trompete damit zu tun haben? Bitte weiterlesen.

Melodien der Beständigkeit

Wie Miles Davis’ Trompete in seiner Montreux-Version von Time After Time die sanfte Melodie trägt, so erzählt auch das renovierte Grand Hotel eine Geschichte von Beständigkeit und Erneuerung. Der Jazzstandard in seiner Interpretation steht für Treue und zeitlose Eleganz – Qualitäten, die sich im neuen Glanz des Hauses widerspiegeln. Was bleibt, ist die Seele. Was sich wandelt, ist die Form.

Sanfte Metamorphose des Gewohnten

In diesem Sinne hat sich Voglauer der Renovierung von 54 Zimmern angenommen. Möbel auszutauschen, wäre dabei eine Möglichkeit gewesen. Stattdessen wurde die umsichtigere Variante gewählt, nämlich die nachhaltige Überarbeitung des Bestands. Schränke und Nachttische erhielten neue Lackierungen und Schubladenfronten, Couchtische und Schreibtische neue Tischplatten.

Wo Wellen auf Perlmutt treffen

Angeregt durch die Aussicht auf den Genfer See und die Alpen zeigt sich das Ganze in einer noblen Komposition aus Weiß- und Blautönen. Wellenmuster im Teppich, das Bildmotiv des Sees über den Betten und ein paar Störche, die hier auf Tapeten durch das Badezimmer fliegen, spiegeln den Wasserbezug auf stimmige Weise wider. Ebenso wie die Aufwertung des Originalmobiliars mit Perlmutt-Veredelung sowie Griffen in Schwanen- und Muschelform für Minibarkommoden und Schränke.

Sämtliche Renovierungsarbeiten wurden gewissenhaft, sorgfältig und sehr professionell ausgeführt.

Michael Smithuis, General Manager & Regional Vice President Fairmont Le Montreux Palace

Trotz des eng gesteckten Zeitplans verlief alles reibungslos, ohne das tägliche Geschäft mit den Gästen jemals zu stören. Pünktlich zum Jazzfestival wurde so eine neue Epoche eingeläutet – getragen vom sanften Trompetenklang, der seit jeher über den Genfer See hallt. Und wie ein Schwan, der majestätisch über das Wasser gleitet, präsentiert sich das Fairmont Le Montreux Palace nun in voller Pracht.

Fotos: Guillaume Cottancin / Fairmont Le Montreux Palace

Ein Abend, an dem Mode Geschichte schrieb – die Met Gala 2025 stand ganz im Zeichen schwarzer Eleganz, kultureller Identität und kunstvoller Maßschneiderei.

Tailored for You: Die Ausstellung, die den Ton angab

Unter dem Motto „Tailored for You“ widmete sich die diesjährige Met Gala der Frühjahrsausstellung „Superfine: Tailoring Black Style“ des Costume Institute im New Yorker Metropolitan Museum of Art. Die Ausstellung, die ab dem 10. Mai 2025 öffentlich zugänglich ist, beleuchtet über 300 Jahre schwarze Modegeschichte – von der Ästhetik des Black Dandyism über politische Statements bis hin zu zeitgenössischer Streetwear.

Ziel der Ausstellung ist es, Mode nicht nur als Kleidungsform, sondern als Mittel von Selbstausdruck, Empowerment und Widerstand sichtbar zu machen.

Louis Vuitton: Sponsor, Gestalter und stilprägend

Louis Vuitton trat in diesem Jahr nicht nur als Sponsor der Ausstellung auf – das Haus prägte die Gala wie kaum ein anderes Label. Kein Wunder: Pharrell Williams, Men’s Creative Director bei Louis Vuitton, übernahm die Rolle des Co-Vorsitzenden der Veranstaltung.

Er selbst setzte ein modisches Ausrufezeichen:
Ein von ihm entworfenes, doppelreihiges Abendjackett aus 15.000 handverarbeiteten weißen Perlen, das einen subtilen Nadelstreifen-Effekt erzeugte, kombiniert mit ausgestellten Wollhosen, Seidenkrawatte und der ikonischen Speedy P9 in Krokodilleder. Eine Hommage an die Handwerkskunst des Hauses und Ausdruck einer klaren Designvision: Dandyismus als Statement.

Stars in Maß: Die Looks der Louis Vuitton-Gäste

Zendaya: Femininer Dandy-Look

Die Schauspielerin erschien in einem weißen Smoking mit ausgestellter Hose aus matter Seide und einem breiten Filzhut – eine Anspielung auf die Zoot Suits der 1940er-Jahre, neu interpretiert in femininer Maßschneiderei. Ein Look, der Stilgeschichte schreibt.

Future: Streetwear trifft Schneidertradition

Der Rapper präsentierte sich in einem bouclégewebten Trainingsanzug im Prince-of-Wales-Jacquard, verziert mit Kristallen und roten Perlen. Der Mix aus Sportlichkeit und Tailoring zeigte, wie Subkultur und Haute Couture verschmelzen können.

Lisa: Haute Couture trifft Kunst

Die K-Pop-Ikone trug eine Basque-Jacke aus schwarzer Spitze, bestickt mit einem Kunstwerk des amerikanischen Künstlers Henry Taylor, über einem korsettierten Body und Monogramm-Strumpfhosen. Ein meisterhaftes Spiel zwischen Kunst, Couture und Identität.

Callum Turner: Der Jazz-Dandy

Mit einem perlenbestickten Damier-Tuch, ausgestelltem Wollanzug und klassischem Cravaté erinnerte der Look an die Dandys der Jazz-Ära – neu interpretiert durch das Louis Vuitton Atelier.

Die Botschaft der Met Gala 2025

Diese Gala war keine bloße Modenschau. Sie war eine Ode an schwarze Stilgeschichte, an handwerkliche Exzellenz und an das Selbstverständnis von Mode als kulturelle Ausdrucksform. Mit maßgeschneiderten Looks, die sowohl klassisch als auch rebellisch wirken, führte Pharrell Williams eine neue Ära im Herren-Design ein – eine Ära, in der Anzüge Geschichten erzählen.

Wer glaubt beim letzten Jedermann-Ruf der Festspiele kehrt Ruhe in Salzburg ein, der irrt. Auch der Herbst hat kulturell so einiges zu bieten. Ob Jazz oder Volksmusik, die Stadt fungiert weiterhin als Bühne und mit ihr auch das Hotel Stein.

Salzburg und Kultur? Natürlich, da denken wir an die Festspiele. Doch dem sommerlichen Höhepunkt folgen noch einige weitere Highlights, die man im Zuge eines Aufenthalts im Hotel Stein erleben kann. Nur einen Steinwurf vom Giselakai sind die Festivitäten entfernt und auch im Stein selbst wird das Flair der Stadt wie auch schon im Sommer mitgetragen. Mal geht es zünftiger und traditioneller zu, Mal ist der Vibe jazzig und beschwingt. In jedem Fall aber immer stimmungsvoll.

Timeless tradition

Wenn der Rupertikirtag rund um den 24. September und der Bauernherbst bis Ende Oktober im Gange sind, dann steht die Tradition im Vordergrund. Salzburger Textilhandwerk mit Dirndln und Lederhosen von Susanne Spatt, Gössl, Lanz oder Tostmann zieren das Stadtbild. Auch im Hotel Stein löst die Tracht dann die Abendgarderobe des Sommers ab. Von Volksmusik umgeben, kostet man sich durch regionale Schmankerln zum Beispiel im Gasthof Goldgasse, feiert bäuerliche Traditionen und wagt sich auf das ein oder andere Fahrgeschäft.

All that jazz

Ebenso fröhlich, doch ein bisschen gediegener geht es dann bei Jazz&TheCity zu. Über mehrere Tage hinweg füllen Jazzklänge die Gassen, Plätze und historischen Gebäude der Altstadt. Das Festival ist bekannt für seine unkonventionellen Veranstaltungsorte, die von Kirchen über Bars bis hin zu öffentlichen Plätzen reichen. Ebenso mühelos wie die Musik klingt, ist auch das Konzerterlebnis per se. Bei freiem Eintritt ist man spontan und hört hier den hellen Klang einer Trompete und den erdigen Sound eines Kontrabasses zu und dort einem Klavier, das jazzige Landschaften aus Klang malt. Den Abend klingt dann wortwörtlich bei einem Drink auf der Steinterrasse aus mit Blick auf die ganze Stadt bis man sich in die wundervollen Zimmer und Suiten begibt. Da Capo al fine sozusagen.

Hotel Stein is a Member of Lifestylehotels

Fotocredits: Hotel Stein (Marco Riebler; Michael Groessinger); Niko Zuparic; Henry Schulz; SalzburgerLand Tourismus (Maria Alm / Markus Berger; Seeham / Coen Kossmann; Fuschl am See / Andreas Hechenberger)

Maona Monte-Carlo zelebriert die großen Zeiten des Feierns im Fürstentum 

In der Bucht des Monte-Carlo Beach, fast am selben Ort des gleichnamigen, 1962 gegründeten Clubs, wurde Maona Monte-Carlo gerade unter dem Sternenhimmel der Riviera neu geboren. Diese neue Adresse der Monte-Carlo Société des Bains de Mer zelebriert das Feiern und das kulinarische Erbe Monacos. Mit Maona Monte-Carlo werden die 60er und 70er Jahre zum Leben erweckt. Bis heute prägen Persönlichkeiten dieser Ära das Image des Fürstentums. Zwei waren sogar Namensgeber des ursprünglichen Maona: „Ma“ steht für Maria Callas, „Ona“ für Aristoteles Onassis. Jerry Lewis, Joséphine Baker, Omar Sharif, Liza Minnelli oder Michael Caine feierten hier die Dolce Vita Monte-Carlos. 

Nun erfindet Maona Monte-Carlo die leichten Stunden der 1960er-Jahre neu und lädt zum Sommerkabarett unter dem Sternenhimmel ein – mit Jazz, Live-Klavier-Acts und kulinarischen Highlights.  

Unter seinem Label „Belle Epoque“ remixt das Elektrokollektiv Bon Entendeur Chansons aus dem frankophonen Kulturerbe und sorgt am frühen Abend für feinen Retro-Sound. Ab 20 Uhr bringen Live-Piano-Sessions, Soul-Sängerinnen oder ein Elektro-DJ die Gäste zum Tanzen.

Zwischen einheimischer Küche und hochkarätiger Mixologie

Maona Monte-Carlo ist ein echtes gastronomisches Erlebnis, das die Aromen der eklektischen, in der monegassischen Identität verankerten Kulinarik enthüllt. Die Speisekarte des Maona Monte-Carlo greift auf authentische Familienrezepte zurück und veredelt die Klassiker der lokalen Küche. Barbajuans, Stocafi, Socca und Fougasse werden in der Loungebar oder als Antipasti geteilt. Gerichte der italienischen Riviera wie Hummerrisotto, Pasta, wie sie nur Chefkoch Vincenzo Giordano zubereiten kann, komplettieren die Menüs. Fisch, Obst und Gemüse werden in der unmittelbaren Nähe von Monaco wie auch aus dem Hinterland bezogen.

Als Aperitif oder Digestif können Gäste in der Bar Sauvage die Kreationen von Giancarlo Mancino, einem der renommiertesten Bartender der Welt, genießen: „Cocktails on Tap“, Negroni auf der Basis von Jahrgangsweinen und Spirituosen Made in Monaco. Eine seltene Kostbarkeit, die Genießer an lauen Sommerabenden unter der Pergola genießen können, ist ein außergewöhnlicher Negroni Monte-Carlo 1956, dem Hochzeitsjahr von S.D. Fürst Rainier und Grace Kelly. Er wird aus einem Londoner Dry Gin aus den 50er Jahren, einen Bitter aus dem Jahr 1956 und einen italienischen Wermut aus demselben Jahr gemixt.

Für ein privates Maona Monte-Carlo-Erlebnis kann der Tam-Tam Room im Obergeschoss exklusiv gebucht werden, eine Terrasse mit Blick auf das Meer. 

Ein Design, das von der Côte d’Azur der 60er und 70er Jahre inspiriert ist.

Federführend für das Design des Maona Monte-Carlo ist Architekt Laurent Maugoust, der den Ort als Sommersalon einer mediterranen Villa am Meer gestaltet hat: bei der farblichen und stilistischen Gestaltung orientierte er sich an den 60er und 70er Jahren. Künstlerin Aurore de La Morinerie gestaltetet das originelle Wandgemälde, das auch die Menüs, Speisekarten und Platzteller ziert. 

Der Ort ist eine Hommage an das historische Maona. Alte Fotografien schaffen eine authentische und einzigartige Atmosphäre schafft.

„Es erfüllt mich mit großem Stolz, Maona Monte-Carlo zu lancieren, eine neue Marke, die von der Monte-Carlo Société des Bains de Mer geschaffen wurde und die sowohl das gastronomische Know-how unserer Gruppe als auch ihr historisches und kulturelles Erbe sowie ihre festliche DNA verkörpert,“ sagt Stéphane Valeri, Vorstandsvorsitzender der Monte-Carlo Société des Bains de Mer, „wir haben einer neuen Adresse für monegassische Sommerabende Leben eingehaucht.“

Praktische Informationen

Öffnungszeiten: 04. Juli bis 01. Oktober 2023 von 19:00 bis 02:00 Uhr.
Vom 04. Juli bis 03. September: wöchentliche Schließung am Dienstag.
Vom 03. September bis zum 01. Oktober: Wöchentliche Schließung am Dienstag und Mittwoch.
Informationen und Reservierungen: +377 98 06 56 00

https://www.montecarlosbm.com/de/restaurant/maona-monte-carlo

Das ALMANAC Palais Vienna, das mit seiner historischen Architektur, dem modernen Design und der zeitgenössischer Kunst den berühmten Wiener Charme widerspiegelt, ist ein Ort, an dem Luxus in der komfortablen Ausstattung, und in einem zugleich ungezwungenen, entspannten Lifestyle erlebbar wird.

Im Herzen der „lebenswertesten Stadt der Welt“ – einer Metropole mit einer langjährigen Geschichte, einer enormen kulturellen Vielfalt und einer renommierten Gastronomie, in der Genuss groß geschrieben wird und die immer wieder aufs Neue zu überraschen weiß. Ein Hotel, das in allen Aspekten mehr ist als nur ein Ort zum Übernachten – ein Zuhause des Komforts und des Luxus, an dem die Gäste durch lokale Erlebnisse ein Reiseziel jenseits des Offensichtlichen kennen lernen können.

Zimmer & Suiten
Für Nachteulen und Langschläfer

Die ALMANAC Zimmer & Suiten sind eine harmonische Symbiose aus zeitgenössischem Interior Design und imperialer Geschichte zweier historischer Stadtpalais. Eine natürliche Farbwelt, luxuriöse Materialien sowie Wiener Charme bis ins kleinste Detail, laden zum Entspannen eines erlebnisreichen Aufenthaltes ein. Suiten mit modernem Galerie-Charakter erinnern daran, in einer der bedeutendsten Kunst- und Kulturstädte der Welt zu sein.

Donnersmarkt Restaurant & Bar 
Für Liebhaber alpiner Küche

Inspiriert von der Tradition Wiener Wochenmärkte können sich im Donnersmarkt Restaurant nicht nur Gourmets an trendiger, alpiner „Plantforward-Küche“ erfreuen. Regionales und saisonales Gemüse aus den alpinen Ländern geben den Ton an, während Fleisch und Fisch zur köstlichen Nebensache werden. Der große, lange Tisch in der Raummitte fördert nicht nur das gesellige „Beisammensein“, sondern auch das international sehr beliebte Konzept des Teilens. Somit wird selbst die Speisekarte – reich an regionalen und raffinierten Kreationen des Küchenchefs Andreas Mahl zu einer kulinarischen Entdeckungsreise.    

Das von den spanischen Künstlern Alejandro Jaler und Nicolas Lucas gestaltete Wandgemälde im Restaurant erinnert an die Farben des Wiener Stadtparks. Eine weitere Arbeit der beiden Künstler, zeitgenössische Fresko-Kunst aus Gips und natürlichen Pigmenten, befindet sich in der Lobby des Hotels.

Die Ouvertüre zu einem „Casual Dining“-Erlebnis bildet die Donnersmarkt Apero Bar, wo erfrischende wie prickelnde Getränke, Cocktails und Drinks im Einklang mit heimischen Juices auf den Abend einstimmen. Süße wie pikante Snacks machen Lust auf größere kulinarische Gaumenfreuden oder stillen den kleinen Appetit. 

ALMANAC Palais Vienna Spa
Für Weltenbummler und Erholungsuchende

Gedanklich durch den Wiener Wald spazieren oder Kraft tanken in den Bergen. Die von Österreichs Kulturlandschaft inspirierten und exklusiv für das ALMANAC Palais Vienna entwickelten Spa Treatments sind ein Erlebnis für alle Sinne. Der ganzheitliche Ansatz an Düften, Essenzen, Ritualen und Behandlungen sorgt für ein Gleichgewicht zwischen Seele, Körper und Geist. Dies im luxuriösen Ambiente eines City Palais mit herrlichem Pool, wohltuendem Hamam, Jacuzzi oder Sauna. Für ein sofort spürbares Wohlbefinden. Mitten im Herzen Wiens. In Überzeugung einer multi-sensorischen Spa-Philosophie arbeitet ALMANAC Palais Vienna ausschließlich mit heimischen Gesichts- und Körperpflegeprodukten,  auf Basis veganer und natürlicher Inhaltsstoffe.

ALMANAC Palais Vienna Banketträume
Für Gäste und Gastgeber

Der unvergleichbare Kontrast aus modern ausgestatteten Konferenz- & Meetingräumen sowie historischen Heritage Rooms ist die ALMANAC Interpretation für alle Anlässe, Events und Feierlichkeiten des Zeitgeists von heute. Ob Board Meeting, beschwingtes Jazz Konzert, trendige Fashion Show oder fröhliche Hochzeitsgesellschaft, die neu geschaffenen Konferenzräume, welche mit innovativer Technik ausgestattet sind,  „spielen alle Stückerln“. Die eleganten Heritage Rooms mit ihren imposanten  Kronleuchtern, architektonischen Details und Tapisserien bilden das emotionale Herzstück der Banketträume.

„Wir freuen uns auf unsere ersten Gäste. Nach vielen Jahren Bauzeit ist es nun unser größtes Anliegen unsere Gäste mit unserem Haus in Wien und den für ALMANAC typisch ungezwungenen und entspannten Lifestyle zu begeistern“, so Stefan Winkler, General Manager des ALMANC Palais Vienna.

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Fotocredits: Jaime Beriestain