Mit Filmen, Stimmen und vielschichtigen Erzählungen verwandelt Amar Kanwar die Serpentine North in London in einen meditativen Denkraum. Im Zentrum der großen Einzelausstellung steht die neue Sieben-Kanal-Installation The Charcoal Man.

Dunkelheit ist in Amar Kanwars Werk niemals bloß die Abwesenheit von Licht. Sie ist ein Raum der Wahrnehmung, der Erinnerung und der Erkenntnis. Ein Zustand, in dem Gewissheiten verschwimmen und andere Bilder sichtbar werden. Für seine große Einzelausstellung bei Serpentine verwandelt der indische Künstler und Filmemacher die Galerien der Serpentine North in eine immersive visuelle und akustische Landschaft.

Vom 23. September 2026 bis 31. Januar 2027 treffen dort drei zentrale Arbeiten aufeinander: der abendfüllende Film Such a Morning von 2017, die Sieben-Kanal-Installation The Peacock’s Graveyard von 2023 und das neue Werk The Charcoal Man, das in London erstmals öffentlich gezeigt wird.

Ein Kino der Aufmerksamkeit

Seit mehr als zwei Jahrzehnten bewegt sich Amar Kanwar zwischen Dokumentarfilm, poetischem Essay und visueller Erzählung. Seine Arbeiten sind eng mit der Geschichte des indischen Subkontinents verbunden – mit Kolonialismus, der Teilung Indiens und Pakistans, Vertreibung, Gewalt und den Mechanismen politischer Macht.

Doch Kanwar erklärt die Welt nicht. Er verlangsamt sie. Statt eindeutiger Antworten entwickelt er offene Bildräume, in denen Fakten, persönliche Erinnerungen, Fabeln, Musik und Archivmaterial nebeneinander existieren. Das Politische erscheint bei ihm nicht als Botschaft, sondern als Erfahrung: leise, vielschichtig und oft beunruhigend nah.

Diese Haltung bestimmt auch die Ausstellung bei Serpentine. In den abgedunkelten Räumen werden die Besucherinnen und Besucher nicht nur zu Zuschauenden. Sie müssen sich auf einen anderen Rhythmus einlassen – auf Bilder, die Zeit verlangen, und auf Geschichten, deren Bedeutung sich erst allmählich entfaltet.

Vom Pfauengrab zum Kohlenmann

Den Auftakt bildet The Peacock’s Graveyard, ursprünglich für die Sharjah Biennale 15 geschaffen und nun erstmals in London zu sehen. Auf sieben Bildschirmen verbindet Kanwar eigene Texte mit zeitgenössischen und historischen Fabeln, mündlichen Überlieferungen und persönlichen Erfahrungen.

Die Installation kreist um die Flüchtigkeit menschlicher Existenz, um Gewalt und Arroganz, aber auch um Versöhnung, Widerstand und Transformation. Kanwar versteht das Werk weniger als Klage denn als Sammlung von Geschichten, die man bei sich tragen kann – als fragiles Gegengewicht zu einer Wirklichkeit, die immer wieder von Zerstörung geprägt wird.

Mit The Charcoal Man führt er diese Gedanken weiter. Die neue Sieben-Kanal-Arbeit entstand über drei Jahre hinweg und wurde vom Kiran Nadar Museum of Art in Delhi in Auftrag gegeben. Ausgangspunkt ist Kanwars fortdauernde Auseinandersetzung mit der Teilung des indischen Subkontinents im Jahr 1947.

Bilder und Texte verweben sich zu einer Erzählung über Verrat, Rache, Leidenschaft, Eifersucht und Wut. Dabei sucht der Künstler nicht nach einer linearen historischen Darstellung. Vielmehr versucht er, aus dem Zerfall neue Zusammenhänge und aus Geschichten weitere Geschichten entstehen zu lassen. Realität, Fantasie und Fiktion werden zu gleichberechtigten Formen des Erinnerns.

49 Arten der Dunkelheit

In einem der charakteristischen, von Backstein überwölbten Powder Rooms der Serpentine North wird Such a Morning gezeigt. Der 85-minütige Film erzählt von einem angesehenen Mathematikprofessor, der sich unvermittelt aus dem öffentlichen Leben zurückzieht und in einem verlassenen Eisenbahnwaggon in einem Wald Zuflucht sucht.

Er verdunkelt die Fenster und beginnt, sich buchstäblich und geistig an die Dunkelheit heranzutasten. Aus Visionen, Halluzinationen und Erkenntnissen entstehen Briefe über 49 verschiedene Formen der Dunkelheit, zusammengefasst in einem imaginären Almanac of the Dark. Parallel dazu entwickelt sich die Geschichte einer Frau, ohne dass beide Erzählungen zu einer eindeutigen Interpretation zusammenfinden.

Die Briefe setzen sich außerhalb des Films fort. Projektionen, Videos und Texte auf handgefertigtem Ramie- und Baumwollpapier führen das Werk in den angrenzenden Galerien weiter und geben Kanwars immateriellen Bildern eine beinahe körperliche Form.

Sehen als ethische Handlung

Serpentine und Amar Kanwar verbindet eine lange Geschichte. Bereits 2008 war der Künstler Teil der Gruppenausstellung Indian Highway. Es folgten Beiträge zum Map Marathon sowie zum Filmprogramm On Earth, Structure and Sadness. Die aktuelle Ausstellung führt diesen Dialog nun in konzentrierter Form weiter.

Was Kanwars Arbeiten so gegenwärtig macht, ist ihre Weigerung, sich der Geschwindigkeit unserer Zeit anzupassen. Sie fordern Aufmerksamkeit, ohne sie zu erzwingen. Sie sprechen von Gewalt, ohne diese zum Spektakel zu machen. Und sie zeigen, dass Erinnern keine passive Rückschau ist, sondern eine ethische Handlung.

In einer Gegenwart voller Bilder schafft Amar Kanwar Räume, in denen das Sehen wieder Bedeutung bekommt. Vielleicht beginnt genau dort die Möglichkeit zur Veränderung: im Innehalten, im Zweifel – und in der Bereitschaft, auch in der Dunkelheit weiterzuschauen.

Amar Kanwar
Serpentine North, London
23. September 2026 bis 31. Januar 2027
Eintritt frei

Warum die Zukunft nicht nur mehr Freude, sondern auch mehr Verbindung braucht

Die Sehnsucht nach dem Gemeinsamen

Noch nie zuvor waren Menschen so stark miteinander vernetzt.

Und gleichzeitig fühlen sich viele Menschen so isoliert wie nie.

Wir kommunizieren permanent. Wir teilen Gedanken, Bilder und Meinungen in Echtzeit. Dennoch wächst in vielen Teilen der Welt das Gefühl von Einsamkeit, Polarisierung und gesellschaftlicher Fragmentierung.

Vielleicht liegt genau darin eine der großen Herausforderungen unserer Zeit:

Wie schaffen wir Verbindung in einer Welt, die immer stärker auseinanderzudriften scheint?

Die britische Künstlerin und Bühnenbildnerin Es Devlin widmet ihr gesamtes Werk dieser Frage.

Die Architektin kollektiver Erfahrungen

Es Devlin zählt zu den einflussreichsten Kreativen unserer Zeit.

Sie entwirft Bühnenbilder für Musiker, Operninszenierungen und globale Veranstaltungen. Doch ihre eigentliche Arbeit beginnt dort, wo klassische Bühnenbilder enden.

Devlin interessiert sich weniger für das, was Menschen betrachten.

Sie interessiert sich für das, was Menschen gemeinsam erleben.

Ihre Installationen aus Licht, Spiegeln, Sprache und Bewegung verwandeln Besucher nicht in Zuschauer, sondern in aktive Teilnehmer.

Immer wieder entstehen Räume, die eine überraschende Erkenntnis sichtbar machen:

Wir existieren niemals isoliert.

Wir entstehen in Beziehung.

Die Kraft der Perspektive

Viele Arbeiten von Es Devlin spielen mit Spiegelungen.

Auf den ersten Blick erscheinen sie als visuelle Effekte.

Tatsächlich verfolgen sie ein tieferes Ziel.

Wer in einen Spiegel blickt, sieht nicht nur sich selbst. Man erkennt auch die Umgebung und die Menschen, die sich mit einem im selben Raum befinden.

Die Grenzen zwischen Individuum und Gemeinschaft beginnen zu verschwimmen.

Damit stellt Devlin eine Frage, die heute aktueller wirkt denn je:

Was passiert, wenn wir aufhören, uns als voneinander getrennte Wesen zu betrachten?

Optimismus als Verbindung

Optimismus wird oft mit positiven Gedanken verwechselt.

Für Devlin scheint Optimismus etwas anderes zu bedeuten.

Nicht die Überzeugung, dass alles gut wird.

Sondern die Erkenntnis, dass wir Herausforderungen gemeinsam bewältigen können.

Ihre Arbeiten erinnern daran, dass Menschen seit Jahrtausenden Geschichten erzählen, Musik machen, feiern und trauern, um Gemeinschaft zu erzeugen.

Verbindung ist kein Luxus.

Sie ist eine menschliche Notwendigkeit.

Die neue Kultur des Miteinanders

Interessanterweise lässt sich dieser Gedanke heute weit über die Kunst hinaus beobachten.

Hotels entwickeln sich zu Orten der Begegnung.

Architektur sucht nach neuen Gemeinschaftsräumen.

Marken sprechen über Community statt über Zielgruppen.

Selbst die erfolgreichsten öffentlichen Räume entstehen dort, wo Menschen miteinander in Kontakt treten können.

Es Devlin steht exemplarisch für diese Entwicklung.

Ihre Kunst macht sichtbar, was oft unsichtbar bleibt:

Die Beziehungen, die Menschen miteinander verbinden.

Eine Zukunft, die wir gemeinsam gestalten

Vielleicht wird die wichtigste Ressource der Zukunft nicht Technologie sein.

Nicht Daten.

Nicht künstliche Intelligenz.

Sondern die Fähigkeit, Verbindung herzustellen.

Zwischen Menschen.

Zwischen Kulturen.

Zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Die Arbeiten von Es Devlin erinnern uns daran, dass wir Teil größerer Zusammenhänge sind.

In einer Zeit, die oft von Trennung geprägt ist, schafft sie Räume der Begegnung.

Und genau darin liegt ihre Form des Optimismus.

Die Hoffnung, dass Menschen einander nicht nur verstehen können.

Sondern sich in den Geschichten der anderen auch selbst wiederfinden.

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.

Ein temporäres Townhouse in Mayfair wird zur Hommage an das ikonische Louis Vuitton Monogramm – zwischen Handwerkskunst, Designgeschichte und zeitgenössischer Kultur.

Mit dem Louis Vuitton Hotel eröffnet das Maison in London einen außergewöhnlichen Ort der Begegnung: ein Pop-up-Erlebnis, das 130 Jahre Monogramm feiert und Besucher:innen in die Welt des Reisens, der Handwerkskunst und der ikonischen Taschenmodelle eintauchen lässt.

Ein Haus voller Geschichte – und Zukunft

Im Herzen von Mayfair, einem der elegantesten Viertel Londons, entsteht ein Ort, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verwebt. Das Louis Vuitton Hotel ist kein klassisches Hotel, sondern ein sorgfältig inszeniertes Townhouse, das die Geschichte eines der bekanntesten Symbole der Modewelt erzählt: des Monogramms.

Ursprünglich 1896 von Georges Vuitton als Hommage an seinen Vater Louis Vuitton entworfen, ist das Monogramm heute weit mehr als ein dekoratives Element – es steht für Savoir-faire, Reisegeist und zeitlose Eleganz. Dass London als Standort gewählt wurde, ist kein Zufall: Bereits 1885 eröffnete hier das erste internationale Geschäft des Hauses außerhalb von Paris.

Seit dem 24. April 2026 ist das Louis Vuitton Hotel für Besucher:innen geöffnet und wird für die Dauer von zwei Monaten zugänglich sein – ein bewusst temporäres Erlebnis, das seine Exklusivität zusätzlich unterstreicht.

Ein glanzvoller Auftakt

Schon die Eröffnung des Louis Vuitton Hotels wurde zum gesellschaftlichen Ereignis: Zahlreiche internationale Celebrities, Kreative und Persönlichkeiten aus Mode, Kunst und Kultur folgten der Einladung nach Mayfair. Die Bilder des Abends zeigen eindrucksvoll, wie sehr das Haus nicht nur ein Ort der Geschichte, sondern auch ein zeitgenössischer kultureller Treffpunkt ist – ein Hotspot, der Tradition und Popkultur mühelos verbindet.

Ikonische Taschen als Räume erlebbar gemacht

Das Louis Vuitton Hotel ist eine immersive Reise durch die Geschichte der bedeutendsten Taschenmodelle des Hauses. Jeder Raum ist einem ikonischen Design gewidmet – und verwandelt Funktion in Erlebnis:

• Keepall Lobby: Eine Hommage an die Reisetasche von 1930, die mit ihrem faltbaren Design die moderne Reisekultur revolutionierte.
• Café Alma: Pariser Flair trifft auf Art-Déco-Ästhetik – inspiriert von der strukturierten Silhouette der Alma Bag.
• Speedy Room: Ein lichtdurchflutetes Zimmer, das Geschwindigkeit und Mobilität als Designprinzip feiert.
• Speedy P9 Safe Room: Eine goldene Inszenierung der Neuinterpretation durch Pharrell Williams – Handwerkskunst auf höchstem Niveau.
• Neverfull Gym: Spielerische Leichtigkeit trifft auf Funktionalität – eine Tasche, die für Stärke und Vielseitigkeit steht.
• Bar Noé: Eine intime Champagnerbar, die an die Ursprünge der Noé Bag erinnert – ursprünglich entworfen, um Champagnerflaschen stilvoll zu transportieren.

Erlebnis, Handwerk und Individualität

Neben der ästhetischen Inszenierung steht auch die Handwerkskunst im Mittelpunkt. Ein eigener Care-Service-Bereich bietet die Möglichkeit, Louis Vuitton Stücke restaurieren zu lassen – ein Zeichen für Langlebigkeit und Nachhaltigkeit im Luxussegment.

Darüber hinaus können Besucher:innen ihre persönlichen Stücke individualisieren lassen: Exklusive Patches und Hot-Stamping-Services machen jede Tasche zu einem Unikat.

Kulinarik trifft Kultur

Das Erlebnis wird durch gastronomische Konzepte ergänzt:
Im Café Alma erwartet Gäste ein stilvolles Déjeuner oder Afternoon Tea, während die Bar Noé tagsüber Champagner und abends – in Zusammenarbeit mit dem legendären KOKO – DJ-Sets und vibrierende Londoner Nächte bietet.

Eine Hommage an das „Art of Travel“

Louis Vuitton gelingt mit diesem Pop-up mehr als eine Ausstellung – es ist eine emotionale Inszenierung eines Lebensgefühls.
Das Louis Vuitton Hotel wird so zu einer modernen Interpretation des „Art of Travel“: eine Reise durch Zeit, Design und kulturelle Relevanz.

Kunst, Wasser, Licht: das Water Light Festival Brixen findet dieses Jahr vom 29. April bis zum 16. Mai statt. Idealer Ausgangspunkt: das Arthotel Lasserhaus.

Reflexion, Brechung, Bewegung: wenn Wasser und Licht aufeinandertreffen entsteht Kunst: ein stilles Schauspiel, das sich in Brixen entfaltet. Alle zwei Jahre entsteht durch die Zugabe von Technik, Farbe und Klang dabei ein ganz eigenes mehrtägiges Erlebnis.

Tauscht man den ersten Buchstaben, so wird aus dem Lasserhaus ein Wasserhaus. Weit hergeholt ist das nicht, befindet es sich doch schließlich in der Wasserstadt Brixen, ganz nahe der Altstadt in einem noch älteren Teil der Stadt im Künstlerviertel Stufels. Über die Adlerbrücke, den Eisack unter sich, führt der Weg direkt zum Kunsthotel.

Das historische Haus, hinter dessen Mauern zeitgenössische Kunst mit klassischen Werken in Dialog treten, ist eine wunderbare Einstimmung, um sich dem immersiven Erlebnis, das Brixen im Zuge des Water Light Festivals bietet, hinzugeben.

Kaum tritt man hinaus, scheint sich die Kunst über das Haus hinaus in die Stadt auszudehnen. Wasserorte und kulturhistorische Schätze, wie die Hofburg, die Festung Franzenfeste oder die Stadtgalerie werden in ein anderes Licht gerückt. Auch das zum Lasserhaus zugehörige Boutique Hotel Badhaus lockt im Innenhof mit zwei Lichtinstallationen von Petar Šćulac, die das Zusammenspiel von Licht, Schatten und Architektur wortwörtlich beleuchten.

So wird Brixen zu einer Open Air Galerie, die reflektiert, aber auch zum Reflektieren anregt.

Das Thema des diesjährigen Festivals lautet „Wasser ist Leben – Licht ist Kunst“ und ist damit auch Teil von IMAGINE PEACE, einem übergeordnetem EU-Projekt, das fünf Lichtfestivals in Europa verbindet.

Über das Arthotel Lasserhaus:

Rückzugsort im Künstlerviertel im Herzen von Brixen, mit zehn individuellen Zimmern in historischem Adelshaus aus dem Jahr 1642. Ein Treffpunkt für Kulturinteressierte mit umfangreicher Sammlung von klassischen, aber auch zeitgenössischen Werken etwa von Esther Stocker und Peter Kogler.

Arthotel Lasserhaus is a member of Lifestylehotels

Fotos: Brixen-Tourismus: Pierluigi-Orler / Matthias-Gasser / Santifaller Photography; Freiundzeit; Franziska Unterholzner; Paolo Valentini

Hinweis: Die Fotos in diesem Beitrag vom Water Light Festival zeigen vergangene Installationen

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Zwischen Handwerk und Konzeptkunst: Maison Margielas kreatives Labor

Im April 2026 verwandelte Maison Margiela eine Straße im Herzen von Shanghai in ein begehbares Archiv seiner radikalsten Ideen. Die Ausstellung „Artisanal: Our Creative Laboratory“ bot einen seltenen, inzwischen abgeschlossenen Einblick in die DNA eines Hauses, das Mode seit Jahrzehnten neu denkt.

Couture als Experiment: Ein offenes Archiv

Die Ausstellung, die vom 2. bis 6. April 2026 stattfand, präsentierte 58 ausgewählte Couture-Looks – erstmals gemeinsam kuratiert. Von ikonischen Anfängen bis hin zu aktuellen Entwürfen spannte sich ein erzählerischer Bogen durch die Geschichte der Artisanal-Linie.

Den Auftakt bildete das legendäre Porzellanteller-Waistcoat aus der Herbst/Winter-Kollektion 1989 – ein frühes Beispiel für Margielas dekonstruktive Handschrift. Den Abschluss markierte ein mit Bienenwachs behandeltes Kleid aus der Herbst/Winter-Show 2026, die ebenfalls in Shanghai inszeniert wurde.

Artisanal ist dabei mehr als eine Couture-Linie: Es ist das Herzstück der kreativen Praxis des Hauses. Jedes Stück wird im Pariser Atelier von Hand gefertigt – oft aus gefundenen Materialien, die durch Transformation und Experiment zu neuen Bedeutungen gelangen.

Themenräume: Dekonstruktion, Upcycling und Illusion

Die Ausstellung war nicht chronologisch, sondern thematisch aufgebaut. In offenen Containern – inspiriert von der Szenerie der FW2026 Show – wurden zentrale Konzepte des Hauses erfahrbar gemacht:

• Upcycling: Die Wiederverwertung von Materialien als kreativer Ausgangspunkt
• Dekonstruktion: Das Sichtbarmachen von Schnitt, Struktur und Prozess
• Trompe l’œil: Die spielerische Täuschung des Auges
• Archetypen: Neuinterpretationen klassischer Kleidungsformen
• Rohmaterialien: Die poetische Kraft des Unfertigen
• Transformation des Alltäglichen: Mode als Umdeutung von Realität

Diese kuratorische Entscheidung unterstrich den experimentellen Charakter von Artisanal als „Labor“ – ein Raum, in dem Ideen entstehen, scheitern und neu gedacht werden.

Teil eines größeren Narrativs: MaisonMargiela/folders

Die Ausstellung war der Auftakt eines umfassenderen Projekts: MaisonMargiela/folders. Dieses mehrteilige Format erstreckte sich über vier chinesische Städte und widmete sich jeweils einem zentralen Code des Hauses – von Anonymität über das ikonische Tabi bis hin zur Atelierpraxis.

In Shanghai begann diese Reise mit Artisanal – als Ursprung und kreativer Motor.

Mode als Denkraum

Mit „Artisanal: Our Creative Laboratory“ hat Maison Margiela einmal mehr gezeigt, dass Mode weit über Kleidung hinausgeht. Die Ausstellung – inzwischen abgeschlossen – war ein temporärer Denkraum, in dem Handwerk, Konzept und Kunst miteinander verschmolzen.

Ein flüchtiger Moment, der dennoch nachwirkt.

Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.