Mit der achten Artycapucines Collection übersetzt Louis Vuitton Keith Harings Bildsprache in 13 Taschen – und bringt die Energie seiner Zeichnungen in eine neue Form.

Ein Herz hat Beine bekommen. Es läuft los, als könnte es die nächste Begegnung kaum erwarten. Keith Harings „Running Heart“ braucht wenige Linien, um etwas auszulösen: Bewegung, Zuneigung, vielleicht auch die Lust, einfach mitzulaufen. Diese Unmittelbarkeit prägt das Werk des Künstlers. Und sie macht den Reiz der neuen Keith Haring Artycapucines Collection von Louis Vuitton aus.

In enger Zusammenarbeit mit der Keith Haring Foundation widmet die Maison das achte Kapitel ihrer Artycapucines-Reihe dem 1990 verstorbenen Künstler. 13 Neuinterpretationen der Capucines greifen seine Motive auf: das „Running Heart“, das „Radiant Baby“, tanzende Figuren, Tiere und grafische Kompositionen. Bilder, die vielen längst vertraut sind – und deren Wirkung sich dennoch nicht im Wiedererkennen erschöpft.

Ein paar Linien, und alles bewegt sich

Harings Figuren haben keine ausgearbeiteten Gesichter. Ihre Körper sprechen durch Gesten, ihre Umgebung durch kurze Striche. Ein Arm hebt sich, ein Körper beugt sich, ein Baby strahlt. Man versteht diese Bilder oft, bevor man darüber nachdenkt.

Im New York der 1980er-Jahre fand Haring sein Publikum auch auf den Bahnsteigen der Subway. Mit weißer Kreide zeichnete er auf schwarze, ungenutzte Werbeflächen. Seine Kunst begegnete Menschen unterwegs, mitten in ihrem Alltag. Die direkte Beziehung zum Publikum gehörte zu ihrem Wesen.

Die Leichtigkeit seiner Bildsprache konnte dabei ernste Anliegen tragen. Haring setzte seine Kunst unter anderem für die Aufklärung über AIDS und gegen Apartheid ein. Lebensfreude und gesellschaftliches Engagement stehen in seinem Werk nah beieinander. Seine Figuren erinnern daran, wie viel sich durch eine Geste ausdrücken lässt: Nähe, Verletzlichkeit, Zusammenhalt.

Die Zeichnung bekommt einen Körper

Auf der Capucines verändert sich das Verhältnis zwischen Bild und Oberfläche. Leder besitzt eine eigene Struktur, eine Tasche Volumen. Eine Linie muss hier über eine dreidimensionale Form hinweg lesbar bleiben; ein Motiv begegnet uns aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Louis Vuitton nutzt für die Kollektion Techniken von traditioneller Leder-Marketerie bis zu modernstem Laser-Druck. Darin liegt der gestalterisch interessante Teil dieser Begegnung: Harings scheinbar mühelose Zeichnungen werden zum Ausgangspunkt einer aufwendigen handwerklichen Übersetzung. Entscheidend ist, ob ihr Rhythmus dabei spürbar bleibt.

Die Kollektion führt zugleich einen Dialog fort, den Nicolas Ghesquière mit seiner Cruise-2027-Kollektion begonnen hat, präsentiert im Mai 2026 in der Frick Collection in New York. Harings Bildwelt wandert weiter – durch unterschiedliche Materialien, Formen und Zusammenhänge.

Ein Herz läuft weiter

Seit dem Debüt von Artycapucines 2019 haben über 35 zeitgenössische Künstler:innen die Capucines als gestalterische Fläche genutzt. Mehr als 50 Designs sind daraus hervorgegangen, unter anderem von Takashi Murakami, Beatriz Milhazes, Daniel Buren und Vik Muniz.

Das neue Kapitel richtet den Blick auf eine Bildsprache, deren Energie bis heute unmittelbar ankommt. Ein laufendes Herz bleibt ein merkwürdiges, schönes Bild: Gefühle haben plötzlich Füße. Und man möchte wissen, wohin sie unterwegs sind.

Die 13 Modelle der Keith Haring Artycapucines Collection erscheinen ab 1. Jänner 2027 als limitierte Editionen in Louis-Vuitton-Boutiquen weltweit.

Für Frühjahr/Sommer 2027 stellt Nicolas Ghesquière die Bewegung ins Zentrum. Unter dem Titel „Ergonomie“ entsteht eine Louis Vuitton Kollektion, deren Leichtigkeit auf präziser Konstruktion beruht.

Ein Kleidungsstück verändert sich mit jedem Schritt. Stoff verschiebt sich, eine Kontur löst sich auf, eine andere entsteht. Genau dort setzt Nicolas Ghesquière mit der Louis Vuitton Damenkollektion für Frühjahr/Sommer 2027 an: beim Körper, der sich bewegt und seiner Kleidung immer wieder eine neue Form gibt.

„Ergonomie“ lautet der Titel. Ein Begriff, den man zunächst mit einem Stuhl, einem Werkzeug oder der Gestaltung eines Arbeitsplatzes verbindet. Auf Mode übertragen, führt er zu einer spannenden Frage: Wie lässt sich Kleidung vom Körper und seinen Bewegungen her denken?

Schnitt in Bewegung

Ghesquières Ausgangspunkt ist die Anatomie. Die Kleidungsstücke sollen den wechselnden Konturen des Körpers folgen, sich mit ihm verschieben und anpassen. Struktur bleibt dabei wesentlich, ihre Steifheit wird jedoch aufgelöst.

Was auf den ersten Blick unkompliziert wirkt, ist konstruktiv anspruchsvoll. Unterschiedliche Spannungen innerhalb der Materialien erzeugen ein Gefüge, das auf den Körper reagiert. Stoffe und Leder liegen am Menschen an; die Vorstellung einer zweiten Haut beschreibt hier vor allem ein Gefühl und eine Funktion.

Darin liegt der Reiz des Entwurfs: Die technische Arbeit soll sich beim Tragen als Leichtigkeit bemerkbar machen. Eine präzise Konstruktion ermöglicht Bewegungsfreiheit.

Die Arbeit hinter der Leichtigkeit

Mehrlagige Chiffon-Konstruktionen, Carré-Seiden sowie Tuchstoffe aus Seide und Kaschmir ziehen sich durch unterschiedliche Kleidungsstücke. Materialien, die man mit Schals und fließenden Accessoires verbindet, werden zum Ausgangspunkt einer ganzen Garderobe.

Auch die klassische Schneiderkunst wird auf ihr Gewicht hin untersucht. Innere Lagen werden entfernt, Aufbauten reduziert, Kleidungsstücke neu konstruiert. Strick zeichnet den Körper nach. Das Schuhwerk setzt den scheinbar schwerelosen Formen einen geerdeten Akzent entgegen.

Diese Suche nach Leichtigkeit verbindet Ghesquière mit der Reisegeschichte von Louis Vuitton. Form, Funktion und Beweglichkeit gehören zum Erbe des Hauses. Für Frühjahr/Sommer 2027 wird dieser Gedanke unmittelbar am Körper weitergeführt: Kleidung soll das Unterwegssein erleichtern.

Eine Stadt steht still

Die Szenografie macht das Prinzip sichtbar. Eine statische Stadtlandschaft bildet den Hintergrund für einzelne Figuren in Bewegung. Ihre Leichtigkeit erinnert an eine Feder oder einen Ballon; die unbewegte Umgebung lässt jede körperliche Veränderung deutlicher hervortreten.

So richtet die Kollektion den Blick auf etwas, das in der Modefotografie oft für einen Moment angehalten wird: das Leben innerhalb der Kleidung. Eine Silhouette lässt sich im Bild festhalten. Hier entfaltet sie sich erst mit dem nächsten Schritt.

Ein Hotel von Audemars Piguet, entworfen von Bjarke Ingels Group, mitten im Vallée de Joux: Im Hôtel des Horlogers begegnen sich Uhrmacherkunst, Architektur und eine Landschaft, die man am liebsten wie ein Schmuckstück für sich behalten würde.

Im Vallée de Joux misst man Zeit seit Generationen mit besonderer Genauigkeit. In Le Brassus wurde 1875 Audemars Piguet gegründet. Heute gehört der Manufaktur hier auch ein Hotel. Das klingt zunächst nach einer ungewöhnlichen Erweiterung für eine Uhrenmarke. Im Hôtel des Horlogers fühlt es sich erstaunlich selbstverständlich an: Wer so genau auf Proportionen, Materialien und kleinste Details achtet, kann diese Haltung auch in Räume übersetzen.

Ein Haus mit Gespür für seine Herkunft

Die Geschichte des Hotels reicht bis 1857 zurück. Damals hieß es Hôtel de France; 2003 übernahm Audemars Piguet das Haus und gab ihm seinen heutigen Namen. Der später errichtete Neubau erzählt diese Geschichte weiter, ohne eine Uhr in Hotelgröße aus dem Gebäude zu machen.

Bjarke Ingels Group entwarf eine Architektur, die in versetzten Linien zum Tal hin abfällt. Gemeinsam mit dem Schweizer Büro CCHE entstand ein Haus, dessen 50 Zimmer und Suiten auf den Risoud-Wald blicken. Innen nimmt das Design von AU*M Formen und Materialien der Umgebung auf. Was präzise geplant wurde, wirkt beim Ankommen leicht: Der Blick geht durch den Raum und hinaus in die Landschaft.

SMART DEAL

Hotel des Horlogers

€ 299,–

Der Gutschein ist gültig für 1 Nacht (2 Personen) inkl. Frühstück in allen Zimmern/Suiten

Das Tal ist das eigentliche Schmuckkästchen

So schön das Hotel ist, seine größte Kostbarkeit liegt vor der Tür. Der Lac de Joux, die Wälder des Risoud und die Höhenzüge des Waadtländer Jura geben dem Tal zu jeder Jahreszeit ein anderes Gesicht. Man kann am Wasser entlanggehen, tiefer in den Wald wandern oder sich im Musée Atelier Audemars Piguet ansehen, wie eng dieser Ort mit der Uhrmacherei verbunden ist.

Zurück im Hotel setzt sich die Aufmerksamkeit für die Region am Tisch fort. Die Küche arbeitet mit Produkten aus dem Tal; Emmanuel Renaut zeichnet für das kulinarische Konzept verantwortlich, das Küchenteam vor Ort wird von Alessandro Cannata geführt. Danach lockt vielleicht noch das Spa by Alpeor mit Sauna und Hammam. Vielleicht bleibt man aber einfach am Fenster sitzen und schaut zu, wie sich das Licht über dem Wald verändert.

Das ist die schönste Verbindung zwischen Audemars Piguet und diesem Hotel: Präzision dient hier nicht dazu, jede Minute zu verplanen. Sie schafft einen Ort, an dem man sie gern verstreichen lässt.

Mit der Flight Mode Autumn-Winter 2026 Collection verwandelt Louis Vuitton die Garderobe für unterwegs in eine Hommage an das Reisen. Inspiriert von gemächlichen Zugfahrten und der besonderen Atmosphäre alter Bahnhöfe, verbindet die Kollektion Komfort mit jener unangestrengten Eleganz, die auch nach vielen Kilometern noch mühelos wirkt.

Es gibt diesen besonderen Moment kurz vor einer Reise: Der Zug steht bereits am Bahnsteig, Koffer rollen über den Boden, Abschiede und Vorfreude liegen gleichzeitig in der Luft. Genau dort setzt Louis Vuitton mit der neuen Flight Mode Autumn-Winter 2026 Collection an. Nicht das möglichst schnelle Ankommen steht im Mittelpunkt, sondern die Magie des Unterwegsseins.

Damit kehrt das Haus zu einer Idee zurück, die tief in seiner Geschichte verankert ist. Lange bevor Louis Vuitton zu einer der prägendsten Namen der internationalen Mode wurde, begann alles mit Reisegepäck. Die neue Kollektion übersetzt dieses Erbe in eine zeitgemäße Garderobe für Menschen, deren Leben selten an einem einzigen Ort stattfindet.

Eine Garderobe in Bewegung

Mäntel bilden das Herzstück der Kollektion. Gegürtet, doppelreihig, als Dufflecoat, Peacoat oder ärmelloses Cape interpretiert, verbinden sie klare Silhouetten mit der weichen Sinnlichkeit von zweifarbigem Double-Face-Cashmere. Große Kragen verleihen den Entwürfen eine beinahe filmische Präsenz – als wären sie für lange Bahnsteige, kühle Morgenstunden und spontane Richtungswechsel geschaffen.

Fliegerjacken, Blousons, ärmellose Kleider und weit geschnittene Hosen aus geschmeidigem Leder oder Materialien mit samtiger Oberfläche setzen diese Idee fort. Die neutralen Farbtöne wirken ruhig und kultiviert, während Zopfstrick und gebürsteter Cashmere in Beige, Weiß, zweifarbigen Varianten und Monogram-Ausführungen für Wärme und Komfort sorgen.

Flight Mode versteht Reisemode nicht als funktionale Nebenkategorie. Vielmehr entsteht eine vollständige Garderobe, in der Bewegungsfreiheit, Haptik und Eleganz selbstverständlich zusammenspielen.

Vertraute Formen, neue Farben

Auch die Taschen erzählen vom Reisen. Die 2024 eingeführte Low Key Bag aus genarbtem Kalbsleder erscheint in Monogram Red und Walnut. Ihre minimalistische Bucket-Silhouette macht sie zur zurückhaltenden Begleiterin, ergänzt durch den klassischen Nice Vanity Case.

Die vielseitige Express Bag wird neu interpretiert, während Side Trunk und Neverfull das neue Monogram-Emblème-Canvas in Monogram Blue und Jura Green tragen. Die Farbpalette bleibt kontrolliert, erhält durch die satten Blau-, Grün-, Rot- und Walnussschattierungen aber eine subtile Tiefe.

Für größere Distanzen vervollständigen der Keepall und der Horizon Trolley, nun auch in einer neuen Aluminium-Ausführung, die Kollektion. Sie erinnern daran, dass Louis Vuitton das Reisen nicht nur begleitet, sondern seit jeher gestaltet.

Details für das Dazwischen

Zu den charakteristischen Accessoires gehört der komfortable Colorado Mary Jane aus Mahina-Veloursleder mit gravierter Schnalle und goldfarbenen Ösen. Die LV Aura Flower Sonnenbrille, der mit Mikro-Monogrammen versehene Forevergram Wollschal und die LV Arctic Mütze aus Leder und Baumwolle greifen bekannte Codes des Hauses auf, ohne sie lediglich zu wiederholen.

So wird Flight Mode Autumn-Winter 2026 zu einer Kollektion über das Dazwischen: über Bahnsteige und Abteile, über Bewegung und Erwartung, über den Moment, in dem der Alltag bereits zurückbleibt und das Neue noch nicht ganz begonnen hat. Vielleicht liegt gerade darin die eigentliche Eleganz des Reisens.

Was passiert, wenn ein Porsche 911 nicht einfach restauriert, sondern wie ein Louis-Vuitton-Reisekoffer gedacht wird? Louis Vuitton und Singer bringen Mode, Uhrmacherei, Lederhandwerk und Automobildesign zusammen – und machen aus zwei Klassikern außergewöhnliche Designobjekte.

Es begann erstaunlich klein: mit einer Uhr.

Singer, das kalifornische Atelier, das für seine hochindividualisierten Restaurierungen klassischer Porsche 911 bekannt ist, wandte sich an Louis Vuitton, um eine Uhr für das Armaturenbrett eines Fahrzeugs entwickeln zu lassen. Gefertigt werden sollte sie von La Fabrique du Temps Louis Vuitton in der Schweiz.

Doch aus der Uhr wurde eine Idee. Und aus der Idee schließlich ein ganzes Auto – genauer gesagt zwei.

Mit dem Porsche 911 Reimagined by Singer – Classic und dem Porsche 911 Reimagined by Singer – Classic Turbo übersetzen Louis Vuitton und Singer ihre jeweiligen Vorstellungen von Handwerk, Präzision und Individualität in automobile Form.

Vom Detail zum Gesamtkunstwerk

Im Zentrum des Projekts steht zunächst eine mechanische, herausnehmbare Uhr, deren Gestaltung von Louis Vuittons Tambour inspiriert ist. Sie lässt sich aus dem Cockpit nehmen und als Tischuhr verwenden.

Doch genau dieses Detail setzte etwas in Bewegung. Damit sich die Uhr selbstverständlich in das Fahrzeug einfügt, musste auch das Instrumentarium neu gedacht werden. Tacho, Drehzahlmesser, Zeiger, Indizes und Anzeigen übernahmen Gestaltungselemente der Tambour-Uhren.

Was nach einer vergleichsweise kleinen Designaufgabe klingt, nahm ein Jahr Entwicklungsarbeit in Anspruch.

Und damit war die Richtung vorgegeben: Nicht einzelne Louis-Vuitton-Elemente sollten einem Singer hinzugefügt werden. Vielmehr sollte ein gestalterisches Ganzes entstehen.

Saffron, Cobalt Blue und die Geschichte des Reisens

Der Porsche 911 Reimagined by Singer – Classic trägt eine Farbkombination aus Safran und Kobaltblau. Sie ist nicht zufällig gewählt: Safran findet sich seit mehr als 150 Jahren in den Archiven von Louis Vuitton und erinnert gleichzeitig an Bahama Yellow, eine Farbe, die mit frühen Singer-Projekten verbunden ist.

Kobaltblau wiederum verweist unter anderem auf historische Reisekoffer, die Louis Vuitton bereits 1924 für Citroën entwarf.

Im Innenraum wird diese Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart noch deutlicher. Natürliches Leder, gelbe Sattlernähte und Prägungen, die das typische „Malletage“-Muster historischer Vuitton-Koffer aufnehmen, treffen auf Metallkomponenten, die mit einer Präzision bearbeitet wurden, wie man sie eher aus der Haute Horlogerie kennt.

Selbst die Belüftungsöffnungen der Sitze tragen von Hand gefertigte Monogram-Blüten.

Kunststoff, wie er gewöhnlich in Fahrzeuginnenräumen eingesetzt wird, wurde weitgehend durch Metall und natürliche Materialien ersetzt. Regler, Schalter, Verschlüsse und Lüftungsöffnungen wurden einzeln gefertigt, poliert und satiniert.

Das Auto wird dadurch fast zu einem begehbaren – oder besser: fahrbaren – Stück Produktdesign.

Nicolas Ghesquière denkt den 911 neu

Noch überraschender ist der zweite Entwurf. Der Porsche 911 Reimagined by Singer – Classic Turbo entstand unter der kreativen Leitung von Nicolas Ghesquière, Artistic Director of Women’s Collections bei Louis Vuitton.

Ghesquière verbindet darin zwei Welten, die auf den ersten Blick wenig miteinander zu tun haben: Automobil- und Yacht-Design.

Die Cabriolet-Karosserie ist in Calcaire Lutétien gehalten – jenem hellen Kalksteinton, der das Stadtbild von Paris prägt. Dazu kommen Goldakzente, natürliches Leder und Holz. Hinter den Sitzen befindet sich eine eigens entwickelte Gepäckzone aus lackiertem Holz, deren Verarbeitung an die Decks klassischer Runabouts erinnert.

Auch der hintere Gepäckraum spielt mit dieser Idee: Ein von Teakholz inspiriertes Deck verwandelt den offenen 911 in eine Art Roadster-Yacht.

Ghesquière wollte ein Auto schaffen, das sich seiner Umgebung öffnet – Sonne, Natur, Geschwindigkeit und Materialität werden Teil des Erlebnisses.

Das Auto als Reiseobjekt

Louis Vuitton wäre nicht Louis Vuitton, würde die Gestaltung an der Karosserie enden.

Für beide Fahrzeuge entstanden eigene Capsule Collections. Fahrerjacken, Handschuhe, Schuhe, Helme, Uhren und Sonnenbrillen wurden ebenso auf die Autos abgestimmt wie maßgefertigte Gepäckstücke.

Für den Classic gibt es sogar einen eigens entwickelten Dachträger, auf dem neben Koffern auch ein Louis-Vuitton-Surfboard oder Ski transportiert werden können. Das Surfboard wird aus hellem Eichen- und Walnussholz gefertigt, die Ski entstehen in den französischen Alpen aus Holz, Titan und Stahl.

Damit schließt sich ein historischer Kreis. Schon 1897 bot Georges Vuitton spezielle Autokoffer an, die auf Fahrzeugen befestigt werden konnten. Mit dem Aufstieg des Automobils entwickelte das Haus immer neue Lösungen für eine Gesellschaft, die plötzlich anders reiste.

1909 gingen Pierre und Jean Vuitton sogar noch einen Schritt weiter und entwarfen ein eigenes Automobil auf Basis eines Stabilia-Sportchassis.

Luxus, der sich anfassen lässt

Gerade deshalb funktioniert Louis Vuitton x Singer nicht wie eine typische Brand Collaboration.

Interessant ist weniger das Nebeneinander zweier berühmter Namen als die obsessive Beschäftigung mit Details: Wie fühlt sich ein Schalter an? Wie reflektiert eine Metalloberfläche das Licht? Wie geht Leder in Holz über? Wie lässt sich die grafische Sprache einer Uhr in einen Drehzahlmesser übersetzen?

Singer betrachtet den klassischen 911 ohnehin nicht als abgeschlossenes Designobjekt, sondern als Ausgangspunkt. Louis Vuitton wiederum beschäftigt sich seit seiner Gründung mit der Frage, wie sich Reisen durch Gestaltung verändern lässt.

In diesen beiden Fahrzeugen treffen sich diese Perspektiven.

Das Ergebnis ist vielleicht weniger ein Auto mit Louis-Vuitton-Details als eine ziemlich radikale Vorstellung davon, was ein Auto sein kann: Maschine, Modeobjekt, Reisebegleiter und persönlicher Raum zugleich.

Mit der Opus-Kollektion verbindet ETRO Home Interiors traditionelle Handwerkskunst, ikonische Textilien und zeitgenössisches Design zu Möbeln mit unverwechselbarer Persönlichkeit. Ornament wird dabei nicht als Dekoration verstanden, sondern als Teil der Form selbst.

Während viele aktuelle Möbelkollektionen auf Reduktion und Zurückhaltung setzen, geht ETRO Home Interiors bewusst einen anderen Weg. Die neue Opus-Serie versteht Ornament nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als integralen Bestandteil des Designs. Jeder Entwurf erzählt eine Geschichte von Materialität, Handwerkskunst und der unverwechselbaren Design-DNA des Hauses.

Zeitgenössischer Komfort mit klassischer Inspiration

Charakteristisch für die Opus-Kollektion sind ihre klaren, modernen Proportionen, die durch raffinierte Details eine außergewöhnliche Tiefe erhalten. Inspiriert vom klassischen Capitonné interpretiert ETRO diese traditionelle Polstertechnik neu und verbindet sie mit einer zeitgemäßen Formensprache. Gepolsterte Rollen an Rückenlehnen und Armlehnen verleihen den Möbeln eine markante Silhouette und schaffen zugleich hohen Sitzkomfort.

Dabei entsteht eine spannende Balance zwischen architektonischer Klarheit und dekorativer Opulenz – ein Spannungsfeld, das die Handschrift von ETRO seit Jahrzehnten prägt.

Handwerk erzählt Geschichten

Besonders eindrucksvoll zeigt sich die Liebe zum Detail in den feinen Kordelabschlüssen entlang der Polsterrollen sowie den charakteristischen Quasten, die den Möbeln Bewegung und eine besondere Haptik verleihen. Diese Elemente sind weit mehr als Dekoration – sie werden zu einem gestalterischen Ausdrucksmittel, in dem traditionelles Kunsthandwerk und zeitgenössisches Möbeldesign miteinander verschmelzen.

Die unterschiedlichen Stoffe und Oberflächen unterstreichen den individuellen Charakter der Kollektion. Florale Jacquards, opulente Paisley-Muster oder edle Samtbezüge greifen die ikonische Textilwelt von ETRO auf und übersetzen sie in ausdrucksstarke Möbelstücke.

Möbel mit Persönlichkeit

Zur Opus-Familie gehören Armlehnstuhl, Lounge-Sessel und Barhocker. Gemeinsam ist allen Modellen eine sorgfältig ausgearbeitete Konstruktion aus massivem Buchenholz sowie hochwertige Polsterungen mit mehrschichtigem Aufbau. Je nach Ausführung ergänzen glänzend lackierte Oberflächen oder goldfarbene Metallakzente den charakteristischen Materialmix.

So entstehen Möbel, die Räume nicht nur einrichten, sondern prägen. Sie schaffen Atmosphäre, setzen Akzente und verleihen Interieurs jene erzählerische Tiefe, für die ETRO Home Interiors bekannt ist.

Mit der Opus-Kollektion zeigt ETRO, dass zeitgenössisches Design nicht auf Reduktion angewiesen ist. Stattdessen entstehen Möbel, in denen Ornament, Material und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen – ausdrucksstark, kultiviert und unverkennbar ETRO.

Eine Kollektion zwischen Riviera, Tennisplatz und Großstadt – Louis Vuitton interpretiert den Sommer 2026 als elegante Leichtigkeit voller Handwerkskunst und Reiselust.

Es gibt Kollektionen, die Kleidung für eine Saison entwerfen. Und es gibt Kollektionen, die ein Lebensgefühl einfangen. Mit der High Summer Collection 2026 gelingt Louis Vuitton genau das: Die Maison erzählt von langen Tagen am Meer, spontanen Wochenendtrips, Aperitifs bei Sonnenuntergang und der zeitlosen Eleganz des Reisens – jenem Wert, der seit jeher das Herz der Marke bildet.

Dabei verbindet die Kollektion sommerliche Lässigkeit mit dem hohen handwerklichen Anspruch, für den Louis Vuitton weltweit bekannt ist.

Sommer als Haltung

Anstatt Trends hinterherzulaufen, setzt Louis Vuitton auf eine Garderobe, die den Rhythmus des Sommers widerspiegelt. Die Silhouetten wirken leicht und entspannt, ohne an Raffinesse zu verlieren. Zwischen Tennisplatz, Küstenpromenade und Dinner unter freiem Himmel entstehen Looks, die ebenso funktional wie luxuriös erscheinen.

Natürliche Materialien spielen dabei eine zentrale Rolle. Raffia wird zum gestalterischen Leitmotiv und erhält durch raffinierte Trompe-l’Œil-Effekte eine überraschend moderne Interpretation. Besonders eindrucksvoll zeigt sich dies bei einem langen Rock aus gehäkeltem Baumwollband mit feinen Ladder-Stitch-Details, dessen fließende Bewegung den Sommer nahezu sichtbar macht.

Auch Tweed erhält eine neue Leichtigkeit: Weiß paspelierte Jacken und passende Wickelröcke greifen die Struktur von Raffia auf und verbinden klassische Eleganz mit entspannter Ferienatmosphäre.

Femininität in Bewegung

Die High Summer Collection verzichtet bewusst auf übertriebene Inszenierung. Stattdessen stehen klare Linien und hochwertige Materialien im Mittelpunkt.

Popeline-Kleider mit aufwendig gearbeiteten Details treffen auf A-Linien-Röcke aus Jersey mit kontrastierenden Paspeln und dezent eingearbeitetem Monogramm. Die Looks wirken sportlich, feminin und modern – geschaffen für Frauen, die sich zwischen Stadt, Strand und Resort selbstverständlich bewegen.

Auch der ultraleichte Denim kehrt zurück. In der neuen Flower Minigram-Interpretation erscheint das ikonische Material mit einem feinen, von der Monogram-Blüte inspirierten Muster auf Schößchen-Tops, Shorts und Windjacken.

Sportliche Eleganz neu interpretiert

Sport beeinflusst die Mode seit Jahren – Louis Vuitton übersetzt diesen Einfluss jedoch mit einer bemerkenswerten Leichtigkeit.

Die Capsule Baby Stripes kombiniert gestreifte Jersey-Stoffe mit luxuriösen Details wie kristallähnlichen Knöpfen oder silberfarbenen Stickereien. Cropped-Shirts, Mini-Shorts, marineblaue Frotteejacken und Poloshirts aus Monogram-Jacquard schaffen einen Look, der gleichzeitig entspannt und präzise wirkt.

Accessoires vervollständigen die sommerliche Erzählung. Ein gehäkelter Bucket Hat mit grafischen schwarzen Streifen verbindet handwerkliche Tradition mit zeitgenössischem Design.

Paris als Inspiration

Selbst im Hochsommer bleibt Paris das kreative Zentrum der Maison.

Die beidseitig tragbaren Promenade Parisienne-Seidentücher zeigen skizzenhafte Ansichten der französischen Hauptstadt und greifen damit die lange Verbindung Louis Vuittons zur Stadt des Lichts auf. Ob klassisch um den Hals, als Haarband oder als sommerliches Top getragen – sie verkörpern jene Vielseitigkeit, die moderne Luxusmode heute auszeichnet.

Taschen als Ausdruck von Handwerkskunst

Auch die Taschen erzählen Geschichten vom Reisen.

Die Capucines Flowergram erscheint in frischen Sommerfarben wie Mintgrün, Fuchsia oder Iris. Die Low Key Hobo erinnert mit ihrem gestreiften Canvas an klassische Liegestühle an der Riviera, während die Side Trunk unterschiedliche Materialien zu einem modernen Patchwork verbindet.

Besonders kunstvoll präsentieren sich die limitierten Capucines-Editionen. Die Barcelona City Tour würdigt mit aufwendiger Stickerei und Handbemalung die Mosaike des Parc Güell. Die Wild Roses Capucines setzt mit Tüllblüten, Pailletten und Glitzerelementen ein poetisches Statement über Weiblichkeit und handwerkliche Perfektion.

Die Rückkehr des Reisekoffers

Den emotionalen Höhepunkt der Kollektion bildet der Louis Boat Trunk.

Der aufwendig gefertigte Miniaturkoffer entstand anlässlich des ersten Jubiläums von The Louis in Shanghai – jener spektakulären Architektur in Form eines Ozeandampfers, die Boutique, Café und Ausstellung unter einem Dach vereint.

Gefertigt aus Canvas, Leder und Holz, verbirgt sich hinter dem silberfarbenen LV-Anker ein raffinierter Öffnungsmechanismus, der kleine Fächer für Schmuck oder persönliche Erinnerungsstücke freigibt. Es ist weniger eine Tasche als vielmehr eine Hommage an die Ursprünge der Maison als Kofferhersteller.

Luxus, der nach Sommer aussieht

Die High Summer Collection 2026 zeigt eindrucksvoll, dass moderner Luxus nicht laut sein muss. Er entsteht durch hochwertige Materialien, außergewöhnliche Handwerkskunst und Designs, die Leichtigkeit nicht nur darstellen, sondern tatsächlich vermitteln.

Ab 10. Juli 2026 ist die Kollektion weltweit in den Louis Vuitton Boutiquen erhältlich – bereit für einen Sommer, in dem Eleganz und Reiselust wieder selbstverständlich zusammengehören.

Die neue Eleganz des Dazwischen

Wie Pharrell Williams Surfkultur, Handwerkskunst und menschliche Verbundenheit zu einer neuen Form des Dandyismus verbindet

Während Mode oft von Trends, Statussymbolen und Abgrenzung lebt, richtet Pharrell Williams den Blick für Louis Vuitton auf etwas Verbindendes: das Meer.

Für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 verwandelt der Kreativdirektor die Welt des Surfens in eine Metapher für eine globale Gemeinschaft. Unabhängig von Herkunft, Kultur oder sozialem Hintergrund zieht es Menschen auf der ganzen Welt an dieselben Küsten, zu denselben Wellen, zu derselben Erfahrung von Freiheit und Naturverbundenheit. Die Welle wird zum Symbol einer universellen Sprache.

Genau dort setzt die neue Kollektion an.

Der Surfer als moderner Dandy

Seit seinem Wechsel zu Louis Vuitton interpretiert Pharrell Williams den klassischen Dandy neu. Seine Version verzichtet auf aristokratische Distanz und ersetzt sie durch Offenheit, Beweglichkeit und kulturelle Neugier.

Für Spring/Summer 2027 trifft diese Idee auf die Ästhetik der Surfkultur. Auf den ersten Blick scheinen beide Welten gegensätzlich: hier die Eleganz maßgeschneiderter Anzüge, dort die Lässigkeit eines Lebens zwischen Strand und Ozean.

Doch Pharrell erkennt die Gemeinsamkeiten.

Beide Welten sind geprägt von Handwerk, Individualität und einer gewissen Mühelosigkeit. Der Dandy und der Surfer teilen die Fähigkeit, sich zwischen unterschiedlichen Räumen zu bewegen, ohne ihre Identität zu verlieren.

Aus dieser Verbindung entsteht eine Garderobe für eine Generation, die sich weder ausschließlich der Stadt noch ausschließlich der Natur zugehörig fühlt.

Zwischen Maßanzug und Neoprenanzug

Die Kollektion bewegt sich konsequent zwischen diesen beiden Polen.

Technische Materialien aus der Welt des Surfens treffen auf klassische Schneiderkunst. Neopren-inspirierte Konstruktionen werden mit luxuriösen Stoffen kombiniert. Verwitterte Oberflächen, reparierte Strukturen und sonnengebleichte Texturen erinnern an Kleidung, die von Wind, Salz und Zeit gezeichnet wurde.

Besonders spannend ist Pharrell Williams‘ fortlaufende Arbeit mit Trompe-l’œil-Effekten. Materialien erscheinen wie verwittertes Denim, gealtertes Leder oder handgeflickte Stoffe, offenbaren jedoch bei näherer Betrachtung die außergewöhnliche handwerkliche Präzision von Louis Vuitton.

Die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt.

So entsteht eine Mode, die weniger durch offensichtlichen Luxus als durch subtile Raffinesse wirkt.

Die Sehnsucht nach Verbundenheit

Vielleicht ist die eigentliche Stärke dieser Kollektion jedoch ihre emotionale Botschaft.

Während viele Luxusmarken weiterhin Individualität und Exklusivität ins Zentrum stellen, spricht Pharrell Williams über Gemeinschaft. Über die Erfahrung, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

Das Meer wird dabei zur verbindenden Kraft. Wasser steht für Bewegung, Wandel und Leben. Es verbindet Kontinente ebenso wie Menschen. Die Surfkultur dient nicht als ästhetische Referenz, sondern als Sinnbild für eine Lebenshaltung, die Respekt vor der Natur, Offenheit gegenüber anderen Kulturen und die Freude am gemeinsamen Erleben in den Mittelpunkt stellt.

In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung vielerorts zunimmt, wirkt diese Botschaft überraschend zeitgemäß.

Luxus mit Verantwortung

Dass Louis Vuitton die Kollektion gleichzeitig mit einem konkreten Nachhaltigkeitsprojekt verbindet, unterstreicht diesen Anspruch.

Im Rahmen der Regeneration-2030-Initiative unterstützt das Haus die Organisation Coral Gardeners bei der Wiederherstellung von Korallenriffen in Französisch-Polynesien. Geplant sind die Auspflanzung von 1.000 Korallen sowie die Renaturierung von 250 Quadratmetern Rifflandschaft.

Es ist ein vergleichsweise kleiner Beitrag angesichts globaler Herausforderungen, aber ein symbolisch wichtiger Schritt. Denn die Kollektion erinnert daran, dass die Beziehung zwischen Mensch und Natur nicht nur Inspiration, sondern auch Verantwortung bedeutet.

Eine Vision von Freiheit

Mit seiner Louis Vuitton Spring/Summer 2027 Kollektion entwirft Pharrell Williams letztlich mehr als eine neue Garderobe.

Er entwirft eine Haltung.

Eine Haltung, die Eleganz nicht als Distanz versteht, sondern als Fähigkeit zur Verbindung. Die Reisen nicht als Statussymbol betrachtet, sondern als Möglichkeit, unterschiedliche Welten zusammenzubringen. Und die im Rhythmus der Wellen eine Erinnerung daran findet, dass manche Erfahrungen universeller sind als jede kulturelle Grenze.

Vielleicht liegt genau darin die Zukunft des Luxus: nicht in der Abgrenzung, sondern in der Verbundenheit.

Credits Video

MUSIC:

Show soundtrack by Pharrell Williams

Quavo ‚HAAVIN‘

Produced by Pharrell Williams

Written by Quavo & Pharrell Williams

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Lil Baby ‚Dead Fresh‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell WIlliams

Written by Lil Baby

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

YoungBoy Never Broke Again ‚Simulation (feat. Pharrell Williams)‘ – strings version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & YoungBoy Never Broke Again

Additional orchestrations by Thomas Roussel

Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, APG Music, Kobalt

Angelique Kidjo ‚Bando (feat. Pharrell Williams & Quavo)‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & Quavo

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Warner Music Group, Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Additional original music composed & orchestrated by Thomas Roussel.

Performed live by Voices of Fire & l’Orchestre du Pont Neuf conducted by Thomas Roussel.

Credits Pictures

“LOUIS VUITTON MEN’S SPRING-SUMMER 2027 SHOW © Louis Vuitton – All rights reserved”

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Saint-Tropez war nicht immer das, was man heute auf Social Media davon sieht.

Bevor der Ort zur Kulisse für Sichtbarkeit wurde, ging es dort um etwas anderes: um Tage ohne Eile, um Mittagessen, die in den Abend übergingen, um salzige Haut, verblasste Farben, Segelboote im Hafen und eine Eleganz, die nie besonders angestrengt wirkte.

Genau aus diesem Lebensgefühl heraus entstand 1971 Vilebrequin.

Der Gründer Fred Prysquel – Fotograf und Motorsportjournalist – soll seine erste Idee für eine Badehose auf einer Papiertischdecke in einem Café in Saint-Tropez skizziert haben. Inspiriert von den lockeren Surfershorts Kaliforniens entstanden Schnitte, die sich deutlich von der damals üblichen, engen Swimwear abhoben. Länger, entspannter, leichter.

Bis heute trägt die Marke etwas von dieser ursprünglichen Riviera in sich.

Nicht die laute Riviera.

Sondern jene, die nach Leinenhemden, Holzdecks und sonnengebleichten Farben aussieht.

Zwischen Bademode und Resortwear

Vielleicht liegt darin auch der Grund, warum Vilebrequin nie nur reine Swimwear geblieben ist.

Über die Jahre entwickelte sich daraus eine vollständige Sommergarderobe – mit luftigen Shirts, Resortwear, Accessoires und Kollektionen, die weniger nach „Beach Club“ wirken als nach einer bestimmten Haltung zum Sommer.

Gerade aktuelle Kollektionen zeigen das deutlich. Die Übergänge zwischen Bademode, Tailoring und Ready-to-wear werden fließender. Materialien wirken weicher, Farben zurückhaltender, Prints künstlerischer.

Magazine wie The Times Style/LUXX beschrieben zuletzt genau diese Entwicklung: weg von rein funktionaler Swimwear hin zu Stücken, die sich ebenso selbstverständlich am Strand wie beim Lunch tragen lassen. Die Idee dahinter ist weniger Inszenierung als Vielseitigkeit.

Auch die aktuellen Capsule Collections greifen diese Richtung auf. Für Summer 2026 arbeitet Vilebrequin etwa mit dem Label 3.PARADIS sowie dem französischen Künstler Fabrice Hyber zusammen – nicht als plakative Fashion-Kollaboration, sondern eher als Erweiterung einer bestimmten Bildwelt zwischen Kunst, Natur und Riviera-Kultur.

Die bestickten Modelle

Besonders interessant sind dabei die bestickten Modelle der Marke.

Sie verändern die Wirkung von Bademode vollkommen. Statt rein grafischer Prints entstehen Oberflächen mit Struktur und Tiefe – beinahe wie textile Objekte. Manche Motive wirken aus der Distanz fast gemalt, andere erinnern an mediterrane Illustrationen oder maritime Fundstücke.

Dabei geht es weniger um Luxus als Statement, sondern eher um Handwerk und Materialität. Genau das unterscheidet Vilebrequin oft von vielen anderen Brands im Resort-Bereich.

Die Stücke wollen nicht auffallen.

Aber sie haben Charakter.

La Plage

Spannend ist auch, wie stark die Marke mittlerweile über Orte funktioniert.

Mit Konzepten wie „La Plage“ oder Kooperationen mit Hotels und Resorts versucht Vilebrequin nicht nur Kleidung zu verkaufen, sondern ein bestimmtes Sommergefühl räumlich erlebbar zu machen. Pool Clubs, Cabana Spaces und temporäre Installationen greifen die Idee eines entspannten Riviera-Lifestyles auf, ohne daraus ein nostalgisches Klischee zu machen.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke der Marke.

Vilebrequin erzählt nicht von Urlaub als Eskapismus.

Sondern von einer Art, den Sommer wahrzunehmen.

Etwas langsamer vielleicht.
Etwas leichter.
Und mit einer Eleganz, die nicht erklärt werden muss.