Die französische Schauspielerin über Kreativität, Intuition und die unsichtbaren Welten, die ihren Blick prägen – und ihre Rolle als künstlerische Leiterin von Oh La La! bei der Art Basel Paris 2026.

Die Natur folgt ihren eigenen Rhythmen, ihrer eigenen scheinbaren Unordnung. Philippine Leroy-Beaulieu fühlt sich darin zu Hause. Im Gewächshaus des Pariser Jardin des Plantes spricht die Schauspielerin über Schönheit, künstlerische Freiheit und jene Dinge, die wir spüren, ohne sie ganz zu verstehen.

International bekannt als Sylvie Grateau aus Emily in Paris, wuchs Leroy-Beaulieu in Rom auf, umgeben von den Künstlerfreunden ihrer Eltern. Eine Kindheit, die ihre Neugier und ihren Sinn für Freiheit förderte – und bis heute ihren Blick auf die Welt prägt.

„Ich tue mir schwer mit einer Welt, die zu starr und standardisiert ist“, erzählt sie NOWNESS. „Für mich ist das Leben etwas viel … Wellenförmigeres.“

Raum für das Unerwartete

Als künstlerische Leiterin der diesjährigen Initiative Oh La La! bei der Art Basel Paris bringt Leroy-Beaulieu diese Offenheit in die Galerieräume. Das zweitägige Programm lädt Galerien dazu ein, ihre Messestände neu zu gestalten und mit anderen Werken neue Perspektiven und Gespräche anzustoßen.

Unter dem Thema Myths and Legends präsentieren 45 Galerien Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern wie Nina Childress, Leonora Carrington, Ed Ruscha und Diedrick Brackens.

Was Leroy-Beaulieu an Kunstschaffenden fasziniert, ist ihre Bereitschaft, sich auf etwas einzulassen, das über das eigene Verständnis hinausgeht. Sie beschreibt eine Offenheit gegenüber dem Unbekannten – und die Fähigkeit, vertraute Sichtweisen durch neue Erfahrungen infrage stellen zu lassen.

Ein Gespür für das Unsichtbare

Zwischen den Pflanzen kehren ihre Gedanken zur Natur zurück: zur Ordnung in deren scheinbarem Chaos und zu Verbindungen, die sich dem Auge entziehen und dennoch spürbar werden. Intuition und plötzliche Eingebungen lenken ihre Aufmerksamkeit.

„Die andere Welt, die unsichtbare Welt, zieht immer wieder meine Aufmerksamkeit auf sich“, sagt sie. „Ich weiß, dass sie existiert; ich brauche dafür nicht einmal einen Beweis.“

In dieser Folge von Inner Worlds zeichnet NOWNESS das persönliche Porträt einer Schauspielerin, deren Neugier weit über die Leinwand hinausreicht – bis in jenen schwer greifbaren Bereich, in dem Empfindung zu Vorstellungskraft wird.

Über NOWNESS
NOWNESS ist ein globaler Videokanal für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen, der mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden zusammenarbeitet.

50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Zoë Schlangers Buch „Die Lichtwandler“ erzählt von den Fähigkeiten der Pflanzen. Es öffnet zugleich eine größere Frage: Was wird möglich, wenn sich unsere Vorstellung vom Leben erweitert?

Ein Blatt dreht sich zum Licht. Wurzeln wachsen durch den Boden. Ein Baum steht jahrzehntelang an derselben Stelle und verändert dabei unablässig seine Umgebung. Vieles davon geschieht in einem Tempo, das sich dem flüchtigen Blick entzieht. Wer vorbeigeht, sieht Grün. Wer genauer hinschaut, begegnet einem Leben mit eigenen Rhythmen und Beziehungen.

In „Die Lichtwandler“ folgt die Wissenschaftsjournalistin Zoë Schlanger der Forschung zu den Fähigkeiten von Pflanzen. Sie besucht ein Feld, in dem neue Beobachtungen auch die Sprache herausfordern: Wie lassen sich Wahrnehmung, Kommunikation und Anpassung beschreiben, wenn die beteiligten Lebewesen so anders organisiert sind als Menschen?

Das Buch führt damit an eine Grenze, die weit über die Botanik hinausreicht. Sie verläuft zwischen der Welt und dem Bild, das wir uns von ihr machen. Dort kann etwas Erfreuliches geschehen: Eine vertraute Vorstellung öffnet sich, und das Leben bekommt mehr Möglichkeiten, als ihm zuvor zugestanden wurden.

Ein Blatt ist kein stilles Gegenüber

Pflanzen reagieren auf Licht und mechanische Reize. Sie verarbeiten Signale, verändern ihr Wachstum und passen ihre physiologischen Abläufe an die Bedingungen ihrer Umgebung an. Forschung kann solche Prozesse sichtbar machen und untersuchen, welche Mechanismen daran beteiligt sind. Das scheinbar unbewegte Grün gewinnt Kontur als aktiver Organismus.

Begriffe wie Intelligenz und Bewusstsein bleiben dabei umstritten. Eine messbare Reaktion belegt noch kein subjektives Erleben. Gerade diese Unterscheidung macht die Auseinandersetzung interessant: Neue Erkenntnisse verdienen Aufmerksamkeit und sorgfältige Prüfung. Eine Pflanze darf faszinieren, auch wenn die Frage nach ihrem Bewusstsein offenbleibt.

Die größere Verschiebung beginnt bereits davor. Ein Lebewesen muss weder sprechen noch sich fortbewegen oder auf menschliche Weise handeln, um eine komplexe Beziehung zu seiner Umwelt zu haben. Mit dieser Einsicht verliert der Mensch ein Stück seiner Rolle als alleiniger Maßstab. Andere Formen des Lebens werden auf ihre eigenen Bedingungen hin interessant.

Das erweitert auch die Erfahrung eines Gartens. Was nach Farbe, Wuchs und Atmosphäre ausgewählt wurde, führt ein eigenes Leben. Ein Baum ist Lebensraum, bevor er Aussicht ist. Eine Landschaft besteht aus Beziehungen, die längst begonnen haben, wenn Menschen sie betreten. Das Wissen darum gibt dem Sichtbaren Tiefe.

Der Blick kann sich bewegen

Schlanger verdichtet diese Offenheit in einem Bild: „The world is a prism, not a window.“ Die Welt als Prisma. Je nach Winkel treten andere Facetten hervor; das Bekannte kann etwas zeigen, das bisher verborgen blieb.

Auf das Leben übertragen, wird daraus eine Einladung, die eigenen Maßstäbe beweglich zu halten. Erfahrungen und Begriffe geben Orientierung. Sie bestimmen zugleich, was auffällt und was übersehen wird. Aktivität erscheint oft als schnelle Bewegung, Bedeutung als Sichtbarkeit, Entwicklung als messbarer Fortschritt. Für langsamere, leisere oder ungewohnte Vorgänge bleibt in diesem Bild wenig Platz.

Die Begegnung mit pflanzlichem Leben kann daran etwas ändern. Sie führt vor Augen, dass der eigene Rhythmus nur einer unter vielen ist. Von hier aus lässt sich auch das menschliche Leben neu betrachten: ein Gedanke, der Zeit braucht; eine Beziehung, die sich allmählich verändert; eine Fähigkeit, die erst unter anderen Bedingungen sichtbar wird. Solche Erfahrungen sind keine botanischen Beweise. Sie sind Möglichkeiten, die eine veränderte Perspektive für den Alltag eröffnet.

Ein Raum kann Menschen näher zusammenbringen, sobald seine Anordnung sich verändert. Ein Gespräch kann eine neue Richtung nehmen, wenn eine Frage eine vorschnelle Einschätzung ersetzt. Und eine Gewohnheit kann sich lockern, weil jemand entdeckt, dass es auch anders geht. In diesen kleinen Verschiebungen liegt eine praktische Form von Zuversicht: Das bisherige Bild muss nicht das letzte sein.

Ein Paradigmenwechsel geschieht deshalb auch in den Fragen, die gestellt werden. Wer nur nach Ähnlichkeiten sucht, wird Unterschiede leicht als Mangel lesen. Wer sich für die Eigenart eines Lebewesens interessiert, kann Fähigkeiten entdecken, für die bislang die Aufmerksamkeit fehlte. Wissen wächst hier zusammen mit der Bereitschaft, sich überraschen zu lassen.

Mehr Platz für Lebendigkeit

Aliveness bekommt vor diesem Hintergrund eine weitere Dimension. Lebendigkeit umgibt uns bereits. Sie lässt sich entdecken, und wir können Bedingungen mitgestalten, unter denen sie Raum gewinnt. In einem Garten ebenso wie in einer Stadt, einem gemeinsamen Projekt oder im eigenen Tagesablauf.

Verbundenheit hat dabei einen konkreten Ausgangspunkt. Nahrung, Luft und Lebensräume entstehen in ökologischen Zusammenhängen. Menschliches Leben wird von anderem Leben getragen. Daraus ein gemeinsames Bewusstsein abzuleiten, wäre ein weiterer, philosophischer Schritt. Die tatsächlichen Abhängigkeiten reichen schon aus, um Zugehörigkeit neu zu denken.

Zugehörigkeit kann Freude machen. Sie gibt der Aufmerksamkeit ein Gegenüber und dem eigenen Handeln einen Zusammenhang. Eine Pflanzung verändert einen Ort. Ein Gespräch verändert eine Beziehung. Eine neue Erkenntnis verändert, welche Möglichkeiten überhaupt vorstellbar werden. Jede dieser Erfahrungen macht spürbar, dass Menschen an einer lebendigen Welt teilhaben und etwas zu ihr beitragen können.

Der optimistische Gedanke in „Die Lichtwandler“ liegt aus dieser Perspektive in der Erweiterung des Möglichen. Es gibt noch Fähigkeiten zu verstehen, Beziehungen zu entdecken und Formen des Zusammenlebens zu erproben. Unvollständiges Wissen lässt Raum für Forschung, Fantasie und neue Erfahrungen. Staunen kann dabei der Anfang einer genaueren Aufmerksamkeit sein.

NEW YORK TIMES BESTSELLER

The New Yorker’s Best Books of 2024 • TIME’s 10 Best Nonfiction Books of 2024 • New York Magazine’s 10 Best Books of the Year • Washington Post’s 50 Notable Works of Nonfiction of 2024 • Smithsonian’s 10 Best Science Books of the Year •  A Best Book of the Year: Boston Globe, Scientific American, New York Public Library, Christian Science Monitor, Library Journal, and Publishers

Das Blatt vor dem Fenster bleibt ein Blatt. Doch wer seine Beziehung zum Licht bemerkt, sieht darin einen Vorgang, eine Antwort, eine eigene Art, in der Welt zu sein. Der Blick gewinnt an Tiefe. Und mit ihm die Freude an einem Leben, das immer noch etwas zu zeigen hat.

Ein Sofa ohne Vorder- und Rückseite

Was passiert, wenn Möbel uns nicht länger vorschreiben, wie ein Raum genutzt werden soll? Mit Gibson machen Cattelan Italia und Designer Sergio Bicego das Sofa zum offenen System – weich, skulptural und bereit, seine Richtung zu ändern, sobald das Leben es tut.

Es gab eine Zeit, in der das Wohnzimmer einer ziemlich eindeutigen Choreografie folgte. Sofa an die Wand. Couchtisch davor. Fernseher gegenüber. Alles hatte seinen Platz – und im wahrsten Sinne des Wortes seine Richtung.

Unser Leben ist weniger vorhersehbar geworden. Wir arbeiten dort, wo wir entspannen, treffen uns dort, wo wir wohnen, und ziehen uns an Orte zurück, an denen wir gerade noch gemeinsam Zeit verbracht haben. Räume sind fließender geworden. Vielleicht sollten es die Dinge darin ebenfalls sein.

Mit Gibson hat Designer Sergio Bicego für Cattelan Italia ein modulares Sitzsystem entworfen, das diesen Gedanken erstaunlich konsequent verfolgt. Statt ein weiteres Sofa zu gestalten, das einen vorgegebenen Platz im Raum einnimmt, entwirft er beinahe eine Landschaft.

Eine Landschaft, die sich verändern darf.

Keine Vorderseite. Keine Rückseite.

Gibson setzt sich aus unabhängigen, gepolsterten Volumen zusammen. Sitze, Rücken- und Armlehnen lassen sich entsprechend der jeweiligen Architektur kombinieren und neu positionieren. Selbst ihre Funktionen sind nicht endgültig festgelegt: Eine Armlehne kann zur Rückenlehne werden, zusätzliche Module verlängern den Sitz zur Chaise Longue.

Der vielleicht interessanteste Gedanke liegt jedoch im Verschwinden der klassischen Unterscheidung zwischen vorne und hinten.

Als doppelseitiges Sofa lässt sich Gibson aus unterschiedlichen Richtungen nutzen. Statt auf einen einzigen Fixpunkt im Raum ausgerichtet zu sein, kann es verschiedene Bereiche miteinander verbinden. Plötzlich ist das Sofa keine Grenze mehr.

Es wird zur Schnittstelle.

Dieser kleine Perspektivwechsel erzählt viel über zeitgenössische Innenräume.

Architektur soll heute innerhalb ein und desselben Raumes unterschiedliche Zustände ermöglichen: Kommunikation und Rückzug, Konzentration und Entspannung, Bewegung und Ruhe. Gibson beantwortet diese Anforderungen nicht mit zusätzlicher Komplexität, sondern indem es Möglichkeiten offenlässt.

Möbel werden zu Architektur

Besonders deutlich wird das außerhalb des privaten Wohnraums. Cattelan Italia sieht Gibson auch für Hotellounges und Lobbys, Retail-Flächen, hybride Arbeitswelten und gemeinschaftlich genutzte Räume vor – also überall dort, wo Möbel im Laufe eines Tages unterschiedliche Aufgaben übernehmen müssen.

Die einzelnen Module können in größeren Räumen Inseln schaffen, ohne dass dafür fixe Wände oder starre Trennungen notwendig werden. Sie lassen sich kombinieren, drehen und neu arrangieren – für Kommunikation ebenso wie für Ruhebereiche oder strukturiertere Warte- und Empfangssituationen.

Hier beginnt Möbelgestaltung beinahe unmerklich in Innenarchitektur überzugehen.

Gibson möbliert den Raum nicht nur. Es komponiert ihn.

Eine Komposition aus Rhythmus

Dass dieser Begriff passt, ist kein Zufall. Der Name Gibson ist von der Welt der Musikproduktion inspiriert und spielt mit Begriffen wie Rhythmus, Modulation und Harmonie. Die einzelnen Elemente funktionieren beinahe wie Noten einer Partitur: Ihre Beziehungen zueinander können sich verändern, ohne dass die Komposition ihre Identität verliert.

Dieser konzeptionellen Offenheit stellt Sergio Bicego eine ausgesprochen weiche Formensprache gegenüber.

Großzügige Sitze treffen auf abgerundete Kanten; gesteppte Details betonen Volumen und Weichheit der Polyurethanpolsterung. Lose Kissen sind in der Stoffpalette von Cattelan Italia erhältlich und können bewusste farbliche Kontrapunkte setzen oder in Ton-in-Ton-Kombinationen feine Nuancen innerhalb einer Farbwelt erzeugen. Ergänzt werden kann das System durch ein Couchtischmodul aus Keramik.

Das Ergebnis wirkt einladend statt technisch. Gibson ist modular, sieht aber nicht nach einem Möbel aus, das erst noch konfiguriert werden muss. Seine technische Logik verschwindet hinter seiner Weichheit.

Für Veränderung entworfen

Vielleicht liegt genau darin Gibsons zeitgemäßeste Qualität.

Gutes Design wurde lange mit Beständigkeit verbunden. Doch Beständigkeit muss nicht Stillstand bedeuten. Ein Objekt kann gerade deshalb lange bestehen, weil es auf neue Situationen reagieren kann.

Gibson wurde für diese Entwicklung konzipiert. Jedes einzelne Modul lässt sich unabhängig neu positionieren, sodass sich das System an veränderte Räume, Funktionen und Gewohnheiten anpassen kann. Cattelan Italia greift dafür erneut auf ein musikalisches Bild zurück: eine fortlaufende Komposition aus Volumen und Leerräumen, Präsenz und Leichtigkeit, Klang und Stille.

Und vielleicht ist genau das der Moment, in dem aus einem Sofa mehr wird als ein Sofa.

Eine Einladung, nicht alles im Voraus festlegen zu müssen.

Zwischen Rüstung und Vision, Handwerk und Science Fiction: Marina Hoermanseder nutzt ihre Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027, um Mode als Experimentierfeld für Identität, Körper und Zukunft neu zu denken.

Mode war schon immer mehr als Kleidung. Sie erzählt Geschichten darüber, wie wir uns selbst sehen – und wie wir gesehen werden möchten. Mit ihrer Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 richtet Marina Hoermanseder den Blick konsequent nach vorne. Outer Space ist keine Reise ins All im klassischen Sinn, sondern eine Expedition in jene Räume, in denen Fantasie, Innovation und persönlicher Wandel entstehen.

Die österreichische Designerin entwirft ein Universum, das gleichermaßen futuristisch wie überraschend menschlich wirkt. Ihre Protagonistinnen sind keine passiven Heldinnen einer Science-Fiction-Erzählung, sondern Frauen, die vertraute Grenzen hinter sich lassen und ihre eigene Zukunft gestalten.

Mode als Schutzschild

Die Kollektion bewegt sich zwischen Stärke und Verletzlichkeit. Skulpturale Silhouetten treffen auf chromglänzende Oberflächen, eisblaues Leder und rüstungsähnliche Konstruktionen. Was zunächst wie futuristische Inszenierung erscheint, entwickelt sich bei genauerem Hinsehen zu einer Reflexion über den Körper selbst.

Hoermanseder beschäftigt sich seit Jahren mit der Frage, wie Kleidung den Menschen verändern kann. Orthopädische Formen, Korsetts und technische Konstruktionen gehören seit Beginn zu ihrer gestalterischen Sprache. In Outer Space entwickelt sie diese Handschrift konsequent weiter. Kleidung wird zum Schutzraum, aber ebenso zum Symbol von Transformation.

Handwerk trifft Zukunft

Trotz aller futuristischen Anmutung bleibt die Kollektion tief im traditionellen Handwerk verwurzelt. Besonders sichtbar wird dies in der Rückkehr der charakteristischen Twisted-Buckle-Technik, die längst zu einem Markenzeichen der Designerin geworden ist.

Gedrehte Schnallen ersetzen klassische Nähte und erzeugen gemeinsam mit mehrschichtigen Lederkonstruktionen außergewöhnliche plastische Oberflächen. Die Technik verleiht den Kleidungsstücken eine beinahe architektonische Qualität und macht sichtbar, wie sehr Innovation aus handwerklicher Präzision entstehen kann.

Gleichzeitig kehrt Marina Hoermanseder zu einem Material zurück, das ihre frühen Kollektionen geprägt hat: naturbelassenes Leder. In Kombination mit futuristischen Formen entsteht ein spannender Dialog zwischen Ursprung und Vision.

Der Körper als kulturelle Projektionsfläche

Besonders interessant wird die Kollektion dort, wo sie Mode mit gesellschaftlichen Fragen verbindet. Die Hyper Physicality Vase übersetzt übersteigerte anatomische Ideale in eine bewusst überzeichnete Formensprache. Dahinter steht die Auseinandersetzung mit Körperbildern und den Mechanismen toxischer Männlichkeit.

Auch die erstmals vorgestellten Strap Pants und Strap Shorts für Menswear erweitern die bekannte Designsprache der Marke. Die ikonischen Strap-Elemente werden dabei nicht einfach übernommen, sondern in einen neuen Kontext gestellt und öffnen Marina Hoermanseders Ästhetik erstmals stärker für den männlichen Körper.

Eine neue Ästhetik des Unbekannten

Farblich bewegt sich Outer Space zwischen natürlichen Erdtönen und intensivem Orange. Swarovski-Kristalle in Blau- und Grüntönen erinnern an kosmische Tiefen, während die sogenannte Lunar Landscape-Technik Oberflächen entstehen lässt, die an die Struktur von Mondgestein erinnern.

Den eindrucksvollen Abschluss bildet die Alien Vase – eine skulpturale Arbeit mit orthopädisch inspirierten Kopf- und Armelementen. Sie verweist auf Marina Hoermanseders Zeit bei Alexander McQueen und dessen legendäre Kollektion Plato’s Atlantis, ohne dabei nostalgisch zu wirken. Vielmehr versteht sich der Entwurf als Blick in eine Zukunft, deren Form wir heute noch nicht kennen.

Wenn Mode Zukunft sichtbar macht

Mit Outer Space präsentiert Marina Hoermanseder weit mehr als eine neue Saisonkollektion. Sie nutzt Mode als Medium, um über Veränderung, Identität und die Grenzen unserer Vorstellungskraft nachzudenken.

Zwischen Couture, Produktdesign und Performance entsteht eine Bildwelt, die zeigt, dass die spannendsten Entwicklungen oft dort beginnen, wo bekannte Kategorien enden. Gerade in einer Zeit, in der Zukunft häufig mit Unsicherheit verbunden wird, entwirft Hoermanseder eine andere Perspektive: eine Zukunft, die Neugier weckt und Kreativität als stärkste Form des Fortschritts versteht.

Foto Credits: BERLIN, GERMANY – JULY 3: Runway at the Marina Hoermanseder Show during Berlin Fashion Week Spring/Summer 2027 at Haus der Visionaere on July 3, 2026 in Berlin, Germany. (Photos by Isa Foltin/Getty Images via Hoermanseder)

Vorhang auf für eine Ikone, die nur dann die Bühne betritt, wenn sie bereit ist: Das Phantom ist das Aushängeschild des burgenländischen Weinguts K+K Kirnbauer. Eine begehrte Cuvée mit Kult-Charakter, um die sich Jahr für Jahr neue Geschichten ranken – und das seit ihrem ersten Auftritt im Jahr 1987.

Die seltenen Dinge sind stets die aufregendsten

Damals wagte Rotweinpionier Kirnbauer einen mutigen Schritt: Er vereinte erstmals verschiedene rote Rebsorten zu einem Cuvée. Was als Premiere begann, entwickelte sich rasch zu einer Erfolgsgeschichte. Seither wird jede neue Ausgabe des Phantoms mit großer Spannung erwartet.

Wer weiß schon, was hinter verschlossenen Türen passieren kann


Einmal im Jahr trifft sich ein ausgewählter Kreis aus Familie und Freunden, um zwölf im Barrique ausgebaute Weine zu verkosten – einzeln und in verschiedenen Assemblagen. Darunter der fürs Burgenland so typische Blaufränkisch sowie Cabernet, Merlot und Syrah. Nach einer Bedenkzeit von drei bis vier Tagen wird gemeinsam entschieden, welche Komposition „phantomable“ ist. Also würdig, den Namen als Nachfolger zu tragen.

Wer es einmal erlebt hat, vergisst es nicht

Mehr schwarz als rot, unergründlich, begehrlich. Es sind Begriffe, mit denen sich das Phantom nicht zufrieden geben scheint. Wer es beschreiben will, scheitert schnell… Die Worte verflüchtigen sich wie das Phantom selbst. Und doch gerät es nie in Vergessenheit. Was bleibt, ist ein Begriff, der seinem Charakter jedes Jahr zugeordnet wird…

Nichts ist so geheimnisvoll wie Reife

…um daraus ein eigenes Sujet zu gestalten, das die Geschichte des Jahrgangs einfängt. Sei es die Biozertifizierung und das Streben nach Großem oder das Wiederauftauchen des Phantoms, nachdem es im Jahr davor verschollen blieb. Ob im Hotel Sacher, in einem Oldtimer Rolls Royce oder mit einem Heißluftballon – für den begehrenswerten Hauptdarsteller werden keine Mühen gescheut.

Irren wäre unmenschlich

Das aktuelle Sujet zeigt ein Labyrinth. Es gilt den Weg zu finden… Wohin? Bestimmt zum Weinschrank, in der Hoffnung, darin das Phantom zu entdecken…

Fotos: Joachim Haslinger; Agentur kratkys.net

Wie die Serpentine Park Nights 2026 Musik, Performance und Poesie zu einem gemeinsamen Erlebnis machen

Während Kulturinstitutionen heute zunehmend um Aufmerksamkeit konkurrieren, verfolgt die Londoner Serpentine seit Jahren einen anderen Ansatz: Sie schafft Räume, in denen Begegnung wichtiger wird als Spektakel. Mit den Park Nights 2026 verwandelt sich der diesjährige Serpentine Pavilion erneut in einen lebendigen Ort für Musik, Performance, Poesie und künstlerischen Austausch.

Von Juli bis Oktober entsteht im Herzen der Kensington Gardens kein klassischer Veranstaltungsort, sondern eine temporäre Gemeinschaft – offen, interdisziplinär und frei zugänglich. Hier begegnen sich Künstler und Publikum auf Augenhöhe. Kunst wird nicht konsumiert, sondern gemeinsam erlebt.

Kunst als gemeinsames Erlebnis

Seit mehr als zwanzig Jahren gehören die Park Nights zu den spannendsten Live-Programmen der internationalen Kunstszene. Anders als viele Festivals setzt Serpentine nicht auf große Namen allein, sondern auf Formate, die unterschiedliche Disziplinen miteinander verschmelzen lassen.

Musik trifft auf Performance, Literatur begegnet Architektur, Klang wird zu Raum. Das Publikum wird dabei nicht zum bloßen Zuschauer, sondern zum aktiven Teil einer gemeinsamen Erfahrung. Genau darin liegt die besondere Qualität des Formats: Kunst entsteht im Moment des gemeinsamen Erlebens.

Gerade in einer Zeit, in der viele kulturelle Erfahrungen digital vermittelt werden, gewinnen solche analogen Begegnungen eine neue Bedeutung. Die Park Nights schaffen Momente der Aufmerksamkeit – nicht nur für die Kunst, sondern auch füreinander.

Ein Pavillon, der Offenheit verkörpert

Den räumlichen Rahmen bildet der 25. Serpentine Pavilion, entworfen vom mexikanischen LANZA atelier unter dem Titel a serpentine.

Ausgangspunkt ist die historische englische crinkle-crankle wall – eine geschwungene Ziegelmauer, deren Stabilität aus ihrer Bewegung entsteht. Doch statt Grenzen zu definieren, wird die Mauer durchlässig. Rhythmisch angeordnete Ziegelpfeiler öffnen Sichtachsen und schaffen Verbindungen zwischen Innen und Außen.

So wird Architektur selbst zum Ausdruck einer Idee: Offenheit statt Abgrenzung. Bewegung statt Stillstand. Begegnung statt Trennung. Besucher bewegen sich frei durch den Pavillon und gestalten ihre eigene Erfahrung.

Vier künstlerische Positionen

Den Auftakt macht die kanadische Musikerin Sophia Stel, deren zwischen Indie-Rock, elektronischen Sounds und Alt-Pop changierende Musik den Pavillon erstmals mit Leben füllt.

Es folgt Chanel Beads, dessen experimenteller Underground-Pop Erinnerungen, digitale Kultur und traumartige Erzählstrukturen miteinander verbindet.

Im September präsentiert die Londoner Künstlerin und Autorin Ebun Sodipo eine neue Performance, die sich aus Schwarzer feministischer Theorie entwickelt und Fragen von Körper, Erinnerung und Identität verhandelt.

Den Abschluss bildet Anfang Oktober eine neue Auftragsarbeit der New Yorker Künstlerin Shala Miller, deren improvisierte Klang- und Stimmexperimente erstmals in Großbritannien zu erleben sind. Gemeinsam bilden sie ein Programm, das stilistische Grenzen bewusst überschreitet und unterschiedlichste Perspektiven miteinander in Dialog bringt.

Eine Kultur der Offenheit

Seit 2002 versteht Serpentine die Park Nights als Labor für interdisziplinäre Kunst. Jede Ausgabe reagiert auf den jährlich neu entstehenden Pavillon und entwickelt daraus neue Formen kultureller Begegnung. Musik, Philosophie, Literatur, Mode, Technologie und Bildende Kunst treten dabei miteinander in Beziehung und schaffen Erfahrungen, die weit über eine klassische Performance hinausgehen.

Vielleicht liegt genau darin die besondere Qualität dieses Formats. Während vielerorts über gesellschaftliche Spaltung gesprochen wird, schafft Serpentine einen Ort, an dem Unterschiede nicht überwunden werden müssen, sondern produktiv aufeinandertreffen dürfen. Die Park Nights erinnern daran, dass Kunst weit mehr sein kann als ästhetischer Ausdruck – sie kann Menschen zusammenbringen, Gespräche eröffnen und neue Perspektiven entstehen lassen.

Gerade deshalb wirken die Park Nights heute aktueller denn je.

Materialien, die Geschichten erzählen

Die neue Herbst-/Winterkollektion 2026/27 von MYTHS zeigt eindrucksvoll, dass Innovation nicht immer laut sein muss. Statt kurzfristigen Trends folgt das italienische Label einer kontinuierlichen Weiterentwicklung seiner Designhandschrift und verbindet traditionelle Schneiderkunst mit modernen Materialien, neuen Silhouetten und einem hohen Anspruch an Alltagstauglichkeit. Dabei entstehen Kollektionen für Frauen und Männer, die den Zeitgeist auf subtile Weise interpretieren – präzise, funktional und gleichzeitig überraschend entspannt.

Womenswear: Weiche Formen treffen auf modernes Tailoring

Die Damenkollektion entwickelt die charakteristische Formsprache von MYTHS konsequent weiter. Im Mittelpunkt stehen hochwertige Materialkompositionen aus Baumwolle, Modal, maschinenwaschbarer Wolle, Cashmere-Flanell sowie innovativen Kombinationen mit Cordura. Unterschiedliche Veredelungsverfahren wie Garment Dyeing, Piece Dyeing oder Yarn Dyeing verleihen den Stoffen Tiefe und eine authentische Patina, die jedes Kleidungsstück einzigartig wirken lässt.

Besonders spannend ist die neue Interpretation klassischer Schneiderkunst. Tailoring wird lockerer gedacht und erhält durch Overshirts aus Denim oder Cotton Bull eine moderne Leichtigkeit. Auch der Anzug löst sich von traditionellen Konventionen. Bedruckte Viskose-Ensembles aus Hemd und Hose erinnern an luxuriöse Pyjamas und schaffen einen fließenden Übergang zwischen Loungewear und eleganter Tagesgarderobe.

Neue Silhouetten wie Palazzo-Hosen, Culottes mit Umschlag, schmal geschnittene Flared Pants oder modern geschnittene, gepolsterte Gilets erweitern das Spektrum. Ergänzt wird die Kollektion durch weich fallenden Denim in Indigo und Schwarz sowie neue Stoffentwicklungen wie Indigo-Velvets oder Denim-Flanell, die durch spezielle Waschungen ihre besondere Tiefe erhalten. So entsteht eine Garderobe, die gleichermaßen für Beruf, Freizeit und Abend geeignet ist – funktional, vielseitig und elegant.

Menswear: Der Anzug wird zum Baukastensystem

Auch die Herrenkollektion setzt auf Evolution statt Revolution. Ausgangspunkt bleiben die ikonischen Hosen von MYTHS, die seit Jahren das Herzstück der Marke bilden. Für FW26/27 werden die Proportionen großzügiger interpretiert. Weite Silhouetten treffen auf neu gedachte Carrot Pants mit verkürzter Länge und markanter Linienführung – komfortabel, modern und dennoch präzise verarbeitet.

Besondere Aufmerksamkeit verdient das neu entwickelte Tailoring-Konzept. Statt klassischer Anzüge präsentiert MYTHS ein variables System aus Overshirts und Hosen, die aus identischen Stoffen gefertigt werden und sich frei miteinander kombinieren lassen. Dadurch entstehen zahlreiche Looks zwischen formeller Eleganz und entspannter Casualwear.

Auch bei den Materialien zeigt sich der Innovationsanspruch der Marke. Maschinenwaschbare Wollqualitäten, Cashmere-Flanelle, exklusive Herringbone-Gewebe aus Wolle, Seide und Cashmere sowie die charakteristische Combat Wool verbinden Funktionalität mit luxuriöser Haptik. Ergänzt wird dies durch experimentelle Garment-Dyeing-Techniken, die erstmals auch auf Baumwoll-Modal-Velvets angewendet werden. Farblich dominieren Mélange-Grau, Dunkelbraun, Bordeaux sowie ruhige Nuancen wie Mastix und Taupe und unterstreichen die zurückhaltende Eleganz der Kollektion.

Zeitlose Garderoben statt kurzlebiger Trends

Mit der Herbst-/Winterkollektion 2026/27 gelingt MYTHS der Spagat zwischen Tradition und Zukunft auf bemerkenswert unaufgeregte Weise. Die Kollektionen verstehen Kleidung nicht als saisonales Statement, sondern als langfristige Begleiter. Hochwertige Materialien, raffinierte Verarbeitung und flexible Kombinationsmöglichkeiten schaffen moderne Garderoben, die sich selbstverständlich an unterschiedliche Lebenssituationen anpassen.

Gerade diese Balance zwischen handwerklicher Präzision, technischer Innovation und entspannter Eleganz macht MYTHS zu einer jener Marken, die den Wandel der Mode nicht durch Lautstärke, sondern durch Substanz gestalten.

Warum Zugehörigkeit dort entsteht, wo Menschen einander begegnen

Wenn Heimat mehr ist als ein Ort

In einer Zeit, in der Migration meist in Zahlen, Gesetzen oder politischen Debatten beschrieben wird, erinnert der Kurzfilm In the Same Light daran, dass hinter jedem Begriff ein Mensch steht.

Die in New York lebende äthiopische Regisseurin Herrana Addisu erzählt keine Geschichte über Grenzen. Sie erzählt von Nachbarn, Eltern, Unternehmern, Künstlern und Freunden – Menschen, die längst Teil des gesellschaftlichen Lebens geworden sind und dennoch häufig als Außenstehende wahrgenommen werden.

Der Film entstand für NOWNESS in Zusammenarbeit mit Communities United for Status & Protection (CUSP) und richtet den Blick bewusst auf den Alltag statt auf Schlagzeilen.

Menschlichkeit beginnt im Alltag

Es sind kleine Szenen.

Ein Morgen zu Hause. Der Weg zur Arbeit. Gemeinsame Mahlzeiten. Kreative Momente. Gespräche mit Freunden. Augenblicke der Stille.

Gerade diese scheinbar unspektakulären Bilder machen deutlich, was oft übersehen wird: Zugehörigkeit entsteht nicht durch Dokumente allein. Sie wächst dort, wo Menschen Verantwortung übernehmen, Beziehungen pflegen und Gemeinschaft mitgestalten.

Herrana Addisu verzichtet bewusst auf dramatische Inszenierungen. Stattdessen beobachtet sie mit großer Ruhe und Nähe. Dadurch entsteht ein Film, der weniger argumentiert als fühlen lässt.

Eine andere Perspektive auf Gesellschaft

In the Same Light erzählt von Menschen mit Temporary Protected Status (TPS), die ihre Heimat aufgrund von Krieg, Naturkatastrophen oder politischer Instabilität verlassen mussten.

Doch der Film interessiert sich weniger für ihren rechtlichen Status als für ihre Rolle innerhalb der Gesellschaft.

Er zeigt Menschen, die Unternehmen führen, Kinder großziehen, Kunst schaffen und Nachbarschaften prägen. Menschen, deren Leben längst mit jenem ihrer Umgebung verwoben ist.

So entsteht ein Perspektivwechsel: Nicht die Unterschiede stehen im Mittelpunkt, sondern das Gemeinsame.

Die Kraft gemeinsamer Menschlichkeit

Gerade in einer Zeit zunehmender Polarisierung erinnert In the Same Light an eine einfache Erkenntnis:

Gemeinschaft entsteht dort, wo wir beginnen, den anderen nicht mehr als Fremden zu betrachten.

Der Film lädt dazu ein, den Blick zu verändern – weg von Kategorien, hin zum Menschen.

Vielleicht beginnt genau dort jene Form von Verbundenheit, die unsere Gesellschaft heute dringender braucht als je zuvor.

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.