Mit der achten Artycapucines Collection übersetzt Louis Vuitton Keith Harings Bildsprache in 13 Taschen – und bringt die Energie seiner Zeichnungen in eine neue Form.

Ein Herz hat Beine bekommen. Es läuft los, als könnte es die nächste Begegnung kaum erwarten. Keith Harings „Running Heart“ braucht wenige Linien, um etwas auszulösen: Bewegung, Zuneigung, vielleicht auch die Lust, einfach mitzulaufen. Diese Unmittelbarkeit prägt das Werk des Künstlers. Und sie macht den Reiz der neuen Keith Haring Artycapucines Collection von Louis Vuitton aus.

In enger Zusammenarbeit mit der Keith Haring Foundation widmet die Maison das achte Kapitel ihrer Artycapucines-Reihe dem 1990 verstorbenen Künstler. 13 Neuinterpretationen der Capucines greifen seine Motive auf: das „Running Heart“, das „Radiant Baby“, tanzende Figuren, Tiere und grafische Kompositionen. Bilder, die vielen längst vertraut sind – und deren Wirkung sich dennoch nicht im Wiedererkennen erschöpft.

Ein paar Linien, und alles bewegt sich

Harings Figuren haben keine ausgearbeiteten Gesichter. Ihre Körper sprechen durch Gesten, ihre Umgebung durch kurze Striche. Ein Arm hebt sich, ein Körper beugt sich, ein Baby strahlt. Man versteht diese Bilder oft, bevor man darüber nachdenkt.

Im New York der 1980er-Jahre fand Haring sein Publikum auch auf den Bahnsteigen der Subway. Mit weißer Kreide zeichnete er auf schwarze, ungenutzte Werbeflächen. Seine Kunst begegnete Menschen unterwegs, mitten in ihrem Alltag. Die direkte Beziehung zum Publikum gehörte zu ihrem Wesen.

Die Leichtigkeit seiner Bildsprache konnte dabei ernste Anliegen tragen. Haring setzte seine Kunst unter anderem für die Aufklärung über AIDS und gegen Apartheid ein. Lebensfreude und gesellschaftliches Engagement stehen in seinem Werk nah beieinander. Seine Figuren erinnern daran, wie viel sich durch eine Geste ausdrücken lässt: Nähe, Verletzlichkeit, Zusammenhalt.

Die Zeichnung bekommt einen Körper

Auf der Capucines verändert sich das Verhältnis zwischen Bild und Oberfläche. Leder besitzt eine eigene Struktur, eine Tasche Volumen. Eine Linie muss hier über eine dreidimensionale Form hinweg lesbar bleiben; ein Motiv begegnet uns aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Louis Vuitton nutzt für die Kollektion Techniken von traditioneller Leder-Marketerie bis zu modernstem Laser-Druck. Darin liegt der gestalterisch interessante Teil dieser Begegnung: Harings scheinbar mühelose Zeichnungen werden zum Ausgangspunkt einer aufwendigen handwerklichen Übersetzung. Entscheidend ist, ob ihr Rhythmus dabei spürbar bleibt.

Die Kollektion führt zugleich einen Dialog fort, den Nicolas Ghesquière mit seiner Cruise-2027-Kollektion begonnen hat, präsentiert im Mai 2026 in der Frick Collection in New York. Harings Bildwelt wandert weiter – durch unterschiedliche Materialien, Formen und Zusammenhänge.

Ein Herz läuft weiter

Seit dem Debüt von Artycapucines 2019 haben über 35 zeitgenössische Künstler:innen die Capucines als gestalterische Fläche genutzt. Mehr als 50 Designs sind daraus hervorgegangen, unter anderem von Takashi Murakami, Beatriz Milhazes, Daniel Buren und Vik Muniz.

Das neue Kapitel richtet den Blick auf eine Bildsprache, deren Energie bis heute unmittelbar ankommt. Ein laufendes Herz bleibt ein merkwürdiges, schönes Bild: Gefühle haben plötzlich Füße. Und man möchte wissen, wohin sie unterwegs sind.

Die 13 Modelle der Keith Haring Artycapucines Collection erscheinen ab 1. Jänner 2027 als limitierte Editionen in Louis-Vuitton-Boutiquen weltweit.

Bei Untitled Art in Houston bringt Sapar Contemporary aus New York sieben künstlerische Positionen zusammen. Zwischen Seerosen, gerissenem Papier, gewebten Flächen und Skulpturen aus Kabelbindern lässt sich entdecken, wie unterschiedlich Kunst dem Lebendigen eine Form geben kann.

Ein roter Fisch zieht durch dunkles Wasser. Um ihn herum öffnen sich Blätter und Blüten, ihre Ränder in Rosa gefasst. Mizue Sawanos „Goldfish“ ist ein guter Ausgangspunkt für diese Reise: ein Gemälde, das den Blick einfängt und ihn anschließend zwischen all den kleinen Bewegungen seiner Oberfläche wandern lässt.

Vom 2. bis 4. Oktober 2026 kehrt Untitled Art für seine zweite Houston-Ausgabe ins George R. Brown Convention Center zurück; die VIP- und Pressepreview findet am 1. Oktober statt. Die aktuelle Galerieliste umfasst 99 Teilnehmer. Sapar Contemporary zeigt an Stand E4 eine Auswahl, die mehrere Generationen, Herkunftsländer und Arbeitsweisen miteinander ins Gespräch bringt.

Vom Wasser zur Linie

Die japanisch-amerikanische Malerin Mizue Sawano hat ihre künstlerische Praxis zwischen Tokio, Paris und New York entwickelt. Naturmotive ziehen sich durch ihr Werk; ihre Ausbildung verbindet japanische und westliche Kunsttraditionen. In der Houston-Auswahl begegnen uns unter anderem „White Water lily“ von 1991, mehrere kleine Seerosenbilder von 1993 und „Freedom“ von 2010.

Schon diese zeitliche Spannweite macht neugierig. Hier erscheint Natur als ein Motiv, zu dem man über Jahrzehnte zurückkehren kann. In „Goldfish“ von 2001 treffen die flächigen Blätter auf die dunkle Tiefe des Wassers. Dazwischen setzt der Fisch einen leuchtenden Akzent. Das Auge folgt ihm und bleibt dann doch an einer Blüte hängen.

Bei Bilgé, der türkisch-amerikanischen Künstlerin Bilge Civelekoğlu Friedlaender, wird die Begegnung mit Natur abstrakter. Ihre Beschäftigung mit Horizonten, Wasser und räumlicher Weite findet ihren Ausdruck in einer reduzierten Sprache aus Linien, Papier und Zwischenräumen.

Sapar versammelt mehrere Arbeiten von 1975, darunter „Poem On a Depressed Day“, „Tide’s in #4“ und ein Werk der „Horizontal Line Life Span Series“. Papier wird dabei selbst zum gestalterischen Material: gerissen, geschichtet, mit Pastell, Bleistift oder Aquarell verbunden. Eine Linie kann gezeichnet sein – oder dort entstehen, wo ein Blatt auseinandergerissen wird. Gerade diese Nähe von präziser Setzung und unberechenbarer Materialkante macht die Arbeiten reizvoll.

Was eine Oberfläche alles kann

Mit Ethel Stein und Benigna Chilla rückt die Konstruktion der Oberfläche in den Vordergrund. Steins „Rust Abstract“ von 2005 ist eine Webarbeit aus mercerisierter Baumwolle, ausgeführt in Lampas-Technik mit Ikat-Schuss. Der dafür verwendete Webstuhl besitzt einen von der Künstlerin angefertigten Zugwebaufsatz. Hinter dem Bild steht damit auch die Entwicklung eines Werkzeugs.

Chillas „In Motion“ von 1996 kombiniert bemalte Leinwand mit zwei Lagen bemalten Siebgewebes. In „Pavage en Diagonale II“ von 2000 treffen bedrucktes und bemaltes Rohleinen auf eine weitere bedruckte Gewebeschicht. Das Bild erhält tatsächliche Tiefe. Zwischen den Ebenen entsteht Raum, und mit ihm eine zusätzliche Möglichkeit, Farbe und Struktur wahrzunehmen.

Sui Park führt diese Auseinandersetzung mit Material in eine andere Richtung. Ihre Werke „Flow Blue“ von 2025 und „Microcosm Blue-Green Gradient“ von 2026 bestehen aus handgefärbten Kabelbindern. Aus einem industriellen Alltagsprodukt entstehen skulpturale Gebilde, deren Formensprache an organische Strukturen erinnert. Die variable Größe der Arbeiten erlaubt unterschiedliche räumliche Anordnungen. Schon die Titel öffnen einen gedanklichen Raum zwischen Strömung und kleiner Welt.

Eine Geste, eine ganze Welt

Die Auswahl wird durch Sofia Cacciapaglia und Uuriintuya Dagvasambuu ergänzt. Cacciapaglias kleine Ölbilder tragen Titel wie „Gaze + Hands“, „Gaze: Red Profile“ und „Gestures: Three hands“. Blick und Handbewegung werden zum Ausgangspunkt einer Malerei, die sich auf Ausschnitte menschlicher Präsenz konzentriert.

Dagvasambuu entwickelt die mongolische Maltradition Mongol Zurag weiter. Sie verbindet traditionelle mongolische und buddhistische Motive mit gegenwärtigen Themen und dem Alltag von Frauen in ihrer Heimat. In der Messeauswahl stehen die Acrylbilder „Vignette: The Scent“ von 2025 und „Vignette: Bird’s eye view“. Ihre Titel laden dazu ein, auch an das zu denken, was ein Bild nur indirekt vermitteln kann: einen Geruch, eine veränderte Perspektive, die Erinnerung an einen Moment.

So lässt sich Sapars Präsentation als eine Folge von Begegnungen lesen. Wasser und Papier, Faden und Kunststoff, Blick und Geste: Immer wieder verändert das Material, wie wir eine Form erleben. Ein reizvoller Anlass, auf einer Kunstmesse länger bei einem einzelnen Werk zu bleiben. Vielleicht beginnt es tatsächlich mit einem Goldfisch.

Alles vergeht. Was zunächst melancholisch klingt, wird bei Ivan Gette zu einer Einladung, den Moment umso intensiver wahrzunehmen. Mit „TUTTO PASSA“ zeigt der Berliner Künstler während der Berlin Art Week eine neue Werkserie über Veränderung, Erinnerung und das, was von einem Augenblick bleibt.

Tutto passa – alles vergeht. Im Italienischen sind es zwei einfache Worte, hinter denen sich eine ganze Lebensphilosophie verbirgt. Nicht das Festhalten steht dabei im Mittelpunkt, sondern die Erkenntnis, dass gerade die Vergänglichkeit einem Moment seinen Wert gibt.

Für den in Berlin lebenden Künstler Ivan Gette wurde dieser Gedanke zum Ausgangspunkt seiner gleichnamigen Werkserie. Den Impuls dazu fand er während eines Aufenthalts in Pietrasanta in der Toskana. Dort begann er, sich intensiver mit der Idee des Tutto Passa auseinanderzusetzen: Alles verändert sich, jeder Augenblick ist einmalig – und dennoch hinterlassen manche Momente Spuren, die weit über ihre eigentliche Dauer hinausreichen.

Erinnerungen werden zu Farbe

Gette versucht nicht, diese Momente abzubilden. Er übersetzt sie vielmehr in Farbe, Struktur und Bewegung. Seine abstrakten Arbeiten entstehen intuitiv und unmittelbar, geprägt von Reisen, Begegnungen und Emotionen.

Seine eigene künstlerische Sprache bezeichnet Gette als „abstrakten Nihilismus“. Struktur trifft darin auf Chaos, Ordnung auf Auflösung. Es ist eine Malerei, die sich einer eindeutigen Lesart entzieht – und genau darin ihre Offenheit findet.

Gette erklärt seine Bilder bewusst nicht. Was ein Werk bedeutet, entscheidet sich erst in der Begegnung mit den Betrachtenden. Diesen Gedanken führt er ungewöhnlich konsequent weiter: Seine Gemälde bleiben zunächst ohne Titel. Erst die Sammlerinnen und Sammler, die ein Werk erwerben, sind eingeladen, ihm einen Namen zu geben.

Aus dem Besitz eines Kunstwerks wird damit eine persönliche Beziehung. Der Titel schreibt eine individuelle Erinnerung in das Bild ein und verbindet es mit einem neuen Moment.

Was bleibt, wenn alles vergeht?

Bevor sich Ivan Gette vollständig der Malerei widmete, arbeitete er mehrere Jahre als Art Director und im Marketing, unter anderem für Nike. Heute lebt und arbeitet der in Sibirien geborene Künstler in Berlin. Seine Werke wurden international gezeigt, unter anderem im Umfeld der Art Basel Miami Beach sowie bei der Parallel Vienna, und befinden sich mittlerweile in privaten Sammlungen von Europa über die USA bis nach Indien und in die Vereinigten Arabischen Emirate.

Mit „TUTTO PASSA“ rückt nun jedoch weniger die Karriere des Künstlers als vielmehr eine universelle Erfahrung in den Mittelpunkt: Zeit lässt sich weder besitzen noch zurückholen. Was bleibt, sind Erinnerungen – an Orte, Begegnungen, Gefühle und jene scheinbar kleinen Augenblicke, die sich manchmal erst im Rückblick als bedeutend erweisen.

Vielleicht liegt genau darin die Spannung dieser Arbeiten. Sie versuchen nicht, die Zeit anzuhalten. Sie akzeptieren, dass sie weiterläuft.

Und machen sichtbar, was sie hinterlässt.

TUTTO PASSA | IVAN GETTE
9. September bis 22. November 2026
Opening: 9. September 2026
AK GALERIE | Behrenstraße 31 | 10117 Berlin

POSITIONS Berlin Art Fair
10. bis 13. September 2026
Flughafen Tempelhof | Hangar 5–6 | Berlin

Mit dem THE GREEN Resort im Zillertal wächst ein Ort heran, der Vielfalt nicht trennt, sondern in natürlicher Symbiose zusammenführt. Die Eröffnung ist im Dezember.

Im Zillertal gehört Grün vor allem in der warmen Jahreszeit zum Landschaftsbild dazu. Bald steht die Farbe aber nicht mehr nur für saftige Almwiesen und gepflegte Fairways, sondern auch für ein neues Urlaubskonzept: Mit dem THE GREEN Resort Zillertal kündigt sich eine Adresse an, die Naturverbundenheit in den Mittelpunkt stellt und Raum für Urlaubstage schafft, die sich ganz natürlich dem eigenen Rhythmus anpassen. Egal, ob für den generationenübergreifenden Familienurlaub, das Yoga Retreat oder die individuelle Auszeit in den Bergen…

Noch hat kein Gast hier eingecheckt, auch wenn für die Eröffnungswoche im Dezember bereits reserviert werden kann. Was direkt neben dem Golfplatz Zillertal-Uderns, umgeben von Bergen, entsteht, lässt die Vorfreude jedenfalls schon jetzt keimen. Inmitten der imposanten Naturlandschaft formt sich ein architektonisches Ensemble aus Holz, das sich organisch um einen Naturbadesee legt und auf mehr als 3.300 m² innen wie außen Raum für Ruhe, Wärme und Rückzug schafft.

Das Resort ist so angelegt, dass unterschiedliche Bedürfnisse Platz finden – plantschende Kinder, erholungssuchende Eltern und Großeltern, die den Moment in aller Ruhe auskosten. Aber auch Seminare und kreative Auszeiten finden hier den passenden Rahmen. Ob beim gemeinsamen Skifahren, Golfen, Wandern oder Radfahren oder Innehalten ganz für sich – Lieblingsmomente gibt es so viel wie Höhenmeter rundum. Auch kulinarisch setzt THE GREEN auf Flexibilität statt feste Zeiten – vom Frühstück bis zum Abendbuffet begleitet ein unkompliziertes Genusskonzept den Tag. In sechs Monaten ist es soweit…

THE GREEN – Resort Zillertal is a member of Lifestylehotels

Renderings: Schultz Gruppe

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Die Olympiasiegerin wird zur neuen House Ambassador – und verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman.

Mit Alysa Liu gewinnt Louis Vuitton nicht nur eine Ausnahmesportlerin, sondern eine Persönlichkeit, die für Mut, Individualität und eine neue Definition von Luxus steht.

Paris, Mai 2026. Das französische Traditionshaus Louis Vuitton präsentiert die amerikanische Eiskunstlauf-Olympiasiegerin Alysa Liu als neue House Ambassador – eine Entscheidung, die den Zeitgeist perfekt trifft. Die Partnerschaft vereint sportliche Exzellenz mit modischer Ausdruckskraft und spiegelt eine moderne Vision von Weiblichkeit wider: kraftvoll, kreativ und selbstbestimmt.

Zwischen Präzision und Poesie

Mit gerade einmal 20 Jahren schrieb Alysa Liu Geschichte: Als erste Amerikanerin seit 24 Jahren gewann sie olympisches Gold im Eiskunstlauf – und das gleich doppelt. Doch es ist nicht nur ihre technische Brillanz, die fasziniert. Es ist ihre Ausstrahlung – eine Kombination aus Energie, Leichtigkeit und persönlichem Stil, der sich auch in ihrem ikonischen Look, wie etwa ihrem gestreiften Haar, manifestiert.

Diese Dualität – Stärke und Sanftheit – macht sie zur idealen Repräsentantin für Louis Vuitton. Eine Frau, die sich nicht festlegen lässt, sondern Gegensätze vereint.

Die neue Louis Vuitton Woman

„Alysa Liu verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman – selbstbewusst, kreativ und furchtlos“, so Nicolas Ghesquière, Artistic Director der Damenkollektionen.

Und tatsächlich: Liu bringt eine frische Perspektive in die Welt des Luxus. Ihre Auftritte – etwa bei der Louis Vuitton Fall/Winter 2026 Show oder der Vanity Fair Oscar Party – zeigen ein Gespür für Stil, das sowohl verspielt als auch präzise ist. Denim-Looks treffen auf kunstvolle Stickereien, sportliche Attitüde auf Haute Couture.

Luxus liegt im Detail

Auch Alysa Liu selbst beschreibt die Verbindung zur Maison als inspirierend:

„Als Eiskunstläuferin bin ich Athletin – ich trainiere hart, ich bin schnell. Aber wenn ich performe, möchte ich zeigen, wie sanft ich sein kann.“

Diese Balance spiegelt sich auch in ihrer neuen Rolle wider. Für Liu bedeutet Luxus nicht nur Ästhetik, sondern Detailarbeit, Hingabe und Ausdruck. Werte, die sowohl im Eiskunstlauf als auch im Designprozess eine zentrale Rolle spielen.

Eine Partnerschaft mit Zukunft

Mit Alysa Liu setzt Louis Vuitton ein klares Zeichen: Die Zukunft des Luxus ist multidimensional. Sie vereint Disziplin und Kreativität, Tradition und Innovation, Stärke und Sensibilität.

Eine neue Generation tritt ins Rampenlicht – und sie ist mutiger, freier und inspirierender denn je.

Ein temporäres Townhouse in Mayfair wird zur Hommage an das ikonische Louis Vuitton Monogramm – zwischen Handwerkskunst, Designgeschichte und zeitgenössischer Kultur.

Mit dem Louis Vuitton Hotel eröffnet das Maison in London einen außergewöhnlichen Ort der Begegnung: ein Pop-up-Erlebnis, das 130 Jahre Monogramm feiert und Besucher:innen in die Welt des Reisens, der Handwerkskunst und der ikonischen Taschenmodelle eintauchen lässt.

Ein Haus voller Geschichte – und Zukunft

Im Herzen von Mayfair, einem der elegantesten Viertel Londons, entsteht ein Ort, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verwebt. Das Louis Vuitton Hotel ist kein klassisches Hotel, sondern ein sorgfältig inszeniertes Townhouse, das die Geschichte eines der bekanntesten Symbole der Modewelt erzählt: des Monogramms.

Ursprünglich 1896 von Georges Vuitton als Hommage an seinen Vater Louis Vuitton entworfen, ist das Monogramm heute weit mehr als ein dekoratives Element – es steht für Savoir-faire, Reisegeist und zeitlose Eleganz. Dass London als Standort gewählt wurde, ist kein Zufall: Bereits 1885 eröffnete hier das erste internationale Geschäft des Hauses außerhalb von Paris.

Seit dem 24. April 2026 ist das Louis Vuitton Hotel für Besucher:innen geöffnet und wird für die Dauer von zwei Monaten zugänglich sein – ein bewusst temporäres Erlebnis, das seine Exklusivität zusätzlich unterstreicht.

Ein glanzvoller Auftakt

Schon die Eröffnung des Louis Vuitton Hotels wurde zum gesellschaftlichen Ereignis: Zahlreiche internationale Celebrities, Kreative und Persönlichkeiten aus Mode, Kunst und Kultur folgten der Einladung nach Mayfair. Die Bilder des Abends zeigen eindrucksvoll, wie sehr das Haus nicht nur ein Ort der Geschichte, sondern auch ein zeitgenössischer kultureller Treffpunkt ist – ein Hotspot, der Tradition und Popkultur mühelos verbindet.

Ikonische Taschen als Räume erlebbar gemacht

Das Louis Vuitton Hotel ist eine immersive Reise durch die Geschichte der bedeutendsten Taschenmodelle des Hauses. Jeder Raum ist einem ikonischen Design gewidmet – und verwandelt Funktion in Erlebnis:

• Keepall Lobby: Eine Hommage an die Reisetasche von 1930, die mit ihrem faltbaren Design die moderne Reisekultur revolutionierte.
• Café Alma: Pariser Flair trifft auf Art-Déco-Ästhetik – inspiriert von der strukturierten Silhouette der Alma Bag.
• Speedy Room: Ein lichtdurchflutetes Zimmer, das Geschwindigkeit und Mobilität als Designprinzip feiert.
• Speedy P9 Safe Room: Eine goldene Inszenierung der Neuinterpretation durch Pharrell Williams – Handwerkskunst auf höchstem Niveau.
• Neverfull Gym: Spielerische Leichtigkeit trifft auf Funktionalität – eine Tasche, die für Stärke und Vielseitigkeit steht.
• Bar Noé: Eine intime Champagnerbar, die an die Ursprünge der Noé Bag erinnert – ursprünglich entworfen, um Champagnerflaschen stilvoll zu transportieren.

Erlebnis, Handwerk und Individualität

Neben der ästhetischen Inszenierung steht auch die Handwerkskunst im Mittelpunkt. Ein eigener Care-Service-Bereich bietet die Möglichkeit, Louis Vuitton Stücke restaurieren zu lassen – ein Zeichen für Langlebigkeit und Nachhaltigkeit im Luxussegment.

Darüber hinaus können Besucher:innen ihre persönlichen Stücke individualisieren lassen: Exklusive Patches und Hot-Stamping-Services machen jede Tasche zu einem Unikat.

Kulinarik trifft Kultur

Das Erlebnis wird durch gastronomische Konzepte ergänzt:
Im Café Alma erwartet Gäste ein stilvolles Déjeuner oder Afternoon Tea, während die Bar Noé tagsüber Champagner und abends – in Zusammenarbeit mit dem legendären KOKO – DJ-Sets und vibrierende Londoner Nächte bietet.

Eine Hommage an das „Art of Travel“

Louis Vuitton gelingt mit diesem Pop-up mehr als eine Ausstellung – es ist eine emotionale Inszenierung eines Lebensgefühls.
Das Louis Vuitton Hotel wird so zu einer modernen Interpretation des „Art of Travel“: eine Reise durch Zeit, Design und kulturelle Relevanz.

Zwischen Natur, Technologie und neuer Folklore

Mit der Fall/Winter 2026 Kollektion „Super Nature“ entwirft Nicolas Ghesquière für Louis Vuitton eine visionäre Landschaft aus Kleidung. Berge, Wälder und weite Horizonte bilden dabei nicht nur die Inspirationsquelle – sie werden selbst zum gestalterischen Prinzip.

Mode entsteht hier im Dialog mit Klima, Umgebung und Bewegung. Kleidung wird zum Ausdruck eines Lebens im Freien, geprägt von Schutz, Ausdauer und Freiheit. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die Natur nicht imitiert, sondern sublimiert – als moderne Interpretation von Landschaft, Erinnerung und kulturellem Erbe.

Kleidung als Topografie

Die Silhouetten erinnern an Kleidung, die aus dem Leben mit der Natur heraus entstanden ist – ähnlich traditionellen Trachten, die Zugehörigkeit und Geschichte sichtbar machen. Doch statt Nostalgie entsteht eine neue Folklore für die digitale Gegenwart.

Materialien erzählen dabei von Landschaften:

• Animaliermuster, neu interpretiert auf Canvas und Denim
• Florale Lederapplikationen, die wie imaginierte Pflanzen wirken
• Strukturierte Lederoberflächen, die an Holz, Rinde oder Stein erinnern

Stoffe werden zu Collagen, die sich über den Körper legen wie geografische Karten. Jede Naht, jede Textur wirkt wie ein Fragment einer größeren Landschaft – geformt durch Erinnerungen, Bewegung und Erfahrung.

Technologie trifft Handwerk

Ein zentrales Thema der Kollektion ist das Zusammenspiel von modernster Technologie und traditionellem Savoir-faire.

Neue Materialien entstehen durch experimentelle Techniken:

• 3D-gedruckte Knöpfe, die an Mineralien erinnern
• Absätze mit Geweihformen
• vegane Felle, die neue Texturen schaffen
• Leder, das durch spezielle Gerbtechniken die Haptik von Holz annimmt

Diese Transformationen wirken fast surreal – als würde Natur durch Technologie neu entstehen. Genau hier liegt der Reiz der Kollektion: zwischen Handwerk, Innovation und Imagination.

Reisebegleiter für eine neue Welt

Als Maison mit Wurzeln im Reisegepäck-Handwerk denkt Louis Vuitton auch Accessoires als Begleiter der Bewegung.

Ein besonderes Comeback feiert die Noé Bag, deren ursprüngliche Proportionen und Farben von 1932 wieder aufgegriffen werden. Sie wirkt wie eine Zeitreise – ein tragbares Zuhause für moderne Entdecker:innen.

Schmuckstücke greifen wiederum die ikonische Formensprache der Trunks auf:

• Ohrringe
• ein Ring
• ein Collier

Alle besetzt mit den charakteristischen Nagelköpfen der Louis Vuitton Koffer, eine subtile Hommage an das Erbe der Maison. Inspiration liefert dabei auch eine Neuinterpretation von Arbeiten des Fotografen und Künstlers Man Ray.

Eine futuristische Landschaft im Louvre

Die Präsentation der Kollektion fand in der Cour Carrée des Musée du Louvre statt. Für die Inszenierung entwarf Production Designer Jeremy Hindle eine abstrakte Landschaft – eine Art Neo-Natur, gesehen durch das Prisma der Zukunft.

Innen und Außen verschmelzen zu einer Bühne, auf der die Models wie Teil eines lebendigen pastoralen Gemäldes erscheinen. Das Setting wirkt gleichzeitig archaisch und futuristisch – eine Sci-Fi-Fabel über Mode und Natur.

Mode als Echo der Welt

Mit Super Nature zeigt Nicolas Ghesquière, dass Mode nicht nur Kleidung ist, sondern ein Spiegel unserer Beziehung zur Welt.

Die Kollektion verbindet Vergangenheit und Zukunft, Handwerk und Technologie, Natur und Imagination. Sie erzählt von Bewegung, Entdeckung und der Sehnsucht nach Verbindung – mit Landschaften, Kulturen und uns selbst.

Wenn im Zillertal die ersten Fairways freigegeben werden und oben noch die Kanten in den Firn greifen, entsteht ein seltener Moment: Ski und Golf begegnen sich.

Was verbindet die Stille eines verschneiten Hangs mit der Weite eines Fairways? Vielleicht derselbe klare Atemzug vor dem ersten Schwung. Zwischen Frühling und Winter liegt die Sportresidenz Zillertal genau dort, wo schneebedeckte Gipfel und saftiges Green verschmelzen.

Von 2.400 Metern auf 550 Meter

Im März startet der Golfclub Zillertal-Uderns in die Saison. Einer der ersten Golfplätze Tirols, auf 550 Metern Seehöhe gelegen, mit Blick auf die Dreitausender. Das milde Klima ermöglicht Golf von März bis November. Wenige Minuten entfernt tragen die Skigebiete noch Weiß. Die Skiregion Hochzillertal-Kaltenbach bietet Sonnenskilauf bis auf 2.400 Meter – mit Early Morning Skiing ab 7:30 Uhr.

Vom Berg zum Green

Die Lage macht den Unterschied. Kaum ein Golfplatz in Tirol liegt so nah an mehreren Skigebieten mit hoher Schneesicherheit und zahlreichen Liftkilometern. Innerhalb von 30 Minuten ist eine außergewöhnliche Dichte an Pisten erreichbar. Und doch kehrt man später ins Tal zurück, ins frühlingshafte, warme. Bereit für Golffreuden.

Ein gemeinsamer Rhythmus

Ein Tag kann hier also für wenige Wochen im Jahr beides sein: Schwung auf der Piste, Schwung am Abschlag. Und das ergänzt sich erstaunlich gut. Skifahren stärkt Beine, Rumpf und Balance. Golf verlangt Präzision, Rhythmus und Konzentration.

Ein Tag, zwei Anfänge oder drei

Wer morgens im Schnee die Linie hält, spürt am Nachmittag mehr Ruhe im Schlag. Es sind zwei Bewegungen mit einem gemeinsamen Fokus.
 Im Spa der Sportresidenz Zillertal lösen dann Sauna, Massage und Infinity Pool die Spannung aus dem Körper und den Gedanken. Regeneration gehört dazu als Fortsetzung der Bewegung in Stille.

Hüter beider Welten

Im Club engagieren sich mit Stephan Eberharter und Leonhard Stock zwei Ski-Olympiasieger als Vizepräsidenten. Auch die Greenkeeper kennen beide Welten: Im Sommer pflegen sie die Grüns, im Winter arbeiten sie im Skigebiet. Saison ist hier kein Bruch, sondern Übergang.

Zwischen Grün und Weiß entsteht kein Wettkampf der Jahreszeiten. Eher ein Zusammenspiel, ein sanfter Übergang vom Winter zum Frühling. Es ist wie eine eigene Jahreszeit, die sich hier im Zillertal leise dazwischenlegt, in der Golf und Ski sich flüchtig die Hand reichen.

Green und Green

Ab Dezember 2026 gesellt sich zur Sportresidenz Zillertal mit dem Schwesternhotel der Schultz Gruppe THE GREEN übrigens noch ein weiterer Ausgangspunkt für Ski- und Golffreuden dazu – direkt am Golplatz Uderns.

Sportresidenz Zillertal is a member of Lifestylehotels
THE GREEN is a member of Lifestylehotels

Fotos / Visualisierung: Schultz Gruppe

Kunst, Emotion und italienische Exzellenz – Sergio Soldano kehrt auf die internationale Bühne zurück

New York als Bühne einer Wiedergeburt: Mit einer eindrucksvollen Präsentation im legendären Printemps New York feierte das italienische Modehaus Sergio Soldano sein offizielles Comeback im Rahmen der New York Fashion Week. In Partnerschaft mit Fashion Group International (FGI) präsentierte das Haus seine Fall/Winter 2026–2027 Ready-to-Wear Kollektion – ein kraftvolles Statement zwischen Heritage und Zukunft.

Ein Abend zwischen Art Déco und Avantgarde

Die Präsentation entfaltete sich wie eine immersive Inszenierung: Im Boudoir-Salon des Hauses, durchdrungen von Art-Déco-Atmosphäre und französischer Eleganz, entstand eine lebendige Mise-en-Scène. Silhouetten schwebten über den Köpfen der Gäste, während Models die Entwürfe performativ interpretierten – Mode als lebendiges Tableau.

Für die emotionale Dramaturgie sorgten die Geigerin Lauren Cauley sowie die Sängerin Minda Larsen, deren Performance den Abend in eine fast theatrale Intensität tauchte.

Unter den Gästen: Branchenpersönlichkeiten wie Maryanne Grisz, Thierry Prevost und Fern Mallis – ein klares Signal für die Relevanz dieser Rückkehr.

Die Kollektion: 107 Kapitel einer neuen Ära

Unter der kreativen Leitung von Giovanni Premoli und Dario Di Bella präsentiert sich Sergio Soldano mit 77 Looks und 27 Accessoires als neu definierte Luxusvision.

Statt nostalgischer Archiv-Zitate entwickelten die Designer eine neue visuelle Sprache: Ölmalerei auf Leinwand wird in Prints transformiert, auf Seide und edle Stoffe übertragen – Memory becomes Vision. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die handwerkliche Präzision mit emotionalem Storytelling verbindet.

1. The Architecture of Black – Die Offenbarung der Anemone

Schwarz als architektonische Struktur: Leder und Seide formen skulpturale Volumen. Zentrales Motiv ist die handgefertigte Leder-Anemone – Symbol für Neubeginn, Resilienz und stille Stärke.

2. Genoa: Return to Origins

Eine Hommage an Genua – Geburtsort des Maestros. Historische Palazzi und urbane Perspektiven werden zu grafischen Seidenprints und klaren Linien. Die kulturellen Wurzeln des Hauses bilden das Fundament seiner Zukunft.

3. Squares in the City – Urbane Geometrien

Präzise Linien, funktionale Volumen, vibrierende Farbakzente. Eine Garderobe für die dynamische, moderne Frau – vielseitig, beweglich, urban.

4. The Time of Sinopia – Poetik des Neubeginns

Inspiriert von vorbereitenden Freskozeichnungen und architektonischen Details entlang der Via XX Settembre in Genua, transformiert die Kollektion Erinnerung in zukunftsweisende Gestaltung.

Das Erbe von 1968 – und seine Zukunft

1968 gegründet, prägte Sergio Soldano mit geometrischer Kühnheit, leuchtenden Farben und femininer Silhouettenführung die internationale Modeszene. Ikonen wie Elizabeth Taylor, Gina Lollobrigida und Monica Vitti trugen seine Entwürfe.

2024 wurde das Haus von Desire Holding Group übernommen und strategisch neu positioniert. Die Vision: italienisches Savoir-faire in einer zeitgenössischen, urbanen Ästhetik neu zu definieren.

Mindful Luxury mit urbaner Haltung

Was diese Rückkehr so besonders macht, ist ihre Haltung: kein lautes Revival, sondern eine bewusste, reflektierte Neuausrichtung. Handwerk, Materialität und Emotion stehen im Mittelpunkt. Sergio Soldano definiert Luxus nicht als Statussymbol, sondern als kulturellen Ausdruck.

Eine Renaissance, die zeigt: Wahre Mode entsteht dort, wo Vergangenheit und Zukunft in einen Dialog treten.