Mit Filmen, Stimmen und vielschichtigen Erzählungen verwandelt Amar Kanwar die Serpentine North in London in einen meditativen Denkraum. Im Zentrum der großen Einzelausstellung steht die neue Sieben-Kanal-Installation The Charcoal Man.

Dunkelheit ist in Amar Kanwars Werk niemals bloß die Abwesenheit von Licht. Sie ist ein Raum der Wahrnehmung, der Erinnerung und der Erkenntnis. Ein Zustand, in dem Gewissheiten verschwimmen und andere Bilder sichtbar werden. Für seine große Einzelausstellung bei Serpentine verwandelt der indische Künstler und Filmemacher die Galerien der Serpentine North in eine immersive visuelle und akustische Landschaft.

Vom 23. September 2026 bis 31. Januar 2027 treffen dort drei zentrale Arbeiten aufeinander: der abendfüllende Film Such a Morning von 2017, die Sieben-Kanal-Installation The Peacock’s Graveyard von 2023 und das neue Werk The Charcoal Man, das in London erstmals öffentlich gezeigt wird.

Ein Kino der Aufmerksamkeit

Seit mehr als zwei Jahrzehnten bewegt sich Amar Kanwar zwischen Dokumentarfilm, poetischem Essay und visueller Erzählung. Seine Arbeiten sind eng mit der Geschichte des indischen Subkontinents verbunden – mit Kolonialismus, der Teilung Indiens und Pakistans, Vertreibung, Gewalt und den Mechanismen politischer Macht.

Doch Kanwar erklärt die Welt nicht. Er verlangsamt sie. Statt eindeutiger Antworten entwickelt er offene Bildräume, in denen Fakten, persönliche Erinnerungen, Fabeln, Musik und Archivmaterial nebeneinander existieren. Das Politische erscheint bei ihm nicht als Botschaft, sondern als Erfahrung: leise, vielschichtig und oft beunruhigend nah.

Diese Haltung bestimmt auch die Ausstellung bei Serpentine. In den abgedunkelten Räumen werden die Besucherinnen und Besucher nicht nur zu Zuschauenden. Sie müssen sich auf einen anderen Rhythmus einlassen – auf Bilder, die Zeit verlangen, und auf Geschichten, deren Bedeutung sich erst allmählich entfaltet.

Vom Pfauengrab zum Kohlenmann

Den Auftakt bildet The Peacock’s Graveyard, ursprünglich für die Sharjah Biennale 15 geschaffen und nun erstmals in London zu sehen. Auf sieben Bildschirmen verbindet Kanwar eigene Texte mit zeitgenössischen und historischen Fabeln, mündlichen Überlieferungen und persönlichen Erfahrungen.

Die Installation kreist um die Flüchtigkeit menschlicher Existenz, um Gewalt und Arroganz, aber auch um Versöhnung, Widerstand und Transformation. Kanwar versteht das Werk weniger als Klage denn als Sammlung von Geschichten, die man bei sich tragen kann – als fragiles Gegengewicht zu einer Wirklichkeit, die immer wieder von Zerstörung geprägt wird.

Mit The Charcoal Man führt er diese Gedanken weiter. Die neue Sieben-Kanal-Arbeit entstand über drei Jahre hinweg und wurde vom Kiran Nadar Museum of Art in Delhi in Auftrag gegeben. Ausgangspunkt ist Kanwars fortdauernde Auseinandersetzung mit der Teilung des indischen Subkontinents im Jahr 1947.

Bilder und Texte verweben sich zu einer Erzählung über Verrat, Rache, Leidenschaft, Eifersucht und Wut. Dabei sucht der Künstler nicht nach einer linearen historischen Darstellung. Vielmehr versucht er, aus dem Zerfall neue Zusammenhänge und aus Geschichten weitere Geschichten entstehen zu lassen. Realität, Fantasie und Fiktion werden zu gleichberechtigten Formen des Erinnerns.

49 Arten der Dunkelheit

In einem der charakteristischen, von Backstein überwölbten Powder Rooms der Serpentine North wird Such a Morning gezeigt. Der 85-minütige Film erzählt von einem angesehenen Mathematikprofessor, der sich unvermittelt aus dem öffentlichen Leben zurückzieht und in einem verlassenen Eisenbahnwaggon in einem Wald Zuflucht sucht.

Er verdunkelt die Fenster und beginnt, sich buchstäblich und geistig an die Dunkelheit heranzutasten. Aus Visionen, Halluzinationen und Erkenntnissen entstehen Briefe über 49 verschiedene Formen der Dunkelheit, zusammengefasst in einem imaginären Almanac of the Dark. Parallel dazu entwickelt sich die Geschichte einer Frau, ohne dass beide Erzählungen zu einer eindeutigen Interpretation zusammenfinden.

Die Briefe setzen sich außerhalb des Films fort. Projektionen, Videos und Texte auf handgefertigtem Ramie- und Baumwollpapier führen das Werk in den angrenzenden Galerien weiter und geben Kanwars immateriellen Bildern eine beinahe körperliche Form.

Sehen als ethische Handlung

Serpentine und Amar Kanwar verbindet eine lange Geschichte. Bereits 2008 war der Künstler Teil der Gruppenausstellung Indian Highway. Es folgten Beiträge zum Map Marathon sowie zum Filmprogramm On Earth, Structure and Sadness. Die aktuelle Ausstellung führt diesen Dialog nun in konzentrierter Form weiter.

Was Kanwars Arbeiten so gegenwärtig macht, ist ihre Weigerung, sich der Geschwindigkeit unserer Zeit anzupassen. Sie fordern Aufmerksamkeit, ohne sie zu erzwingen. Sie sprechen von Gewalt, ohne diese zum Spektakel zu machen. Und sie zeigen, dass Erinnern keine passive Rückschau ist, sondern eine ethische Handlung.

In einer Gegenwart voller Bilder schafft Amar Kanwar Räume, in denen das Sehen wieder Bedeutung bekommt. Vielleicht beginnt genau dort die Möglichkeit zur Veränderung: im Innehalten, im Zweifel – und in der Bereitschaft, auch in der Dunkelheit weiterzuschauen.

Amar Kanwar
Serpentine North, London
23. September 2026 bis 31. Januar 2027
Eintritt frei

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.

Wie der indigene Künstler die Grenzen von Handwerk, Politik und Schönheit neu definiert

Im ländlichen Bundesstaat New York arbeitet Jeffrey Gibson an einer Kunst, die Grenzen sprengt – zwischen Handwerk und High Art, Tradition und Zukunft, Intimität und kollektiver Erfahrung. Der Choctaw- und Cherokee-Künstler gilt als eine der Schlüsselfiguren des Indigenous Futurism: einer Bewegung, die alte Wissensformen mit neuen Technologien und spekulativen Visionen verbindet.

Als erster indigener Künstler, der die Vereinigten Staaten bei der 68. Biennale von Venedig 2024 vertreten hat, setzt Gibson ein kraftvolles Zeichen:

„Indigenous culture doesn’t end at the border of the reservation … it is entitled to move around the world freely.“

Politische Farbe, sinnliches Material

Gibson nutzt Farbe als Widerstand, Form als Sprache. Seine Arbeiten verweben traditionelle Handwerkstechniken – Perlenstickerei, Lederbearbeitung, Quilting, Schildermalerei – mit der visuellen Sprache der Gegenwartskunst. Das Ergebnis ist eine vibrierende Fusion aus Identität, Protest und Schönheit.

„Untitled Figure 2 is made up of thousands of bone pipe beads… it’s meant to disarm presumptions about what native identity looks like.“

Diese Skulptur, Untitled Figure 2 (2022), wurde kürzlich von der National Gallery of Australia erworben und steht exemplarisch für Gibsons Ansatz: Das Werk fasziniert durch seine haptische Anziehungskraft und bricht zugleich stereotype Vorstellungen indigener Identität auf.

Ein Studio als Resonanzraum

Gibson arbeitet in einem ehemaligen Schulhaus im Hudson Valley, das er in ein kreatives Labor verwandelt hat. Dort entstehen Arbeiten, die sich bewusst zwischen kulturellen Kategorien bewegen – zwischen Queerness und Indigenität, zwischen Erinnerung und Utopie.

Der Film In Practice: Jeffrey Gibson, inszeniert von Sean Frank, begleitet den Künstler bei seiner Arbeit und lässt Einblicke in seine Methode zu – ein Prozess des Reclaiming und Reframing, der Kunst zu einem Akt der Selbstbestimmung macht.

Kunst als Brücke

In Gibsons Praxis wird Kunst zum politischen Werkzeug, aber auch zur Brücke: Sie verbindet Vergangenheit mit Gegenwart, das Private mit dem Kollektiven, das Körperliche mit dem Spirituellen.
So entsteht eine Form von zeitgenössischer Poesie – laut, farbig, verletzlich und frei.

Am ehemaligen Regenrückhaltebecken des Berliner Flughafens Tempelhof hat sich die mehrfach prämierte Floating University angesiedelt. Ein archaisch anmutender Pfahlbau mit futuristischen Leuchtkörpern, wo akute Themen der Stadtplanung neu verhandelt werden.

Zwei Dinge sollte man über die Floating University vorausschicken: Sie ist weder eine Universität, noch ist sie „floating“, also eine schwimmende Anlage. Ersteres deshalb, weil es sich um keine offizielle, staatliche Institution handelt, und ihr deshalb von offizieller Seite die Bezeichnung „Universität“ untersagt wurde. Zweiteres, weil der Teich, auf dem sie gebaut ist, bisweilen gar kein Wasser führt. Es handelt sich nämlich um den Anfang der 1930er-Jahre angelegten Wasserablauf des Flughafens Tempelhof, der diesen vor Überschwemmung schützen sollte. Ein Betonbecken, das fast ein Jahrhundert lang fernab der öffentlichen Wahrnehmung existierte. Von Schilf und Sträuchern umwuchert, hat sich aus dem kontaminierten Becken mit der Zeit ein renaturiertes Ökosystem entwickelt. 

Radikales, spielerisches Konzept

Nachdem sich die Berlinerinnen und Berliner in einem Referendum gegen die Neubebauung des stillgelegten Flughafenareals aussprachen, wurde Tempelhof in einen Park verwandelt. Es entstand einer der größten öffentlichen Räume Europas, und der Evaluierung entdeckte man das einstige Regenwasserauffangbecken wieder. Das Berliner Architektenkollektiv Raumlabor entwickelte hier gemeinsam mit anderen Akteuren ein radikales und spielerisches Raumexperiment, das sich keiner gängigen Typologie zuordnen lässt. 

Die Floating University ist ein innerstädtisches Offshore-Labor für Visionen urbaner Praxis. Ein Experiment zum gemeinsamen Lernen und Vernetzen.

Raumlabor Berlin, Architekten-Kollektiv

Halb Naturbeobachtungsstation, halb Freiluft-Schule. Halb Kunstraum, halb Sundowner-Bar mit Strand-Feeling. Die Vision von Architekten und der Initiative Floating e.V. liest sich wie folgt: „Ein innerstädtisches Offshore-Labor für Visionen urbaner Praxis. Ein Experiment zum gemeinsamen Lernen und Vernetzen. Ein Versuchsaufbau zum Hinterfragen städtischer Routinen.“

Es sollte ein niederschwelliger Ort sein, der allen offen steht. Während der Besuch einer anerkannten Universität an Zulassung und Studiengebühren gebunden ist, wollte man diese Grenzen ganz bewusst sprengen. 

Saisonale Holzstrukturen

Konkret handelt es sich um eine saisonal wechselnde Konstellation an offenen Holzstrukturen mit aufblasbaren Dächern. In seiner ersten Edition im Jahr 2018 gab es Lernräume und Werkstätten, ein Auditorium und einen Laborturm mit einem DIY-Wasserfiltrationssystem. Entstanden in einem kollaborativen Bauprozess, an dem sich verschiedene europäische Universitäten beteiligten, sollte der Ort auch dazu dienen, neue Unterrichtsformen auszuprobieren.

Die Floating University ändert ihre Form und Erscheinung von Saison zu Saison. Vor dem Winter baut man die temporären Strukturen jeweils ab, um sie im Frühjahr immer wieder neu entstehen zu lassen. Je nachdem, worauf der inhaltliche Fokus gelegt wird, und wie der budgetäre Rahmen aussieht, wird das Konzept entsprechend angepasst.

Partizipation und kollektive Verantwortung

Das Projekt schaffte es auf die Shortlist des Mies van der Rohe-Awards 2024. Hervorgehoben wurde unter anderem das naturbasierte Filtersystem, das Teil der gebauten Struktur ist. „Anstatt das Regenwasser ungefiltert in die Spree zu leiten, wie dies seit gut 100 Jahren der Fall war, kann es auf diese Weise wiederverwendet werden und zur Bewässerung der von Dürre betroffenen örtlichen Parks und Friedhöfe dienen“, heißt es auf der Shortlist-Seite des renommierten europäischen Architekturpreises.

Anstatt das Regenwasser ungefiltert in die Spree zu leiten, wie dies seit gut 100 Jahren der Fall war, kann es auf diese Weise wiederverwendet werden.

Shortlist Mies van der Rohe Award 2024

Bereits 2021 erfuhr das Projekt eine besondere Ehrung, als die Jury der Architekturbiennale ihm den Goldenen Löwen für den besten Beitrag verlieh. Die Jury lobte den „inspirierenden, kollaborativen Designansatz, der Partizipation, Erneuerung und kollektive Verantwortung weckt“.

Science Fiction am Teich

Bei der Floating University handelt es sich um eine Art von regenerativer Architektur, die dem Zyklus der Natur folgt. Anstatt aus dem Flughafen-Teich einen trivialen Paradiesgarten zu machen, haben die Akteure hier nichts beschönigt. Mal spiegelt der Teich malerisch die Landschaft, mal wird er zur mahnenden Schlammgrube, die den Klimawandel sichtbar macht.

Der Genius Loci, also die Besonderheit des Ortes, ist hier ein einverleibtes Element des temporären Ensembles. Die Durchlässigkeit und Leichtigkeit der Strukturen sorgen dafür, dass die Grenzen zwischen Architektur und Natur fließend sind. Auch wenn es sich um keine schwimmende Konstruktion handelt, hat die Beschreibung „Floating“ im Namen am Ende also doch ihre Berechtigung. Die gerüstartigen Strukturen ähneln mehr den altertümlichen Pfahlbauten und vermitteln somit etwas Archaisches.

Gleichzeitig scheinen die aufblasbaren Dächer und Korpusse, die nachts zu Leuchtkörpern werden, wie Raumschiffe aus der fernen Zukunft. Gestern trifft hier quasi auf Morgen. Der einst übersehene Ort wurde durch die Architektur zu einer Plattform, auf der akute Themen der Stadtplanung neu verhandelt werden. Und weckt dabei Erinnerungen an die Zukunft. 

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Viktoria Tamaschko, Daniel Seiffert / Raumlabor Berlin

Vom 17. bis 22. Juni 2025 findet in Basel erstmals die Africa Basel – Contemporary African Art Fair statt. Diese Messe bietet zeitgenössischer afrikanischer Kunst eine längst überfällige Bühne in der renommierten Kunststadt Basel. Ziel der Veranstaltung ist es, die Vielfalt und Innovationskraft der afrikanischen Kunstszene einem internationalen Publikum zugänglich zu machen.

Warum eine Kunstmesse für afrikanische Kunst?

Trotz wachsender Anerkennung auf dem internationalen Kunstmarkt sind viele afrikanische Künstler:innen in großen Kunstinstitutionen und Messen weiterhin unterrepräsentiert. Die Africa Basel Art Fair möchte diesem Ungleichgewicht entgegenwirken und den Reichtum sowie die kulturelle Vielfalt der afrikanischen Kunstszene sichtbar machen. Durch gezielte Förderung und Präsentation leistet die Messe einen wichtigen Beitrag zur Dekolonialisierung des Kunstmarktes und ermöglicht eine tiefere Auseinandersetzung mit afrikanischen Perspektiven und Narrativen.

Eine überfällige Bühne für afrikanische Kunst

Basel ist seit Jahrzehnten ein zentraler Knotenpunkt des internationalen Kunstmarktes. Dennoch war das zeitgenössische afrikanische Kunstschaffen bislang wenig vertreten. Die Africa Basel schließt diese Lücke, indem sie Kunst aus Afrika und der afrikanischen Diaspora in den Fokus rückt. Parallel zur renommierten Art Basel stattfindend, trägt sie zu einer Perspektivenerweiterung in der Kunstwelt bei. Durch sorgfältig kuratierte Ausstellungen, hochkarätige Diskussionsformate und gezielte Vernetzungsmöglichkeiten wird die Messe zu einem unverzichtbaren Treffpunkt für Sammler:innen, Fachleute und Kunstinteressierte.

Hochkarätige Aussteller und ein vielseitiges Rahmenprogramm

Die Africa Basel präsentiert Werke sowohl etablierter als auch aufstrebender Künstler:innen aus verschiedenen Regionen Afrikas und der Diaspora. Neben der Präsentation von Kunstwerken dient die Messe als Plattform für vertiefte Diskurse. Ein breit gefächertes Rahmenprogramm mit Podiumsdiskussionen, Künstlergesprächen und thematischen Sonderausstellungen unterstreicht die Relevanz der afrikanischen Kunstszene und hebt ihre Rolle im globalen Kunstmarkt hervor.

Afrika als essenzieller Impulsgeber für die zeitgenössische Kunst

In den letzten Jahren hat afrikanische Kunst zunehmend an Bedeutung gewonnen und internationale Anerkennung gefunden. Die Africa Basel trägt dazu bei, diesen Trend weiter zu fördern, indem sie Künstler:innen angemessene Sichtbarkeit und institutionelle Anerkennung verschafft. Die Messe versteht sich als Brücke zwischen afrikanischen und globalen Kunstszenen und hat das Ziel, sich langfristig als zentraler Bestandteil des internationalen Kunstkalenders zu etablieren.

Die Gründer und das Curatorial Board

Die Africa Basel Art Fair wurde von Sven Eisenhut-Hug und Benjamin Füglister gegründet, zwei erfahrenen Akteuren der internationalen Kunstszene. Eisenhut-Hug ist Gründungsdirektor der photo basel, einer internationalen Kunstmesse der Schweiz, die sich der Fotografie widmet. Füglister ist Initiator des renommierten CAP Prize für afrikanische Fotografie und hat zahlreiche Ausstellungen und Kunstprojekte mit Fokus auf afrikanische Kunst realisiert.

Der kuratorische Beirat der Africa Basel setzt sich aus führenden internationalen Expert:innen für afrikanische Kunst zusammen, darunter:

• Azu Nwagbogu – Gründer der African Artists’ Foundation und Kurator des LagosPhoto Festivals, eine der einflussreichsten Stimmen im Bereich zeitgenössischer afrikanischer Kunst.
• Michèle Sandoz – Geschäftsführerin von Grisebach Schweiz, frühere Leiterin der globalen VIP-Strategie der Art Basel und Beiratsmitglied der Lagos Biennale.
• Serge Tiroche – Kunstsammler und Gründer von Africa First, einem Förderprogramm für aufstrebende afrikanische Künstler:innen.
• Dr. Greer Valley – Senior-Kuratorin des Zeitz MOCAA in Kapstadt, spezialisiert auf die Vermittlung afrikanischer Kunst im globalen Kontext.

Besucherinformation

• Veranstaltung: Africa Basel – Contemporary African Art Fair
• Datum: 17. bis 22. Juni 2025
• Ort: Basel, Schweiz (genaue Adresse wird noch bekannt gegeben)
• Öffnungszeiten: Täglich von 10:00 bis 19:00 Uhr
• Eintritt: Tickets können online erworben werden; Preise und weitere Informationen folgen auf der offiziellen Website.

Für weitere Details und aktuelle Informationen besuchen Sie bitte die offizielle Website der Messe:

Die Africa Basel verspricht, ein Meilenstein für die Präsentation und Anerkennung zeitgenössischer afrikanischer Kunst zu werden. Kunstinteressierte sollten sich dieses Ereignis nicht entgehen lassen.

Der japanische Shootingstar Junya Ishigami hat mit dem Zaishui Art Museum wieder einmal die Architektur aus den Angeln gehoben. Das wohl längste Museum der Welt orientiert sich in seinem Maßstab an der umgebenden Natur. 

Zwischen dem „erbarmungslosen Diminutiv der Architektur“ und der monumentalen Landschaft Chinas eine gleichberechtigte Beziehung herzustellen, sei eine gewaltige Herausforderung. Dies schickte der japanische Architekt Junya Ishigami angesichts seines jüngsten Museumsbaus voraus. „Gebäude, die in China isoliert dastehen, haben etwas Einsames an sich, als wären sie ins endlose Terrain geworfen.“

Der Entwurf seines Büros für das Zaishui Art Museum sah daher keinen Bau vor, der sich imposant aus der Natur abhebt, sondern vielmehr eine kompromisslose Annäherung an die Landschaft. Der langgezogene Bau steht dem See und der Uferböschung näher als jeglicher Gebäudetypologie und sprengt damit die Grenzen unserer Vorstellungskraft.

Der Schlüssel liegt darin, die Architektur als ‚sanften Riesen‘ zu betrachten und nach einer völlig neuen Beziehung zwischen Natur und Mensch zu suchen.

Junya Ishigami + Associates, Architekturbüro

Über eine Länge von einem Kilometer windet sich das Museum organisch durch das Wasser und wird mitunter selbst zur Landschaft. „Der Schlüssel des Landschaftsproblems in China liegt darin, die Architektur als ‚sanften Riesen‘ in einer Umgebung zu betrachten und nach einer völlig neuen Beziehung zwischen Natur und Mensch zu suchen“, erläutert Ishigami.

Natur und Mensch auf Tuchfühlung

Das Museum bildet den Auftakt zu einem neuen Stadtentwicklungsgebiet in der ostchinesischen Millionenstadt Rizhao, Provinz Shandong. Es liegt auf einem künstlichen See und ist Ausstellungsraum, Besucherzentrum und Shopping Center in einem. Eine kulturelle Anlaufstelle und notwendige Infrastruktur für das neue Quartier, um für Interaktion unter den künftigen Bewohnerinnen und Bewohnern zu sorgen.

Insgesamt schafft der 2024 eröffnete Neubau eine Fläche von 20.000 Quadratmetern. Getragen wird er von 300 Stützen, die im zwei Meter tiefen Gewässer verankert sind. Die Flanken sind über die gesamte Länge verglast und sorgen sowohl von innen als auch von außen für Leichtigkeit und Transparenz. In der wärmeren Jahreszeit können sie geöffnet werden und heben so die Grenze zwischen Innen und Außen auf, während sie gleichzeitig eine natürliche Belüftung bieten.

Eine Öffnung an der Unterkante der Verglasung lässt das Wasser stellenweise nach innen fließen, wo der Boden künstliche Buchten ausbildet. Anstatt sich klar von der Natur abzugrenzen, geht die Architektur auf Tuchfühlung mit ihr.

Die Landschaft erstreckt sich in das Museum hinein und lasse so eine freundschaftliche Beziehung zur natürlichen Umwelt entstehen. „Dies zu ermöglichen ist das Ziel dieses Projektes“, heißt es vonseiten des Architekturbüros.

Spaziergang auf dem Wasser

Das Zaishui Art Museum lädt zu einem Spaziergang ein, der wie in der Natur von ganz unterschiedlichen Wahrnehmungen geprägt ist. Mal findet man sich in einem Ausstellungsraum mit durchwegs begehbarem Boden, mal verengt sich die Gehfläche und ist ringsum von Wasser umgeben. Einmal ist die Decke hoch und der Raum lichtdurchflutet, dann wiederum ist sie niedrig, sodass die Spiegelungen der Wasseroberfläche auf ihr tanzen. 

Ein langes Stück Architektur, dessen Maßstab eins ist mit der weiten Landschaft, scheint wie ein Windstoß über den See zu gleiten.

Junya Ishigami + Associates, Architekturbüro

Mit all diesen gestalterischen Mitteln macht Junya Ishigami das Gebäude zu einem immersiven Erlebnis, wie es einem auch die Natur beschert. Es gibt keine Abkürzung, um schneller zu den einzelnen Bereichen des Gebäudes zu gelangen. Man kann es nur zu Fuß durchqueren, also in derselben Geschwindigkeit, als würde man am Ufer entlang spazieren.

Die Ausgangsfrage des Architekten „Wie können Umwelt und Architektur im chinesischen Kontext gleichberechtigt behandelt werden?“ beantwortet er mit einer Kubatur, die sich an den Dimensionen der Natur misst: „Ein langes Stück Architektur, dessen Maßstab eins ist mit der weiten Landschaft, scheint wie ein Windstoß über den See zu gleiten.“

Meister der Leere

Es ist nicht das erste Mal, dass Ishigami mit seiner Architektur die Grenzen des Vorstellbaren sprengt. Mit seiner Plaza für das Kanagawa Institute of Technology außerhalb von Tokio stellte der „Meister der Leere“ den öffentlichen Raum auf den Kopf. Der 51-Jährige gilt als Shootingstar der Architekturszene und wurde bereits mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. Für den japanischen Pavillon auf der Architekturbiennale in Venedig erhielt er 2008 den Goldenen Löwen.

Mit dem Zaishui Art Museum, das genauso lang ist wie der See, den es durchmisst, schuf er vermutlich das längste Museum der Welt. Aber anders als bei Sky- oder Landscrapern oft üblich geht es hier nicht um einen Rekord im Sinne von „schneller höher weiter“. Vielmehr bietet die Architektur eine Begegnung mit der Natur auf Augenhöhe und einen Ort der Entschleunigung in unserer hektischen Welt. 

Text: Gertraud Gerst
Fotos: arch-exist, Junya Ishigami + Associates

Certamente, Venedig gehört auf die Bucket List und vermutlich ist der ein oder andere, der diese Zeilen liest, schon einmal über den Markusplatz spaziert, bei Harry’s Bar auf einen Bellini eingekehrt oder auf Pavillon-Schau in der Biennale gewesen. Doch wie sieht es denn mit dem Ausrichten eines Festes in der Serenissima aus? Nein? Heureka! Wir haben da etwas gefunden. Ein Hotel in einem historischen Palazzo im sestiere Cannaregio, das für Events gebucht werden kann.

Ein Fest in Venedig…

Klingt nach einem wundervollen Plan, oder? Der Zauber der Stadt macht auch nicht vor Clooney, James Bond oder Casanova Halt, die hier bekanntermaßen schon gefeiert haben. Ob im Hochzeitsgewand, im Smoking oder maskiert, einen Anlass muss man schon selbst finden, eine Location hätten wir dafür bereits. In einem ruhigen und authentischen Teil der Stadt in Cannaregio wurde ein Palazzo aus dem 16. Jahrhundert liebevoll in ein Kunst- und Designhotel mit Mid-Century Möbeln, zeitgenössischer Kunst und Terrazzo-Böden umgewandelt. Und das Besondere daran: Das Hotel Heureka kann als Ganzes gemietet werden.

Von den zehn Zimmern des Hotels gleicht keines dem anderen. Jedes hat seinen Charakter aber in jedem ist die Liebe zu Venedig spürbar. Ebenso wie in den beiden Piani Nobili, in denen man sich wie in einem venezianischen Wohnzimmer zusammenfinden kann zum plaudern und feiern. Im Musikraum steht ein Blüthner Flügel, das darauf wartet bespielt zu werden, um der Veranstaltung auch einen musikalischen Rahmen zu schenken, je nach Motto vielleicht mit Monteverdi, Händel oder Einaudi? Der private Garten mit den alten Bäumen ist ein besonderer ruhiger Rückzugsort im Hotel Heureka.

Ob man nur zwei oder bis zu 100 Gäste einlädt, bleibt einem selbst überlassen. Ebenso individuell wie die Gästeanzahl ist auch das gastronomische Angebot mit maßgeschneiderten Menüs, Drinks und Cocktails. Und vielleicht braucht es nicht einmal ein Motto, ein Firmenevent, eine Hochzeit oder einen anderen Anlass. Venedig selbst ist doch immer ein Fest wert, oder?

Hotel Heureka is a Member of Lifestylehotels

Fotos: Hotel Heureka

Bharti Kher, eine der bedeutendsten zeitgenössischen Künstlerinnen Indiens, ist bekannt für ihre vielschichtigen Werke, die sowohl intime als auch universelle Themen erforschen. Ihre Arbeiten, die Skulptur, Malerei und Installation umfassen, ziehen sich durch eine Vielzahl von Materialien und Symbolen, wobei das Bindi als wiederkehrendes Motiv oft eine zentrale Rolle einnimmt. Diese Symbole stehen für Transformation, Identität und das menschliche Bewusstsein und laden den Betrachter ein, tiefere gesellschaftliche Schichten und kulturelle Themen zu hinterfragen.

Hauptthemen und Weltbild

Ein zentrales Thema in Kher’s Werk ist die Frage nach Identität und Selbstverständnis in einer sich ständig wandelnden Gesellschaft. Ihre Arbeiten hinterfragen traditionelle Vorstellungen von Geschlecht, Klasse und Zugehörigkeit, die oft mit ihrer indischen Herkunft verknüpft sind. Dabei reflektiert Kher nicht nur indische, sondern globale Themen und positioniert sich als Beobachterin von Kultur, Geschlecht und sozialen Normen. Ihre Werke laden das Publikum ein, über gesellschaftliche Konstrukte nachzudenken und die Grenzen des eigenen Weltbildes zu hinterfragen.

Kher verwendet häufig das Bindi, das sie auf lebendige Weise in ihre Installationen integriert. Das Bindi ist ein Punkt, der traditionell auf der Stirn getragen wird und in der hinduistischen Kultur für das „dritte Auge“ steht – ein Symbol für Wahrnehmung und Erleuchtung. Durch diese Art der Darstellung öffnet Kher einen Diskurs über Identität und Selbstwahrnehmung. Sie überschreitet mit ihrem Ansatz jedoch auch kulturelle und geografische Grenzen und stellt Fragen über die Rolle des Individuums in der Gesellschaft und die Art und Weise, wie Identitäten geformt und verändert werden.

Einfluss ihres kulturellen Hintergrunds

Kher wurde in Großbritannien als Tochter indischer Einwanderer geboren und zog später nach Indien, wo sie tief in die Kultur und Traditionen ihrer Herkunft eintauchte. Diese doppelte Perspektive – zwischen Ost und West, Tradition und Moderne – ist ein prägendes Element ihrer Kunst. In ihren Arbeiten thematisiert sie oft den Spannungsbogen zwischen diesen beiden Kulturen. Durch ihre Werke erforscht sie den Reichtum und die Komplexität indischer Traditionen und bringt diese mit einem kritischen, westlich geprägten Blick zusammen.

Kher verwendet häufig traditionelle Materialien und Symbole, etwa das schon erwähnte Bindi, in einer Art und Weise, die eine neue Bedeutungsebene eröffnet. Indem sie Elemente der indischen Kultur aufnimmt und in westliche Kunstkontexte einbindet, stellt sie die Frage, wie kulturelle Symbole gelesen und interpretiert werden – nicht nur in Indien, sondern auch im globalen Diskurs.

Gesellschaftlicher Einfluss und Wirkung

Bharti Kher hat sich als eine Künstlerin etabliert, die das traditionelle Verständnis von Geschlecht und Gesellschaft durchbricht. Ihre Werke, die sowohl kraftvoll als auch provokativ sind, fordern Betrachter dazu auf, gesellschaftliche Normen zu hinterfragen und neue Perspektiven einzunehmen. Besonders ihre Arbeiten, die Frauen als Thema haben, sind oft mit subtiler und dennoch tiefgründiger Symbolik gefüllt, die die Rolle der Frau in der Gesellschaft anspricht und die Herausforderungen beleuchtet, mit denen Frauen weltweit konfrontiert sind.

Kher engagiert sich auch öffentlich für gesellschaftliche Fragen und nutzt ihre Reichweite, um auf Missstände und soziale Ungerechtigkeiten hinzuweisen. Ihre Kunst ist ein Weg, um Brücken zu bauen und den Dialog über kulturelle Unterschiede, soziale Normen und Geschlechterfragen zu fördern. In einer Zeit, in der globale Fragen nach Identität und Kultur präsenter denn je sind, zeigt Kher, wie Kunst als Medium genutzt werden kann, um tiefere, oft schwer fassbare gesellschaftliche Fragen zu beleuchten und zum Nachdenken anzuregen.

Bharti Kher ist eine außergewöhnliche Künstlerin, deren Arbeiten sowohl eine tiefe persönliche als auch kulturelle Resonanz haben. Durch ihre Kunst schafft sie es, universelle Themen durch den Fokus auf spezifische kulturelle Symbole zu beleuchten und den Betrachter zu ermutigen, die Grenzen von Identität, Geschlecht und Zugehörigkeit neu zu überdenken. Ihr Werk reflektiert ein Weltbild, das auf Transformation und Offenheit basiert – und das die Menschen dazu anregt, die Komplexität der modernen Welt in einem neuen Licht zu sehen. Kher bleibt eine wichtige Stimme in der internationalen Kunstszene, die durch ihre kulturelle und soziale Perspektive neue Wege eröffnet und eine starke Botschaft der Transformation und Selbstreflexion aussendet.

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Der renommierte chinesische Künstler Ai Weiwei und der Aktivist und JRP | Editions veröffentlichen lithografische Editionen zugunsten von Human Rights Watch.

Genf, 10. September 2024 – Der Schweizer Kunstverlag JRP|Editions ist stolz, seine erste Zusammenarbeit mit dem bekannten chinesischen Künstler und Aktivisten Ai Weiwei, in Partnerschaft mit Human Rights Watch bekannt zu geben. Die Initiative besteht aus drei Serien von Lithographien in limitierter Auflage mit dem Titel „Grass Mud Horse“, die ab sofort für Sammler weltweit exklusiv auf jrp-editions.com erhältlich sind. Ein Teil des Erlöses kommt Human Rights Watch zugute.

Diese Zusammenarbeit ist ein bedeutender Meilenstein im Rahmen des fortlaufenden Engagements von Ai Weiwei und JRP|Editions zur Förderung der Menschenrechte durch Kunst. Die „Grass Mud Horse“-Lithografien sind nicht nur außergewöhnliche Kunstwerke, sondern tragen auch eine starke Botschaft des Widerstands und der Meinungsfreiheit in sich.

„Ai Weiwei ist eine Inspiration für alle, die auf der ganzen Welt gegen Unterdrückung kämpfen. Mit Sammeln dieser Werke erwerben Sie nicht nur ein Stück Kunstgeschichte, sondern Sie
sondern tragen auch dazu bei, Human Rights Watch zu helfen, damit wir weiterhin Menschenrechte weltweit zu verteidigen.“

Tirana Hassan, Executive Director of Human Rights Watch

SYMBOLIK UND WIDERSTAND

Die „Grass Mud Horse“-Lithografien zeigen geometrische Muster, die aus Überwachungskameras, Twitter-Vögeln und Handschellen zusammengesetzt sind und den Kampf um die Meinungsfreiheit symbolisieren. Der Titel bezieht sich auf ein Fabelwesen, das einem Lama ähnelt und als augenzwinkernde Ikone des Widerstands gegen die Zensur durch Chinas Online-Communitys zu einem chinesischen Internet-Mem geworden ist – eine perfekte Verkörperung von Ai Weiwei’s Engagement für Freiheit und Menschenrechte.

EINE ENGAGIERTE SAMMLUNG

Die von Ai Weiwei geschaffenen „Grass Mud Horse“-Lithografien sind in drei verschiedenen Farbversionen erhältlich: „Malibu“, ‚Sonnenschein‘ und ‚Pfirsich‘. Jede Serie ist auf 99 Exemplare limitiert, die alle vom Künstler handsigniert und nummeriert sind. Die mit der historischen „Voirin“-Lithografiepresse gedruckten und handgeschnittenen Werke kosten je CHF 1’500 (ca. USD 1’650) und können sowohl einzeln als auch als exklusives Set in gleicher Auflage erworben werden.

Ein Teil des Erlöses aus dem Verkauf der „Grass Mud Horse“-Lithographien kommt Human Rights Watch, zugute, einer internationalen Organisation, die sich für den Schutz und die Förderung der Menschenrechte einsetzt, indem sie Missstände in allen Teilen der Welt untersucht und darüber berichtet.

„Diese Zusammenarbeit mit Ai Weiwei und Human Rights Watch ist ein wichtiger Schritt in unserem Engagement für die Förderung der Menschenrechte durch Kunst.“

Arnaud Hubert, CEO of JRP|Editions

ÜBER AIWEIWEI

Der 1957 in Peking geborene Ai Weiwei

ist ein vielseitiger Künstler, dessen Werke Skulpturinstallationen, Filme, Fotografien und groß angelegte Menschenrechtsprojekte umfassen. Als Konzeptkünstler, der traditionelles Kunsthandwerk und sein chinesisches Erbe miteinander verbindet, dreht sich Ai Weiweis Werk häufig um Themen wie Menschenrechte und Demokratie. Ai Weiwei, der für seine kritische Haltung gegenüber der chinesischen Regierung bekannt ist, wurde 2011 inhaftiert und lebt derzeit im Exil. Seine Werke werden weltweit in Institutionen und auf Biennalen ausgestellt und machen ihn zu einem der führenden Verfechter des Rechts auf freie Meinungsäußerung seiner Generation.

ÜBER JRP|EDITIONS

JRP|Editions wurde 1997 gegründet und ist ein international anerkannter unabhängiger Verlag im Bereich der zeitgenössischen Kunst. Durch die Zusammenarbeit mit Künstler, Museen, Galerien, und privaten Institutionen auf der ganzen Welt hat JRP|Editions einen Katalog mit über 550 aktiven Titeln aufgebaut. Seit 2019 widmet sich JRP|Editions auch der Herstellung von limitierten Kunstmultiples wie Lithografien, Siebdrucken, Skulpturen und anderen einzigartigen Kunstwerken.

PHOTOCREDITS JRP|Editions