Wie Kartell auf dem Salone del Mobile 2026 Textur, Material und Persönlichkeit in den Mittelpunkt rückt

Lange Zeit schien sich gutes Design vor allem über Reduktion zu definieren. Klare Linien, ruhige Farben und möglichst wenig visuelle Ablenkung bestimmten viele Interior-Kollektionen. Auf dem Salone del Mobile 2026 zeigt Kartell nun eine andere Richtung auf. Die italienische Designmarke rückt nicht das Objekt selbst in den Mittelpunkt, sondern seine Oberfläche, seine Materialität und die Geschichten, die dadurch entstehen.

Die Kollektion versteht sich weniger als Ansammlung neuer Möbel, sondern als Einladung, Räume emotionaler zu denken. Farben, Texturen und Materialien werden zu Gestaltungsmitteln, die Atmosphäre schaffen und den Charakter eines Interieurs prägen. Kartell verbindet dabei industrielle Präzision mit handwerklicher Anmutung und nutzt technologische Innovationen sowie künstliche Intelligenz nicht als Selbstzweck, sondern als Werkzeuge, um Design neue erzählerische Dimensionen zu verleihen.

Teppiche als architektonische Landschaften

Besonders eindrucksvoll zeigen das die neuen Teppichkollektionen. Ferruccio Laviani interpretiert mit GRID und BEMBO textile Oberflächen als grafische Kompositionen. Während GRID von der Struktur traditioneller Webtechniken inspiriert ist und mit feinen Linien architektonische Tiefe erzeugt, erinnert BEMBO an einen spontanen Tuschestrich, der Bewegung und Dynamik in den Raum bringt. Die Teppiche wirken dadurch weniger dekorativ als vielmehr wie Kunstwerke, die den Charakter eines Raumes definieren.

Auch Patricia Urquiola denkt den Teppich neu. Ihre Kollektion PINCEL übersetzt den freien Pinselstrich in ein textiles Objekt. Linien verlaufen organisch, Farben wirken wie von Hand aufgetragen und verändern ihre Wirkung je nach Lichteinfall und Perspektive. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die lebendig wirkt und zwischen Design, Malerei und Handwerk vermittelt.

Design mit Charakter

Einen spannenden Gegenpol setzt Philippe Starck mit PRINCE OHOH. Der skulpturale Hocker spielt mit einer sanduhrähnlichen Geometrie und übernimmt ganz selbstverständlich unterschiedliche Rollen – als Sitzgelegenheit, Beistelltisch oder dekoratives Objekt. Humor, Funktion und skulpturale Präsenz verschmelzen hier zu einem Möbelstück, das bewusst Persönlichkeit zeigt.

Kartell beweist damit, dass zeitgenössisches Design längst nicht mehr nur von neuen Formen lebt. Entscheidend ist die Fähigkeit, Materialien fühlbar zu machen und Objekte zu schaffen, die über ihre Funktion hinaus Emotionen auslösen. Gerade in einer Zeit digitaler Perfektion scheint genau diese sinnliche Qualität der wahre Luxus zu sein.

Mit der Black Bay Ceramic zeigt TUDOR, dass zeitgenössischer Luxus nicht lauter, sondern intelligenter geworden ist.

Manche Uhren beeindrucken durch Komplikationen, andere durch ihre Geschichte. Die neue TUDOR Black Bay Ceramic geht einen anderen Weg: Sie verbindet kompromisslose Ingenieurskunst mit einer radikal reduzierten Ästhetik und zeigt, dass Innovation oft dort beginnt, wo Funktion und Design untrennbar miteinander verschmelzen. Mit ihrem vollständig schwarzen Erscheinungsbild und dem erstmals aus Keramik gefertigten Armband interpretiert sie die ikonische Black Bay Linie konsequent neu.

Schwarz als Ausdruck technischer Präzision

Schwarz gilt in der Gestaltung häufig als Farbe der Reduktion. Bei der Black Bay Ceramic ist es jedoch weit mehr als eine gestalterische Entscheidung. Das mattschwarze Keramikgehäuse trifft auf ein harmonisch abgestimmtes Keramikarmband, dessen Entwicklung als eine der größten technischen Herausforderungen dieses Modells gilt. Keramik ist außergewöhnlich hart, leicht und kratzfest – gleichzeitig aber anspruchsvoll in der Verarbeitung. Dass TUDOR nun ein vollständig integriertes Keramikarmband mit hohem Tragekomfort realisieren konnte, unterstreicht den technologischen Anspruch der Marke.

Das Zusammenspiel aus sandgestrahlten Oberflächen, polierten Kanten und fein abgestuften Schwarztönen verleiht der Uhr eine skulpturale Präsenz. Sie wirkt kraftvoll, ohne laut zu sein – eine Form von Luxus, die sich nicht über Glanz, sondern über Materialqualität und Präzision definiert.

Master Chronometer – wenn Präzision messbar wird

Was äußerlich minimalistisch erscheint, ist im Inneren hochkomplex. Die Black Bay Ceramic trägt die begehrte METAS Master Chronometer-Zertifizierung – eine der anspruchsvollsten Prüfungen der modernen Uhrmacherei. Dabei werden nicht nur die Ganggenauigkeit, sondern auch Magnetfeldresistenz, Wasserdichtheit und Gangreserve unabhängig überprüft.

Das Manufakturkaliber MT5602-U arbeitet mit einer Siliziumspiralfeder, widersteht Magnetfeldern bis 15.000 Gauß und bietet eine zertifizierte Gangreserve von 70 Stunden. Für den Alltag bedeutet das nicht nur außergewöhnliche Präzision, sondern auch die Freiheit, die Uhr über ein Wochenende abzulegen, ohne sie anschließend neu einstellen zu müssen.

Tradition neu interpretiert

Obwohl die Black Bay Ceramic technologisch zu den modernsten Modellen der Marke zählt, bleibt sie ihren Wurzeln treu. Die charakteristischen Snowflake-Zeiger, seit 1969 fester Bestandteil der TUDOR-DNA, verbinden die Geschichte der legendären Taucheruhren mit zeitgenössischer Uhrmacherkunst. Das Ergebnis ist keine nostalgische Neuauflage, sondern eine Evolution, die Vergangenheit und Zukunft selbstverständlich miteinander verbindet.

Luxus durch Substanz

In einer Zeit, in der Luxus häufig über Sichtbarkeit definiert wird, setzt die Black Bay Ceramic auf eine andere Form von Exklusivität. Ihre Qualitäten offenbaren sich nicht auf den ersten Blick, sondern im Detail: in der Materialforschung, der Präzision des Uhrwerks, den hohen Zertifizierungsstandards und der außergewöhnlichen Verarbeitung.

Gerade diese Haltung macht sie interessant. Sie versteht Luxus nicht als Inszenierung, sondern als Ergebnis konsequenter Entwicklung. Eine Uhr für Menschen, die Design nicht nur sehen, sondern verstehen möchten.

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Zwischen Rüstung und Vision, Handwerk und Science Fiction: Marina Hoermanseder nutzt ihre Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027, um Mode als Experimentierfeld für Identität, Körper und Zukunft neu zu denken.

Mode war schon immer mehr als Kleidung. Sie erzählt Geschichten darüber, wie wir uns selbst sehen – und wie wir gesehen werden möchten. Mit ihrer Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 richtet Marina Hoermanseder den Blick konsequent nach vorne. Outer Space ist keine Reise ins All im klassischen Sinn, sondern eine Expedition in jene Räume, in denen Fantasie, Innovation und persönlicher Wandel entstehen.

Die österreichische Designerin entwirft ein Universum, das gleichermaßen futuristisch wie überraschend menschlich wirkt. Ihre Protagonistinnen sind keine passiven Heldinnen einer Science-Fiction-Erzählung, sondern Frauen, die vertraute Grenzen hinter sich lassen und ihre eigene Zukunft gestalten.

Mode als Schutzschild

Die Kollektion bewegt sich zwischen Stärke und Verletzlichkeit. Skulpturale Silhouetten treffen auf chromglänzende Oberflächen, eisblaues Leder und rüstungsähnliche Konstruktionen. Was zunächst wie futuristische Inszenierung erscheint, entwickelt sich bei genauerem Hinsehen zu einer Reflexion über den Körper selbst.

Hoermanseder beschäftigt sich seit Jahren mit der Frage, wie Kleidung den Menschen verändern kann. Orthopädische Formen, Korsetts und technische Konstruktionen gehören seit Beginn zu ihrer gestalterischen Sprache. In Outer Space entwickelt sie diese Handschrift konsequent weiter. Kleidung wird zum Schutzraum, aber ebenso zum Symbol von Transformation.

Handwerk trifft Zukunft

Trotz aller futuristischen Anmutung bleibt die Kollektion tief im traditionellen Handwerk verwurzelt. Besonders sichtbar wird dies in der Rückkehr der charakteristischen Twisted-Buckle-Technik, die längst zu einem Markenzeichen der Designerin geworden ist.

Gedrehte Schnallen ersetzen klassische Nähte und erzeugen gemeinsam mit mehrschichtigen Lederkonstruktionen außergewöhnliche plastische Oberflächen. Die Technik verleiht den Kleidungsstücken eine beinahe architektonische Qualität und macht sichtbar, wie sehr Innovation aus handwerklicher Präzision entstehen kann.

Gleichzeitig kehrt Marina Hoermanseder zu einem Material zurück, das ihre frühen Kollektionen geprägt hat: naturbelassenes Leder. In Kombination mit futuristischen Formen entsteht ein spannender Dialog zwischen Ursprung und Vision.

Der Körper als kulturelle Projektionsfläche

Besonders interessant wird die Kollektion dort, wo sie Mode mit gesellschaftlichen Fragen verbindet. Die Hyper Physicality Vase übersetzt übersteigerte anatomische Ideale in eine bewusst überzeichnete Formensprache. Dahinter steht die Auseinandersetzung mit Körperbildern und den Mechanismen toxischer Männlichkeit.

Auch die erstmals vorgestellten Strap Pants und Strap Shorts für Menswear erweitern die bekannte Designsprache der Marke. Die ikonischen Strap-Elemente werden dabei nicht einfach übernommen, sondern in einen neuen Kontext gestellt und öffnen Marina Hoermanseders Ästhetik erstmals stärker für den männlichen Körper.

Eine neue Ästhetik des Unbekannten

Farblich bewegt sich Outer Space zwischen natürlichen Erdtönen und intensivem Orange. Swarovski-Kristalle in Blau- und Grüntönen erinnern an kosmische Tiefen, während die sogenannte Lunar Landscape-Technik Oberflächen entstehen lässt, die an die Struktur von Mondgestein erinnern.

Den eindrucksvollen Abschluss bildet die Alien Vase – eine skulpturale Arbeit mit orthopädisch inspirierten Kopf- und Armelementen. Sie verweist auf Marina Hoermanseders Zeit bei Alexander McQueen und dessen legendäre Kollektion Plato’s Atlantis, ohne dabei nostalgisch zu wirken. Vielmehr versteht sich der Entwurf als Blick in eine Zukunft, deren Form wir heute noch nicht kennen.

Wenn Mode Zukunft sichtbar macht

Mit Outer Space präsentiert Marina Hoermanseder weit mehr als eine neue Saisonkollektion. Sie nutzt Mode als Medium, um über Veränderung, Identität und die Grenzen unserer Vorstellungskraft nachzudenken.

Zwischen Couture, Produktdesign und Performance entsteht eine Bildwelt, die zeigt, dass die spannendsten Entwicklungen oft dort beginnen, wo bekannte Kategorien enden. Gerade in einer Zeit, in der Zukunft häufig mit Unsicherheit verbunden wird, entwirft Hoermanseder eine andere Perspektive: eine Zukunft, die Neugier weckt und Kreativität als stärkste Form des Fortschritts versteht.

Foto Credits: BERLIN, GERMANY – JULY 3: Runway at the Marina Hoermanseder Show during Berlin Fashion Week Spring/Summer 2027 at Haus der Visionaere on July 3, 2026 in Berlin, Germany. (Photos by Isa Foltin/Getty Images via Hoermanseder)

Wie verändert ein Leben voller Malerei unseren Blick auf die Welt? Mit Frank Bowling: Seeking the Sublime widmet NOWNESS einem der bedeutendsten abstrakten Künstler unserer Zeit ein sensibles Porträt – und zeigt einen Künstler, der auch mit über 90 Jahren die Möglichkeiten der Malerei immer wieder neu auslotet.

Seit mehr als sechs Jahrzehnten erweitert Frank Bowling die Grenzen dessen, was Malerei sein kann. Der in British Guiana – dem heutigen Guyana – geborene und seit vielen Jahren in London lebende Künstler versteht Farbe nicht als Mittel zur Darstellung, sondern als eigenständige Form des Denkens. Seine Werke entstehen aus Intuition, Materialität und dem bewussten Zusammenspiel von Kontrolle und Zufall.

Der Kurzfilm Frank Bowling: Seeking the Sublime von Lucy Andia und Frederick Shelbourne, entstanden für das Fitzwilliam Museum in Cambridge, begleitet den Künstler in seinem Londoner Atelier. Im Gespräch mit dem Kunstkritiker und langjährigen Weggefährten Martin Gayford spricht Bowling über Erinnerungen, Wahrnehmung, den Einfluss des Lichts seiner Heimat und über einen kreativen Prozess, der bis heute nichts von seiner Offenheit verloren hat.

Farbe, Schwerkraft und Erinnerung

Charakteristisch für Bowlings Arbeiten sind gegossene Farbschichten, stark strukturierte Oberflächen und ein Arbeitsprozess, bei dem auch die Schwerkraft zu einer gestalterischen Kraft wird. Seine Bilder entstehen nicht nach einem festen Plan, sondern entwickeln sich Schicht für Schicht zu komplexen Kompositionen voller Tiefe und Bewegung.

Auch nachdem er seine Arbeitsweise an das Malen im Rollstuhl angepasst hat, arbeitet Bowling täglich weiter. Der Film dokumentiert diese beeindruckende Kontinuität und verbindet aktuelles Filmmaterial mit historischen Fotografien und Archivaufnahmen. Vergangenheit und Gegenwart treten dabei ebenso miteinander in Dialog wie Erinnerung und Gegenwart in Bowlings Werk selbst.

Die Suche nach dem Erhabenen

Parallel zur gleichnamigen Retrospektive entstanden, ist Frank Bowling: Seeking the Sublime weit mehr als ein klassisches Künstlerporträt. Der Film erzählt von schöpferischer Freiheit, Ausdauer und der Fähigkeit, sich auch nach Jahrzehnten immer wieder neu auf den eigenen künstlerischen Prozess einzulassen.

Mit 92 Jahren zeigt Frank Bowling eindrucksvoll, dass Kreativität kein Alter kennt. Seine Malerei erinnert daran, dass wahre Innovation dort entsteht, wo Offenheit wichtiger ist als Gewissheit – und wo Farbe zu einer Form des Denkens wird.

Der Mexican Hospitality Summit 2026 in Mérida zeigt, warum Lateinamerika zu einer der spannendsten Regionen für neue Hotelkonzepte, Wellness Tourism und internationale Hospitality-Investments wird.

Mexiko rückt immer stärker in den Fokus der internationalen Hospitality-Branche. Nicht nur als Destination voller Kultur, Natur und Lebensfreude, sondern als Raum, in dem neue Hotelkonzepte, Wellness-Erlebnisse und nachhaltige Tourismusmodelle entstehen.

Ein deutliches Zeichen dafür setzte der Mexican Hospitality Summit 2026, der am 27. und 28. Mai 2026 im Fiesta Americana Mérida stattfand. Mehr als 400 Fachleute aus Tourismus, Hotellerie und Hospitality kamen in der Hauptstadt Yucatáns zusammen – darunter Hotelbesitzer, CEOs, General Manager, Investoren, Betreiber, Architekten, Entwickler, Consultants, Travel Advisors und Vertreter internationaler Marken.

Gegründet wurde der Summit von Rocco Bova, einem internationalen Hospitality-Experten, Consultant und Mentor, gemeinsam mit Co-Founder Adolfo Tuñón. Die zweite Ausgabe verzeichnete ein Wachstum von mehr als 100 Prozent gegenüber dem Vorjahr und etablierte sich damit als eine der wichtigsten Plattformen für Austausch, Wissenstransfer und Business Development im mexikanischen Hospitality-Sektor.

Eine Branche im Wandel

Über zwei Tage hinweg wurde in Mérida sichtbar, wie stark sich die Hotellerie derzeit verändert. Hotels sind längst nicht mehr nur Orte zum Übernachten. Sie werden zu Bühnen für Kultur, Gesundheit, Begegnung, Transformation und neue Lebensentwürfe.

Mehr als 50 Speaker und Panelisten diskutierten über Themen wie Luxusreisen, Wellness, künstliche Intelligenz, Nachhaltigkeit, Branding, Technologie, Investment und neue Hospitality-Entwicklungen. Vertreten waren unter anderem Expedia Group, STR, Accor, Belmond, Forbes Travel Guide, Virtuoso, Adyen, Kaizen, Matrix und Exclusive Tents.

Damit spiegelte der Summit genau jene Fragen wider, die die internationale Reisebranche heute beschäftigen: Wie lässt sich Luxus neu definieren? Welche Rolle spielt Technologie in einer zutiefst menschlichen Branche? Und wie können Hotels zu Orten werden, die nicht nur Komfort bieten, sondern echte Resonanz erzeugen?

Mexikos nächste große Hospitality-Projekte

Besonders große Aufmerksamkeit erhielt das Panel “The Future Checks In Here: Mexico’s Next Major Hospitality Projects”. Vertreter von Paradero Hotels, Atal Resort, Hamaak Hotels, Belmond Hotels, Accor, Leisure Partners und GND Properties gaben Einblicke in Projekte, Investitionen und Entwicklungen, die Mexikos touristische Zukunft prägen werden.

Dabei wurde deutlich: Mexiko wird zunehmend als strategischer Markt für hochwertige, innovative und international relevante Hospitality-Konzepte wahrgenommen. Zwischen Boutique-Hotellerie, Luxusresorts, regenerativen Ansätzen und wellnessorientierten Destinationen entsteht ein neues Selbstverständnis des Reisens.

Es geht nicht mehr nur darum, Gäste an einen schönen Ort zu bringen. Es geht darum, Räume zu schaffen, in denen Menschen sich verbunden fühlen – mit der Umgebung, mit einer Kultur, mit anderen Menschen und letztlich auch mit sich selbst.

Mérida als neuer Treffpunkt

Dass der Summit in Mérida stattfand, ist kein Zufall. Die Stadt gilt zunehmend als strategischer Knotenpunkt für Tourismus, Hospitality und Meetings in Mexiko. Historische Architektur, kulturelle Tiefe, eine wachsende kreative Szene und die Nähe zu außergewöhnlichen Natur- und Kulturräumen machen Mérida zu einem idealen Ort, um über die Zukunft des Reisens nachzudenken.

Auch die begleitende Exhibition Area zeigte, wie breit Hospitality heute gedacht wird. Mehr als 25 nationale und internationale Unternehmen präsentierten Lösungen und Services aus den Bereichen Technologie, Hotelausstattung, Finanzdienstleistungen, Innovation und Tourismusentwicklung. Darunter waren unter anderem Huawei, American Express, Cold Box, Matrix, Aven, Lighthouse und Triptease.

Von Mexiko nach Lateinamerika

Die wichtigste Ankündigung des Summits war jedoch der nächste Entwicklungsschritt: Ab 2027 wird die Veranstaltung offiziell als Latin American Hospitality Summit weitergeführt. Damit erweitert sich der Fokus von Mexiko auf ganz Lateinamerika.

Parallel dazu wurde der neue Latin American Wellness Tourism Summit angekündigt – ein spezialisiertes Format für Wellness, Health Tourism, transformative Experiences und Wellness Hospitality. Gerade dieser Bereich zählt weltweit zu den dynamischsten Segmenten der Reisebranche.

Die nächste Ausgabe des Latin American Hospitality Summit findet von 4. bis 6. Mai 2027 statt, der erste Latin American Wellness Tourism Summit am 28. und 29. September 2027. Beide Events werden erneut im Fiesta Americana Mérida ausgetragen.

Die Zukunft der Gastfreundschaft

Für Rocco Bova und Adolfo Tuñón bestätigt das Wachstum der zweiten Ausgabe den Bedarf der Branche nach relevanten Räumen für Austausch, Zusammenarbeit und Innovation. Ziel sei es, neue Plattformen zu schaffen, die Kollaboration, nachhaltiges Wachstum und eine lateinamerikanische Vision von Hospitality fördern.

Genau darin liegt die größere Bedeutung dieses Summits. Er zeigt, dass Lateinamerika nicht nur als Reiseziel an Bedeutung gewinnt, sondern als aktiver Gestalter einer neuen Hospitality-Kultur.

Mexiko steht dabei exemplarisch für eine Region, in der Gastfreundschaft, Lebensfreude, Natur, Wellness, Design und Investment auf neue Weise zusammenfinden.

Vielleicht wird die Zukunft der Hotellerie nicht dort geschrieben, wo man sie lange vermutet hat.

Sondern dort, wo Gastfreundschaft noch als echte Kunst verstanden wird.

Materialien, die Geschichten erzählen

Die neue Herbst-/Winterkollektion 2026/27 von MYTHS zeigt eindrucksvoll, dass Innovation nicht immer laut sein muss. Statt kurzfristigen Trends folgt das italienische Label einer kontinuierlichen Weiterentwicklung seiner Designhandschrift und verbindet traditionelle Schneiderkunst mit modernen Materialien, neuen Silhouetten und einem hohen Anspruch an Alltagstauglichkeit. Dabei entstehen Kollektionen für Frauen und Männer, die den Zeitgeist auf subtile Weise interpretieren – präzise, funktional und gleichzeitig überraschend entspannt.

Womenswear: Weiche Formen treffen auf modernes Tailoring

Die Damenkollektion entwickelt die charakteristische Formsprache von MYTHS konsequent weiter. Im Mittelpunkt stehen hochwertige Materialkompositionen aus Baumwolle, Modal, maschinenwaschbarer Wolle, Cashmere-Flanell sowie innovativen Kombinationen mit Cordura. Unterschiedliche Veredelungsverfahren wie Garment Dyeing, Piece Dyeing oder Yarn Dyeing verleihen den Stoffen Tiefe und eine authentische Patina, die jedes Kleidungsstück einzigartig wirken lässt.

Besonders spannend ist die neue Interpretation klassischer Schneiderkunst. Tailoring wird lockerer gedacht und erhält durch Overshirts aus Denim oder Cotton Bull eine moderne Leichtigkeit. Auch der Anzug löst sich von traditionellen Konventionen. Bedruckte Viskose-Ensembles aus Hemd und Hose erinnern an luxuriöse Pyjamas und schaffen einen fließenden Übergang zwischen Loungewear und eleganter Tagesgarderobe.

Neue Silhouetten wie Palazzo-Hosen, Culottes mit Umschlag, schmal geschnittene Flared Pants oder modern geschnittene, gepolsterte Gilets erweitern das Spektrum. Ergänzt wird die Kollektion durch weich fallenden Denim in Indigo und Schwarz sowie neue Stoffentwicklungen wie Indigo-Velvets oder Denim-Flanell, die durch spezielle Waschungen ihre besondere Tiefe erhalten. So entsteht eine Garderobe, die gleichermaßen für Beruf, Freizeit und Abend geeignet ist – funktional, vielseitig und elegant.

Menswear: Der Anzug wird zum Baukastensystem

Auch die Herrenkollektion setzt auf Evolution statt Revolution. Ausgangspunkt bleiben die ikonischen Hosen von MYTHS, die seit Jahren das Herzstück der Marke bilden. Für FW26/27 werden die Proportionen großzügiger interpretiert. Weite Silhouetten treffen auf neu gedachte Carrot Pants mit verkürzter Länge und markanter Linienführung – komfortabel, modern und dennoch präzise verarbeitet.

Besondere Aufmerksamkeit verdient das neu entwickelte Tailoring-Konzept. Statt klassischer Anzüge präsentiert MYTHS ein variables System aus Overshirts und Hosen, die aus identischen Stoffen gefertigt werden und sich frei miteinander kombinieren lassen. Dadurch entstehen zahlreiche Looks zwischen formeller Eleganz und entspannter Casualwear.

Auch bei den Materialien zeigt sich der Innovationsanspruch der Marke. Maschinenwaschbare Wollqualitäten, Cashmere-Flanelle, exklusive Herringbone-Gewebe aus Wolle, Seide und Cashmere sowie die charakteristische Combat Wool verbinden Funktionalität mit luxuriöser Haptik. Ergänzt wird dies durch experimentelle Garment-Dyeing-Techniken, die erstmals auch auf Baumwoll-Modal-Velvets angewendet werden. Farblich dominieren Mélange-Grau, Dunkelbraun, Bordeaux sowie ruhige Nuancen wie Mastix und Taupe und unterstreichen die zurückhaltende Eleganz der Kollektion.

Zeitlose Garderoben statt kurzlebiger Trends

Mit der Herbst-/Winterkollektion 2026/27 gelingt MYTHS der Spagat zwischen Tradition und Zukunft auf bemerkenswert unaufgeregte Weise. Die Kollektionen verstehen Kleidung nicht als saisonales Statement, sondern als langfristige Begleiter. Hochwertige Materialien, raffinierte Verarbeitung und flexible Kombinationsmöglichkeiten schaffen moderne Garderoben, die sich selbstverständlich an unterschiedliche Lebenssituationen anpassen.

Gerade diese Balance zwischen handwerklicher Präzision, technischer Innovation und entspannter Eleganz macht MYTHS zu einer jener Marken, die den Wandel der Mode nicht durch Lautstärke, sondern durch Substanz gestalten.

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.

Schimmernde Oberflächen, ikonisches Design und die Renaissance der analogen Schreibkultur

Manche Designobjekte erfüllen einen Zweck. Andere erzählen eine Geschichte. Der neue Kaweco LUNAR Sport verbindet beides und macht den Blick zum Himmel zum Ausgangspunkt einer außergewöhnlichen Farbwelt.

Inspiriert von den geheimnisvollen Reflexionen des Mondes erweitert Kaweco seine beliebte Sport-Serie um zwei irisierende Farbvarianten, die Licht und Schatten in ständigem Wandel erscheinen lassen. Je nach Perspektive verändern sich die Farben, schimmern zwischen Grün- und Bronzetönen und verleihen jedem Schreibgerät einen ganz eigenen Charakter.

Ein Farbspiel zwischen Licht und Schatten

Mit den beiden neuen Nuancen Light Green und Shadow Green interpretiert Kaweco die Atmosphäre einer Mondlandschaft auf unterschiedliche Weise.

Während Light Green an das sanfte Leuchten des Mondlichts erinnert, wirkt Shadow Green tiefer und kontrastreicher – wie eine klare Frühlingsnacht unter sternenklarem Himmel. Bewegt man den Stift im Licht, entstehen faszinierende Farbwechsel zwischen Grün und Bronze. Die Oberfläche scheint zu leben und verändert ihre Wirkung mit jedem Blickwinkel.

Gerade dieser irisierende Effekt macht den LUNAR Sport zu mehr als einem klassischen Schreibgerät. Er wird zum kleinen Designobjekt für den Schreibtisch, die Jackentasche oder das Notizbuch.

Leichtigkeit trifft Funktion

Typisch für die Sport-Serie bleibt auch der LUNAR Sport seiner Funktionalität treu. Das leichte ABS-Material sorgt für ein nahezu schwereloses Schreibgefühl und ermöglicht komfortables Schreiben auch über längere Zeiträume. Gleichzeitig überzeugt das Material durch die Robustheit, für die Kaweco seit Jahrzehnten bekannt ist.

So verbindet der LUNAR Sport Alltagstauglichkeit mit einer außergewöhnlichen visuellen Präsenz – eine Kombination, die funktionales Produktdesign besonders reizvoll macht.

Ein Schreibgerät für individuelle Ansprüche

Der Kaweco LUNAR Sport ist in fünf verschiedenen Ausführungen erhältlich: als Füllhalter, Kugelschreiber, Rollerball, Druckbleistift oder Fallbleistift. Unterschiedliche Federstärken sowie verschiedene Minen ermöglichen eine individuelle Anpassung an persönliche Schreibgewohnheiten.

Passend dazu ergänzen optionale Clips in Gold, Silber, Bronze oder Schwarz sowie hochwertige Kaweco Etuis das System und machen den LUNAR Sport zu einem stilvollen Begleiter für Alltag, Beruf oder kreative Projekte.

Mit seiner Kombination aus ikonischem Design, hochwertiger Verarbeitung und einem faszinierenden Farbspiel zeigt Kaweco einmal mehr, dass auch analoge Schreibkultur Raum für Innovation bietet – und dass gutes Design manchmal einfach nur das richtige Licht braucht.