Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Frühjahr/Sommer 2026 zeigt Kleidung als Präsenz, Haltung und Resonanzraum

Kleidung beschreibt eine Verfassung. Sie reagiert auf den männlichen Körper, auf Zeit, auf innere Spannung. Frühjahr/Sommer 2026 zeigt, wie sie existiert, wie sie wirkt – ohne Erklärung. Sie spricht nicht, sie verlangt keinen Konsens. Sie ist präsent, und das reicht.

Text: Nina Prehofer

Wenn Kleidung vom Körper ausgeht

Die Saison beginnt beim Körper, nicht beim Look. Ärmel verlängern sich, Hosen verlangsamen ihre Bewegung, Stoffe reagieren auf Dynamik. Silhouetten verschieben sich, kippen leicht – ohne dass sich eindeutig sagen ließe, wohin.

Labels wie Acne und MM6 zeigen diese Entwicklung mit beiläufiger Eleganz, als würde Kleidung aus reiner Beobachtung entstehen. Bei Rick Owens hingegen wird das Verhältnis von Körper und Stoff radikal interpretiert: Volumen, Schatten und Drapierungen verwandeln den Körper beinahe in eine Skulptur.

Owens’ Entwürfe wirken wie Bühnenbilder. Künstler wie A$AP Rocky oder Kanye West tragen sie nicht nur – sie erweitern damit ihre Präsenz. Kleidung wird zur Aura, die sich um den Körper legt.

Emotionen in Material und Textur

Emotion zeigt sich nicht in narrativen Gesten, sondern in Materialität. Antonio Marras stapelt Stoffe wie Erinnerungen, seine Prints wirken wie Malerei auf einer unsichtbaren Leinwand.

Moderne Stilfiguren wie Timothée Chalamet oder Harry Styles fungieren dabei als Kuratoren dieser Formen. Sie tragen Kleidung nicht nur – sie interpretieren sie. Muster und Silhouetten werden zu Erweiterungen ihrer Persönlichkeit.

Kleidung wird zum Resonanzraum.
Nicht Bühne, nicht Kostüm.

Wer sie trägt, verändert subtil den Raum und bleibt doch Teil von ihm.

Schwarz als Haltung

Schwarz bleibt zentral – jedoch nicht als Uniform. Das Label Enfants Riches Déprimés nutzt die Farbe, um Distanz zu erzeugen und Haltung zu formulieren.

Komfort wird dabei neu definiert. Nicht als reine Bequemlichkeit, sondern als Dimension der Erfahrung.

Wer diese Kleidung trägt – ob FKA twigs, Playboi Carti oder Ezra Miller – demonstriert Präsenz, ohne ein Wort zu sagen.

Der Körper spricht.
Die Kleidung antwortet.
Die Umgebung registriert.

Tradition wird neu geschrieben

Auch klassische Codes werden dekonstruiert. Burberry lockert das Erbe des Trenchcoats, verschiebt Silhouetten und löst Eleganz aus der Perfektion.

Bei Comme des Garçons entwirft Rei Kawakubo Räume für Körper, die Regeln nicht folgen. Bekanntes wird neutralisiert, neu zusammengesetzt und immer wieder in die Gegenwart übersetzt.

Kleidung wird Referenz und Experiment zugleich – ein Spiegel zwischen Erwartung und Interpretation.

Poetische Radikalität

Ironie, Provokation und Intensität sind erlaubt – aber selten plakativ. Frühjahr/Sommer 2026 interessiert sich nicht für modische Diplomatie.

Die dramatischen, punkigen Entwürfe von Enfants Riches Déprimés stehen neben der stillen Präzision von Gabe Gordon. Gemeinsam zeigen sie: Kleidung muss nicht gefallen – sie muss spürbar sein.

Und genau darin entsteht eine poetische Radikalität.

Kleidung wird zum Filter, durch den der Mann die Welt sieht – und durch den die Welt ihn wahrnimmt.

Bei Vivienne Westwood, Antonio Marras oder Rick Owens erzählt Mode Geschichten, ohne sie auszusprechen. Sie reflektiert den Zeitgeist, ohne ihn zu erzwingen.

Kleidung als Zustand

Mode wird wieder zu einem Raumerlebnis. Sie formt Männer, ohne sie festzulegen.

Sie existiert, bevor sie interpretiert wird – und bleibt spürbar, lange nachdem man den Raum verlassen hat.

Frühjahr/Sommer 2026 ist ein Sommer der Präsenz.
Ein Sommer, der Intuition belohnt und Selbstbewusstsein verlangt.

Kleidung ist kein Accessoire mehr.
Sie ist Filter, Spiegel und Erfahrungsraum.

Kleidung als Zustand – und Zustand als Mode.

Wie aus Arbeitskleidung Kunst wurde – und warum die japanische Mode seit Jahrzehnten mit Ehrlichkeit, Handwerk und Haltung begeistert.

In den Straßen von Tokio treffen Bauarbeiterjacken auf Couture-Mäntel, Arbeitsstiefel auf High-Fashion-Sneaker. Was wie Stilbruch aussieht, ist in Wahrheit tief verwurzelt in der japanischen Kultur: die Verwandlung des Funktionalen in das Poetische, des Alltäglichen in das Außergewöhnliche.

Die Wurzeln: Sashiko, Boro und die Schönheit des Gebrauchs

Workwear hat in Japan eine kulturelle Tiefe, die über reine Funktion hinausgeht. Schon im 17. Jahrhundert nähten Familien ihre Kimonos mit Sashiko-Stickereien – geometrischen Mustern, die aus Notwendigkeit Kunst werden ließen.
Noch ikonischer ist Boro, das Flicken und Zusammensetzen alter Stoffe: ein Sinnbild für Nachhaltigkeit, Schönheit im Gebrauch und Respekt vor Material und Handwerk. Marken wie Kapital oder Blue Blue Japan greifen diese Techniken heute auf und machen daraus begehrte Artefakte der Modewelt.

Avantgarde als Haltung: Yohji Yamamoto & Rei Kawakubo

In den 1980er-Jahren brachten Yohji Yamamoto und Rei Kawakubo (Comme des Garçons) Workwear auf den Laufsteg – und veränderten die Modewelt.
Schwarz, dekonstruiert, radikal: Ihre Entwürfe waren Statements gegen Konventionen. Sie machten Arbeitskleidung zum Symbol von Stärke, Individualität und künstlerischer Freiheit.

Die neue Generation: Kapital, Visvim, Watanabe

Heute führen Designer wie Hiroki Nakamura (Visvim), Toshikiyo & Kiro Hirata (Kapital) und Junya Watanabe die Tradition fort. Sie verschmelzen japanische Handwerkskunst mit globaler Ästhetik, machen aus Denim ein Luxusgut und verwandeln Funktionalität in High Fashion.
Ihre Mode erzählt von Reisen, Materialien und Geschichten – und bleibt dabei zutiefst japanisch: authentisch, präzise, bewusst.

Von Streetwear zu Couture

Japans Workwear-Avantgarde überschreitet Grenzen. Labels wie Neighborhood oder Undercover verweben Arbeitskleidung mit Streetstyle und Luxus, schaffen urbane Rebellion mit poetischem Unterton.
Was auf Tokios Straßen begann, prägt heute die Kollektionen von Balenciaga, Dior Homme oder Margiela – wo Workwear längst zur Sprache moderner Eleganz geworden ist.

Margiela und die europäische Übersetzung

Auch Martin Margiela erkannte in Workwear eine universelle Sprache. Seine berühmten Tabi Boots, inspiriert von japanischen Arbeitsschuhen, wurden zum globalen Symbol der Avantgarde. Er zeigte, dass Luxus und Arbeit, Handwerk und Kunst keine Gegensätze sind, sondern sich gegenseitig definieren.

Warum gerade jetzt?

In einer Welt voller Überfluss und Oberflächen gewinnt Workwear neue Bedeutung. Sie steht für Echtheit, Respekt und Dauer.
Japanische Designer verwandeln einfache Stoffe in emotionale Objekte – ehrlich, funktional, schön.

„Workwear ist ehrlich“, sagt Takahiro Miyashita (The Soloist). „Sie erzählt Geschichten über das Leben, nicht über Trends.“

Die Zukunft der Workwear-Avantgarde

Die nächste Generation japanischer Designer führt diese Haltung fort – mit Upcycling, nachhaltigen Materialien und technologischer Innovation.
Workwear ist längst mehr als Mode: Sie ist Philosophie, Rebellion und Zukunftsvision zugleich.

Vaquera: Fashion Fan Fiction als Rebellion – wenn Mode erzählerisch, provokativ und ambivalent zugleich wird

Vaquera ist keine gewöhnliche Modemarke. Gegründet mit DIY-Ethos und konfrontativem Stil, versteht sie sich als performativer Kommentar auf Mode, Identität und Popkultur. Patric DiCaprio und Bryn Taubensee jonglieren mit Nostalgie und Zukunft, mit Subversion und Tragbarkeit – und schaffen eine Marke, die sich weigert, simple Antworten zu liefern.

„Wir machen Fashion Fan Fiction – wir untergraben das Luxusdenken und erzählen Geschichten.“

Ursprung & Haltung

Die Marke positionierte sich früh nicht als traditionelles Label, sondern als künstlerischer Impuls, der bestehende Referenzen aufgreift und neu kontextualisiert.

Der Markenname selbst — Vaquera (spanisch für „Cowgirl“) — spielt mit Bildern von Grenzüberschreitung, Wildheit und künstlerischer Freiheit.

Was Vaquera ausmacht, ist nicht nur seine ästhetische Lautstärke, sondern ein gleichzeitiger Riss: Provokation trifft Tragbarkeit, Referenz trifft Eigensein, Popkultur trifft Kritik.

Subversion & kultureller Bezug

Vaquera operiert im Spannungsfeld zwischen Reproduktion und Transformation. Die Designer geben offen zu, dass sie Stücke wie die Tiffany & Co. Schmuckbeutel oder ikonische Modestücke referenziert haben — nicht heimlich, sondern mit gebrochenem Spiegelblick: fashion fan fiction.

„Wenn die Leute’s sofort verstehen, machen wir etwas falsch.“

In ihrer Arbeit ist politische und kulturelle Beobachtung stets präsent — wenn auch nie plakativ. Die amerikanische Symbolik (Stars and Stripes, Wirtschaftssymbole, Konsumästhetik) wird sowohl gefeiert als auch dekonstruiert.

Der Versuch von Vaquera, Americana zu reflektieren — mit all ihren gegensätzlichen Konnotationen — ist Teil ihres Kernansatzes: sie sind stolz amerikanisch, während sie zugleich kritisch beobachten, was dieses Amerika produziert.

Performanz & Mode als Erzählung

Vaquera versteht Mode nicht als statisches Produkt, sondern als Performance, als Erzählmedium. Ihre Schauen sind oft spektakulär, mit dramatischen Volumen, Überzeichnung und Tempowechseln — etwa Modelle, die über die Laufstege rasen, wodurch Momentaufnahmen entstehen, die kaum kontrollierbar sind.

Ein legendäres Beispiel ist das „Vaqueraoke“ bei MoMA PS1: ein live inszeniertes Mode-Karaoke, das Mode, Theater und Popkultur verschränkte. Vaquera ist insofern ein Art Project, das sich als Modekollektion tarnt — mehr Konzept als Produkt.

Kommerz vs. Konzept — Balance finden

Ein zentraler innerer Konflikt der Marke ist: Wie sehr dürfen sie sich der Marktwirklichkeit beugen, ohne ihre Identität zu verraten? In jüngeren Kollektionen streben sie danach, das Konzept extrem zu halten, aber die Stücke tragbar zu machen — konzeptuell und doch alltäglich.

Die Unterstützung durch Dover Street Market / Comme des Garçons ist ein wichtiges Fundament, das ihnen und ihren Visionen Raum verschafft hat — in Logistik, Vertrieb, Infrastruktur.

Vaquera hat inzwischen einen Schritt getan: Vom Underground-Label hat sich ein Teil des Sortiments in Richtung tragbarer Mode geöffnet, ohne den provokativen Kern aufzugeben.

Wofür steht Vaquera heute?

Vaquera steht für Ambivalenz. Für die Spannung zwischen Subversion und Identifikation. Für die Möglichkeitsräume, in denen Mode nicht nur Kleidung ist, sondern Reflexion, Erzählung, Widerspruch.

Ihre Vision ist eine Mode, die nicht passt, die irritiert, Fragen stellt — und trotzdem getragen wird. Eine Mode, in der Ironie, Nostalgie und Zukunftsdenken zusammenspielen. Eine Marke, die sich weigert, bequem zu sein.

Wie Chitose Abe die Mode dekonstruiert – und neu zusammensetzt

Mode ist oft eine Frage der Oberfläche. Nicht so bei SACAI. Das japanische Label bricht mit Konventionen, kombiniert Gegensätze und erschafft daraus etwas radikal Eigenständiges. Hinter dieser kreativen Kraft steht Chitose Abe, eine Designerin, die nicht nur Kleidung entwirft, sondern Denkweisen neu strukturiert.

Die Königin der Hybridität

„Ich mache keine Mode, ich mache SACAI“ – ein Satz, der fast wie ein Mantra über dem Werk von Chitose Abe steht. Ihre Entwürfe folgen keinem Trend, keiner klassischen Silhouette. Stattdessen entstehen Hybridteile, die scheinbar Unvereinbares vereinen: Sport trifft auf Haute Couture, Männliches auf Feminines, Streetwear auf Tailoring.

Diese Komplexität ist kein Selbstzweck, sondern Ausdruck eines tiefen Verständnisses von Material, Funktion und Identität.

Chitose Abe – eine stille Revolutionärin

Bevor sie 1999 SACAI gründete, arbeitete Chitose Abe bei Comme des Garçons unter Rei Kawakubo – eine Schule, die vieles erklärt: Der Wille zur künstlerischen Freiheit, die Lust an der Dekonstruktion, der Mut zur Andersartigkeit.

Doch Abe entwickelte ihren ganz eigenen Stil: leiser, subtiler, aber nicht weniger radikal. Ihre Schnitte wirken oft vertraut und doch neu. Ein Parka wird zur Tunika. Ein Blazer trifft auf Plisseerock. Ihre Kollektionen sind keine Statements, sondern elegante Grenzverschiebungen.

Mode, die Fragen stellt

Was ist weiblich? Was ist funktional? Was bedeutet Kleidung heute – in einer Welt, in der Kategorien sich zunehmend auflösen? SACAI antwortet nicht – die Marke stellt Gegenfragen in Form von Stoff, Schnitt und Silhouette. Das Ergebnis: Teile, die nie eindeutig sind, aber immer aufregend.

Die Trägerin wird Teil der Erzählung. Nicht als wandelndes Lookbook, sondern als Persönlichkeit, die in Bewegung bleibt – genau wie die Mode von SACAI.

Global gefeiert, lokal verwurzelt

Trotz internationalem Erfolg – SACAI kooperierte u. a. mit Nike, Dior, The North Face und Moncler – bleibt das Label tief in der japanischen Designphilosophie verankert: Präzision, Respekt fürs Handwerk, Reduktion mit Tiefgang.

Abe selbst tritt kaum in der Öffentlichkeit auf, gibt selten Interviews – und schafft es dennoch, SACAI zur globalen Stilinstanz zu machen. Vielleicht gerade deshalb: Weil es hier nicht um Ego, sondern um Haltung geht.

SACAI tragen heißt: Konventionen ablegen

Wer SACAI trägt, entscheidet sich bewusst gegen Oberflächlichkeit. Für Komplexität. Für Bewegung. Für Mode, die nicht schreit – sondern denkt. Und genau darin liegt ihre besondere Schönheit.

Junya Watanabe, ein Name, der in der Modebranche für Innovation und avantgardistische Designs steht, ist einer der einflussreichsten Modedesigner Japans. Geboren 1961 in Fukushima, Japan, begann Watanabe seine Karriere im Jahr 1984 bei Comme des Garçons, nachdem er die renommierte Bunka Fashion College in Tokio abgeschlossen hatte. Unter der Schirmherrschaft der legendären Rei Kawakubo entwickelte er seinen eigenen unverwechselbaren Stil und gründete 1992 sein eigenes Label unter der Comme des Garçons-Marke.

Design-Philosophie und Ästhetik

Watanabes Designs zeichnen sich durch ihre technologische Raffinesse und handwerkliche Präzision aus. Er ist bekannt für seine experimentellen Techniken, innovative Schnittführung und die Verwendung unkonventioneller Materialien. Durch die Kombination traditioneller Handwerkskunst mit modernster Technologie schafft er Kleidungsstücke, die sowohl künstlerisch als auch funktional sind.

Ein Markenzeichen seiner Kollektionen ist die Dekonstruktion und Rekonstruktion klassischer Kleidungsstücke. Watanabe spielt mit Proportionen und Strukturen, wodurch er neue Silhouetten und überraschende Formen erzeugt. Dieser avantgardistische Ansatz hat ihm weltweit Anerkennung und eine treue Anhängerschaft eingebracht.

Kollaborationen und Einfluss

Junya Watanabe ist bekannt für seine zahlreichen Kollaborationen mit anderen Marken und Künstlern. Von Outdoor-Bekleidungsherstellern wie The North Face bis hin zu traditionellen Stoffproduzenten wie Harris Tweed – Watanabe integriert externe Einflüsse meisterhaft in seine Kollektionen und erweitert so kontinuierlich die Grenzen der Mode. Diese Zusammenarbeit stärkt nicht nur seine kreative Vision, sondern macht seine Arbeit auch für ein breiteres Publikum zugänglich.

Nachhaltigkeit und Innovation

In den letzten Jahren hat Watanabe zunehmend nachhaltige Praktiken in seine Arbeit integriert. Er experimentiert mit recycelten Materialien und setzt sich für eine umweltbewusste Produktion ein. Durch seine innovativen Ansätze trägt er dazu bei, das Bewusstsein für nachhaltige Mode zu schärfen und setzt damit ein Zeichen für die Zukunft der Branche.

Fazit

Junya Watanabe bleibt ein Pionier und eine treibende Kraft in der Welt der Avantgarde-Mode. Mit einem einzigartigen Gespür für Design und einem unermüdlichen Innovationsdrang hat er eine Marke geschaffen, die sowohl die Grenzen der Ästhetik als auch der Funktionalität neu definiert. Seine Arbeiten sind mehr als nur Mode; sie sind Kunstwerke, die die Essenz von Kreativität und Technik verkörpern.

Comme des Garçons, oft abgekürzt als CdG, ist ein japanisches Modelabel, das 1969 von der Designerin Rei Kawakubo gegründet wurde. Der Name bedeutet auf Französisch „Wie die Jungen“ und reflektiert Kawakubos Vision, geschlechterübergreifende Mode zu schaffen, die sich von traditionellen Normen distanziert.

Die Anfänge und der Durchbruch

Rei Kawakubo, ursprünglich eine selbstständige Stylistin, gründete Comme des Garçons in Tokio und präsentierte ihre erste Kollektion 1973. Bereits in den frühen Jahren erregte das Label Aufmerksamkeit durch seine avantgardistischen Designs, die konventionelle Schönheitsideale herausforderten. Der internationale Durchbruch gelang 1981, als Comme des Garçons erstmals auf der Pariser Modewoche präsentiert wurde. Die Kollektion, geprägt von Schwarz- und Grautönen sowie asymmetrischen Schnitten, sorgte für Aufsehen und etablierte das Label als festen Bestandteil der Modewelt.

Designphilosophie und Einfluss

Comme des Garçons ist bekannt für seine experimentelle und konzeptionelle Herangehensweise an Mode. Rei Kawakubo betont oft das Unvollkommene und das Unkonventionelle, was sich in dekonstruierten Silhouetten, ungewöhnlichen Materialkombinationen und innovativen Techniken zeigt. Die Designs sind oft skulptural und spielen mit den Grenzen zwischen Kunst und tragbarer Kleidung.

Ein weiteres Merkmal des Labels ist die Auseinandersetzung mit Geschlechterrollen. CdG war eines der ersten großen Labels, das androgynes Design förderte und damit die Modewelt nachhaltig beeinflusste. Die Kollektionen hinterfragen regelmäßig traditionelle Geschlechterkleidung und schaffen so einen Raum für neue Ausdrucksformen.

Kollaborationen und Expansion

Comme des Garçons hat sich auch durch zahlreiche Kooperationen mit anderen Marken und Künstlern einen Namen gemacht. Eine der bekanntesten ist die Zusammenarbeit mit dem schwedischen Möbelhaus IKEA, die ungewöhnliche und kreative Wohnaccessoires hervorgebracht hat. Auch die Parfümlinie des Labels, besonders der Duft „Comme des Garçons 2“, hat Kultstatus erreicht.

Darüber hinaus hat CdG mehrere Untermarken und Linien entwickelt, darunter Comme des Garçons Homme Plus, Comme des Garçons Shirt und PLAY Comme des Garçons. Letztere, bekannt für das ikonische Herz-Logo, spricht eine jüngere Zielgruppe an und ist besonders beliebt bei Streetwear-Enthusiasten.

Einfluss und Vermächtnis

Comme des Garçons hat die Modewelt nachhaltig geprägt und gilt als Pionier in der Avantgarde-Mode. Rei Kawakubo hat es geschafft, mit ihren unkonventionellen Designs und ihrer Vision eine Marke zu schaffen, die immer wieder neue Maßstäbe setzt und die Grenzen der Mode auslotet. Ihr Einfluss ist in der Arbeit vieler zeitgenössischer Designer zu erkennen, die die Dekonstruktion und die Herausforderung traditioneller Normen fortsetzen.

Insgesamt bleibt Comme des Garçons ein Synonym für Innovation und Kreativität in der Modewelt. Rei Kawakubos unerschrockener Ansatz und ihr unermüdliches Streben nach Neuem haben das Label zu einer Ikone gemacht, die auch in den kommenden Jahren die Modebranche inspirieren und prägen wird.

Was tun, wenn man für alles, was man gerne in seinem Laden hätte, eigentlich ein ganzes Kaufhaus brauchen würde? Mehrere Läden eröffnen. So haben es die Köpfe hinter La Comercial gemacht.

Um in der schönen Nachbarschaft des Stadtteils El Born in Barcelona zu sein, wurden gleich mehrere Geschäftslokale gefüllt. So gibt es einen Store für Frauenmode, zwei für Männer, einen Home Store, einen Paul-Smith- Store und drei in verschiedenen angesagten Hotels.

La Comercial
Man

Rec 73 08003 Barcelona

Ein Geschäft mit einer großen Auswahl an Bekleidungs- und Accessoire-Marken für Männer, einschließlich einer einzigartigen und vielfältigen Auswahl an Parfüms und Kosmetika. Bikkembergs, McQ von Alexander McQueen, Ugo Cacciatori, Roberto Collina, Common Wild, People of Shibuya, Vivienne Westwood, Aesop, Lords & Fools, Palto, Essentiel, Limitato, Comme des Garcons, Carner, Nasomatto…

La Comercial ist ein besonderer Ort, um Mode zu genießen und zu erleben und an dem die feinsten Stücke mit größter Liebe zum Detail entdeckt werden können. Für ihn, für sie und für Ihr Zuhause. Für Ihre Wünsche, für Geschenke, für Sie.

La Comercial
Man

Rec 75 08003 Barcelona

In einem ungewöhnlich aussehenden Haus mit drei Stockwerken hat La Comercial seine Auswahl – die dem italienischen Designer Daniele Alessandrini gewidmet ist – gemeinsam mit einer sorgfältigen Auswahl an Parfüms platziert. Daniele Alessandrini, Acqua di Parma, Ramon Monegal, Acht & Bob…

La Comercial
Paul Smith

Bonaire 7 08003 Barcelona

Dieser Store ist dem britischen Designer Paul Smith gewidmet ist. Paul Smith, PS von Paul Smith, Paul Smith Schuhe, Paul Smith Brillen, Paul Smith Accessoires…

Mode als künstlerischer Ausdruck

Jeder Store ist ein Concept Store für sich und gemeinsam ergeben sie so etwas wie einen Super-Concept-Store mit bestens ausgewählter Ware. Die Marken reichen von A wie Aqua di Genova bis V für Vivienne Westwood. Am besten liest man sie auf der Website nach – oder noch besser nimmt
man sich die Zeit und schlendert durch alle Stores.

La Comercial
Woman

Rec 52 08003 Barcelona

Ein Store, der einem sorgfältig ausgewählten Angebot an Kleidung, Accessoires, Schmuck und Düften für Frauen gewidmet ist. Isabel Marant Etoile, M Missoni, Mm6, Red Valentino, Mykita, Religion, Vivienne Westwood, McQ von Alexander McQueen, Satellite Paris, Ioselliani, Essentiel, Brand Unique, Alessandro dell’Acqua, Hervé Gambs, Juliette Has a Gun, Roberto Victoria…

La Comercial
Home

Bonaire 4 08003 Barcelona

La Comercial Home befinden sich in einem Gebäude aus dem 19. Jahrhundert. Hier finden Sie eine ganze Welt von Hausdekorationsobjekten, Wohndüften, Kerzen, Accessoires und Geschenken für jedes Alter. Alessi, Astier de Villatte, Cire Trudon, Fornasetti, Fornasetti Profumi, Nixon, Lladró von Jaime Hayón, Jonathan Adler, Mariage Frères, Bernardaud von Jeff Koons…

Erfunden hat diesen Concept-Dream übrigens Carlos de Barrio.

Das Interesse von Carlos de Barrio für Mode als künstlerischen Ausdruck beginnt schon in jungen Jahren. In den 80er Jahren befand sich Spanien in einer politischen Übergangsphase, das Land öffnete sich der Welt und die Mode war ein Spiegelbild davon. Bald schon eröffnet Carlos seine eigene Boutique in seiner Heimatstadt Zaragoza. La Piscina, ein großzügiger Raum mit Kleidung, Schuhen und Schmuck von renommierten Marken. In den 90er Jahren beginnt er in Barcelona ein neues Geschäftsabenteuer. Dort baut er ein kommerzielles Netzwerk mit jungen Designern auf und gründet einen Ausstellungsraum, La Comercial. Mit diesem neuen Instrument startet er den landesweiten Vertrieb von Schmuck und Modeaccessoires.

Im Jahr 2000 beginnt Carlos seinen Weg allein, er macht mit dem Ausstellungsraum weiter und beginnt zu gestalten, was sein eigener Raum werden soll. Sein besonderes Interesse gilt einem Viertel in Meeresnähe, dem Born, einer Gegend voller Geschichte. Die kleinen kopfsteingepflasterten Straßen führen in eine andere Zeit, die gotische Kathedrale und der Markt waren die perfekte Umgebung, um La Comercial Woman zu eröffnen. Eine Boutique, die der Stadt eine ausgewählte Auswahl an Kleidung, Accessoires, Schuhen und Parfums anbietet.

Die Erweiterung der Marke

Die Marke wächst bis heute weiter, mit 5 Geschäften im Stadtteil Born und 3 in den renommiertesten Hotels der Stadt: W Hotel, Art und Renaissance. La Comercial lancierte auch die Parfüms Lucrecia und Borgia, eine Hommage an die polemische Lucrecia Borgia, die in Zusammenarbeit mit dem Parfümeur Ramón Monegal entstand. Und eine limitierte Auflage von Sonnenbrillen, die in Zusammenarbeit mit der exklusiven deutschen Marke Mykita hergestellt wurde.

La Comercial
W Barcelona Hotel

Rosa del Vents 1 08039 Barcelona

Das neue Geschäft von La Comercial im W-Hotel. In diesem privilegierten Raum finden Sie eine Auswahl alleStores unter einem Dach. McQ von Alexander McQueen, Paul Smith, Mykita Sonnenbrillen, M Missoni, Iosselliani, Ugo Cacciatori, Comme des Garçons, Ramon Molvizar, Re Profumo…

La Comercial
Renaissance Hotel

Pau Claris 122 08009 Barcelona

Im Herzen von Barcelona, in der Lobby des Renaissance-Hotels, finden Sie einen exklusiven Shop mit einer großen Auswahl an Modeaccessoires, Düften und Geschenken. Lladró Der Gast, Cire Trudon, Astier de Villate, Fornasetti, Re Profumo, Karl Lagerfeld, Paul Smith, Lorenzo Villoresi…

La Comercial
Arts Hotel

Marina 19-21 08005 Barcelona

La Comercial öffnet seine Türen im prestigeträchtigen Hotel Arts. Ein neues Geschäft an einem außergewöhnlichen Ort, mit einer sorgfältigen Auswahl der exklusivsten Marken, Modeaccessoires und Düfte. M Missoni, Fornasetti, Gigi Barcelona, Ramon Monegal, Paul Smith, Red Valentino, March Lab, Roberto y Victoria, Limitato…

Fotos: Roberto Ruiz

NUMBER 3, Text: Nina Prehofer

THE Stylemate war shoppen und hat sich unter anderem in Athen von avantgardistischer Mode inspirieren lassen.

NUMBER 3

16 Patriarchou Ioakeim Street
10675 Kolonaki
Athen, Griechenland

number3store.com

Leidenschaf für individuelle Trends

Für alle Männer, die Avantgarde-Mode lieben, ist dieser Store im Athener Stadtteil Kolonaki der beste Ort der Stadt. Begonnen haben Dimitris Papadopoulos und Yiannis Kondilis als Comme des Garcons Pop-up- Store, jetzt führen sie neben dieser Brand auch Raf Simons, Rick Owens oder Junya Watanabe in ihrem chicen cleanen Laden.

Nur nicht einschüchtern lassen von der minimalistischen Fassade, sondern läuten, eintreten und sich überwältigen lassen von der exzellenten Auswahl. Neben den bereits genannten Labels gibt es Accessoires wie die Seidenschals von der Athener Kultmarke Serapis oder Parfums von Comme des Garcons.

Das Lieblingsstück der beiden Inhaber für den Sommer 20 ist ein Sneaker, ebenfalls von Comme des Garcons.

Ein Geschäft, das sich eher wie ein cooler Treffpunkt in der Innenstadt anfühlt als eine anspruchsvolle High-End-Boutique.

Der bedeutendste Wandel in der Menswear ist die Tatsache, dass sich der klassische Stil und der Anzug immer mehr in Richtung Streetwear und Tragekomfort entwickelt, alles wir legerer.

Dover Street Market Ginza, Text: Nora Palzenberger

Anfang der Achtzigerjahr revolutionierte die japanische Avantgarde mit ihren dekonstruktivistischen Entwürfen die westliche Mode. Heute sind die Erben von Yamamoto, Miyake & Co. längst aus dem Schatten ihrer Wegbereiter getreten.

THE Stylemate hat sich in der Modemetropole Tokio umgesehen und zeigt einige der hippsten Concept-Stores der japanischen Hauptstadt.

DOVER STREET MARKET

Ginza Komatsu West 6-9-5
Ginza Chuo-ku, Tokyo 104-0061
ginza.doverstreetmarket.com

Allein die riesigen Kunstinstallationen sind einen Besuch wert: Neben Skulpturen, Fotografien und anderen Werken zeitgenössischer Kunst zieht sich das Ursprungskonzept des „schönen Chaos“, das „Comme de Garçons“- Designerin Rei Kawakubo im Kopf hatte, als sie ihren ersten Dover Street Market in London eröffnete, auch durch die einzige japanische Dependance des legendären Modemarkts der Luxusklasse.

Mehrmals im Jahr wird von den Labels und Designern selbst umgestaltet, jede Ecke des Kult-Ladens sieht anders aus und ist weit entfernt von konventionellem Interiordesign.

Auf sieben Stockwerken erstreckt sich ein eklektischer Mix aus dem hauseigenen Label Comme des Garçons, anderen Luxusmarken, aufstrebenden Jungdesignern und Streetwear. Die musikalische Untermalung im Hintergrund wird eigens für den Store von einem New Yorker Sound Artist produziert

Ein Besuch lohnt sich aber nicht nur für Liebhaber moderner Kunst und avantgardistischer Mode, sondern auch für kulinarische Genießer: Die schicke, aber unprätentiöse Rose Bakery, ein Import aus Paris, hat ein Café im obersten Stockwerk.

Fotos: ginza.doverstreetmarket.com