Auf dem Tennisplatz gehört Lorenzo Musetti zu den Spielern, denen man besonders gerne zusieht. Für IUMAN Intimissimi zeigt sich der Italiener nun von seiner modischen Seite.

Über die Schönheit eines Tennisschlags lässt sich streiten. Bei Lorenzo Musettis einhändiger Rückhand dürfte die Diskussion allerdings kurz ausfallen. Das weite Ausholen, der präzise Treffpunkt, das freie Ausschwingen: Sein Spiel besitzt eine Eleganz, die auch im hart umkämpften Ballwechsel sichtbar bleibt. Musetti spielt erfolgreich Tennis – und ausgesprochen schön.

Dass er nun auch in einer Modekampagne eine gute Figur macht, erscheint da beinahe folgerichtig. Für Herbst/Winter 2026 hat IUMAN Intimissimi den Italiener als Markenbotschafter gewonnen. Im Mittelpunkt steht die Premium-Baumwollkollektion: Shirts und Boxershorts aus reiner merzerisierter Baumwolle, deren schlichte Gestaltung die glatte Oberfläche und den dezenten Glanz des Materials zur Geltung bringt.

Stil beginnt bei den Basics

Die Kollektion widmet sich jenen Teilen, die wir jeden Tag tragen und bei der Zusammenstellung unserer Garderobe trotzdem oft beiläufig behandeln. Dabei sind Material, Schnitt und Verarbeitung gerade bei der ersten Schicht unmittelbar spürbar. Wie ein Shirt sitzt, wie sich Baumwolle auf der Haut anfühlt – solche Details begleiten uns länger als der Blick in den Spiegel.

„Dafür muss ich mich jederzeit wohlfühlen – auch bei den einfachsten Dingen“, sagt Musetti über seinen Anspruch, auf und abseits des Platzes sein Bestes zu geben.

Mit ihm setzt IUMAN auf einen Sportler, dessen Ausstrahlung viel mit der Selbstverständlichkeit seiner Bewegungen zu tun hat. Die zurückhaltenden Essentials lassen ihm dafür Raum. Und zeigen, dass auch ein schlichter Look von der Person lebt, die ihn trägt.

Sieben Jahre Artycapucines: Im Grand Palais stellt Louis Vuitton die künstlerischen Interpretationen seiner Capucines den Werken ihrer Urheber gegenüber. Eine neue Kollektion widmet sich Keith Haring.

Eine Banane hängt an einer Tasche. Bei Urs Fischer ist diese kleine Irritation Teil einer künstlerischen Sprache, in der Alltagsgegenstände ihre Selbstverständlichkeit verlieren. Im Grand Palais begegnet seine Artycapucines nun der Arbeit Fruits von 2026. Die Gegenüberstellung macht anschaulich, worum es in der diesjährigen Präsentation von Louis Vuitton bei Art Basel Paris geht: Wie wandert eine Idee von einem Medium ins andere? Und was geschieht mit einer Tasche, sobald Künstlerinnen und Künstler ihre Form, Oberfläche und Funktion neu verhandeln?

Als Associate Partner der Messe versammelt Louis Vuitton auf dem Balcon d’Honneur Positionen von insgesamt 14 Kunstschaffenden. Die Retrospektive blickt auf das 2019 gestartete Artycapucines-Projekt zurück und zeigt die Taschen gemeinsam mit ausgewählten Kunstwerken. So werden die gestalterischen Entscheidungen hinter den einzelnen Entwürfen lesbar.

Leder als künstlerisches Material

Die Capucines gibt dem Projekt einen wiedererkennbaren Ausgangspunkt. Was daraus entsteht, unterscheidet sich jedoch erheblich. Gemeinsam mit den Handwerkerinnen und Handwerkern von Louis Vuitton übertragen die Beteiligten ihre Arbeitsweisen auf ein Objekt, das eigene technische Bedingungen mitbringt: Leder muss geformt, eine Konstruktion tragfähig und eine Oberfläche bearbeitbar bleiben.

Besonders interessant wird dieser Austausch dort, wo Material und künstlerische Handschrift eng verbunden sind. Kennedy Yankos Skulptur Because of its blues von 2025 besteht aus Metall und Farbhaut. Ihre geknautschte, bemalte Artycapucines von 2022 greift eine verwandte Vorstellung von Volumen auf. Bei Liza Lou führt der Weg über die Oberfläche: Die bemalten Glasperlen ihrer Arbeit Lost Blue von 2022 finden eine Entsprechung in der aufwendigen Perlenarbeit ihres Taschenentwurfs von 2023.

Billie Zangewa wiederum bringt ihre figurative Bildwelt in bestickter Seide ein. Ihre Arbeit Soldier of Love von 2020 steht neben ihrem ebenfalls mit bestickter Seide gestalteten Beitrag. Hier lässt sich verfolgen, wie eine textile Erzählweise auf einem anderen Gegenstand weiterlebt.

Auch Malerei verändert unter diesen Bedingungen ihren Charakter. Henry Taylors A Young Master von 2017 begleitet seine Auseinandersetzung mit Porträtmalerei auf einer Tasche. Josh Smiths Untitled von 2019 stellt Schrift und gesättigte Farbe in einen räumlichen Zusammenhang mit seinem Entwurf. Die Tasche wird dabei zum Gegenüber des Bildes, mit Kanten, Tiefe und einer beweglichen Form.

Zwischen Transportkiste und Ausstellung

Die Szenografie nimmt einen Bereich auf, der im Ausstellungsbetrieb meist hinter den Kulissen bleibt: das Verpacken, Lagern und Transportieren von Kunst. Offene Kisten, Sockel und kofferartige Strukturen aus gebürstetem Aluminium und Baumwoll-Canvas rahmen die Arbeiten. Ein heller Teppich ist auf den charakteristischen grünen Stahl des Grand Palais abgestimmt.

Das passt zur Geschichte eines Hauses, dessen Anfänge im Verpacken und im Bau von Reisekoffern liegen. Zugleich gibt diese Gestaltung der Präsentation einen interessanten Zwischenzustand. Die Objekte scheinen gerade angekommen zu sein oder könnten bald wieder aufbrechen. Das schärft den Blick für ihren materiellen Charakter: für Oberflächen, Gewicht und die handwerkliche Arbeit, die in ihnen steckt.

Zu sehen sind auch Arbeiten langjähriger Wegbegleiter. Takashi Murakamis Monogramouflage Skull (Black) von 2008 begleitet seine Camouflage-Interpretation aus der Artycapucines-Kollektion von 2025. Yayoi Kusama ist unter anderem mit Great Gigantic Pumpkin und Every Day I Pray for Love, beide von 2023, vertreten. Frank Gehrys fischförmige Leuchten Untitled (Paris II) von 2012 stellen eine Verbindung zwischen seinen bewegten Formen und seinen Lederwarenentwürfen für Louis Vuitton her.

Keith Haring und die Bewegung der Zeichen

Ein neues Kapitel eröffnet die Keith Haring gewidmete Artycapucines-Kollektion. Kleine Figuren, Tänzer, ein laufendes Herz und Ketten grafischer Symbole ziehen sich über die Taschen. Harings Bildsprache bringt dabei einen eigenen Rhythmus mit: Die Zeichen wirken auch dort bewegt, wo die Oberfläche stillsteht.

Daneben wird ein Louis-Vuitton-Koffer aus den 1930er-Jahren gezeigt, den Haring in den 1980er-Jahren mit seiner Signatur versah. Dieses historische Objekt gibt der aktuellen Kollektion einen konkreten Bezugspunkt. Zwischen dem alten Koffer und den neuen Taschen liegen Jahrzehnte; verbunden sind sie durch die Begegnung einer unverwechselbaren Handschrift mit einem Gegenstand des Reisens.

Gerade die Gegenüberstellungen machen die Retrospektive interessant. Sie erlauben, einer Idee über unterschiedliche Materialien hinweg zu folgen: von Glasperlen zu Leder, von einer gemalten Figur zu einer tragbaren Form. Wie viel vom ursprünglichen Werk bleibt dabei erhalten? Und welche Möglichkeiten entstehen erst durch die Übersetzung?

Die Präsentation ist im Rahmen von Art Basel Paris vom 23. bis 25. Oktober 2026 im Grand Palais öffentlich zugänglich. Für den Messebesuch gelten die jeweiligen Ticketbedingungen.

Für Frühjahr/Sommer 2027 rückt das Münchner Label Leinen in Denim-Optik in den Mittelpunkt. Die Geschichte dahinter beginnt mit 2.000 alten Leinensäcken.

Verwaschenes Blau, angedeutete Bleichungen, die Optik einer längst eingetragenen Jeans. Das Auge erkennt Denim. Auf der Haut liegt reines Leinen. elemente clemente löst mit dieser Verschiebung eine vertraute Verbindung auf: Wie ein Kleidungsstück aussieht, muss nicht bestimmen, wie es sich anfühlt. In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 wird daraus „The Denim (R)Evolution“.

Eine Jeans gehört zu jenen Kleidungsstücken, über die man morgens kaum nachdenken muss. Sie passt zu einem weißen T-Shirt, einem Hemd, einem Blazer. Ihre Gebrauchsspuren mögen wir oft genauso gern wie ihren Schnitt. An heißen Tagen kann der schwere Stoff allerdings an Selbstverständlichkeit verlieren. Die Lust auf den Look bleibt, die auf eine dicke Baumwollhose eher weniger.

Genau dort setzt elemente clemente an. Seit 2023 führt das Label Leinen in Denim-Optik im Sortiment. Europäisches Leinen wird dafür mit wasserbasierten Farben digital bedruckt. Blauabstufungen und Waschungseffekte bilden die Oberfläche von getragenem Denim nach, während die natürliche Struktur des Leinens sichtbar bleibt. Der Stoff behält seine Leichtigkeit und seinen beweglichen Fall.

Eine Materialgeschichte mit 2.000 Säcken

Dass ausgerechnet Leinen diese Rolle übernimmt, lässt sich weit in die Geschichte von Gründer Clemens Dörr zurückverfolgen. 1988, noch vor elemente clemente, gründete er Kandis & Kandismann. Auf einem Flohmarkt entdeckte französische Leinensäcke brachten ihn auf eine Idee: Aus einem französischen Staatsdepot kaufte er 2.000 unbenutzte Säcke aus der Zeit des Ersten Weltkriegs und verarbeitete sie zu seiner ersten Herrenkollektion.

Die Stücke wurden unter anderem bei Ludwig Beck und Uli Knecht verkauft. Für Dörr war es eine frühe Erfahrung damit, wie lange ein Material bestehen kann – und wie viel gestalterischer Spielraum in etwas steckt, das ursprünglich einen ganz anderen Zweck hatte.

2002 gründete er in München elemente clemente. Leinen blieb ein zentrales Material, großzügige Schnitte und klare Linien wurden Teil der Formensprache. Auch die Arbeit mit vorhandenen Reststoffen gehört zum Selbstverständnis der Marke.

Blau mit Bewegungsfreiheit

In der Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 begegnet der Denim-Look weiten Hosen, Shorts, lässigen Hemden und fließenden Kleidern. Die in Tunesien gefertigten Modelle aus europäischem Leinen greifen die unkomplizierte Kombinierbarkeit von Jeans auf. Elastische Hosenbünde und lockere Silhouetten geben dem Körper Raum.

Gestalterisch reicht die Kollektion von zurückhaltenden, monochromen Looks bis zu markanten Wascheffekten. Interessant ist dabei gerade das Zusammenspiel der Oberflächen: Die aufgedruckten Spuren von Denim treffen auf die eigenständige Struktur des Leinens. Das vertraute Blau bekommt einen anderen Fall, die Silhouette verändert sich mit dem Material.

Die Frage hinter dem Look

Mit der Kampagne „No More Dirty Denim“ thematisiert elemente clemente den Ressourcenverbrauch und die Arbeitsbedingungen konventioneller Jeansproduktion. Die eigene Alternative setzt bei der Faser und der Gestaltung der Oberfläche an. Einen langjährigen Produktionspartner hat das Unternehmen in Tunesien; weitere Hersteller sitzen in Europa.

Die Kollektion macht damit auch eine gestalterische Frage anschaulich: Was genau wollen wir behalten, wenn wir ein Kleidungsstück neu denken? Bei der Jeans sind es vielleicht das Blau, die lässige Wirkung, die Leichtigkeit des Kombinierens. elemente clemente übernimmt diese vertrauten Eigenschaften und verändert das Material darunter. Das Ergebnis lässt sich am Ende ganz körperlich verstehen: an der Bewegung einer weiten Hose und daran, wie sich Leinen an einem warmen Tag trägt.

Am 5. November wird im Küglerhof zum letzten Mal in diesem Jahr der Frühstückstisch gedeckt. Die letzten Gäste trinken noch ihren Kaffee, schauen vielleicht noch einmal Richtung Meran und machen sich irgendwann auf den Heimweg. Danach schließen sich die Türen. Nicht nur für ein paar Tage. Für den Küglerhof endet die Saison, und erst einige Monate später wird das Haus wieder voller Gäste sein. Bis dahin bleiben aber noch ein paar Tage, an denen wir Südtirol von einer ganz anderen Seite erleben können.

Noch einmal hinauf in die Berge

Anfang November zeigt sich Südtirol schon anders als noch wenige Wochen zuvor. Die Morgen sind kühler, die Tage kürzer und in den Bergen kündigt sich langsam der Winter an. Wir können trotzdem noch einmal los. Küglerhof liegt in Dorf Tirol oberhalb von Meran, am Rand des Naturparks Texelgruppe. Rund 70 Kilometer markierte Wanderwege führen durch die Umgebung, die Seilbahn Hochmuth ist nur etwa zehn Gehminuten vom Hotel entfernt. Dabei müssen wir weder Rekorde aufstellen noch Anfang November unbedingt jeden Gipfel erobern. Es reicht völlig, die Tage zu nutzen, an denen wir morgens noch direkt von hier in die Berge starten und einige Stunden später wieder an denselben Ort zurückkehren können. Denn im November hat auch das Zurückkommen seine Vorteile.

Wenn der November dem Wellness besonders gut steht

Das Wasser im Panorama-Außenpool des Küglerhofs ist auch jetzt angenehm warm. Im Garten wartet die Outdoor Sauna am See, im Spa stehen Massagen auf dem Programm, wenn wir die Wanderschuhe für diesen Tag lieber gegen einen Bademantel tauschen möchten. Im November fühlt sich all das ein wenig anders an als im Sommer. Draußen lässt sich der Wechsel der Jahreszeit bereits spüren. Nach der kühleren Luft tut das warme Wasser noch besser, und aus der Sauna blicken wir auf eine Landschaft, durch die wir wenige Stunden zuvor noch zu Fuß unterwegs waren.

Auch das letzte Angebot des Jahres hat der Küglerhof auf genau diese Tage gelegt. Vom 1. bis 5. November können Gäste vier Nächte im Küglerhof verbringen – eine davon schenkt das Hotel. Zusätzlich erhält jeder Gast einen persönlichen Massagegutschein im Wert von 20 Euro. So bleibt in den letzten Tagen der Saison ein bisschen mehr Zeit für genau das, weswegen man hierherkommt.

Wenn wir wissen, dass es das für dieses Jahr war

Normalerweise kommen wir in einem Hotel an und gehen ganz selbstverständlich davon aus, dass alles genauso weitergeht, nachdem wir wieder abgereist sind. Am nächsten Morgen sitzen andere Gäste an unserem Tisch. Jemand anderes schwimmt im Pool. Andere Jacken hängen am Eingang. Anfang November gibt es im Küglerhof allerdings einen kleinen Unterschied. Wir wissen, dass dies die letzten Tage des Jahres sind, an denen wir all das hier erleben können. Also nutzen wir den Morgen noch ein bisschen mehr, bevor wir losziehen. Gehen noch einmal hinauf in die Berge. Bleiben etwas länger im warmen Wasser. Planen diese Massage ein. Und überlegen am Abend schon, was wir am nächsten Tag noch machen möchten.

Nicht, weil wir Abschied nehmen. Sondern weil wir die Zeit meistens besser nutzen, wenn wir wissen, dass sie begrenzt ist.

Am 5. November geht der Küglerhof in die Winterpause. Bis dahin haben wir aber noch einiges vor.

Die französische Schauspielerin über Kreativität, Intuition und die unsichtbaren Welten, die ihren Blick prägen – und ihre Rolle als künstlerische Leiterin von Oh La La! bei der Art Basel Paris 2026.

Die Natur folgt ihren eigenen Rhythmen, ihrer eigenen scheinbaren Unordnung. Philippine Leroy-Beaulieu fühlt sich darin zu Hause. Im Gewächshaus des Pariser Jardin des Plantes spricht die Schauspielerin über Schönheit, künstlerische Freiheit und jene Dinge, die wir spüren, ohne sie ganz zu verstehen.

International bekannt als Sylvie Grateau aus Emily in Paris, wuchs Leroy-Beaulieu in Rom auf, umgeben von den Künstlerfreunden ihrer Eltern. Eine Kindheit, die ihre Neugier und ihren Sinn für Freiheit förderte – und bis heute ihren Blick auf die Welt prägt.

„Ich tue mir schwer mit einer Welt, die zu starr und standardisiert ist“, erzählt sie NOWNESS. „Für mich ist das Leben etwas viel … Wellenförmigeres.“

Raum für das Unerwartete

Als künstlerische Leiterin der diesjährigen Initiative Oh La La! bei der Art Basel Paris bringt Leroy-Beaulieu diese Offenheit in die Galerieräume. Das zweitägige Programm lädt Galerien dazu ein, ihre Messestände neu zu gestalten und mit anderen Werken neue Perspektiven und Gespräche anzustoßen.

Unter dem Thema Myths and Legends präsentieren 45 Galerien Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern wie Nina Childress, Leonora Carrington, Ed Ruscha und Diedrick Brackens.

Was Leroy-Beaulieu an Kunstschaffenden fasziniert, ist ihre Bereitschaft, sich auf etwas einzulassen, das über das eigene Verständnis hinausgeht. Sie beschreibt eine Offenheit gegenüber dem Unbekannten – und die Fähigkeit, vertraute Sichtweisen durch neue Erfahrungen infrage stellen zu lassen.

Ein Gespür für das Unsichtbare

Zwischen den Pflanzen kehren ihre Gedanken zur Natur zurück: zur Ordnung in deren scheinbarem Chaos und zu Verbindungen, die sich dem Auge entziehen und dennoch spürbar werden. Intuition und plötzliche Eingebungen lenken ihre Aufmerksamkeit.

„Die andere Welt, die unsichtbare Welt, zieht immer wieder meine Aufmerksamkeit auf sich“, sagt sie. „Ich weiß, dass sie existiert; ich brauche dafür nicht einmal einen Beweis.“

In dieser Folge von Inner Worlds zeichnet NOWNESS das persönliche Porträt einer Schauspielerin, deren Neugier weit über die Leinwand hinausreicht – bis in jenen schwer greifbaren Bereich, in dem Empfindung zu Vorstellungskraft wird.

Über NOWNESS
NOWNESS ist ein globaler Videokanal für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen, der mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden zusammenarbeitet.

Das Architekturbüro JK-AR hat in der südkoreanischen Stadt Gyeongju mit dem Haus der Heilung einen Ort geschaffen, der Genesung, Meditation und Besinnung miteinander vereint. Die 150 Jahre alte Klinik verbindet dabei traditionelle koreanische Architektur mit modernen Ansätzen.

Abseits der Hauptstadt Seoul bietet die koreanische Halbinsel zahlreiche weitere sehenswerte Orte. So ist beispielsweise Gyeongju eine der bedeutendsten Kultur- und Geschichtsstädte Südkoreas. Als ehemalige Hauptstadt des antiken Königreichs Silla, eines der drei historischen Reiche Koreas, bietet sie eine besonders hohe Dichte an UNESCO-Welterbestätten. Darunter zahlreiche buddhistische Tempel oder Daereungwon, einen Park mit Grabhügeln königlicher Verstorbener. Kulturelles Erbe ist demnach fest in der DNA der Stadt verankert.

Und nun erhält Gyeongju Zuwachs: Das Haus der Heilung, ein Projekt des südkoreanischen Architekturbüros JK-AR, soll sowohl dem Körper als auch dem Geist dienen. Dafür wurde einer 150 Jahre alten Klinik neues Leben eingehaucht. Seit 2025 können hier Patienten nicht nur medizinische Untersuchungen, sondern auch meditative Aktivitäten – und somit allumfassende Gesundheitsmaßnahmen – in Anspruch nehmen. Sowohl außen als auch innen wurde dieser Ansatz bis ins kleinste Detail durchdacht. 

Drei Ansätze fürs gesund sein

Die Aufteilung des Hauses folgt einer traditionellen Baulogik, die im koreanischen Sprachgebrauch als „Madang“ bezeichnet wird und so viel wie „Hof“ bedeutet. Drei Haupthallen prägen dabei die Anordnung der Räumlichkeiten. Im Mittelpunkt steht die Halle der Heilung, die als Herzstück des Projekts auch im Fokus der Modernisierung stand. Hier sollen künftig Behandlungen nach traditioneller koreanischer Medizin angeboten werden. Die Halle der Meditation wiederum beherbergt Ausstellungsräume, die beispielsweise für Kunstgalerien genutzt werden können. Den Abschluss bildet die Halle der Besinnung. Mit einem traditionellen Teehaus rundet sie die Zielsetzung des Projekts geschickt ab. Gesundheit wird hier über das körperliche Empfinden hinausgedacht, so JK-AR.

Um all das unter ein Dach zu bekommen, orientierten sich die Architekten an der traditionellen Bauweise von Hanok-Gebäuden, die man besonders aus historischen K-Dramas kennt. Für das Konzept verwendeten sie jedoch deutlich weniger Holz als es für Hanoks üblich ist. Zudem verzichtete JK-AR auf eine komplexe Anordnung der Holzträger, um sowohl die Kosten als auch die Bauzeit zu reduzieren. Stattdessen setzen die Architekten auf innovative Timber-Framing-Systeme, mit denen sich ähnliche, jedoch effizientere Ergebnisse erzielen lassen. So bewahrt das Haus der Heilung von außen Tradition und Geschichte, während es im Inneren modernisiert und neu interpretiert wurde. 

An Tradition orientiert

Der Bezug zur Tradition wird trotz der innovativen Bauweise auch in der Struktur des Hauses berücksichtigt. Das Gerüst verfügt über geschwungene Tragstrukturen, die sich sowohl an einem 200 Jahre alten Wohnhaus namens Samguejeong als auch am Jahamun-Tor des Bulguksa-Tempels in Gyeongju orientieren. Für die Materialien verwendete das Architekturbüro hauptsächlich lokales Holz sowie umweltfreundliche Werkstoffe. „Über seine funktionalen Aspekte hinaus ist das Haus der Heilung ein Beispiel für nachhaltige Architektur“, erklären die Architekten.

Laut JK-AR ist die Halle der Besinnung ein herausragendes Beispiel für zeitgenössische ostasiatische Architektur. Auch das schwarze, geschwungene Dach symbolisiert diesen tiefen kulturellen Bezug. Das Teehaus bietet einen weitläufigen Ausblick auf die Umgebung und lädt zum Entspannen ein – eine kleine Auszeit, wie wir sie in europäischen Krankenhäusern so nicht kennen. Dabei ist der Toenmaru, ebenfalls Bestandteil der traditionellen Hanok-Bauweise, eine schmale hölzerne Veranda, die unmittelbar entlang der Wohnbereiche verläuft. Ein solcher Zwischenraum wurde auch im Inneren strategisch eingeplant, um Begegnungen und Austausch zu fördern.

Von Menschen, für Menschen

Große Fenster lassen reichlich natürliches Licht in das Haus der Heilung und unterstreichen den friedlichen Charakter der Räumlichkeiten. Die länglichen Höfe fügen sich zu einem zusammenhängenden System und fungieren als eine Art Organismus, der seine Besucher durch einen zentralen Eingang empfängt. Die Klinik liegt in einer ländlicheren Umgebung, weshalb sich vom vorderen Hof auch ein optimaler Blick auf Gyeongju Namsan eröffnet, einen bekannten Gipfel im gleichnamigen Nationalpark. Dieses Stillleben unterstreicht die ruhige Atmosphäre, die das gesamte Projekt bis in die Holzfasern verinnerlicht hat.

Über die eigentliche Funktionalität hinaus steht das Haus der Heilung beispielhaft für nachhaltige Architektur. Durch die Integration zahlreicher Fenster werden eine natürliche Belichtung und Belüftung ermöglicht. Zudem sollen spezielle Maßnahmen zur Verbesserung der Wärmedämmung beitragen – eine Eigenschaft, die bei traditionellen Hanoks häufig eine Herausforderung darstellt. Das Haus der Heilung versteht sich als Ort der Erneuerung, Genesung und Meditation. Um es mit den Worten der Architekten abzurunden: „Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Haus der Heilung ein bemerkenswertes Beispiel dafür ist, wie traditionelle koreanische Architektur neu interpretiert werden kann, um einen modernen, nachhaltigen und kulturell bedeutsamen Raum zu schaffen“.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Rohspace

Nach dem Soft Opening gehört das familiengeführte Haus bei Leiria zur Lifestylehotels Kollektion – mit 16 Zimmern, weitläufigen Gärten und einer Geschichte, die als persönliche Rückkehr begann.

16 Zimmer und Suiten auf einem 40 Hektar großen Anwesen: Quinta Filippa bringt viel Raum und einen persönlichen Maßstab in die Lifestylehotels Kollektion. Das neue Mitglied liegt in Lage bei Leiria, im ländlichen Portugal zwischen Lissabon und Porto. Hinter dem Hotel steht eine Familie, deren Verbindung zu diesem Ort weit vor den ersten Übernachtungsgästen beginnt.

Eine Rückkehr wird zum Hotel

Als Mike und Nikki das Anwesen 2017 entdeckten, suchten sie zunächst ein Ferienhaus. Für Mike war das Projekt zugleich eine Rückkehr zu seinen portugiesischen Wurzeln: Seine Mutter wuchs ganz in der Nähe mit neun Geschwistern auf. Die Quinta, früher ein Ort des gemeinschaftlichen Brotbackens im Dorf, benannten sie nach seiner ältesten Tochter Filippa. Aus dem privaten Vorhaben entwickelte sich über die Jahre das heutige Hotel.

Gemeinsam mit der Interior Designerin Nanouk Souren van Ramshorst gestalteten Mike Schwalbach und Nikki Mol ein Haus, in dem historische Bausubstanz und moderne Betonerweiterungen zusammenfinden. Wiederverwendetes Holz, Naturstein und natürliche Textilien prägen die Zimmer. Individuell gefertigte Möbel ergänzen die Räume. Wohnbereiche, Gärten und ein Gemeinschaftstisch führen den Gedanken eines geteilten Zuhauses weiter.

Vom Garten an den Tisch

Die Küche folgt dem, was auf dem eigenen Land und in der Umgebung gerade wächst. Gemüse und Kräuter stehen im Mittelpunkt, ausgewählter Fisch und Fleisch ergänzen das Angebot. Küchenchef Paolo bringt internationale Erfahrung mit; seine Menüs orientieren sich an der Ernte der Gärten und den Produkten regionaler Betriebe.

Frühstück, Mittag- und Abendessen gehören zum Aufenthalt. Wer Gesellschaft sucht, nimmt am Gemeinschaftstisch Platz. Für ruhigere Mahlzeiten stehen private Tische zur Verfügung. Diese Wahlmöglichkeit passt zum persönlichen Charakter des Hauses: Begegnung darf entstehen, der eigene Rhythmus bleibt.

Ein neues Mitglied mit eigener Geschichte

Mit Quinta Filippa erweitert Lifestylehotels seine Präsenz in Portugal um ein Haus, dessen Profil aus familiärer Verbundenheit, Gestaltung und dem Leben auf dem Land entsteht. Zum Aufenthalt gehören ein beheizter, 25 Meter langer Salzwasserpool, Sauna, Infrarotsaunen und Dampfbad. Pilates, persönliche Trainingsstunden und individuelle Behandlungen können das Angebot ergänzen.

Geführte Spaziergänge, Aktivitäten auf der Farm und Workshops mit lokalen Handwerkern öffnen den Blick für die Umgebung. Auch im historischen Ofen wird wieder Brot gebacken. Ein früherer Treffpunkt des Dorfes wird damit Teil der nächsten Geschichte dieses Hauses – die Quinta Filippa nun als Mitglied von Lifestylehotels weiterschreibt.

Weitere Informationen zu Quinta Filippa

Mit der Geschirrserie Aberta bringt das Kölner Label onomao klare Formen und handgemalte Farbe an den Tisch. Gefertigt wird das Steinzeug in einer portugiesischen Manufaktur.

Ein blauer oder orangefarbener Pinselstrich am Rand: Viel mehr braucht Aberta nicht, um auf dem Tisch einen eigenen Charakter zu entwickeln. Die Geschirrserie von onomao öffnet sich konisch nach oben, wirkt standfest und bleibt in ihrer Gestaltung angenehm zurückhaltend. Ihr Name beschreibt diese Bewegung bereits: Aberta bedeutet auf Portugiesisch „offen“.

Acht grundlegende Produkte bilden die Kollektion. Gedacht sind sie für den täglichen Gebrauch – und damit für jene Mahlzeiten, die zwischen Terminen und Gewohnheiten manchmal allzu beiläufig stattfinden. Ein sorgfältig gedeckter Tisch kann ihnen etwas Aufmerksamkeit zurückgeben. Auch an einem ganz gewöhnlichen Dienstag.

Blau, Orange und die Linie dazwischen

Das gestalterische Prinzip von Aberta ist schnell erfasst: Eine reduzierte Form trifft auf einen handbemalten Rand. Die Farbe zeichnet die Öffnung der Gefäße nach und betont damit genau das Detail, das der Serie ihren Namen gibt.

Blau und Orange lassen sich dabei auch miteinander kombinieren. So entsteht Spielraum beim Decken: eine durchgehend blaue Linie, ein warmer orangefarbener Akzent oder beides nebeneinander. Der gemeinsame Formenkanon hält das Ensemble zusammen.

Gefertigt wird Aberta aus Steinzeug in einer Manufaktur in der Mitte Portugals. Der handbemalte Rand macht die handwerkliche Arbeit unmittelbar sichtbar. Gerade bei einer so klaren Gestaltung bekommt diese einzelne Linie Gewicht.

Von den Wellen zu den Werkstätten

Die Verbindung zu Portugal reicht bei den onomao-Gründern Arthur und Felix Wystrychowski weit vor die Gründung ihres Labels zurück. Beide Brüder, gemeinsam in München aufgewachsen, zog es schon früh zum Surfen ans Meer. Arthur wurde mehrfach Deutscher Meister im Wellenreiten und studierte später Landschaftsarchitektur in Berlin. Felix lebte mehrere Jahre in Portugal, ließ sich dort zum Koch ausbilden und absolvierte anschließend in Köln eine Ausbildung zum Grafiker.

2018 gründeten sie onomao. Ihre Suche führte sie zu kleinen portugiesischen Manufakturen, mit denen sie langfristig und auf Augenhöhe zusammenarbeiten wollten. Heute entstehen dort das Geschirr und die Wohnaccessoires des Kölner Interiorlabels.

Die unterschiedlichen Erfahrungen der Brüder geben dem Projekt einen nachvollziehbaren Hintergrund: Kochen, Gestaltung, Räume und eine über Jahre gewachsene Nähe zu Portugal. Am Tisch kommen diese Interessen zusammen.

Für den nächsten gemeinsamen Abend

Vier Geschirrkollektionen gehören zum Sortiment von onomao. Traditionell, Klassik und Aberta bestehen aus Steinzeug; Pura ist die einzige Porzellankollektion des Labels. Jede setzt einen anderen gestalterischen Schwerpunkt – vom steilen Tellerrand bei Traditionell bis zum Zusammenspiel matter und glänzender Oberflächen bei Pura.

Aberta konzentriert sich auf wenige Mittel: die sich öffnende Form, das robuste Material und die farbige Kontur. Daraus entsteht Geschirr, das sich leicht in den Alltag einfügt und dem gedeckten Tisch dennoch etwas Eigenes gibt.

Vielleicht liegt darin sein Reiz. Die Stücke müssen auf keinen besonderen Anlass warten. Der nächste gemeinsame Abend reicht.

Weitere Informationen: onomao.com

Für Pavimenti Sansone entwickeln Icona Architetti Associati fünf Zementfliesen-Kollektionen, die Farbe und Geometrie mit sizilianischem Handwerk verbinden. Die beiden jüngsten Entwürfe beginnen mit einer einfachen Kurve.

Eine Zementfliese ist ein kleines Stück Wiederholung. Gleiche Maße, gleiche Formen, ein Muster, das sich über den Boden fortsetzt. Bei Pavimenti Sansone bleibt dabei jede einzelne Fliese ein wenig anders. Feine Unterschiede in Farbe und Oberfläche erzählen von ihrer Herstellung: von Hand, Stück für Stück, im Südosten Siziliens.

Diese Variationen bilden den Ausgangspunkt der Zusammenarbeit mit Icona Architetti Associati. Das von Federica Poggio und Marco Orto gegründete Mailänder Architekturbüro übernahm vor zwei Jahren die kreative Leitung des Herstellers. Seither entstehen Kollektionen, deren Wirkung sich aus dem Zusammenspiel von Material, Farbe und Verlegung entwickelt. Nach Sessanta, Twist und Line, vorgestellt 2025, erweitern 2026 die Entwürfe Novilunio und Pura das Sortiment.

Die Hände bleiben sichtbar

Pavimenti Sansone wurde Anfang des 20. Jahrhunderts als kleine Handwerkswerkstatt gegründet. In der Gegend um Comiso fertigt das Unternehmen bis heute Zementfliesen einzeln von Hand. Marmorpulver, Zement und mineralische Pigmente werden mithilfe von Metallschablonen in Form gebracht, gepresst und anschließend an der Luft getrocknet. Die Fliesen werden weder gebrannt noch poliert.

Das Verfahren hinterlässt Spuren. Nuancen im Farbton und kleine Unregelmäßigkeiten gehören zur Oberfläche – und damit zur späteren Wirkung eines Raumes. Ein Boden aus solchen Fliesen besitzt eine Lebendigkeit, die sich aus vielen feinen Abweichungen zusammensetzt.

Für ihre Entwürfe beschäftigten sich Poggio und Orto zunächst mit den Abläufen in der Werkstatt: mit Werkzeugen, Handgriffen und dem Verhalten der Pigmente. Ihre gestalterische Arbeit setzt bei diesen Eigenschaften an. Farbe, Modul und Wiederholung werden zu Bausteinen einer zeitgemäßen Formensprache, in der die handwerkliche Herkunft ablesbar bleibt.

Ein Muster mit Spielraum

Die 2025 präsentierte Icona Collection umfasst Sessanta, Twist und Line. Klare geometrische Formen treffen auf unterschiedliche Farbkombinationen und Verlegemöglichkeiten. Die Palette reicht von zurückhaltenden, an Naturtönen orientierten Farben bis zu kräftigeren Kontrasten.

Wie die fertige Fläche aussieht, entscheidet sich auch beim Verlegen. Die einzelnen Module können unterschiedliche Rhythmen bilden; Farbe verstärkt Verbindungen oder setzt Akzente. Damit wird die Gestaltung des Bodens zu einem Teil des räumlichen Entwurfs. Eine Fliese liefert einen Baustein, dessen Wirkung sich erst im Zusammenhang entfaltet.

Zwei Wege entlang einer Kurve

Mit Novilunio und Pura führen Icona Architetti Associati diesen Gedanken 2026 weiter. Beide Kollektionen gehen von derselben geometrischen Grundform aus: der Kurve.

Bei Novilunio verbinden sich vier Fliesen zu einem zentralen Motiv. Das Zusammenspiel von Farbflächen und ausgesparten Bereichen erzeugt eine weiche Geometrie, die sich über den Boden wiederholt. Je nach Farbwahl treten die Formen deutlicher hervor oder fügen sich ruhiger in die Fläche ein.

Pura lässt die Anordnung offener. Die Kurve bildet hier den Ausgangspunkt für wechselnde Sequenzen. Das Muster entsteht aus den Beziehungen zwischen benachbarten Fliesen; neue Kombinationen verändern seinen Rhythmus.

Darin liegt der Reiz dieser Zusammenarbeit: Eine seit Generationen vertraute Herstellung eröffnet neue gestalterische Möglichkeiten. Das Handwerk bleibt in jeder Fliese sichtbar, während sich das Bild des Bodens mit ihrer Anordnung wandelt. Sizilien steckt dabei in der Tiefe der Farben, im Material und in den kleinen Unterschieden von Stück zu Stück.

Ein Palast von 1861, Porträts portugiesischer Dichter in kunstvollen Stuckdecken, zeitgenössische Kunst in historischen Räumen und ein Restaurant, das von einem der bekanntesten Romane José Saramagos inspiriert wurde. Die Geschichte des Torel Palace Porto begann lange bevor das Haus zum Hotel wurde – und genau darin liegt die Idee für das, was es heute ist.

Der Blick geht nach oben. Von der Decke eines Hotelzimmers schaut Luís de Camões zurück. Und er war schon lange dort, bevor irgendjemand entschieden hatte, dass dieser Palast einmal ein Hotel werden würde. Der Palacete Campos Navarro wurde 1861 für António de Campos Navarro als eine der prachtvollsten Privatresidenzen Portos erbaut. Das Interesse der Familie an Kunst und Literatur hinterließ Spuren im Haus: In den kunstvollen Stuckdecken fanden portugiesische Persönlichkeiten der Literatur ihren Platz. Mehr als eineinhalb Jahrhunderte später waren es genau diese Details, die mitbestimmten, welche Geschichte das Gebäude weitererzählen sollte.

Der Anfang an der Decke

Die originale Büste von Luís de Camões befindet sich noch heute in einem der Zimmer. Ebenso jene von Almeida Garrett. Sie landeten nicht in einer Vitrine, sondern wurden zum Ausgangspunkt für etwas Neues. Heute sind die 24 Zimmer und Suiten portugiesischen Schriftstellern und Dichtern gewidmet – darunter Fernando Pessoa, Florbela Espanca, Sophia de Mello Breyner Andresen, Camões und Eça de Queiroz. Zu den historischen Porträts kamen zeitgenössische Arbeiten von Jorge Curval, während in den alten Räumen überraschend moderne Elemente auftauchen.

In manchen Zimmern steht zum Beispiel ein großer, vollständig verspiegelter Kubus. Sieht aus wie zeitgenössische Kunst. Ist das Badezimmer. Und vielleicht erzählt gerade dieses Detail besonders viel über das Torel Palace Porto. Die Vergangenheit ist geblieben, aber niemand versucht so zu tun, als wäre noch immer 1861.

Was es zu bewahren galt

Zu den eindrucksvollsten historischen Elementen des Palastes gehört die Claraboia, das kunstvoll gestaltete Oberlicht über dem Gebäude. Unter ihren acht dekorativen Motiven finden sich neben pflanzlichen Elementen auch Merkur, Minerva sowie Symbole für Industrie und Schifffahrt. Ihre Restaurierung war so aufwendig, dass sich die Arbeiten am Gebäude dadurch um mehrere Monate verlängerten. Darin zeigt sich auch das Gleichgewicht, das sich durch das gesamte Haus zieht: Bestimmte Details wurden sorgfältig bewahrt, während direkt daneben etwas Neues entstehen durfte. Historischer Stuck und zeitgenössische Porträts. Camões an der Decke und ein modernes Hotel darunter. Man musste sich nicht zwischen beidem entscheiden.

Wenn man ein Buch nicht mehr liest, sondern erlebt

Die Literatur endet allerdings nicht an den Zimmertüren. Das Restaurant BLIND ist von José Saramagos Roman Die Stadt der Blinden inspiriert. Was das mehrgängige Menü bereithält, wissen die Gäste nicht im Voraus. Während des Erlebnisses kann das Sehen zeitweise in den Hintergrund treten, während Geschmack, Duft, Klang und Textur umso wichtiger werden. Literatur ist hier plötzlich nicht mehr etwas, das wir an der Decke betrachten oder im Namen eines Zimmers wiedererkennen. Sondern etwas, das wir erleben.

Eine Geschichte, die weitergeschrieben wird

Bei der Bewahrung eines historischen Gebäudes geht es schnell darum, die Zeit möglichst anzuhalten. Im Torel Palace Porto ist etwas anderes passiert. Die Camões-Büste blieb. Der Stuck blieb. Die Claraboia blieb. Gleichzeitig kamen neue Porträts zu den alten, die Namen von Schriftstellern an die Zimmertüren und aus einem Roman wurde ein kulinarisches Erlebnis. Die Geschichte des Palacete Campos Navarro endete also weder 1861 noch in dem Moment, als daraus ein Hotel wurde.

Das Torel Palace Porto geht mit seiner Vergangenheit vielmehr um wie mit einem Buch, dessen letzte Seite jemand ganz bewusst leer gelassen hat.

Damit noch Platz bleibt, sie weiterzuschreiben.