Mit der Geschirrserie Aberta bringt das Kölner Label onomao klare Formen und handgemalte Farbe an den Tisch. Gefertigt wird das Steinzeug in einer portugiesischen Manufaktur.

Ein blauer oder orangefarbener Pinselstrich am Rand: Viel mehr braucht Aberta nicht, um auf dem Tisch einen eigenen Charakter zu entwickeln. Die Geschirrserie von onomao öffnet sich konisch nach oben, wirkt standfest und bleibt in ihrer Gestaltung angenehm zurückhaltend. Ihr Name beschreibt diese Bewegung bereits: Aberta bedeutet auf Portugiesisch „offen“.

Acht grundlegende Produkte bilden die Kollektion. Gedacht sind sie für den täglichen Gebrauch – und damit für jene Mahlzeiten, die zwischen Terminen und Gewohnheiten manchmal allzu beiläufig stattfinden. Ein sorgfältig gedeckter Tisch kann ihnen etwas Aufmerksamkeit zurückgeben. Auch an einem ganz gewöhnlichen Dienstag.

Blau, Orange und die Linie dazwischen

Das gestalterische Prinzip von Aberta ist schnell erfasst: Eine reduzierte Form trifft auf einen handbemalten Rand. Die Farbe zeichnet die Öffnung der Gefäße nach und betont damit genau das Detail, das der Serie ihren Namen gibt.

Blau und Orange lassen sich dabei auch miteinander kombinieren. So entsteht Spielraum beim Decken: eine durchgehend blaue Linie, ein warmer orangefarbener Akzent oder beides nebeneinander. Der gemeinsame Formenkanon hält das Ensemble zusammen.

Gefertigt wird Aberta aus Steinzeug in einer Manufaktur in der Mitte Portugals. Der handbemalte Rand macht die handwerkliche Arbeit unmittelbar sichtbar. Gerade bei einer so klaren Gestaltung bekommt diese einzelne Linie Gewicht.

Von den Wellen zu den Werkstätten

Die Verbindung zu Portugal reicht bei den onomao-Gründern Arthur und Felix Wystrychowski weit vor die Gründung ihres Labels zurück. Beide Brüder, gemeinsam in München aufgewachsen, zog es schon früh zum Surfen ans Meer. Arthur wurde mehrfach Deutscher Meister im Wellenreiten und studierte später Landschaftsarchitektur in Berlin. Felix lebte mehrere Jahre in Portugal, ließ sich dort zum Koch ausbilden und absolvierte anschließend in Köln eine Ausbildung zum Grafiker.

2018 gründeten sie onomao. Ihre Suche führte sie zu kleinen portugiesischen Manufakturen, mit denen sie langfristig und auf Augenhöhe zusammenarbeiten wollten. Heute entstehen dort das Geschirr und die Wohnaccessoires des Kölner Interiorlabels.

Die unterschiedlichen Erfahrungen der Brüder geben dem Projekt einen nachvollziehbaren Hintergrund: Kochen, Gestaltung, Räume und eine über Jahre gewachsene Nähe zu Portugal. Am Tisch kommen diese Interessen zusammen.

Für den nächsten gemeinsamen Abend

Vier Geschirrkollektionen gehören zum Sortiment von onomao. Traditionell, Klassik und Aberta bestehen aus Steinzeug; Pura ist die einzige Porzellankollektion des Labels. Jede setzt einen anderen gestalterischen Schwerpunkt – vom steilen Tellerrand bei Traditionell bis zum Zusammenspiel matter und glänzender Oberflächen bei Pura.

Aberta konzentriert sich auf wenige Mittel: die sich öffnende Form, das robuste Material und die farbige Kontur. Daraus entsteht Geschirr, das sich leicht in den Alltag einfügt und dem gedeckten Tisch dennoch etwas Eigenes gibt.

Vielleicht liegt darin sein Reiz. Die Stücke müssen auf keinen besonderen Anlass warten. Der nächste gemeinsame Abend reicht.

Weitere Informationen: onomao.com

Was bleibt von unseren Vorstellungen von Identität und Verbundenheit, wenn sich die Welt um uns immer schneller verändert? In „Lightscape – Open House“ verwandelt der amerikanische Künstler Doug Aitken ein Meisterwerk der kalifornischen Moderne in einen ebenso faszinierenden wie verstörenden Raum der Selbstreflexion.

Ein Haus aus Glas. Licht wandert durch die Räume, Schatten verschieben sich, Spiegel vervielfachen Körper und Perspektiven. Und mittendrin Menschen, die nach etwas zu suchen scheinen: nach Bedeutung, nach Nähe, vielleicht auch nach sich selbst.

Für „Lightscape – Open House“ wählte der amerikanische Künstler Doug Aitken einen außergewöhnlichen Schauplatz: das von Richard Neutra entworfene Tremaine House in Montecito, Kalifornien. Die private Residenz, die zuvor noch nie als Filmlocation genutzt wurde, wird bei Aitken weit mehr als eine spektakuläre architektonische Kulisse. Sie wird selbst zur Protagonistin.

Ein Haus als Spiegel

Der experimentelle Kurzfilm ist Teil von Aitkens einstündigem Werk „Lightscape“, einer filmbasierten Installation, die derzeit im The Shed in New York City zu sehen ist. Darin begegnen sich Jugend und Alter, Vergangenheit und Gegenwart, während die Figuren zunehmend mit ihrer Umgebung zu verschmelzen scheinen.

Surreale Bildwelten treffen auf eine eindringliche Klanglandschaft mit dem Los Angeles Master Chorale, dem Los Angeles Philharmonic und dem isländischen Künstler Bjarki. Bild, Architektur und Musik bilden einen Raum, in dem Realität und Wahrnehmung zunehmend ineinanderfließen.

Im Zentrum steht dabei eine Frage, die weit über das Geschehen im Film hinausweist: Wie finden wir Bedeutung und Identität in einer Welt, deren vertraute Vorstellungen und Mythen zunehmend verblassen?

Die Schönheit der Distanz

Aitken nutzt Neutras charakteristische Glasarchitektur meisterhaft. Licht und Schatten wandern über transparente Flächen, Spiegel erzeugen kaleidoskopartige Perspektiven, Menschen erscheinen gleichzeitig nah und unerreichbar.

Gerade darin liegt die Spannung von „Lightscape – Open House“. Das Haus verspricht Offenheit und Transparenz und wird zugleich zu einer Art gläsernem Gefängnis. Seine Bewohner können einander sehen, beobachten und reflektieren – doch die unsichtbare Grenze zwischen ihnen bleibt bestehen.

Aus der Ikone des West Coast Modernism entsteht so ein beinahe fiebriger Traum über das moderne Leben: Geschichten kreuzen sich, Generationen begegnen einander, Menschen suchen Verbindung. Und dennoch scheint immer eine dünne Schicht Glas zwischen dem eigenen Blick und der Welt zu liegen.

Vielleicht erzählt Aitkens Film deshalb weniger von Architektur als davon, wie wir heute leben: sichtbar, vernetzt und einander scheinbar nahe – und gleichzeitig auf der Suche nach echter Verbindung.

Doug Aitkens „Lightscape“ ist noch bis 13. September im The Shed in New York City zu sehen.

Der Original-Soundtrack zu „Lightscape“ wird von The Vinyl Factory auf Vinyl veröffentlicht und ist auch über Streaming-Plattformen erhältlich.

Über den Dächern von Meran liegt ein Haus mit Stammtisch und Infinity Pool, das nie nur ein Ort für Gäste war, sondern immer auch ein Stück Marling.

Meran ist bekannt. Aber Marling? Das Dörfchen am Hang über der Kurstadt scheint das in aller Ruhe zu tun. Beobachtend. Aber niemals von oben herab. Es hat sein Eigenleben, auch unabhängig von der Hauptsaison. In seinem Rücken Apfelbäume, Wein und der Marlinger Waalweg. Nach vorne hinaus die Dächer von Meran mit seiner Kuratmosphäre und der Pferderennbahn. Und zwischendrin das 5 Sterne Luxushotel La Maiena Meran Resort.

Als in den 1960er Jahren der Sohn einer Wirtsfamilie ein Tanzlokal mit Bowling- und Kegelbahn eröffnete, sorgte das im idyllischen Dorfleben für ganz schön viel Aufsehen. Und dem beliebten „Nörder“ wurde damals sogar die Lizenz genommen. So wurde die Musik also leiser gedreht und aus der Diskothek eine Weinstube mit Gastwirtschaft. 1977 kamen die ersten Zimmer – und mit ihnen auch die Tennisplätze. Ein Hype, der aktuell nicht zuletzt dank Jannik Sinner neuen Aufschlag erhält.

2018 übernahm mit Mathias und Evelyn Waldner die dritte Generation das Hotel und tat das, was gute Familienbetriebe können: weiterbauen, ohne neu anfangen zu wollen. Über den Dächern entstand ein neuer Gästetrakt mit Whirlpool. Unten öffnete ein Spa samt Friseurstudio – ein Ort für Gäste genauso wie für Marlinger. Sattes Grün, eine lebendige Mooswand und feine Goldakzente holen die Farben des Stammhauses ins Heute – ohne ihm den Charakter auszureden.

Eine steinerne Treppe führt dorthin, wo alles begann: zur Nörder Bar. Genau so, wie die Waldners und ihr langjähriger Barmann Silviu sie immer gesehen haben. Obwohl sich optisch einiges verändert hat, ist der Grundgedanke der gleiche: Hier trifft man sich, hier spielt man Karten, hier mischen sich Einheimische mit Gästen. Bestellt werden der Malena Spritz oder der Hausschnaps von Hausmeister Franz. Der ist zwar längst in Pension, gärtnert aber noch hier und da und macht sich mit der geheimen Rezeptur des Tröpfchens unentbehrlich.

Schritt für Schritt bewegt man sich im La Maiena so durch die vielen Leben, die dieses Haus schon gesehen hat. Wer den gepflegten Teppichboden unter den Füßen spürt, befindet sich im Stammhaus aus den 1970er Jahren. In der Stube aus den 1980er Jahren macht man es sich vor allem im Winter gemütlich. Und wer ins Restaurant gehen will, kommt unweigerlich am ältesten Teil des Hauses vorbei. Der große Stammtisch mit einer Tischplatte aus der alten Vertäfelung der einstigen Bar – ein Möbelstück, das wohl mehr Geschichten kennt als so mancher Dorfbewohner. Hier finden Weinverkostungen statt und hier trifft sich Familie Waldner auch zum Frühstück oder für die ein oder andere Besprechung.

Kein Wunder, dass die beiden Kinder von Mathias und Evelyn in diesem Umfeld selbst schon Pläne schmieden. Ihr wohl nicht ganz uneigennütziger Wunsch für den nächsten Sommer ist ein mobiler Bauchladen mit Eis für das Pool.

It takes a village…

Generation für Generation wächst das Haus in Marling also weiter – nicht nur als Hotel, das nach den Sternen greift, sondern auch als Teil des Lebens. Mit den Verwandten der Waldners, die ihren Wein beisteuern. Mit Gästen, die hier vielleicht selbst schon als Kinder über einem Teller Spaghetti eingeschlafen sind. Mit Mitarbeiter*innen, deren Eigenheiten das Haus prägen. Und mit dem Dorf, das nicht vor der Tür endet, sondern mitten durch das La Maiena Meran Resort führt – mit beschwingten Schritten nach einem Abend an der Nörder Bar und einer Geschichte mehr auf den Lippen.

Fotos: www.lamaiena.it I Armin Terzer / TVB Marling / Florian Andergassen

Don Bronstein und die visuelle Sprache des Jazz

Ein leiser Beobachter, ein Chronist der Improvisation und ein unsichtbarer Teil der Szene: Die Triennale Milano widmet Don Bronstein die erste umfassende Ausstellung in Europa – und eröffnet damit einen neuen Blick auf die visuelle Kultur des Jazz.

Zwischen Rauchschwaden, gedämpftem Licht und vibrierenden Klängen entstand in den Clubs von Chicago eine Bildwelt, die bis heute nachhallt. Don Bronstein hielt sie fest – nicht als distanzierter Dokumentarist, sondern als Teil des Moments selbst.

Der Rhythmus des Sehens

Mit der Ausstellung „The Rhythm of the Eye“ präsentiert die Triennale Milano erstmals in Europa das Werk von Don Bronstein – Fotograf, Art Director und stille Schlüsselfigur der amerikanischen Nachkriegsästhetik. Gezeigt wird eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1953 bis 1968, die tief in die Jazz- und Bluesszene Chicagos eintauchen.

Was Bronsteins Arbeiten so besonders macht, ist ihre Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie bewegt sich mit. Sie atmet im Takt der Musik, folgt Blicken, Gesten, Pausen. Seine Bilder sind keine Inszenierungen, sondern fragile Momente zwischen Spannung und Stille.

Zwischen Improvisation und Intimität

Als Fotograf für Magazine und Plattencover war Bronstein ein Meister der Komposition – und doch liegt die eigentliche Kraft seiner Arbeit in der Improvisation.

Er arbeitete eng mit seinen Protagonist:innen zusammen, entwickelte Vertrauen und schuf so eine seltene Offenheit. In seinen Bildern entstehen Porträts, die nicht nur zeigen, sondern spürbar machen: den Moment vor dem Ton, das Zögern, die Energie eines Raumes.

Sein Blick ist dabei niemals aufdringlich. Vielmehr scheint er Teil des Geschehens – ein unsichtbarer Begleiter zwischen Musiker:innen, Publikum und Raum.

Chicago als pulsierende Bühne

Bronsteins fotografisches Universum ist untrennbar mit Chicago verbunden. In legendären Clubs wie dem London House oder Mr. Kelly’s traf er auf Ikonen der Musikgeschichte: von Muddy Waters über Miles Davis bis hin zu Ella Fitzgerald.

Doch sein Blick ging über die Musik hinaus. Auch Persönlichkeiten aus Comedy und Kultur fanden ihren Weg vor seine Linse – ein Zeichen für die Vielschichtigkeit seines künstlerischen Interesses.

Zwischen Plattencovern und Popkultur

Neben seiner fotografischen Arbeit prägte Bronstein die visuelle Identität der Musikindustrie maßgeblich. Mehr als 500 Albumcover gehen auf sein Konto – für Labels wie Chess Records oder Columbia.

Später wurde er der erste festangestellte Fotograf des Playboy-Magazins und trug entscheidend zu dessen Bildsprache bei. Seine Arbeiten bewegen sich damit an der Schnittstelle von Kunst, Design und Popkultur – lange bevor diese Disziplinen selbstverständlich miteinander verschmolzen.

Ein verborgenes Archiv, neu entdeckt

Nach seinem frühen Tod im Jahr 1968 blieb Bronsteins umfangreiches Archiv jahrzehntelang unangetastet. Erst seine Töchter begannen, das Material zu sichten – und stießen auf ein visuelles Zeitkapsel: Negative, Kontaktbögen, Briefe und bislang ungesehene Fotografien.

Diese Wiederentdeckung verleiht seinem Werk heute eine neue Dringlichkeit. Die Ausstellung in Mailand markiert dabei nicht nur eine Retrospektive, sondern einen Ausgangspunkt für ein tieferes Verständnis seines Einflusses.

Eine Einladung zum genauen Hinsehen

„The Rhythm of the Eye“ ist mehr als eine Ausstellung über Fotografie. Sie ist eine Einladung, Wahrnehmung neu zu denken – als etwas, das sich im Moment entfaltet, im Detail, im Rhythmus.

Don Bronstein zeigt uns, dass Sehen kein statischer Akt ist, sondern ein lebendiger Prozess. Einer, der – wie der Jazz selbst – von Intuition, Timing und Sensibilität lebt.

Eine Kollektion, in der jedes Haus eine Geschichte erzählt

Wo Erinnerung auf Architektur trifft, wo Gastfreundschaft zur kulturellen Geste wird und wo jede Adresse eine Seele besitzt – dort beginnt AKAN.

Mit der AKAN Collection entsteht eine neue Vision marokkanischer Boutique-Hotellerie. Der Name „AKAN“, aus der Amazigh-Kultur stammend, steht für „Körper“ und „Struktur“ – ein Symbol für architektonisches Erbe ebenso wie für das soziale Gefüge Marokkos. Jede Mauer trägt Erinnerung. Jeder Innenhof bewahrt Zeit.

Hinter der Kollektion steht Dar Taarji, eine marokkanische Familienholding in dritter Generation, geführt von der visionären Benabbés-Taarji Familie. Verwurzelt in Marrakesch, verbindet sie Tradition mit zukunftsorientierter Hospitality.

Wie Youssef Benabbés-Taarji es formuliert:

„AKAN expresses a timeless Morocco — a project rooted in the future, and a tribute to past generations.“

Gemeinsam mit COO Eros Abrile, der auf über 25 Jahre internationale Erfahrung zurückblickt, sowie einem kuratierten Team aus Marken- und Hospitality-Expert:innen, wird eine Kollektion geformt, die auf operative Exzellenz ebenso setzt wie auf emotionale Tiefe.

Die ersten Häuser der Kollektion

In Marrakesch vereint AKAN drei ikonische Adressen:

• La Villa des Orangers – ein Relais & Châteaux Refugium nahe der Medina, geprägt von stiller Noblesse und zeitloser Eleganz.

• Les Deux Tours – ein Gartenparadies in der Palmeraie, wo andalusisch-maurische Architektur auf botanische Fülle trifft.

• Und als jüngster Zugang: El Fenn – ein vibrierendes Gesamtkunstwerk im Herzen der Medina.

El Fenn – A House of Art, Colour and Living Heritage

Mit der Aufnahme von El Fenn in die AKAN Collection gewinnt die Gruppe ihr vielleicht ausdrucksstärkstes Haus.

Versteckt hinter unscheinbaren Mauern entfaltet sich ein Ensemble aus 13 miteinander verbundenen Riads mit 41 individuell gestalteten Zimmern und Suiten. Sonnenbeschienene Patios, Kolonnaden, drei Pools, ein Rooftop mit Blick auf die Koutoubia und das Atlasgebirge – El Fenn ist kein Hotel im klassischen Sinn. Es ist eine Bühne für das marokkanische Lebensgefühl.

Der weitläufige Dachgarten wird zum Treffpunkt für lange Frühstücke, goldene Lunches und Sonnenuntergänge zwischen Olivenbäumen und Laternen. Das Rooftop Restaurant & Cocktail Bar, das Colonnade Café, Spa und Boutique formen ein lebendiges Mikrokosmos-Erlebnis.

Doch was El Fenn einzigartig macht, ist seine kuratierte Kunstsammlung: Werke von William Kentridge, Sir Antony Gormley, Batoul S’Himi oder Guy Tillim treffen auf eine Installation von Hassan Hajjaj – ein Dialog zwischen internationaler Gegenwartskunst und marokkanischer Identität.

Hier wird „Luxury with Authenticity“ nicht behauptet, sondern gelebt: durch lokale Materialien, handwerkliche Meisterschaft und eine Gastfreundschaft, die eher an ein großzügiges Privathaus erinnert als an ein Hotel.

Unter der täglichen Leitung von Hotel Manager Amine Belkhayat Zoukari bleibt El Fenn ein Ort mit Charakter – nun getragen von der strategischen Vision der AKAN Collection.

Eine lebendige Erzählung Marokkos

AKAN versteht sich nicht als Ansammlung von Hotels, sondern als kuratierte Erzählung.

Eine Erzählung über Generationen.
Über Architektur als Gedächtnis.
Über Gastfreundschaft als kulturelle Verantwortung.

Oder wie COO Eros Abrile es beschreibt:

„It’s not about aligning properties, but about weaving a story — the story of a living, diverse, emotionally resonant Morocco.“

Mit El Fenn als künstlerischem Herzstück positioniert sich AKAN als neue Referenz für bewusst kuratierte, kulturell verwurzelte Luxushotellerie in Marokko.

Das Architekturbüro LUO Studio hat ein kostengünstiges, modulares Holzbausystem entworfen. Das Longfu Life Experience Center ist der Prototyp und kann nach Bedarf verkleinert, vergrößert oder abgebaut und umgesiedelt werden.

Als Mies van der Rohe 1956 die Crown Hall in Chicago entwarf, nannte er sie einen universellen Raum. Sie ist das Hauptgebäude des College of Architecture, Planning and Design des Illinois Institute of Technology. Auch heute noch – fast 70 Jahre nach ihrer Errichtung – gilt sie als eines der bedeutendsten Gebäude der Moderne. „Ich glaube, das ist die klarste Konstruktion, die wir je geschaffen haben, und sie drückt am besten unsere Philosophie aus“, erklärte van der Rohe damals. 

Das Zeitgemäße an der Crown Hall ist der stützenfreie Raum auf einer Grundfläche von 36 mal 67 Meter und die hohe Flexibilität, die damit einhergeht. Also genau jene zum Mantra erhobene Anforderung, die in der Architektur heute angestrebt wird. Denn je wandelbarer ein Gebäude ist, umso länger hat es Bestand. Ressourcen und Primärenergien werden somit im Sinne der Klimaziele effizienter genutzt und – im Idealfall – im Stoffkreislauf gehalten.

Klare Entscheidung für den Holzbau

Einen Raum zu schaffen, der seine Funktion nach Bedarf ändern kann, das strebten auch die Architektinnen und Architekten von LUO Studio an. Obwohl das Longfu Life Experience Center in der chinesischen Stadt Puyang nur als temporäres Verkaufsbüro für Immobilien gedacht war, wollte man mehr als bloß einen Container aufstellen. Entstanden ist am Ende ein Gebäude, das ein immersives Erlebnis bietet, die Gegend aufwertet und zugleich komplett rückbaubar ist.

Das Architekturbüro LUO Studio mit Sitz in Peking hat bereits viele Holzbauprojekte umgesetzt, unter anderem auch einen spektakulären Holzkuppelbau im Kreis Xiuwu. Dass die Wahl auch bei diesem Projekt auf Holz fiel, lag auch am ökologischen Engagement des Auftraggebers. 

Der natürliche Baustoff Holz war ganz eindeutig die beste Wahl für das Gebäude und die Corporate Identity des Kunden.

LUO Studio, Architekturbüro

„Ein nachhaltiger Lifestyle war genau das, was der Bauherr mit dem Verkaufszentrum vermitteln wollte“, so LUO Studio. „Der natürliche Baustoff Holz war ganz eindeutig die beste Wahl für das Gebäude und die Corporate Identity des Kunden.“

Ein multifunktionales Tragwerk

Auch wenn ihnen Mies van der Rohes Crown Hall als Inspiration diente, gingen die Designer ihren universellen Raum auf eine andere Art und Weise an als der Avantgardist der Moderne. Nicht den weitgespannten, stützenfreien Raum strebten sie an, sondern ein multifunktionales Tragwerk und einen möglichst funktionsfreien Raum.

Dafür setzten sie einerseits auf eine Holzbauweise mit einfach reproduzierbaren Modulen aus standardmäßigem Bauholz. Dies sorgte nebenbei auch dafür, dass die Baukosten überschaubar blieben. Andererseits limitierten sie die funktionalen Bereiche, wie Treppenaufgänge, Bäder und Büros, auf kleinstmögliche räumliche Einheiten.

Wir trennten Funktion und Raum von einander, sodass es keine funktionalen Einschränkungen der Räume gibt.

LUO Studio, Architekturbüro

Gebäudetechnik und Leitungen packten sie in das modulare Tragwerk, das an manchen Stellen auch Tische und Sitzgelegenheiten ausbildet. „Auf diese Weise trennten wir Funktion und Raum von einander, sodass es keine funktionalen Einschränkungen der Räume gibt.“

Modulare Custersäulen

Das Longfu Life Experience Center ist ein Paradebeispiel für biophiles Design. Die komplett verglaste Fassade hebt die Grenze zwischen Innen und Außen auf. Die Pflanzen vor dem Gebäude scheinen somit Teil des – bis auf wenige Ausnahmen – wandlosen Raums zu sein.

Die modularen „Clustersäulen“, wie die Architekten sie nennen, können mit handelsüblichen Hölzern und herkömmlichen Techniken zusammengesetzt werden.

Sie verzweigen sich nach oben hin und wachsen an der Decke zu einer geschlossenen Konstruktion zusammen. Eine Form, die man sich von der Natur abgeschaut hat. „Für das Design der vertikalen Konstruktionseinheiten haben wir uns an der Form von Bäumen orientiert“, erklärt LUO Studio. 

Je größer, umso stabiler

Wie den Illustrationen zu entnehmen ist, funktionieren diese modularen Einheiten in unterschiedlicher Zusammensetzung: als einzelnes Element etwa für Baumhäuser bis hin zu großen Konstruktionen wie Bahnhofshallen. Im Fall des Verkaufspavillons sind es 14 Clustersäulen, die zusammen das Tragwerk bilden. „Je mehr Einheiten zusammengeschlossen sind, umso stabiler wird die Konstruktion“, erklären die Architekten. 

Auch die in die Clustersäulen integrierten Möbel sollen demnach dabei helfen, die allgemeine Statik zu verbessern. Gemäß dem modularen Prinzip kann jede Grundrissform individuell bespielt werden. „Es ist dasselbe wie bei Lego-Bausteinen. Jede Einheit ist unabhängig, und wenn man sie miteinander kombiniert, lässt sich jeder gewünschte Raum errichten.“

Mit dem Longfu Life Experience Center hat LUO Studio nicht nur ein temporäres Verkausgebäude geschaffen. Vielmehr ist ein Bausystem entstanden, das sich auf vielfältige Weise anwenden und bei Bedarf komplett rückbauen lässt. Eine Meisterleistung, wenn man die kurze Planungs- und Bauzeit von nicht einmal zwei Monaten bedenkt. Und dazu die Vorgabe vom Bauherren, dass es auch noch wenig kosten soll. Da verwundert es nicht, wenn die Architekten meinen: „Für uns war das eine große Herausforderung.“

Text: Gertraud Gerst
Translation: Rosemary Bridger-Lippe
Photos: Weiqi Jin

Ein Ort, an dem Stille heilt und Natur zur Lehrmeisterin wird

Es gibt Landschaften, die mehr sind als ein Ort – sie sind ein Zustand des Seins.
Das Kumaon-Gebirge im Norden Indiens ist eine solche Landschaft: still, kraftvoll und erfüllt von jener besonderen Energie, die entsteht, wenn Mensch und Natur sich begegnen.
Zwischen den alten Wäldern, den klaren Höhen und den Tempeln, die seit Jahrhunderten den Himmel berühren, findet man hier etwas, das anderswo verloren scheint – Tiefe, Bewusstsein und Balance.

Kasar Devi – Ein spirituelles Erbe der Achtsamkeit

Die Region um Kasar Devi, oberhalb der Stadt Almora, ist seit Generationen ein Ort der Kontemplation.
Bereits in den 1960er-Jahren zog sie Philosophen, Künstler und spirituelle Reisende an – unter ihnen die Theosophin Annie Besant, Dichter, Denker und Wanderer, die hier das suchten, was man anderswo kaum mehr findet: das Gefühl, eins zu sein.

Es heißt, die Atmosphäre des Ortes sei besonders rein – ein Magnetfeld durchzieht die Hügel, ähnlich wie in Stonehenge oder Machu Picchu. Vielleicht ist es Einbildung. Vielleicht Wahrheit. Sicher ist: Wer hier ankommt, spürt, dass die Zeit anders fließt.
Man beginnt langsamer zu atmen, bewusster zu sehen, tiefer zu hören.

Natur als heilende Präsenz

In den Wäldern rund um das Binsar Wildlife Sanctuary begegnet man der Natur nicht als Kulisse, sondern als Gegenüber.
Die Bäume, überzogen von Moos, erzählen Geschichten von Jahrhunderten. Nebel zieht durch die Täler, als wolle er das Denken dämpfen.
Manchmal hört man den Ruf eines Leoparden in der Ferne, manchmal nur das Rascheln der Blätter – und immer das Gefühl, dass hier alles miteinander verbunden ist.

Diese Natur ist kein Hintergrund, sie ist Kraftquelle – eine Energie, die uns erinnert, dass wir Teil eines großen lebendigen Ganzen sind.

Achtsamkeit als Lebensrhythmus

Das Leben in dieser Region folgt einem natürlichen Takt – ein Rhythmus, der von Einfachheit und Bewusstsein geprägt ist.
Die Menschen hier leben mit den Jahreszeiten, mit Sonne und Mond, mit dem, was wächst und vergeht.
Achtsamkeit bedeutet hier kein Rückzug, sondern Präsenz: das bewusste Wahrnehmen des Moments, das Vertrauen in das Werden und Vergehen, das Lauschen in die Stille.

Hotel Tipp: The Kumaon – Ein Ort, der die Landschaft versteht

Wer diesen Geist des Kumaon wirklich erleben möchte, findet im The Kumaon den idealen Ort zum Verweilen. Das Boutiquehotel liegt sanft eingebettet in die Hügel oberhalb von Almora. Seine Architektur – aus lokalem Schiefer, Holz und Glas – scheint selbst Teil der Landschaft zu sein.
Von jeder Terrasse aus öffnet sich der Blick auf die schneebedeckten Gipfel des Nanda Devi-Massivs – ein Panorama, das sich weniger sehen als spüren lässt.

Im Inneren: Räume voller Licht, Leichtigkeit und Stille. In der Küche: einfache, authentische Gerichte aus regionalen Zutaten, zubereitet mit Hingabe und serviert mit einer spürbaren Achtsamkeit. Jeder Moment hier wird zu einer Einladung, im Rhythmus der Natur anzukommen.

Besonderes Angebot im THE Stylemate Shop

Für alle, die diese einzigartige Region selbst erleben möchten, bieten wir im THE Stylemate Online Shop ein ganz besonderes Angebot für einen Aufenthalt im The Kumaon.
Ein Erlebnis für alle Sinne – und vielleicht der Beginn einer tieferen Verbindung mit der Natur.

Ein Meisterwerk zeitgenössischer Kykladen-Architektur: das Gundari Resort auf Folegandros vereint Natur, Design und Stille zu einem Ort von zeitloser Schönheit.

Über den steilen Klippen der Kykladeninsel Folegandros thront das Gundari Resort – ein architektonisches Manifest für Reduktion, Materialbewusstsein und Einklang mit der Natur.
Das mehrfach preisgekrönte Designhotel von block722 zeigt, wie Architektur Raum schaffen kann, ohne zu dominieren.

Architektur als Haltung

Von außen kaum sichtbar, schmiegt sich das Gundari Resort in die raue Felsenlandschaft.
Die Architektur scheint zu atmen, sich zu verneigen vor der Natur, anstatt sie zu überformen.
Stein, Holz und Ton verbinden sich mit dem Licht der Ägäis zu einer stillen, fast meditativen Komposition.

block722, das in Athen ansässige Architekturstudio, hat hier ein Werk geschaffen, das sich bewusst jeder Inszenierung entzieht.
Gerade in dieser Zurückhaltung liegt seine Stärke: Architektur wird zu Atmosphäre, Raum zu Erfahrung.

Räume des Rückzugs

Jede der 27 Suiten und Villen ist individuell in das Gelände eingebettet – mit privaten Pools, die über dem Meer zu schweben scheinen.
Die Innenräume sind reduziert, aber sinnlich: Naturmaterialien, handwerkliche Details, Texturen, die man fühlen möchte.
Ein Resort, das nichts beweisen will und gerade dadurch ein neues Verständnis von Luxus formuliert – still, erdig, ästhetisch.

Ein Resonanzraum für Achtsamkeit

Gundari ist kein Hotel, das man nur besucht – es ist ein Ort, den man erlebt.
Die Architektur schafft Momente des Innehaltens: Terrassen, die den Blick weiten, Gänge, die sich in die Landschaft öffnen, Schatten, die mit dem Licht tanzen.
Hier wird das Verhältnis zwischen Mensch und Raum neu verhandelt – leise, aber tief.

Ein Ort, der bleibt

Das Gundari Resort wurde bereits mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter den AHEAD Awards und den Architizer A+ Awards.
Es steht für eine neue Generation von Architekturhotels: Häuser, die Nachhaltigkeit, Handwerk und Design zu einer Haltung verbinden.

Und für alle, die diesen Ort selbst erleben möchten:
Der Smart Traveller Gutschein für das Gundari Resort ist jetzt im THE Stylemate Shop erhältlich – eine Einladung, Architektur zu spüren, wo sie am kraftvollsten wirkt: in der Stille der Natur.

shop.thestylemate.com

Wie die Architektur mit „Adaptive Reuse“ neue Bedeutung schafft

Wenn Gebäude ihre ursprüngliche Funktion verlieren, steht oft der Abriss bevor. Doch was, wenn darin die Chance liegt, ihnen neues Leben einzuhauchen? Adaptive Reuse nennt sich das architektonische Konzept, das Bestehendes bewahrt und es mit Feingefühl transformiert. Von der Kirche zum Schwimmbad, vom Labor zum Modehauptquartier – diese Projekte erzählen Geschichten von Wandel, Erinnerung und Zukunft.

HUANGYAN QUARRY CULTURAL & ART CENTER

DnA Design and Architecture | 2024 | Jinyun, China
Vorher: Steinbruch | Jetzt: Kunst- und Kulturzentrum

Jahrhundertelang wurde in der bergigen Jinyun-Region Stein abgebaut. Aus der Naturgewalt entstand eine eindrucksvolle Landschaft aus Höhlen und unterirdischen Seen. Heute verwandelt sich diese Kulisse in ein Kunst- und Kulturzentrum auf über 20.000 m².

Der Eingriff in die Natur blieb minimal: Holzgeflecht-Brücken verbinden die Räume, Boote gleiten über türkisblaues Wasser, und in den Felswänden entstanden Galerien und ein Café. Die bis zu 38 Meter hohen Höhlen mit ihren gelblich schimmernden Wänden dienen nun als natürliche Konzertsäle – Orte, an denen die Akustik ebenso beeindruckt wie die Stille.

Fotos: Wang Ziling

ACNE STUDIOS HEADQUARTER PARIS

Halleroed | 2025 | Paris, Frankreich
Vorher: Labor einer pharmazeutischen Kosmetikmarke | Jetzt: Headquarter eines Modelabels

In einem Pariser Stadtpalais aus den 1930er-Jahren, einst Laboratorium für Kräuter-Tinkturen und Öle, hat Acne Studios ein neues Zuhause gefunden. Creative Director Jonny Johannsson und das schwedische Designstudio Halleroed bewahrten die goldenen Stuckverzierungen, Holzvertäfelungen und Parkettböden – und kombinierten sie mit zeitgenössischen Möbeln und Kunst.

Zwischen rohem Beton, rosa Vinylsofas von Max Lamb und einer industriellen Edelstahlküche entsteht ein Dialog zwischen Alt und Neu, zwischen Pragmatik und Poesie. Ein Sinnbild dafür, wie Adaptive Reuse nicht nur Raum, sondern auch Identität transformiert.

Fotos: Acne Studios / Benoit Florençon

HEERLEN HOLY WATER

MVRDV & Zecc Architecten | 2027 | Heerlen, Niederlande
Vorher: Kirche | Jetzt: Öffentliches Schwimmbad

Wenn aus einer Kirche ein Schwimmbad wird, bekommt der Begriff heiliges Wasser eine neue Bedeutung. In der 100 Jahre alten Sint-Franciscus van Assisiëkerk entsteht ein öffentlicher Ort der Begegnung, der Spiritualität und Bewegung verbindet.

Das Kirchenschiff wird bis zur Eröffnung 2027 geflutet sein. Die Kanzel wird zum Platz des Bademeisters, die Kirchenbänke finden am Beckenrand neuen Halt. Bei niedrigem Wasserstand verwandelt sich der Raum in eine Bühne für kulturelle Veranstaltungen. Zwischen Spiegelungen und Wasserflächen entsteht eine Atmosphäre, die das Sakrale mit dem Alltäglichen versöhnt.

Fotos: MVRDV

AMASSA RETREAT

Bindloss Dawes | 2025 | Gascogne, Frankreich
Vorher: Bauernhaus | Jetzt: Wellbeing Retreat

In der stillen Hügellandschaft Südwestfrankreichs fand ein verfallenes Bauernhaus seine neue Bestimmung: ein Ort für Achtsamkeit und Einkehr. Das Ensemble aus Haupthaus, Bäckerei und Traktorschuppen wurde behutsam renoviert – mit Respekt für die Patina der Vergangenheit und der Klarheit moderner Architektur.

Herzstück ist die 300 Jahre alte Scheune, deren zehn Meter hohe Räume heute für Yoga und Meditation genutzt werden. Eine Betonkonstruktion stabilisiert das alte Gebälk und schafft zugleich eine Plattform – eine Bühne für Ruhe, Balance und Bewusstsein.

Fotos: Ellen Christina Hancock, Bindloss Dawes Architect

Adaptive Reuse ist mehr als ein architektonischer Trend – es ist eine Haltung. Sie verbindet Vergangenheit und Gegenwart, ohne das eine zugunsten des anderen aufzugeben. Zwischen Erinnerung und Neuerfindung entstehen Räume, die Geschichten weitertragen – nicht als Kopie, sondern als Fortsetzung.

Über Internationalität, Haltung und die Rolle von Graz in der Welt des Designs: Eberhard Schrempf

Als Geschäftsführer der Creative Industries Styria und Mitgestalter des UNESCO-Titels „City of Design“ hat Eberhard Schrempf Graz und die Steiermark auf die internationale Landkarte gesetzt.

Im Gespräch mit THE Stylemate spricht er über Offenheit, die Kraft von Netzwerken, die Bedeutung des Designmonats Graz – und warum er die steirische Kreativszene auch in Zukunft bestens positioniert sieht.

Interview: Nina Prehofer

Wie hat sich der Begriff „Design“ in deiner Zeit als Geschäftsführer international verändert und wie hast du diese Entwicklungen nach Graz gebracht?

Eberhard Schrempf:
Design wurde hierzulande lange stark auf Ästhetik und Luxus reduziert: glänzende Oberfläche, Branding, teuer – und oft negativ konnotiert. Das zu verändern war ein langwieriger Prozess, selbst unter Kreativen.
Für mich ist Design heute das intelligente Management von Chaos, um Resultate der Ordnung zu schaffen. Eine Haltung, die urbane, nachhaltige Kultur prägt, Lebensräume intelligent gestaltet und den Alltag verbessert – ökologisch und sozial verantwortlich.
Design ist Methodik, Prozess, analytischer Zugang, Verantwortung für Ressourcen, Kreislaufwirtschaft, Nachhaltigkeit. Designer sind längst verantwortungsbewusste Gestalter mit ethischem Gewissen geworden.

Der Designmonat Graz ist heute international etabliert. Welche Bedeutung hat er im weltweiten Netzwerk der UNESCO Cities of Design?

Eberhard Schrempf:
Der Designmonat ist zentral für die Sichtbarkeit von Graz als UNESCO City of Design – und für die Community selbst, lokal wie international.
Er ist ein Schaufenster, ein Terminal im Netzwerk der Designstädte, ein „must“ für die Branche. Hier treffen lokale Kreative auf internationale Gäste, hier entstehen Kooperationen, Ideen, Impulse.
Trotz vergleichsweise kleinem Budget erzielten wir eine enorme Reichweite: DEZEEN listete den Designmonat 2018 und 2019 als „Best Design Event“, Contemporary Lynx setzte Graz 2019 auf die „must visit“-Liste der zehn wichtigsten Designfestivals weltweit – neben Mailand und London.
Das Modell „Designmonat“ haben inzwischen andere Städte übernommen. Dass die Veranstaltungen über einen ganzen Monat verteilt sind, statt alles in einer Woche zu bündeln, bringt Vorteile für Studios, Publikum, Medien und Tourismus – und steigert verlässlich die Nächtigungszahlen in Graz.

Du hast zahlreiche internationale Kooperationen initiiert – welche waren für dich besonders prägend oder überraschend?

Eberhard Schrempf:
Graz war 2011 die zehnte City of Design – kurz darauf folgte Peking. Ich habe mich stark für die Aufnahme von Detroit, Valencia und Istanbul engagiert, auch durch die Internationalisierung der FH Joanneum.
Mit den UNESCO Cities of Design öffnete sich eine völlig neue Welt. Spannend waren etwa das Staff Exchange Programme, „Designers in Residence COD 100“ – ein 100-tägiges Stipendium – oder die mit Montreal gestartete World Wide Things Collection, ein globaler Online-Marktplatz für ausgewählte Designprodukte.
Ein weiteres Highlight war die Design-Clinic: ein Online-Format, in dem anerkannte Experten kostenlose Erstberatung geben. 2025 eröffnete in Puebla, Mexiko, die erste lizenzierte Design-Clinic.
Im Kern ging es immer darum, der Creative Community Nutzen zu bringen: Horizonte erweitern, Wettbewerbsfähigkeit steigern, neue Märkte erschließen.

Wie wichtig ist Internationalität für eine vergleichsweise kleine Kreativszene wie die in der Steiermark?

Eberhard Schrempf:
Sehr wichtig – aber nur, wenn die Studios auch bereit sind, international zu agieren. Viele konnten wir durch Vermittlungsprogramme ermutigen, erste Schritte zu wagen. Gleichzeitig sind zahlreiche Studios ohnehin global aufgestellt.
Die vermeintlich „kleine“ Szene ist hier ein Vorteil: Man kennt sich, tauscht sich aus, arbeitet zusammen. Das Netzwerk ist internationales Schaufenster, Begegnungsraum, Kooperationsplattform – und für viele Kreative der Startpunkt ihrer ersten internationalen Schritte.

Die Creative Industries Styria haben Graz und die Steiermark international sichtbar gemacht. Was war dein Antrieb, dieses Netzwerk über die Region hinaus zu öffnen?

Eberhard Schrempf:
Tja – wenn man unter sich bleiben will, bin ich definitiv nicht der Richtige.
Meine Erfahrungen als Geschäftsführer von Graz 2003 – Europäische Kulturhauptstadt haben mir gezeigt, was möglich ist: die Dynamik, der Mut, der Anspruch auf Spitzenqualität. All das katapultierte Graz vom Rand Europas ins Zentrum.
Der UNESCO-Titel „City of Design“ ist kein Ablaufdatum, sondern ein Auftrag an die Zukunft – eine logische Konsequenz aus dem Kulturhauptstadtjahr. Eine Öffnung nach außen erfordert immer auch Offenheit nach innen. Authentische Offenheit muss eine Haltung sein – dann kommt auch etwas zurück.
Mein Ziel war es stets, den Unternehmen im Netzwerk einen echten Nutzen zu bringen: Reichweite erhöhen, Märkte öffnen, Potenziale erschließen.
Die CIS war dafür Radar und Brückenbauer – hinein in internationale Netzwerke wie die Creative Cities of Design, die heimischen Kreativen Chancen und direkte Zugänge zum Business eröffneten.

Gibt es Trends oder Strömungen in Design und Kreativwirtschaft, die du auf internationalen Reisen besonders inspirierend fandest?

Eberhard Schrempf:
Das hängt stark von der Stadt ab. Detroit tickt anders als Valencia, St. Etienne anders als Helsinki, Kortrijk oder Bilbao. Aber alle haben ähnliche Herausforderungen: Stadtentwicklung, Leerstand, Verkehr, Gestaltung öffentlicher Räume. Kortrijk hat etwa Parksensoren im Asphalt installiert, damit Autofahrer schnell Besorgungen erledigen können.
Montreal hat mit dem Quartier de Spectacle einen Stadtteil geschaffen, in dem es laut sein darf.
Helsinki integriert Design schon in den Volksschul-Lehrplan. Solche Beispiele inspirieren – auch wenn sie hierzulande oft wenig wahrgenommen werden.

„Graz war nie Glanz und Glitzer. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten.“

Mit welchen Herausforderungen warst du konfrontiert, wenn es darum ging, Graz international als Designstadt zu positionieren?

Eberhard Schrempf:
Graz war nie „Glanz und Glitzer“. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten. Unser Credo: „Design follows content“. Das war steinig, aber ehrlich.

Gibt es eine Begegnung mit einer Persönlichkeit aus der internationalen Design- oder Architekturwelt, die du nie vergessen wirst?

Eberhard Schrempf:
Viele. Besonders einprägsam war eine Nacht am Bosporus, wo ich mit Stefan Sagmeister, Karim Rashid und anderen bei türkischem Çay über Nation Branding diskutiert habe.

Wenn du in die Zukunft blickst: Welche Rolle könnte die steirische Kreativszene im globalen Austausch noch stärker einnehmen?

Eberhard Schrempf:
Ich sehe großes Potenzial. Erste Schritte gibt es etwa in Kooperation mit Mobility- und Automotive-Städten im Netzwerk. Auffällig ist, dass viele Ideen immer wieder neu erfunden werden – hier könnten wir ansetzen. Die Stärke der Steiermark liegt in ihrem kompakten Ökosystem und den Clustern: innovative Unternehmen, enge Zusammenarbeit mit Hochschulen, hohe F&E-Bereitschaft.
Die Chance liegt darin, Design und Kreativität von Anfang an in Entwicklungsprozesse einzubinden, Cross-Cluster-Projekte zu fördern und Zusammenarbeit über Grenzen hinweg zu stärken – lokal wie europaweit.

Persönlich gefragt: Welche Städte oder Kreativzentren weltweit haben dich besonders geprägt – und wo zieht es dich nach deiner Pensionierung privat noch hin?

Eberhard Schrempf:
Sonnenhungrig wie ich bin, wohl nach Valencia. Ebenso faszinierend, nur rauer, sind Detroit oder Bilbao. Am meisten zieht es mich nach Istanbul – dieser kulturelle Clash, das Chaos, die Mischung aus Orient und Okzident, alles im Überfluss – das übt eine unglaubliche Anziehungskraft aus.