Ein filmischer Blick in das Haus der Schweizer Surrealistin – und in die Gedankenwelt einer der faszinierendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

In seinem Kurzfilm Meret Lives Here begibt sich Regisseur Matteo Lonardi auf Spurensuche im Haus der Schweizer Surrealistin Meret Oppenheim. In der Casa Costanza im Tessiner Dorf Carona scheinen Kunstwerke, Fundstücke und Alltagsobjekte noch immer den Geist der Künstlerin zu tragen.

Seit Oppenheims Tod im Jahr 1985 nahezu unverändert, wirkt ihr Haus wie ein eingefrorener Ausdruck ihrer Gedankenwelt. Neugier, Disziplin und ein leiser Widerstand gegen Konventionen spiegeln sich in Räumen und Gegenständen wider. Die Umgebung der Casa Costanza inspirierte viele ihrer bekanntesten Arbeiten – Werke, in denen gewöhnliche Objekte des Alltags zu surrealen, poetischen und oft provokanten Skulpturen und Assemblagen transformiert wurden.

“Walking through Meret Oppenheim’s home today feels like entering her state of mind. I was drawn not only to the objects and rooms, but to the sense that Meret never fully left.”
— Matteo Lonardi

Gemeinsam mit Oppenheims Nichte Lisa Wegner, die den künstlerischen Nachlass der Surrealistin betreut, erkundet Lonardi das Haus als Spiegel ihres inneren Kosmos. Zwischen Erinnerungen an das Paris der 1930er-Jahre – wo Oppenheim mit Künstlern wie Max Ernst und Man Ray verkehrte – und ihrem konsequenten Widerstand gegen jede Form der Kategorisierung entsteht ein intimes Porträt der Künstlerin.

Der Film verbindet die poetischen Widersprüche der Casa Costanza mit der geistigen Freiheit und dem spielerischen Witz, die Oppenheims Werk prägen. In den Objekten, Möbeln und Kunstwerken ihres Hauses scheint ihre kreative Energie bis heute weiterzuleben.

Die Ausstellung „Tanzbild“ in der ALBERTINA MODERN erzählt anhand historischer Fotografien die faszinierende Geschichte des Tanzes zwischen Bewegung, Inszenierung und fotografischer Innovation – von den frühen Atelieraufnahmen des 19. Jahrhunderts bis zur avantgardistischen Tanzfotografie der 1930er-Jahre.

Wenn Bewegung zum Bild wird

Tanz ist flüchtig. Eine Bewegung existiert nur für einen Augenblick – und verschwindet im selben Moment wieder. Genau diese Vergänglichkeit fasziniert Fotograf:innen seit den Anfängen der Fotografie. Mit der Ausstellung „Tanzbild. Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA“ widmet sich die ALBERTINA MODERN diesem Spannungsfeld zwischen Bewegung und Stillstand und zeichnet eine visuelle Geschichte der Tanzfotografie von den 1860er-Jahren bis in die frühen 1940er-Jahre nach. Rund 120 Werke aus der Fotosammlung der Albertina geben Einblick in eine Epoche, in der Tanz und Fotografie gleichermaßen neue Ausdrucksformen entwickelten.

Tanzfotografie zwischen Bühne und Atelier

Die frühesten Tanzfotografien entstanden in den Ateliers des 19. Jahrhunderts. Tänzerinnen und Tänzer wurden dort in statischen Posen oder klassischen Porträts inszeniert – oft als Sammelbilder im sogenannten Visitformat oder als großformatige Kabinettkarten. Diese Fotografien machten Künstler:innen zu frühen Stars und prägten eine neue visuelle Kultur der Prominenz.

Mit den technischen Fortschritten der Fotografie – insbesondere kürzeren Belichtungszeiten – begann sich das Bild des Tanzes zu verändern. Ab dem späten 19. Jahrhundert konnte erstmals Bewegung selbst fotografisch festgehalten werden. Serienaufnahmen und Bewegungsstudien machten Abläufe sichtbar, die zuvor dem menschlichen Auge verborgen geblieben waren.

Die Geburt der Tanzmoderne

Besonders intensiv widmet sich die Ausstellung der Zwischenkriegszeit, einer Phase, in der sich der moderne Tanz als eigenständige Kunstform etablierte. Tänzerinnen wie Isadora Duncan, Mary Wigman oder Josephine Baker prägten eine neue Körperästhetik, die sich bewusst vom klassischen Ballett abgrenzte. Ausdruck, Individualität und körperliche Freiheit rückten in den Mittelpunkt.

Parallel dazu entwickelte sich die Fotografie zu einem kreativen Partner der Performance. Fotograf:innen wie Trude Fleischmann, Rudolf Koppitz, Atelier d’Ora oder Charlotte Rudolph arbeiteten eng mit den Tänzer:innen zusammen. In diesem dialogischen Prozess entstanden ikonische Bilder, die nicht nur Bewegung dokumentierten, sondern selbst zu künstlerischen Interpretationen des Tanzes wurden. pressemappe_tanzbild_de

Avantgarde, Ausdruck und Inszenierung

Die Tanzfotografie wurde zunehmend experimentell. Fotograf:innen suchten nach neuen Möglichkeiten, Dynamik, Geschwindigkeit und Emotion sichtbar zu machen. Ungewöhnliche Perspektiven, fragmentierte Bildausschnitte oder bewusst inszenierte Gesten spiegelten die ästhetischen Strömungen der Moderne wider.

Ein eindrucksvolles Beispiel ist die Fotografie der Tänzerin Gret Palucca während eines Sprungs, aufgenommen von Charlotte Rudolph. Das Bild vermittelt eine fast schwerelose Dynamik und wurde zu einem ikonischen Motiv der fotografischen Avantgarde der 1920er-Jahre.

Tanz als Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen

Die Fotografien zeigen nicht nur Tanz, sondern auch gesellschaftliche Entwicklungen. In den Illustrierten der Zwischenkriegszeit wurden Tänzerinnen zunehmend als moderne, selbstbewusste Persönlichkeiten inszeniert. Gleichzeitig spiegelte ihre Darstellung neue Vorstellungen von Körperlichkeit, Emanzipation und Sinnlichkeit wider.

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 in Deutschland und 1938 in Österreich erlebten sowohl Tanzszene als auch Fotografie jedoch einen drastischen Bruch. Viele Künstler:innen wurden verfolgt, vertrieben oder ermordet – eine Zäsur, die auch in der Geschichte der Tanzfotografie tiefe Spuren hinterließ.

Eine visuelle Geschichte des Tanzes

„Tanzbild“ macht deutlich, wie eng Tanz und Fotografie miteinander verbunden sind. Die Kamera konserviert nicht nur flüchtige Bewegungen, sondern erschafft auch neue Bildwelten des Körpers in Bewegung.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Tanz nicht nur als Performance zu erleben, sondern als ästhetisches Zusammenspiel von Körper, Licht, Technik und künstlerischer Interpretation.

Ausstellung:
Tanzbild – Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA
Ort: ALBERTINA MODERN, Wien
Dauer: 3. März – 7. Juni 2026
Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: ca. 120 Fotografien

Wenn Kunst Geschichte sichtbar macht

In ihrem Studio in Houston spricht die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Tiffany Chung über Erinnerung, Migration und darüber, wie Kunst offizielle Narrative hinterfragen kann.

Die multidisziplinäre Künstlerin arbeitet mit Karten, Skulpturen, Malerei und digitalen Medien. Ihre Werke verbinden intensive Recherche mit persönlicher Erfahrung und eröffnen neue Perspektiven auf die menschlichen Folgen von Krieg, Vertreibung und Migration.

Ausgehend von der Logik der Kartografie untersucht Chung die komplexen Verflechtungen politischer, sozialer, wirtschaftlicher und ökologischer Prozesse. Ihre Arbeiten stellen offizielle Geschichtsschreibungen infrage – insbesondere dort, wo individuelle Stimmen und persönliche Erfahrungen aus dem kollektiven Gedächtnis verschwinden.

„Eine Karte ist eine Möglichkeit, einen Ort von oben zu kontrollieren – sie kann ausradieren, was tatsächlich in einer Landschaft existiert. Wie können wir diese Macht zurückgewinnen, damit Karten auch Geschichten erzählen, die ausgelöscht wurden?“
— Tiffany Chung

Zwischen persönlicher Geschichte und globaler Erinnerung

Chungs künstlerische Praxis ist eng mit ihrer eigenen Biografie verbunden. In Vietnam geboren, kam sie als Kind mit ihrer Familie als Flüchtling in die USA. Diese Erfahrungen prägen ihr Werk bis heute.

Historische Dokumente, Satellitenbilder und demografische Statistiken übersetzt sie in präzise komponierte visuelle Arbeiten, die analytische Genauigkeit mit emotionaler Tiefe verbinden. Ihre Karten sind dabei keine neutralen Darstellungen von Territorien – vielmehr zeichnen sie Bewegungen von Menschen, Geschichten von Flucht und Erinnerung nach.

Für die Reihe “Meet the Artists” öffnet Chung ihr Studio in Houston für ein Gespräch über Kunst, die nicht nur geografische Räume kartiert, sondern auch unsichtbare Geschichten sichtbar macht. Ihre Arbeiten erinnern daran, wie wichtig es ist, historische Amnesie zu vermeiden und verdrängte Narrative wieder ans Licht zu bringen.

Die Künstlerin wird von den Galerien Kiang Malingue (Hongkong, New York), Max Estrella (Madrid) und Ryan Lee (New York) vertreten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine international renommierte Plattform für kuratierte Videoinhalte rund um Kunst, Design, Mode, Architektur und Kultur. Seit ihrer Gründung steht die Plattform für visuell außergewöhnliches Storytelling und präsentiert Arbeiten führender Kreativer ebenso wie neue Stimmen der internationalen Kulturszene.

Was bedeutet es heute, ein Mann zu sein?

Mit MAN IN PROGRESS widmet sich die neue Ausgabe der THE Stylemate einer Frage, die aktueller kaum sein könnte – und zugleich komplexer denn je. Männlichkeit wird hier nicht als festes Ideal verstanden, sondern als Entwicklung. Als Prozess. Als kulturelle Bewegung zwischen Tradition und Transformation.

Identität im Wandel

Das Titelthema beleuchtet den Wandel männlicher Rollenbilder – von historischen Zuschreibungen hin zu einem pluralen Verständnis von Stärke, Verantwortung und Verletzlichkeit. Essays, Analysen und Gespräche eröffnen Perspektiven auf Ambivalenz, Selbstreflexion und gesellschaftliche Dynamiken.

Nicht als moralischer Appell, sondern als Einladung, genauer hinzusehen.

Männlichkeit ist kein Zustand. Sie ist in Progress.

Stil als Ausdruck von Haltung

Auch in der Rubrik STYLE zieht sich dieses Leitmotiv durch die Seiten.
Duft wird zum Ausdruck von Identität. Kleidung wird nicht Trend, sondern Zustand. Stille wird zum zeitgemäßen Luxus.

Die Mindful Essentials kuratieren Objekte mit Substanz – von ikonischen Accessoires bis zu Interior-Pieces, die Design und Bewusstsein verbinden. Ästhetik erscheint hier nicht als Oberfläche, sondern als Haltung.

Orte, die den Zeitgeist spiegeln

Reisen bleibt ein zentrales Element der THE Stylemate – jedoch nicht als Flucht, sondern als Resonanzraum unserer Gegenwart.

Die Lifestylehotels Selection ergänzt diese Ausgabe mit charakterstarken Häusern, die Architektur, Nachhaltigkeit und Gastfreundschaft neu denken. Ob mediterrane Ruhe im Vestige Santa Ana, alpine Klarheit im Das Graseck oder bewusste Küstenästhetik im SANDnature – sie stehen exemplarisch für Räume, die Identität nicht inszenieren, sondern ermöglichen.

Die Selection ist Teil des Ganzen. Kein Schwerpunkt, sondern eine Erweiterung des Themas: Wie wollen wir leben? Wie wollen wir reisen? Wie wollen wir ankommen?

Eine Ausgabe mit Haltung

MAN IN PROGRESS verbindet gesellschaftlichen Diskurs mit Designkultur, Reiseinspiration und ästhetischer Klarheit.

Ein Magazin für alle, die Lifestyle als bewusste Entscheidung verstehen – im Denken, im Gestalten und im Unterwegssein.

Jetzt erhältlich im THE Stylemate Online Shop

Die neue Print-Ausgabe
THE Stylemate – Issue No. 01 | 2026 | MAN IN PROGRESS
ist ab sofort verfügbar.

→ Jetzt entdecken und im Online Shop bestellen.

Zwischen Staub und Stille – Eine Kindheitserinnerung im Schatten der Krise

Ein Junge begibt sich auf eine stille, beinahe mystische Reise durch die karge Peripherie Madrids – auf der Suche nach Antworten zwischen Leben und Tod.

In Niño, dem eindringlichen Kurzfilm von Regisseur Alberto Allica für NOWNESS, verschmelzen persönliche Erinnerung und kollektive Geschichte zu einer poetischen Parabel über Vergänglichkeit und Identität.

Vor dem Hintergrund der spanischen Finanzkrise 2008 erzählt der Film von einem Jungen, der nach der Begegnung mit seinem sterbenden Großvater allein ins Unbekannte aufbricht. Die verlassenen Gebäude und Zeichen des wirtschaftlichen Verfalls rund um das Haus seiner Großeltern spiegeln die innere Leere und Orientierungslosigkeit wider, die ihn umgibt.

Doch jenseits von Betonruinen und Trockenheit offenbart sich eine andere, fast übernatürliche Welt: Zwischen Unkraut, Insekten und Eidechsen entdeckt er eine fragile, doch kraftvolle Lebendigkeit. Die Natur wird zum Resonanzraum seiner Fragen – und zum stillen Lehrmeister über Werden und Vergehen.

„Als Kind fuhren meine Eltern oft zu einem Landhaus am südlichen Rand Madrids, das meine Großmutter mit ihrer Familie teilte. Unter der unerbittlichen Sonne wirkte die Außenwelt wie ein fremdes Reich – voller geheimer Orte, manchmal magisch, manchmal bedrohlich.“

Ko-produziert von Black Dog Films und Corte A Films, verbindet Niño Elemente spanischer Mystik mit magischem Realismus. Allica greift auf die Symbolik seiner Heimat zurück und reflektiert die Entfremdung eines Landes im wirtschaftlichen Umbruch.

Dabei entsteht ein vielschichtiges Porträt über das Gefühl von „Zuhause“ – besonders dann, wenn Vertrautheit zu zerbrechen scheint. Der Film ist eine visuelle Meditation darüber, wie wir Identität bewahren, wenn äußere Sicherheiten verschwinden.

Eine Liebeserklärung an Neapel – zwischen Feuer, Glaube und Fußball

Neapel ist kein Ort der leisen Zwischentöne. Die Stadt lebt, vibriert, explodiert – getragen von der Energie des Vulkans, der sie überragt: dem Vesuv, von den Einheimischen ehrfürchtig Signore, der Herr der Natur, genannt. Mehr als drei Millionen Menschen teilen hier einen Alltag, der sich anfühlt wie ein permanenter Dialog mit der Unberechenbarkeit des Lebens. Vielleicht ist es genau diese Nähe zur Gefahr, die Neapel so intensiv, so unmittelbar macht.

In den elektrischen Blautönen der Straßenschreine, im Schimmern des Golfs von Neapel, im Dröhnen der Motorroller und in der kompromisslosen Leidenschaft der Fußballfans verdichtet sich der Charakter dieser Stadt. Chaos und Schönheit existieren hier nicht nebeneinander – sie sind untrennbar.

„Ich wollte diese vibrierende, unmögliche Stadt in ihrem heiligsten Moment einfangen. Wenn Feuer jederzeit ohne Vorwarnung aus dem Boden brechen kann, lebt man vielleicht anders. Ohne Helm. Mit mehr Dringlichkeit, mehr Fülle, mehr Gefühl.“

Mit Sotto Il Vesuvio fängt Regisseur Kevin Koch Neapel auf 16mm-Film ein – körnig, roh und voller Emotion. Gedreht während der ausgelassenen Straßenfeiern zum Heimsieg des SSC Napoli gegen Cagliari im August 2025, wird Fußball zur Religion und Diego Maradona zur allgegenwärtigen Ikone. Ein Film über eine Stadt, in der Glaube und Aberglaube ineinanderfließen – und das Leben immer am Limit pulsiert.

Über NOWNESS

Nowness ist eine internationale Videoplattform für zeitgenössische Kultur, die außergewöhnliche Geschichten aus den Bereichen Kunst, Mode, Design, Architektur und Film erzählt. Kuratiert, visuell anspruchsvoll und stets am Puls der Zeit, bietet NOWNESS Raum für kreative Perspektiven jenseits des Mainstreams – und für Filme wie Sotto Il Vesuvio, die Atmosphäre über Erklärung stellen.

Los Angeles, Material, Intuition – und die stille Kraft des Loslassens.

In ihrem Studio in Los Angeles formt die belgische Künstlerin Katrien van der Schueren rohe, haptische Materialien zu monumentalen, poetischen Skulpturen. Holz, Stein, Gips, Metall oder Harz werden bei ihr nicht beherrscht, sondern behutsam begleitet – in einem Prozess, der sich zwischen Kontrolle und Hingabe bewegt.

Der Kurzfilm The Artist Mind, veröffentlicht auf Nowness, gibt einen seltenen Einblick in diesen Zustand des kreativen Sich-Einlassens. Auf Super-8 festgehalten von der Filmemacherin und langjährigen Freundin Marcia Prentice, entfaltet sich kein klassisches Künstlerporträt, sondern eine leise Annäherung an das innere Arbeiten einer Bildhauerin.

„Was als Dokumentation des Prozesses begann, wurde zu etwas Tieferem – zu einem Blick in den Geist einer Künstlerin, angetrieben von Emotion und Hingabe.“

Zwischen skulpturalen Arbeiten, Lichtobjekten und großformatigen Wandarbeiten entsteht ein Spannungsfeld aus präziser Technik und bewusster Offenheit für das Unbekannte. Van der Schueren arbeitet intuitiv, geleitet vom Tastsinn, und lässt ihre Werke organisch wachsen – als stille Dialoge zwischen Material, Körper und Geist.

Ein Film über das Vertrauen in den Prozess. Und über die Schönheit, die entsteht, wenn Kontrolle losgelassen wird.

Wenn die Anden erzählen – eine filmische Hommage an das Valle Sagrado

Im Kurzfilm Tierra de Gigantes begibt sich der ecuadorianische Regisseur Victor Bastidas auf eine poetische Reise in das Valle Sagrado der peruanischen Anden. Entstanden für die Videoplattform NOWNESS, ist das Porträt weniger Dokumentation als vielmehr ein stilles Lauschen – auf Menschen, Rituale und eine Landschaft, die seit Jahrhunderten von Mythen und spirituellem Wissen geprägt ist.

Jenseits der touristischen Oberfläche

Das Valle Sagrado gilt als einer der meistbesuchten Orte Perus. Doch Tierra de Gigantes wählt bewusst einen anderen Blickwinkel. Während sich Besucher:innen an den Eingängen historischer Stätten anstellen, bewegt sich Bastidas abseits der bekannten Pfade – dorthin, wo Alltagsleben, Zeremonien und gelebte Traditionen noch eng mit der Erde und den Bergen verbunden sind.

Gedreht wurde an Orten wie Pisac, Maras und Moray, ebenso in kleineren Dörfern der Region. Gemeinsam mit der peruanischen Creative Director Lia Lazaro entstand ein Werk, das nicht beobachtet, sondern teilnimmt.

Die Giganten der Berge

Der Film schöpft seine Bildsprache aus der andinen Folklore. In ihr leben die Berge als Wesen – als Giganten, die Schutz spenden, aber auch Respekt einfordern. Diese Vorstellung ist tief in der Inka-Mythologie verankert und bis heute Teil des spirituellen Verständnisses vieler Gemeinschaften.

Tierra de Gigantes macht diese unsichtbaren Schichten spürbar: durch traditionelle Tänze, kunsthandwerkliche Praktiken, zeremonielle Handlungen und die symbolische Bedeutung von Mais – einem zentralen Element andiner Kultur und Lebensweise.

„Wir haben eine Region Perus erkundet, die jedes Jahr von Millionen Menschen besucht wird – und doch haben wir etwas gesehen, das den meisten verborgen bleibt.“
— Victor Bastidas

Eine Widmung an die Frauen der Anden

Der Film ist zugleich eine sehr persönliche Arbeit. Bastidas widmet Tierra de Gigantes den Frauen in seinem Leben – jenen, die ihn nach Otavalo, Saraguro und in weitere Regionen der Anden geführt haben. Ihre Geschichten und Perspektiven öffnen den Blick auf eine Landschaft, die weit mehr ist als ein Reiseziel.

So wird das Valle Sagrado nicht als Kulisse gezeigt, sondern als lebendiger Organismus – geprägt von Geschichte, Spiritualität und der stillen Stärke seiner Menschen.

Mindful Viewing

Tierra de Gigantes lädt dazu ein, langsamer zu schauen. Hinzuhören. Und Orte nicht nur zu bereisen, sondern ihnen mit Respekt zu begegnen. Ein filmisches Porträt, das perfekt in unsere Zeit passt – und daran erinnert, dass wahre Tiefe oft jenseits des Sichtbaren liegt.

Der ungarische Künstler David Ariel Szauder (*1976) zählt zu den faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Medienkunst – ein Grenzgänger zwischen Technologie, Kulturgeschichte und digitalen Erzählformen. Geboren in Ungarn, studierte Szauder Kunstgeschichte an der Eötvös Loránd Universität und Intermedia an der Ungarischen Hochschule für Bildende Künste in Budapest. Seine akademische Ausbildung setzte er mit einem Masters Fellowship an der School of Arts, Design and Architecture der Aalto Universität in Helsinki fort. Szauders künstlerische Praxis bewegt sich an der Schnittstelle von digitaler Collage, virtueller Realität, interaktiven Installationen und künstlicher Intelligenz. Er versteht Technologie nicht nur als Werkzeug, sondern als ästhetischen und konzeptuellen Partner in der künstlerischen Auseinandersetzung.

Historische Wurzeln – neue Visionen

Ein wiederkehrendes Motiv in Szauders Arbeiten ist die Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart: In Projekten wie der Super-8-Reanimation, bei der er historische Familienfilme seines Großvaters in surreale visuelle Erlebnisse verwandelt, verschmilzt er erinnerte Geschichte mit imaginärer Bildwelt. Gleichzeitig reflektiert seine Kunst die gesellschaftlichen Umbrüche unserer Zeit – Grenzen, Identität, Erinnerung und mediale Wahrnehmung werden in Werken wie Bestiarium oder Folkloric Robots eindrucksvoll erkundet, die Realität und Fiktion miteinander verschränken.

Lehre, Forschung & internationale Präsenz

Szauder ist nicht nur als Künstler aktiv, sondern auch als Lehrender und Kurator. Seit 2023 unterrichtet er KI-basierte Kurse an der berühmten Moholy-Nagy Universität für Kunst und Design in Budapest.

Seine Arbeiten wurden auf bedeutenden internationalen Plattformen präsentiert – darunter im Rahmen des Ars Electronica Festival, wo seine KI-Retrospektive gezeigt wurde, sowie in Ausstellungen in Mailand, Paris und Budapest. Kritiker loben sein Werk für die “unheimliche Kraft” und die ästhetische Tiefe seiner digitalen Bildwelten.

Einfluss & Bedeutung

David Szauder steht beispielhaft für eine neue Generation von Künstler*innen, die sich nicht zwischen Kunst und Technologie entscheiden, sondern beide Disziplinen miteinander verschränken. Seine Werke eröffnen einen kritischen Blick auf die Rolle von Medien, Erinnerung und künstlicher Intelligenz in einer zunehmend digitalisierten Welt.

Wenn Mythologie den Kosmos berührt

Was passiert, wenn zeitlose Mythen auf modernste Raumfahrt treffen? Der chinesische Multimedia-Künstler Jacky Tsai hebt mit Chang E Flying to the Moon nicht nur symbolisch ab, sondern schickt die legendäre Mondgöttin buchstäblich ins All – auf der weltweit ersten vollständig kunstbemalten Rakete.

Von der Neuinterpretation traditioneller chinesischer Handwerkskunst bis hin zu großformatigen Interventionen, die Kunst in reale Bewegung versetzen: Jacky Tsai hat über Jahre hinweg eine kraftvolle visuelle Sprache entwickelt, die Vergangenheit und Gegenwart Chinas miteinander verbindet. Seine Arbeiten verschmelzen östliche Erzähltraditionen mit zeitgenössischer Ästhetik – poetisch, politisch und stets visionär.

In seinem jüngsten Projekt greift Tsai auf die chinesische Mythologie zurück und rückt die Mondgöttin Chang E ins Zentrum einer intergalaktischen Erzählung. Die Legende wird zur kosmischen Metapher für Sehnsucht, Transformation und kollektive Imagination.

„Mein Kunstwerk auf einer echten Rakete ins All starten zu sehen, war einer der emotionalsten Momente meiner Karriere. Mit diesem Projekt möchte ich unsere gemeinsamen Träume und Vorstellungen tatsächlich in den Kosmos senden.“

In Zusammenarbeit mit dem kommerziellen Raumfahrtunternehmen LandSpace überschritt Tsai Anfang des Jahres eine neue Grenze: Sein Kunstwerk passierte die Kármán-Linie und machte die ZQ-2E Y2 zur ersten vollständig kunstbemalten Rakete im Weltraum. Der begleitende Kurzfilm Chang E Flying to the Moon dokumentiert diesen außergewöhnlichen Prozess und zeigt, wie Kunst, Technologie und Mythos zu einer neuen Form zeitgenössischer Erzählung verschmelzen.

Ein Projekt, das nicht nur Raumfahrt neu denkt, sondern auch die Frage stellt, wie weit Kunst reichen kann – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn.