50 Stühle, 50 mögliche Anfänge: Zur Dutch Design Week 2026 öffnet der niederländische Designer sein neues Studio in Eindhoven und zeigt, wie Ideen beim Machen entstehen.

Ein mit der Axt gespaltener Holzbalken hat eine eigene Vorstellung von Form. Er bricht entlang seiner Fasern, hinterlässt Risse, Kanten und eine Oberfläche, die sich kaum exakt wiederholen lässt. Für Teun Zwets beginnt genau hier der Entwurf. Der niederländische Designer arbeitet mit dem, was das Material vorgibt – und entwickelt daraus Möbel, deren kräftige Farben und glänzende Oberflächen die Spuren ihrer Entstehung sichtbar lassen.

Zur Dutch Design Week vom 17. bis 25. Oktober 2026 macht Zwets diese Lust am Experiment zum Thema einer neuen Ausstellung. Für seine NEW STUDIO SUPER SHOW entstehen 50 vollkommen unterschiedliche Stühle. Jeder könnte der Anfang einer eigenen Kollektion sein. Was daraus weiterwächst, bleibt zunächst offen.

Erst einmal machen

Zwets, 1992 geboren, schloss 2020 sein Studium an der Design Academy Eindhoven ab. Seine Abschlussarbeit Teunland, eine farbenfrohe Möbelkollektion aus gefundenen Materialien, ließ bereits erkennen, was seine Arbeit bis heute prägt: ein unmittelbarer Zugang zum Material, Humor und die Bereitschaft, sich vom eigenen Tun überraschen zu lassen. 2021 erhielt er den Kazerne Design Award.

In der Werkstatt braucht er keinen bis ins Letzte ausgearbeiteten Plan. Eine Idee genügt, um anzufangen. Konstruktion, Proportion und Oberfläche entwickeln sich während der Arbeit; praktische Entscheidungen führen zum nächsten Schritt.

„Indem ich Dinge einfach mache, finde ich heraus, was funktioniert und was nicht.“
— Teun Zwets, aus dem Englischen übersetzt

Die 50 Stühle führen diesen Ansatz weiter. Nachdem Zwets zwei Jahre lang vor allem seine bestehende Kollektion ausgebaut hatte, wollte er herausfinden, welche anderen Möglichkeiten in seiner Arbeit stecken. Jeder neue Stuhl bietet Gelegenheit, ein Material, eine ungewohnte Konstruktion oder eine bisher ungenutzte Technik auszuprobieren.

Manche werden Einzelstücke bleiben. Andere könnten ihn über Jahre beschäftigen. In dieser Offenheit liegt der Reiz des Projekts: Die Ausstellung zeigt Entwürfe an einem Punkt, an dem ihre Zukunft noch verhandelbar ist.

Mit der Axt beginnt die Form

Wie aus einem Versuch eine ganze gestalterische Welt entstehen kann, zeigt die Splitted Collection. Ihr erster Stuhl entstand 2023 aus Holzbalken, die Zwets mit der Axt gespalten hatte. Inzwischen umfasst die Serie unter anderem Tische, Schränke, Sitzmöbel und Leuchten.

Das verwendete Douglasienholz gibt jedem Stück seine individuelle Struktur. Die Oberflächen werden sorgfältig geschliffen, grundiert und mit einem widerstandsfähigen Hochglanzlack versehen. Dabei bleiben die beim Spalten entstandenen Risse und die Maserung sichtbar. Handwerkliche Bearbeitung und kräftige Farbe verleihen dem Holz eine neue Präsenz.

So entsteht eine reizvolle Spannung zwischen rauer Struktur und glänzendem Finish. Die Möbel wirken kraftvoll, manchmal eigensinnig, und besitzen einen Humor, der sich ohne Erklärung erschließt. Ein Stuhl darf hier auch ein wenig sonderbar aussehen.

Zwets’ Arbeiten wurden unter anderem bei Rossana Orlandi in Mailand sowie in Einzelausstellungen bei CIBONE in Tokio und B1OCK in Hangzhou gezeigt. Auch im Hotel Piet Hein Eek in Eindhoven findet sich seine Handschrift: Dort gestaltete er das Zimmer Nachtwacht.

Ein Studio mit mehreren Welten

Seit Anfang 2026 arbeitet Zwets in seinem neuen Studio am Hallenweg in Eindhoven. Während der Dutch Design Week wird die Holz- und Metallwerkstatt zum Schauplatz der 50 Stuhlentwürfe. Im Obergeschoss verbindet er neue Arbeiten, bestehende Kollektionen, Kunst und Installationen zu unterschiedlichen räumlichen Welten.

Eine davon entsteht gemeinsam mit dem Künstler Merijn Kavelaars, dessen Malerei von kräftigen Linien, intensiven Farben und organischen Formen geprägt ist. Ein Gemälde erhält einen von Zwets gefertigten Splitted-Rahmen; ein Stuhl und ein Sideboard werden Teil derselben Installation. An anderer Stelle besteht eine ganze Raumwelt aus Karton.

Auch die Splitted Collection wächst weiter: Im Studio sind ein neues Ecksofa und ein ovaler Tisch angekündigt. Parallel präsentiert Zwets im FORM Designlab bei Piet Hein Eek neue Spiegel, Wandschränke, Regale und weitere Wandobjekte sowie neue Arbeiten mit dem Fotografen Jeroen van der Wielen.

Zwets lässt Besucher damit an einer Arbeit teilhaben, die in Bewegung bleibt. Unter den 50 Stühlen könnte bereits die nächste große Werkgruppe stehen. Vielleicht bleibt es auch bei einem einzelnen, ungewöhnlichen Möbel. Beides hat seinen Platz – und macht Lust darauf, selbst wieder etwas auszuprobieren.

Ausstellungen: NEW STUDIO SUPER SHOW, Studio Teun Zwets, Hallenweg 11a, Eindhoven; Splitted: Wall Works, FORM Designlab, Halvemaanstraat 22, Eindhoven. Beide vom 17. bis 25. Oktober 2026, täglich 11–18 Uhr, Eintritt frei.

Was macht ein Kleidungsstück wertvoll? Welche Vorstellungen von Männlichkeit trägt ein Anzug? Und wie viel Persönlichkeit kann eine Tasche aufnehmen? Im Rahmen der Austrian Fashion Awards 2026 werden Arbeiten von fünf Designerinnen, Designern und Labels gezeigt, die mit einem Startstipendium Mode gefördert wurden. Ihre Entwürfe geben sehr unterschiedliche Antworten.

Wer bestimmt den Wert?

Für Hao Wu und Alexander Georg Lehner von Sale Sale Studio beginnt diese Frage bei etwas Vertrautem: einem Hemd, einer Anzughose und drei Stoffen. In ihrer ersten Kollektion Copy Paste werden die Ausgangsstücke kopiert, verändert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis spielt mit der Grenze zwischen Original und Nachahmung – und mit der Vorstellung, dass Originalität allein über den Wert von Kleidung entscheidet.

Auch Miranda Matondo, das Label von Marie Matondo und Danaide Miranda, interessiert sich dafür, welche Geschichten Materialien und Techniken erzählen. Die Kollektion Mosaico entstand nach einem Aufenthalt in Agadir. Sie verbindet Einflüsse des Flamenco mit Amazigh-Schmuckkunst und setzt auf Bewegung, Handwerk und kulturellen Austausch. Die Kleidung ist dabei nicht an binäre Geschlechterkategorien gebunden; sie lässt Raum für die Person, die sie trägt.

Menswear mit Erinnerung

Oliver Kuzma blickt auf historische Formen der Männermode und übersetzt sie in eine robuste Garderobe für die Gegenwart. Seine aktuelle Kollektion, angeregt durch die frühen Filme Guy Ritchies, beschäftigt sich mit den Bildern von Aristokratie und Arbeiterklasse. Ihn interessieren Kleidungsstücke, die genutzt werden dürfen und mit der Zeit eine eigene Patina bekommen.

Bei Paul Alexander Reisinger liegt die Vergangenheit im Material selbst. Er arbeitet überwiegend mit Vintage-Beständen und gebrauchten Stoffen, verbindet alpine und florale Bezüge mit klassischen Menswear-Silhouetten. So entstehen Entwürfe, in denen persönliche Erinnerung ebenso Platz hat wie eine offenere Vorstellung von Männlichkeit.

Viola Kollár richtet den Blick auf ein Accessoire, das uns oft täglich begleitet. Ihre Taschen sollen funktionieren, lange halten und zugleich eine eigene Präsenz haben. Handnaht, sorgfältig verarbeitete Lederkanten und wiederverwendete Materialien gehören zu einer Arbeit, in der handwerkliche Qualität und persönliche Bedeutung zusammenfinden.

Die fünf Positionen sind am 5. November 2026 bei den Austrian Fashion Awards in der Kunsthalle Wien im MuseumsQuartier zu sehen. Die Veranstaltung der Austrian Fashion Association zeigt damit auch, was aus gezielter Förderung entstehen kann: eigenständige Arbeiten, die vertraute Formen aufnehmen und ihnen neue Fragen stellen. Die Gewinnerinnen und Gewinner der diesjährigen Modepreise werden erst an diesem Abend bekannt gegeben.

Die Villa Esencia von ELE Interior ist ein zeitgenössisches Wohnprojekt in Dubai, das sich sensibel in die grüne Oase von Al Barari einfügt. Es verweist auf traditionelle arabische Bautypologien, übersetzt sie allerdings in eine moderne Material- und Raumlogik. Dabei setzt ELE Interior bewusst auf das Unspektakuläre.

Dubai ist bekannt für seine faszinierende Skyline: Wolkenkratzer, die wie futuristische Skulpturen in den Himmel ragen, ikonische Bauwerke wie der Burj Khalifa oder das Burj al Arab, die längst globale Architektur-Symbole geworden sind. Gleichzeitig existiert ein architektonisches Erbe, das in den sogenannten Windtürmen, den verschatteten Innenhöfen und den labyrinthischen Gassen der Altstadt sichtbar bleibt. All dies ist Ausdruck einer jahrhundertealten Tradition des Bauens mit Klima, Natur und Gemeinschaft. Zwischen diesen Polen – der hypermodernen, geschäftigen Metropole und den stillen, traditionell verwurzelten Räumen – positioniert sich die Villa Esencia in Al Barari.

Kleiner Exkurs zum Thema Windturm oder auch Malqaf, wie es in der Landessprache heißt, zweifellos für alle Haustechniker interessant: Die interessanten Baukörper ragen in der Region des Persischen Golfes und des Mittelmeerraumes zwischen den „normalen“ Volumen hinauf. Durchaus manchmal als optisches Stilelement gestaltet, haben sie in erster Linie funktionale Aufgaben: Sie werden zur natürlichen Kühlung der Gebäude eingesetzt. Sie reichen von zwei Metern über Erdgeschoß-Niveau bis in eine Höhe von 15 Metern. Was es braucht: Kühlen Seewind und spezielle Leitvorrichtungen an der Oberseite des Turmes. Damit wird der Wind durch die Öffnungen in den schattigen Innenraum und nach unten in die Wohnräume dirigiert.

Das Projekt von ELE Interior dagegen ist weder ein architektonisches Spektakel noch eine nostalgische Reminiszenz. Es ist vielmehr ein bewusst zurückgenommenes Statement: Ein Haus, das den Wert von Ruhe, Materialien und Raum in den Mittelpunkt stellt – und damit als subtile Kritik an der allgegenwärtigen Tendenz Dubais verstanden werden könnte, Wohnarchitektur als Statussymbol zu überhöhen.

Ein Dialog von Architektur und Natur

Al Barari gilt als eine der grünsten Enklaven Dubais. Es ist eine Oase mit dicht bepflanzten Gärten, Wasserläufen und Vogelgesang – fast ein krasser Widerspruch zu den kargen Wüstenflächen ringsum. ELE Interior greift diese Atmosphäre auf, indem es den Innenraum konsequent auf Integration mit der Natur ausrichtet.

Das Herzstück bildet ein zentraler Innenhof, der Licht und Grün ins Haus zieht. Dieses Element erinnert an die traditionelle arabische Architektur. Der Hof spielt(e) freilich nicht nur klimatisch, sondern auch sozial eine zentrale Rolle. In der Villa Esencia wird er zum räumlichen und atmosphärischen Anker. Er ist sichtbar und spürbar von allen Hauptfunktionen des Hauses aus: Küche, Wohnraum, Büro, private Rückzugsräume.

Doch hier bleibt es nicht bei historisch-nostalgischer Anlehnung. Der Hof ist Teil einer biophilen Gestaltungsstrategie, die auf aktuellen Forschungsergebnissen basiert: Tageslicht, Pflanzen und natürliche Materialien steigern nachweislich Wohlbefinden und Regeneration – eine Qualität, die sich Familien in einem hektischen urbanen Umfeld zunehmend wünschen. Das ist in Dubai nicht anders als in Neu-Delhi, New York oder London.

Materialität als Sprache der Ruhe

Die eigentliche Stärke des Projekts liegt in seiner Materialchemie. Statt auf opulente Ornamentik oder laute Gesten zu setzen, verdichtet das Design natürliche Texturen und eine neutrale Farbpalette zu einer Atmosphäre der Stille. Der Name des Einfamilienhauses ist demnach wohl nicht zufällig gewählt: Hier geht es um die Essenz, aber um eine sehr angenehme.

Die Küche mit ihrer Insel aus Taj Mahal-Quarzit wird zum haptischen Zentrum – kühl, widerstandsfähig, doch zugleich warm im Ton. Interessanterweise stammt Taj Mahal aus Brasilien. Es wurde wohl nach dem berühmten Denkmal Indiens benannt, weil es bernsteinfarben mit beiger Untergrundfarbe und leicht transparent aussieht.

Im Innenhof der Villa Esencia prägen Porzellanverkleidungen mit Travertin-Effekt die Wände, wodurch sich ein visuelles Echo zwischen Stein und Grün entfaltet. Selbst die Möbelstücke in der Villa Esencia sind maßgefertigt, so ist der Esstisch sogar aus massivem Travertin. Auch Travertine sind interessante Gesteine. Wird der gewachsene, geschichtete Naturstein, der optisch an Marmor erinnert, gegen ihre Lagerrichtung gesägt, so zeigen sie eine Art Bänderung.

Es ist diese durchgängige Materiallogik, die überzeugt. Während viele Interiors in Dubai in einer Art globaler Luxussprache aus Marmor, Glas und Chrom regelrecht erstarren, schafft ELE Interior eine lokal gefärbte, geerdete Ästhetik. Man könnte sagen: Die Villa wirkt wie eine zurückhaltende Antwort auf den lärmenden Luxus der Stadt.

Villa Esencia: Lob der Unaufdringlichkeit

Eine wesentliche Herausforderung bestand darin, den bestehenden Grundriss wunschgemäß zu transformieren. Gezielte Eingriffe erleichtern den Familienalltag. So wurden zwei Standard-Schlafzimmer im Obergeschoss zu einer Master-Suite zusammengeführt, mit zwei Bädern und einem begehbaren Kleiderschrank.

Eine bedeutende bauliche Veränderung war die Schließung des ursprünglich doppelt so hohen Luftraums im Familienbereich. So konnte im ersten Stock ein spezielles Spielzimmer geschaffen werden – sehr zur Freude des Nachwuchses. Diese Entscheidung mag formal das Gefühl von Großzügigkeit reduzieren. Doch hier gewinnt Nutzung über die reine Repräsentation.

Die Villa Esencia lebt nicht von spektakulären Blickachsen oder ikonischen Gesten, sondern von einer leisen Raffinesse. Stoffbespannte Wände, bronzefarbenes Glas, LVT-Bodenbeläge. Jedes Detail ist sorgfältig austariert, um nicht aufdringlich zu wirken – wobei LVT für „Luxury Vinyl Tiles“ steht.

„Generation Alltagstauglichkeit“

Wenn man durch die Räume geht, erlebt man eine Qualität, die sich erst in der Berührung mit den Oberflächen, im Spiel des Lichts über den Stein, in der Ruhe des Innenhofs erschließt. Damit unterscheidet sich das Projekt von den vielen Villen, die in Dubai mit visueller Dominanz um die Blicke von Freunden, Nachbarn oder Gästen konkurrieren.

ELE Interior positioniert sich mit der Villa Esencia in eine Linie mit einer jungen Generation von Designstudios in den Emiraten, die versuchen, jenseits von ikonischer Formensprache eine alltagstaugliche Moderne zu entwickeln. Eine Moderne, die nicht nur globalen Trends folgt, sondern sich aus lokalen Ressourcen, klimatischen Bedingungen und kulturellen Erinnerungen speist.

Dass das Designstudio mit Sitz in Dubai, ELE Interior, mit seinem goldrichtig liegt, zeigt auch die Nominierung als Finalist bei den SBID Awards der Society of British and International Design in der Kategorie
„Wohnhaus unter eine Million Pfund Bauvolumen“.

Text: Linda Benkö
Fotos: Aasiya Jagadeesh, Diego Delso

Die neue Herausforderung der Alpen

Die Sehnsucht nach Reisen wird wahrscheinlich nie verschwinden. Jahr für Jahr entdecken Menschen neue Orte, sammeln Erfahrungen und suchen nach besonderen Erlebnissen. Gleichzeitig stehen viele der beliebtesten Reiseziele vor immer größeren Herausforderungen.

Besonders deutlich zeigt sich das in den Alpen. Nur wenige wissen, dass das Gebirge oft als der „Wasserturm Europas“ bezeichnet wird. Die Gletscher und Wasserspeicher der Alpen versorgen zahlreiche Flüsse und tragen damit weit über die Grenzen der Region hinaus zur Wasserversorgung Europas bei. Umso größer ist die Aufmerksamkeit für die Tatsache, dass sich die Alpen zwei- bis dreimal schneller erwärmen als der globale Durchschnitt. Die Folgen sind bereits heute sichtbar: Gletscher ziehen sich zurück, Schneeverhältnisse verändern sich und die Frage wird immer dringlicher, wie Tourismus in dieser sensiblen Region langfristig gestaltet werden kann. Die entscheidende Frage lautet daher nicht mehr, ob wir in Zukunft reisen werden – sondern wie.

Was kommt nach der Nachhaltigkeit?

Nachhaltigkeit zählt seit Jahren zu den wichtigsten Themen im Tourismus. Immer mehr Hotels achten auf ihren Energieverbrauch, reduzieren Abfälle oder setzen auf regionale Produkte. Gleichzeitig gewinnt ein neuer Ansatz zunehmend an Bedeutung: der regenerative Tourismus. Während Nachhaltigkeit vor allem darauf abzielt, negative Auswirkungen zu minimieren, geht der regenerative Gedanke einen Schritt weiter. Es geht nicht nur darum, weniger Schaden anzurichten, sondern aktiv dazu beizutragen, dass Natur, lokale Gemeinschaften und regionale Wirtschaft gestärkt werden. Die Frage lautet heute nicht mehr nur, wie wir verantwortungsvoller reisen können. Vielmehr geht es darum, wie Tourismus dazu beitragen kann, dass Reiseziele auch in Zukunft lebenswert und attraktiv bleiben.

Ein Hotel, das schon heute an die Zukunft denkt

Das OLM Nature Escape im Südtiroler Ahrntal gehört zu jenen Projekten, die diesen Ansatz bereits heute leben. Nicht ohne Grund wurde das Hotel 2026 mit dem Alps Future Award in der Kategorie Tourismus ausgezeichnet. Der Preis würdigt Initiativen, die aktiv an der Zukunft des Alpenraums mitwirken und konkrete Lösungen für die Herausforderungen der Region entwickeln.

Die Besonderheit des OLM liegt nicht in einer einzelnen technologischen Innovation, sondern im Zusammenspiel verschiedener Systeme. Solarenergie, Geothermie und Wasserkraft arbeiten Hand in Hand, um einen Großteil des Energiebedarfs aus eigenen Ressourcen zu decken. Nachhaltigkeit endet hier jedoch nicht bei der Energieversorgung. Das Projekt ist eng mit der Region verbunden, schafft lokale Arbeitsplätze und zeigt, dass wirtschaftlicher Erfolg und ökologische Verantwortung keine Gegensätze sein müssen.

Warum die gesamte Alpenregion genau hinsieht

Die Alpen zählen seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Tourismusregionen Europas. Umso wichtiger ist die Frage, wie sich der Tourismus künftig entwickeln wird. Immer mehr Projekte suchen nach Wegen, die Bedürfnisse von Gästen, die Interessen lokaler Gemeinschaften und den Schutz natürlicher Ressourcen miteinander zu verbinden. Genau solche Initiativen stehen auch im Mittelpunkt des Alps Future Award. Der Erfolg des OLM zeigt, dass die Zukunft des Reisens zunehmend von langfristigem Denken, Verantwortung und Qualität geprägt sein könnte. Immer mehr Betriebe erkennen, dass nachhaltige Entwicklung nicht nur ökologisch sinnvoll ist, sondern auch wirtschaftliche Chancen eröffnet.

Perhaps it will simply be more conscious, more connected to the places we visit and more focused on creating lasting value alongside meaningful experiences.

Vielleicht ist die Zukunft näher, als wir denken

Wenn wir über die Zukunft des Tourismus sprechen, denken wir oft an ferne Visionen oder futuristische Konzepte. Dabei finden viele dieser Veränderungen bereits heute statt. Projekte wie das OLM Nature Escape zeigen, dass Innovation nicht immer spektakuläre Technologien oder radikale Neuerungen bedeutet. Oft geht es vielmehr darum, ein neues Gleichgewicht zwischen Natur, Gemeinschaft und Gastfreundschaft zu schaffen. Vielleicht wird der Tourismus der Zukunft gar nicht völlig anders aussehen als heute. Vielleicht wird er einfach bewusster sein.

Smart Deal- Olm Nature Escape

1 Night for 2 persons incl. breakfast

OLM Nature Escape combines conscious relaxation, sustainable hospitality and the natural beauty of the South Tyrolean Alps.

Ist regenerative Architektur die logische Fortsetzung von nachhaltiger Architektur? Beim Horizon House auf der Kykladeninsel Syros gelingt ONUS Architecture Studio dieses Kunststück.

Die Kykladen, ein Archipel im Ägäischen Meer, zu der auch die Inselschönheit Santorin gehört, sind für zwei Dinge bekannt: Für ihre kontrastreichen Landschaften aus felsigen Bergen, fruchtbaren Tälern und zerklüfteten Küsten. Und zweitens für die idyllischen Fotomotive, die die Architektur dort bietet. Die kubischen, weiß getünchten Häuser mit blauen Fensterläden und runden Kuppeln, kunstvoll in die Hänge der Steilküsten drapiert, bilden einen eindrucksvollen Kontrast zum tiefen Blau des Meeres. Damit verzücken sie einfach jeden.

Ganz im Gegensatz zu diesen traditionellen Bauweisen steht das Horizon House. Entworfen von ONUS Architecture Studio bezeugt das Haus eine neue Form von Nachhaltigkeit, die über Ressourceneffizienz hinausgeht. Dabei fügt es sich so selbstverständlich in das raue Terrain ein, als wäre es schon immer dort gewesen.

Teil eines lebendigen Ökosystems

Die von der Athener Architektin Margarita Kyanidou geleitete Entwurfsphilosophie wurzelt in der Überzeugung, dass Architektur nicht nur weniger schaden, sondern aktiv heilen kann. Das Horizon House auf Syros verkörpert diesen Anspruch auf jedem Zentimeter. Es ist nicht nur energieautark, sondern auch „ökologisch rückgebend“.

Die Steine, die beim Aushub gewonnen wurden, bilden die massiven Wände, Horizon House folgt damit den natürlichen Konturen des Geländes. Recyceltes Holz und rohe Texturen binden das Gebäude in den Materialkreislauf des Ortes ein. Diese bewusste Reduktion auf lokale Ressourcen wird nicht nur zu einer ökologischen, sondern auch zu einer ästhetischen Entscheidung: Das Haus wirkt wie die Fortsetzung der Landschaft, wie eine geologische Formation, die den Horizont rahmt, statt ihn zu unterbrechen.

Zwischen Schutz und Offenheit

Die architektonische Umsetzung spielt mit zwei Polaritäten: Verwurzelung und Weite beziehungsweise Rückzug und Ausblick. Denn die Nordfassade schmiegt sich schützend an den Boden, während die Südseite sich großzügig zur Ägäis öffnet. Die Form des Hauses insgesamt zieht sich parallel zur Küstenlinie.

Ein L-förmiger Pool markiert die Schwelle zwischen gebauter Struktur und Landschaft. Er fungiert als thermisches und visuelles Bindeglied, das das reflektierte Licht des Himmels in die Architektur hineinträgt. Im Inneren setzt sich die Sprache der Einfachheit fort. Die reduzierten Geometrien und natürlichen Materialien schaffen Räume von fast monastischer Ruhe. Die Innenräume sind um Querlüftung, Tageslicht und Ausblicke herum organisiert. So holen beispielsweise drei quadratische Oberlichter den Himmel ins Haus.

Habitat für die Natur selbst

ONUS Architecture Studio spricht beim Horizon House bewusst nicht von Nachhaltigkeit, sondern von Regeneration. Denn das Ziel ist nicht nur, weniger zu zerstören, sondern mehr zurückzugeben. Die Vegetation spielt dabei eine zentrale Rolle. Die Landschaftsgestaltung folgt einer ökologischen Wiederherstellungsstrategie, die in Zusammenarbeit mit Ökosystemforschern entwickelt wurde.

Es wurden fast ausschließlich einheimische Arten der kykladischen Flora verwendet, sie sind widerstandsfähig gegen Trockenheit und salzhaltige Winde. Diese Bepflanzung stabilisiert den Boden, verhindert Erosion und fördert die Rückkehr von Bestäubern, Insekten und Vögeln. Das Haus wird so zum Habitat, nicht nur für Menschen, sondern für die Natur selbst.

„Blue Roof“-System und Mikro-Windräder

Die begrünten Dächer fungieren als lebende Systeme: Sie speichern Regenwasser, senken die Umgebungstemperatur und schaffen Mikrohabitate für Flora und Fauna. Jährlich können bis zu 200 Kubikmeter Regenwasser gesammelt und über ein integriertes Filtersystem – das sogenannte Blue Roof – aufbereitet werden. Das behandelte Wasser versorgt die Vegetation, während das aufbereitete Grauwasser den Kreislauf schließt. Diese konsequent zirkuläre Ressourcennutzung – Wasser, Energie, Materialien – macht das Horizon House zu einem geschlossenen ökologischen System.

Die fünf Mikro-Windräder rechnen sich, blasen doch oben auf der Klippe die Winde der Ägäis mit schöner Konstanz. So kann das Gebäude vollständig mit erneuerbarer Energie versorgt werden. Ergänzt wird dieses System durch geothermische Leitungen, die die thermische Trägheit des Bodens nutzen, um die Innentemperaturen auszugleichen. Mechanische Heiz- oder Kühlsysteme sind damit überflüssig.

Diese Strategie speist sich aus der Ressourcenknappheit der Insel. Sie ist starker Antrieb für Effizienz und Innovation. Das Haus steht autonom, unabhängig von externen Netzen. Dabei ging und geht es ONUS nicht um technologische Machbarkeit allein, Architektur soll auch Verantwortung übernehmen.

Die Poesie der Resonanz

Trotz seiner technischen Raffinesse und der linearen äußeren Formen ist das Horizon House dennoch im Inneren poetisch. Auf einer Bruttogeschoßfläche von 230 Quadratmetern lässt die Architektur des Lichts und der Stille Luft, Schatten, Gestein und Holz zu einem atmosphärischen Kontinuum verschmelzen.

Der Wohnraum öffnet sich mit weitem Blick auf das Meer – er scheint zwischen Erde und Himmel zu schweben. Durch die Querströmung von Luft entsteht eine natürliche Kühlung, die sich anfühlt, als würde das Haus selbst atmen. Der Wind, der über den Hang streicht, wird nicht abgewehrt, sondern geleitet – als Teil eines lebendigen Systems, wo Resonanz und Mitschwingen Kontrolle ersetzt.

Die ONUS-Ethik des Bauens

Während bei vielen Projekten und Einfamilienhäusern Nachhaltigkeit zwar als sinnvolles Element erachtet wird, bleibt sie dennoch häufig nur Zusatz oder technisches Etikett. Bei ONUS dagegen steht jedes Material, jede Linie, jeder Eingriff im Verhältnis zum Ort – zumal die Bauindustrie immer noch zu den größten Verursachern von CO₂-Emissionen zählt. Hier entsteht ein Modell für regenerative Inselarchitektur, das die kulturelle Identität der Kykladen respektiert und gleichzeitig den ökologischen Herausforderungen der Zukunft begegnet. Für das noch nicht realisierte Projekt hat ONUS den „Architizer A+ Award 2025, Kategorie Nachhaltige Wohnarchitektur“ erhalten.

Text: Linda Benkö
Renderings/Fotos: ONUS Architecture Studio

The Art of Incense and Botanical Perfumery

Mitten im kreativen Herzen von New York entstand eine Parfummarke, die heute zu den faszinierendsten Stimmen der Nischenparfümerie zählt. Aedes de Venustas verbindet botanische Inspiration, barocke Opulenz und moderne Duftkunst zu olfaktorischen Kompositionen, die weit über klassische Parfumstrukturen hinausgehen.

Die Welt von Aedes de Venustas

Ein „Tempel der Schönheit“ in New York

Die Geschichte von Aedes de Venustas beginnt nicht als klassische Parfummarke, sondern als legendäre Parfümerie im New Yorker West Village. Die Boutique wurde von Robert Gerstner und Karl Bradl gegründet und entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten Adressen für avantgardistische Duftkunst.

Der Name bedeutet übersetzt „Tempel der Schönheit“ – eine passende Beschreibung für einen Ort, der Duft nicht als Accessoire versteht, sondern als kulturelle Ausdrucksform.

Viele Jahre kuratierten Gerstner und Bradl dort internationale Nischenparfums, bevor sie 2012 ihre eigene Duftkollektion lancierten. Diese erste Kreation – schlicht Signature genannt – wurde zur olfaktorischen Essenz der Boutique und markierte den Beginn einer eigenständigen Duftwelt.

Barocke Eleganz und botanische Inspiration

Die Duftästhetik von Aedes de Venustas ist unverwechselbar.
Viele der Kompositionen kreisen um seltene botanische Rohstoffe und Weihrauch – zwei Elemente, die tief in der Geschichte der Parfümerie verwurzelt sind.

Die Gründer arbeiten mit renommierten Parfümeuren zusammen und geben ihnen bewusst großen kreativen Spielraum. So entstehen moderne Duftarchitekturen, die häufig von einer einzelnen pflanzlichen Inspiration ausgehen – einer Blüte, einem Harz oder einer Landschaft.

Diese Philosophie führt zu Parfums, die gleichzeitig opulent und experimentell wirken: sinnlich, aber nie vorhersehbar.

Duft als künstlerische Zusammenarbeit

Aedes de Venustas versteht Parfum als künstlerischen Dialog zwischen Marke und Parfümeur.
Zu den kreativen Partnern gehören international renommierte „Nasen“, die mit den Gründern eng zusammenarbeiten, um komplexe Duftwelten zu entwickeln.

Viele dieser Kooperationen wurden auch ausgezeichnet. So erhielt beispielsweise Iris Nazarena den renommierten Fragrance Foundation Award als „Perfume Extraordinaire of the Year“.

Diese Anerkennung bestätigt den Anspruch der Marke: Parfum nicht nur als Produkt, sondern als olfaktorische Kunstform zu verstehen.

Ästhetik bis ins Detail

Auch die Gestaltung der Flakons folgt dieser Philosophie.
Die ikonischen Flaschen aus geriffeltem Glas verbinden klassische Eleganz mit modernen Details – etwa den charakteristischen Pfauenblau-Akzenten, die an die ursprüngliche Boutique in der Christopher Street erinnern.

Schwere Kappen, klare Linien und eine reduzierte Farbpalette unterstreichen die luxuriöse, fast architektonische Präsenz der Flakons.

Eine neue Generation von Nischendüften

Heute umfasst die Kollektion eine Reihe charakterstarker Eau de Parfums, die sich thematisch zwischen botanischer Inspiration, kulturellen Referenzen und imaginären Landschaften bewegen.

Ob mystische Weihrauchakkorde, edle Hölzer oder florale Kompositionen – jede Kreation erzählt eine eigene Geschichte und bleibt doch unverkennbar Teil der ästhetischen Welt von Aedes de Venustas.

Damit gehört die Marke zu jenen wenigen Nischenhäusern, die Parfum als sinnliche Erfahrung zwischen Kunst, Design und Kultur verstehen.

Im Xuhui-Distrikt von Shanghai hat das chinesische Studio AAN Architects einen Skatepark entworfen, der das Skaten über den Dächern der Metropole möglich machen soll: den Moreprk Skyline Skatepark.

Schon mal 20 Meter über dem Boden geskatet? In Shanghai soll genau das dank des chinesischen Architekturstudios AAN Architects möglich werden, die mit ihrem Projekt namens Moreprk Skyline einen ganz besonderen Skatepark erschaffen haben. Dieser soll nicht nur für ein einmaliges Sporterlebnis sorgen, sondern den Blick zugleich auf eine weitere Attraktion lenken: die Skyline Shanghais. Die Metropole ist nicht nur eine der größten und bevölkerungsreichsten Städte Chinas, sondern auch eine der Must-See-Reisedestinationen weltweit – nicht zuletzt, da sie eine beeindruckende Mischung aus Geschichte, Kultur und hochmodernem Stadtleben bietet.

Dieser Skatepark befindet sich im Xuhui-Bezirk, im Südwesten Shanghais. Der Standort ist insofern bedeutsam, da der Distrikt als Pionierregion für den Austausch zwischen chinesischer und westlicher Kultur gilt. In Xuhui allein leben rund 1,1 Millionen Menschen, die sich an einer Mischung aus moderner Urbanität und historischen Architekturstilen erfreuen können. Neben zahlreichen Kulturzentren wurde der Bezirk nun dank dieses außergewöhnlichen Skateparks erneut bereichert – und die Skyline sogar bis ins kleinste Detail integriert.

Rampenpoesie

Die Anlage befindet sich auf der dritten und vierten Etage des Einkaufskomplexes Xuhui Vanke Center. Dank der unmittelbaren Nähe zum Shanghai South Railway Station ist der Komplex hervorragend angebunden und dient als Anlaufstelle für so ziemlich alles: Einzelhandel, Büros, Gastronomie und Freizeitangebote vereinen sich hier unter einem Dach. In Form einer Glasbox schwebt der Skatepark geradezu über dem Gebäude, während das Innenleben von der Stadt selbst bestimmt wird. Denn das Architekturbüro orientierte sich beim Design des Skateparks direkt an der Skyline. Die Konturen der Hochhäuser wurden in geschwungene Skateflächen und Rampen übersetzt, die fließende Bewegungen simulieren sollen.

Der beim Skaten so wichtige Flow sollte keinesfalls unterbrochen werden, weshalb die sogenannte Bowl dank der vielen vertikalen Flächen für ein ganzheitliches Erlebnis sorgt. Dieses große, schüsselförmige Betonbecken ist mit weiteren geschwungenen Flächen verbunden, sodass man ohne Unterbrechung von einem zum nächsten Hindernis fahren kann. Ergänzt wird das Ganze durch Rampen und Street-Elemente. Letztere erzeugen ein echtes städtisches Skategefühl – sprich: Geländer, Kanten und Treppen, die authentisches Skaten in urbaner Atmosphäre ermöglichen. Außerdem passt sich Moreprk Skyline damit flexibel an verschiedenste Skatestile und Erfahrungslevel an. Die Rampen und die Bowl bestehen aus speziell geglättetem Beton, der optimal fürs Skaten geeignet ist.

In der Schwebe

Die Glasbox hängt förmlich an der Gebäudefassade und ist so gestaltet, dass man auf mehreren Ebenen fahren kann. Diese Dreidimensionalität soll Skatern das Gefühl vermitteln, über der Stadt zu schweben. Der vertikale Charakter des Skateparks macht das Projekt zu einem umfassenden Sporterlebnis, das in dieser Form nur einmal in der Stadt zu finden ist. Die riesige Glasfront verstärkt das urbane Gefühl zusätzlich: Nicht nur erinnern die Rampen an die Metropole, auch der Ausblick bindet die Skyline direkt in das gesamte Konzept ein. Zusätzlich kann der Skatespaß auch draußen genossen werden – dank der Terrasse, die sich auf der Glasbox befindet.

Während der Park im Inneren wetterunabhängig ist, bietet der Außenbereich mit einer Rundbahn einen zusätzlichen Track sowie eine Kuppel für schnelle Skateabschnitte. Dazu zählen auch Bereiche für BMX- und Scooter-Fahrer. Moreprk Skyline soll aber vor allem zur perfekten Schnittstelle zwischen Sport, Stadtraum und Öffentlichkeit werden. Dank der Glasbox können auch Passanten das rege Treiben im Skatepark von der Straße aus mitverfolgen. Darüber hinaus ist der Park frei zugänglich und soll als Anlaufstelle für Sportler und neugierige Zuschauer dienen – stets mit der Stadt und ihrer Skyline im Hintergrund.

Architektur mit Storyline

AAN Architects haben neben dem Morepark Skyline bereits einige Projekte, vor allem im Bereich Innenarchitektur, umgesetzt. Dabei ist der vollständige Name des Büros Programm: Architecture As Narration, Architektur als Erzählung; legt das Studio doch großen Wert auf die Geschichten, die hinter ihren Werken stecken.

Ob der Skatepark die Geschichte der Stadt, der Skyline und ihrer Sportler erfolgreich erzählt, liegt im Auge des Betrachters. Fest steht jedoch: Das Projekt ist unter anderem auf der Longlist der Dezeen Awards 2025 und in der Shortlist des World Architecture Festival 2025 vertreten.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Lv Xiaobin 

Eine neue Ära moderner Weiblichkeit und kreativer Freiheit

Rom, 19. Februar 2026. Das römische Schmuckhaus Bvlgari schlägt ein neues Kapitel auf und ernennt Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin. Eine Entscheidung, die nicht nur strategisch, sondern auch kulturell gelesen werden kann: Hier trifft ikonische italienische Handwerkskunst auf eine der prägendsten Stimmen ihrer Generation.

Zwischen Popkultur und zeitloser Eleganz

Dua Lipa steht für eine Generation, die Erfolg neu definiert – selbstbestimmt, kreativ und kompromisslos authentisch. Mit mehreren Grammy- und BRIT-Awards sowie Milliarden Streams weltweit hat sie sich als feste Größe der zeitgenössischen Kultur etabliert Dua Lipa x Bvlgari.

Ihre Karriere ist geprägt von künstlerischer Freiheit und einem klaren Bekenntnis zu Integrität – Werte, die auch im Selbstverständnis von Bvlgari verankert sind.

„Dua Lipa verkörpert eine zeitgemäße Vision von Empowerment und Freiheit, die zutiefst mit den Werten von Bvlgari im Einklang steht“, so Laura Burdese, Deputy CEO von Bvlgari und CEO ab dem 1. Juli 2026 Dua Lipa x Bvlgari.

Das Haus würdigt damit nicht nur eine internationale Künstlerin, sondern eine Persönlichkeit, die weibliche Stärke und Selbstbewusstsein sichtbar macht.

Schmuck als Statement

Für Dua Lipa selbst ist die Zusammenarbeit mehr als eine klassische Markenpartnerschaft.

„Es ist etwas ganz Besonderes, mit einer ikonischen Marke wie Bvlgari zusammenzuarbeiten … ein Haus, das für Selbstbewusstsein, Kreativität sowie moderne Weiblichkeit steht und dessen Schmuckstücke jedem Look den perfekten letzten Schliff verleihen“, kommentiert die Künstlerin Dua Lipa x Bvlgari.

Schmuck wird hier nicht als Accessoire verstanden, sondern als Ausdruck von Haltung – als funkelnde Signatur einer Persönlichkeit.

Gerade im Kontext von Mindful Luxury entsteht daraus eine spannende Spannung: Handwerk, Heritage und High Fashion verbinden sich mit einer globalen Pop-Ikone, die für Unabhängigkeit und kulturelle Relevanz steht.

THE Stylemate Perspective

Die Ernennung von Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin ist mehr als ein PR-Moment. Sie markiert eine strategische Ausrichtung auf eine neue, selbstbewusste Generation von Frauen, die Luxus nicht über Status, sondern über Identität definiert.

Bvlgari bleibt damit seiner DNA treu – opulent, sinnlich, römisch – und öffnet sich zugleich einer globalen, zeitgenössischen Narration von Empowerment und kreativer Freiheit.

Casa Pupunha, nach dem Entwurf von Laurent Troost und landschaftsarchitektonisch begleitet von Hana Eto Gall, ist nach der Pfirsich-Palme benannt. Sie steht exemplarisch für das, was das Haus verkörpert: lokale Verwurzelung, ökologische Intelligenz, kulturelle Bedeutung.

Das Haus, um das es geht, ist nach der Pupunha-Palme oder auf Deutsch Pfirsich-Palme benannt. Doch, wie kommt man auf die Idee? Dazu muss man wissen, dass diese Palme eine genuin amazonische Pflanze ist. Die Namensgebung ist somit ein bewusstes Bekenntnis zum Ort. Denn Casa Pupunha befindet sich in Manaus, der Hauptstadt des größten brasilianischen Bundesstaates, mitten im Amazonas.

Das vom Büro Laurent Troost Architectures entworfene Haus versteht sich als ein aus dem lokalen Ökosystem heraus entwickelter Bau, nicht als Architekturimport. Die bautechnischen Prinzipien decken sich weitestgehend mit den Eigenschaften dieser interessanten Pflanze: Die Pupunha-Palme gilt als außergewöhnlich nachhaltig, sie wächst schnell und ist genügsam. Dafür liefert sie brav: Früchte, Stärke, Baumaterial. All das kann mehrfach geerntet werden, ohne den Baum zu zerstören. Diese Eigenschaften spiegeln die Grundhaltung von Troost wider: Er möchte Ressourcen schonen und anpassungsfähige Häuser bauen, mit einem Langfrist-Horizont.

Der Garten als Protagonist

Da zudem die Landschaftsgestaltung – hier ausgeführt durch Hana Eto Gall Landscape – als Grundpfeiler der Architektur verstanden wurde, lag es nahe, Casa Pupunha nach diesem lebendigen Element des Gartens zu benennen, der Pfirsichpalme.

Überhaupt ist der Garten der eigentliche Protagonist des Projekts. Und der Ansatz stieß international auf Gegenliebe: Casa Pupunha wurde mit dem AHA 2025 bedacht, dem Architecture Hunter Award, in der Kategorie Architecture/Garden Landscape. Die Jury würdigte insbesondere die gelungene Verschränkung von Architektur und Landschaft sowie den sensiblen Umgang mit einem hochkomplexen ökologischen System.

Um genau zu sein liegt das Haus auf dem höchsten Punkt einer Wohnsiedlung in Manaus, unmittelbar angrenzend an ein permanentes Naturschutzgebiet. Diese Lage ist nicht nur landschaftlich spektakulär. Sie stellte das Planungsteam auch vor eine zentrale Frage: Wie lässt sich ein privater Rückzugsort schaffen, ohne dabei den Regenwald zu verdrängen oder zu domestizieren?

Fließende Fortsetzung des Amazonaswaldes

Die Antwort darauf formuliert das Projekt mit bemerkenswerter Konsequenz: Die Landschaftsgestaltung versteht sich als fließende Fortsetzung des Amazonaswaldes, die Grenze zwischen dem Gebauten und dem Gewachsenen löst sich nahezu zur Gänze auf.

Bereits der Weg hin zur Casa Pupunha ist ein Perspektivwechsel, ein sinnliches Eintauchen. Denn ein schmaler Pfad führt durch dichte Tropenvegetation, gesäumt von großblättrigen Pflanzen, die das Licht nur selektiv durchlassen. Die feuchte Luft, die gedämpften Geräusche machen, dass sich das Ankommen spürbar verlangsamt. Die Architektur tritt zunächst in den Hintergrund.

Architektur im Dialog mit Klima und Topografie

Das Wohnhaus selbst ist auf ausgeklügelte Weise auf die klimatischen Bedingungen und die steile Topografie des Grundstücks ausgerichtet. Dazu gehört, dass die natürliche Belüftung optimiert und die direkte Sonneneinstrahlung minimiert ist. So hält sich der Energiebedarf in Grenzen.

Das automatisierte Bewässerungssystem ist auf lokale Niederschlagsmuster abgestimmt und unterstützt so das Gedeihen der Vegetation. Dies bedeutet, dass es sogar auch Maßnahmen zur verbesserten Entwässerung des Geländes und zur Erosionsvermeidung gibt. Bestehende Bäume wurden gezielt erhalten und in das Gesamtkonzept integriert.

Pflanzen als ökologische Akteure

Die Pflanzenauswahl ist ein weiterer Schlüssel zum Verständnis des Projekts Casa Pupunha. Verwendet wurden nahezu ausschließlich einheimische oder klimaangepasste Arten wie Palmen, Bananenbäume, immergrüne Calathea-Stauden, Pfeilblätter beziehungsweise Alokasien und Helikonien, auch Hummerscheren oder Falsche Paradiesvogelblumen genannt. Diese Pflanzen erfüllen mehrere Funktionen zugleich: Sie schaffen Schatten, regulieren das Mikroklima, fördern die Biodiversität und bilden mehrschichtige Lebensräume für Insekten, Vögel und Kleintiere.

Jede gestalterische Entscheidung verbindet ästhetische, ökologische und funktionale Aspekte, lobte die AHA-Jury. Der Garten wird zu einem System, das nicht nur schön aussieht, sondern aktiv zur Resilienz des Ortes beiträgt.

Innen und Außen – eine durchlässige Grenze

Diese Haltung setzt sich im Inneren von Casa Pupunha fort. Die Innenarchitektur von Chris Coimbra folgt keinem dekorativen Naturbezug, sondern lässt die Vegetation buchstäblich in die Architektur hineinfließen. Grün begleitet die Verkehrswege, rahmt Blickachsen und wird Teil des täglichen Wohnens. Innen- und Außenraum sind nicht klar getrennt, sondern bilden eine Abfolge von Übergängen.

Das Ergebnis ist ein Haus, das nicht gegen das tropische Klima arbeitet, sondern mit ihm – und damit eine andere Form von Komfort definiert: weniger kontrollierend, dafür atmosphärisch, adaptiv und sinnlich.

Modell für tropisches Wohnen

In einer Zeit, in der der Amazonas zunehmend unter Druck gerät, formuliert dieses Haus eine leise, aber klare Haltung: Nachhaltigkeit beginnt nicht bei Labels oder Zertifizierungen oder Gütesiegeln, sondern bei der Art, wie wir Orte lesen, respektieren und bewohnen.

Laurent Troost ist ein belgischer Architekt, der zunächst nach dem Studium in den Niederlanden im Büro OMA des Architekten Rem Koolhaas arbeitete. Seine Liebe zu Brasilien und dem Amazonas dürfte sich durch seine Bestellung zum Direktor des Instituto Municipal de Planejamento Urbano da Prefeitura de Manaus (IMPLURB, Städtisches Institut für Stadtplanung der Stadt Manaus) verstärkt haben. Diese Funktion übte er bis 2020 aus.

Hana Eto Gall Landscape wurde 2018 gegründet, mit Sitz in Manaus. Mit der Ausweitung der Tätigkeit des Büros auf größere Projekte wie Parks und geplante Stadtviertel möchte man dazu beitragen, dass Landschaftsgestaltung verstärkt als wesentlich zur Schaffung von Räumen gesehen wird, die die Lebensqualität verbessern und die Verbindung zur Natur in städtischen Umgebungen stärken.

Text: Linda Benkö
Fotos: Joana França

Ein Meisterwerk zeitgenössischer Kykladen-Architektur: das Gundari Resort auf Folegandros vereint Natur, Design und Stille zu einem Ort von zeitloser Schönheit.

Über den steilen Klippen der Kykladeninsel Folegandros thront das Gundari Resort – ein architektonisches Manifest für Reduktion, Materialbewusstsein und Einklang mit der Natur.
Das mehrfach preisgekrönte Designhotel von block722 zeigt, wie Architektur Raum schaffen kann, ohne zu dominieren.

Architektur als Haltung

Von außen kaum sichtbar, schmiegt sich das Gundari Resort in die raue Felsenlandschaft.
Die Architektur scheint zu atmen, sich zu verneigen vor der Natur, anstatt sie zu überformen.
Stein, Holz und Ton verbinden sich mit dem Licht der Ägäis zu einer stillen, fast meditativen Komposition.

block722, das in Athen ansässige Architekturstudio, hat hier ein Werk geschaffen, das sich bewusst jeder Inszenierung entzieht.
Gerade in dieser Zurückhaltung liegt seine Stärke: Architektur wird zu Atmosphäre, Raum zu Erfahrung.

Räume des Rückzugs

Jede der 27 Suiten und Villen ist individuell in das Gelände eingebettet – mit privaten Pools, die über dem Meer zu schweben scheinen.
Die Innenräume sind reduziert, aber sinnlich: Naturmaterialien, handwerkliche Details, Texturen, die man fühlen möchte.
Ein Resort, das nichts beweisen will und gerade dadurch ein neues Verständnis von Luxus formuliert – still, erdig, ästhetisch.

Ein Resonanzraum für Achtsamkeit

Gundari ist kein Hotel, das man nur besucht – es ist ein Ort, den man erlebt.
Die Architektur schafft Momente des Innehaltens: Terrassen, die den Blick weiten, Gänge, die sich in die Landschaft öffnen, Schatten, die mit dem Licht tanzen.
Hier wird das Verhältnis zwischen Mensch und Raum neu verhandelt – leise, aber tief.

Ein Ort, der bleibt

Das Gundari Resort wurde bereits mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter den AHEAD Awards und den Architizer A+ Awards.
Es steht für eine neue Generation von Architekturhotels: Häuser, die Nachhaltigkeit, Handwerk und Design zu einer Haltung verbinden.

Und für alle, die diesen Ort selbst erleben möchten:
Der Smart Traveller Gutschein für das Gundari Resort ist jetzt im THE Stylemate Shop erhältlich – eine Einladung, Architektur zu spüren, wo sie am kraftvollsten wirkt: in der Stille der Natur.

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