Das Architekturbüro JK-AR hat in der südkoreanischen Stadt Gyeongju mit dem Haus der Heilung einen Ort geschaffen, der Genesung, Meditation und Besinnung miteinander vereint. Die 150 Jahre alte Klinik verbindet dabei traditionelle koreanische Architektur mit modernen Ansätzen.

Abseits der Hauptstadt Seoul bietet die koreanische Halbinsel zahlreiche weitere sehenswerte Orte. So ist beispielsweise Gyeongju eine der bedeutendsten Kultur- und Geschichtsstädte Südkoreas. Als ehemalige Hauptstadt des antiken Königreichs Silla, eines der drei historischen Reiche Koreas, bietet sie eine besonders hohe Dichte an UNESCO-Welterbestätten. Darunter zahlreiche buddhistische Tempel oder Daereungwon, einen Park mit Grabhügeln königlicher Verstorbener. Kulturelles Erbe ist demnach fest in der DNA der Stadt verankert.

Und nun erhält Gyeongju Zuwachs: Das Haus der Heilung, ein Projekt des südkoreanischen Architekturbüros JK-AR, soll sowohl dem Körper als auch dem Geist dienen. Dafür wurde einer 150 Jahre alten Klinik neues Leben eingehaucht. Seit 2025 können hier Patienten nicht nur medizinische Untersuchungen, sondern auch meditative Aktivitäten – und somit allumfassende Gesundheitsmaßnahmen – in Anspruch nehmen. Sowohl außen als auch innen wurde dieser Ansatz bis ins kleinste Detail durchdacht. 

Drei Ansätze fürs gesund sein

Die Aufteilung des Hauses folgt einer traditionellen Baulogik, die im koreanischen Sprachgebrauch als „Madang“ bezeichnet wird und so viel wie „Hof“ bedeutet. Drei Haupthallen prägen dabei die Anordnung der Räumlichkeiten. Im Mittelpunkt steht die Halle der Heilung, die als Herzstück des Projekts auch im Fokus der Modernisierung stand. Hier sollen künftig Behandlungen nach traditioneller koreanischer Medizin angeboten werden. Die Halle der Meditation wiederum beherbergt Ausstellungsräume, die beispielsweise für Kunstgalerien genutzt werden können. Den Abschluss bildet die Halle der Besinnung. Mit einem traditionellen Teehaus rundet sie die Zielsetzung des Projekts geschickt ab. Gesundheit wird hier über das körperliche Empfinden hinausgedacht, so JK-AR.

Um all das unter ein Dach zu bekommen, orientierten sich die Architekten an der traditionellen Bauweise von Hanok-Gebäuden, die man besonders aus historischen K-Dramas kennt. Für das Konzept verwendeten sie jedoch deutlich weniger Holz als es für Hanoks üblich ist. Zudem verzichtete JK-AR auf eine komplexe Anordnung der Holzträger, um sowohl die Kosten als auch die Bauzeit zu reduzieren. Stattdessen setzen die Architekten auf innovative Timber-Framing-Systeme, mit denen sich ähnliche, jedoch effizientere Ergebnisse erzielen lassen. So bewahrt das Haus der Heilung von außen Tradition und Geschichte, während es im Inneren modernisiert und neu interpretiert wurde. 

An Tradition orientiert

Der Bezug zur Tradition wird trotz der innovativen Bauweise auch in der Struktur des Hauses berücksichtigt. Das Gerüst verfügt über geschwungene Tragstrukturen, die sich sowohl an einem 200 Jahre alten Wohnhaus namens Samguejeong als auch am Jahamun-Tor des Bulguksa-Tempels in Gyeongju orientieren. Für die Materialien verwendete das Architekturbüro hauptsächlich lokales Holz sowie umweltfreundliche Werkstoffe. „Über seine funktionalen Aspekte hinaus ist das Haus der Heilung ein Beispiel für nachhaltige Architektur“, erklären die Architekten.

Laut JK-AR ist die Halle der Besinnung ein herausragendes Beispiel für zeitgenössische ostasiatische Architektur. Auch das schwarze, geschwungene Dach symbolisiert diesen tiefen kulturellen Bezug. Das Teehaus bietet einen weitläufigen Ausblick auf die Umgebung und lädt zum Entspannen ein – eine kleine Auszeit, wie wir sie in europäischen Krankenhäusern so nicht kennen. Dabei ist der Toenmaru, ebenfalls Bestandteil der traditionellen Hanok-Bauweise, eine schmale hölzerne Veranda, die unmittelbar entlang der Wohnbereiche verläuft. Ein solcher Zwischenraum wurde auch im Inneren strategisch eingeplant, um Begegnungen und Austausch zu fördern.

Von Menschen, für Menschen

Große Fenster lassen reichlich natürliches Licht in das Haus der Heilung und unterstreichen den friedlichen Charakter der Räumlichkeiten. Die länglichen Höfe fügen sich zu einem zusammenhängenden System und fungieren als eine Art Organismus, der seine Besucher durch einen zentralen Eingang empfängt. Die Klinik liegt in einer ländlicheren Umgebung, weshalb sich vom vorderen Hof auch ein optimaler Blick auf Gyeongju Namsan eröffnet, einen bekannten Gipfel im gleichnamigen Nationalpark. Dieses Stillleben unterstreicht die ruhige Atmosphäre, die das gesamte Projekt bis in die Holzfasern verinnerlicht hat.

Über die eigentliche Funktionalität hinaus steht das Haus der Heilung beispielhaft für nachhaltige Architektur. Durch die Integration zahlreicher Fenster werden eine natürliche Belichtung und Belüftung ermöglicht. Zudem sollen spezielle Maßnahmen zur Verbesserung der Wärmedämmung beitragen – eine Eigenschaft, die bei traditionellen Hanoks häufig eine Herausforderung darstellt. Das Haus der Heilung versteht sich als Ort der Erneuerung, Genesung und Meditation. Um es mit den Worten der Architekten abzurunden: „Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Haus der Heilung ein bemerkenswertes Beispiel dafür ist, wie traditionelle koreanische Architektur neu interpretiert werden kann, um einen modernen, nachhaltigen und kulturell bedeutsamen Raum zu schaffen“.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Rohspace

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

3. Juli 2026

Eine Hommage an das Reisen – nicht an das Ankommen

In einer Zeit, in der Geschwindigkeit oft wichtiger erscheint als der Weg selbst, erinnert Louis Vuitton daran, dass wahre Luxusreisen immer eine Frage der Erfahrung waren. Mit der Louis Vuitton Dolomites Classic Run 2026 kehrt eines der ikonischsten Events des Hauses zurück – und verbindet historische Automobile, spektakuläre Landschaften, Kultur und Handwerkskunst zu einer Reise, die weit über eine klassische Rallye hinausgeht.

Vom 1. bis 4. September 2026 führt die Route von Venedig durch die Dolomiten bis nach Monza und erzählt dabei jene Geschichte, die Louis Vuitton seit seiner Gründung begleitet: die Art of Travel.

Die Rückkehr einer legendären Tradition

Bereits seit 1993 veranstaltet Louis Vuitton seine legendären Classic Runs. Ob durch den malaysischen Dschungel, die Weinlandschaften der Toskana, Chinas Bergregionen oder die historischen Wälder Böhmens – stets stand nicht der Wettbewerb im Mittelpunkt, sondern das Reisen selbst.

Nach dem letzten Serenissima Run im Jahr 2012 feiert das Format nun seine Rückkehr. Passend dazu beginnt die neue Ausgabe erneut in Venedig – genau dort, wo die damalige Reise endete.

600 Kilometer durch eines der schönsten Gebirge Europas

Die Teilnehmer steuern außergewöhnliche historische Automobile aus bedeutenden internationalen Sammlungen über rund 600 Kilometer durch die spektakuläre Landschaft der Dolomiten. Die UNESCO-Welterberegion wird dabei zur Bühne einer Route, die kurvenreiche Alpenpässe, historische Villen und eindrucksvolle Panoramen miteinander verbindet.

Startpunkt der eigentlichen Ausfahrt ist die prachtvolle Villa Pisani an der Riviera del Brenta. Von dort führt die Strecke durch einige der eindrucksvollsten Landschaften Norditaliens bis zum legendären Autodromo Nazionale di Monza, wo die Fahrzeuge im Rahmen des Formel-1-Wochenendes des Gran Premio d’Italia präsentiert werden.

Automobile Kultur trifft kulturelles Erbe

Bemerkenswert ist, dass Louis Vuitton die Veranstaltung weit über den Motorsport hinaus denkt. Die Maison arbeitet mit bedeutenden italienischen Kulturinstitutionen wie der Villa Pisani, dem Castello Sforzesco in Mailand oder den Musei Civici di Venezia zusammen und unterstreicht damit ihr langjähriges Engagement für den Erhalt kulturellen Erbes.

Auch das Finale steht ganz im Zeichen dieser Verbindung von Design, Geschichte und Handwerkskunst. Die Preisverleihung findet im Castello Sforzesco statt. Die Trophäe wurde eigens von Designerin Sabine Marcelis entworfen und gemeinsam mit der traditionsreichen Glasmanufaktur Venini gefertigt. Transportiert wird sie – selbstverständlich – in einem maßgefertigten Louis Vuitton Trophy Trunk.

Warum Louis Vuitton überhaupt eine Automobilgeschichte erzählt

Schon lange bevor Automobile zum Symbol moderner Mobilität wurden, entwickelte Georges Vuitton Ende des 19. Jahrhunderts Koffer speziell für das Reisen mit dem Auto. Flache Koffer ersetzten die schweren Runddeckel-Truhen der Kutschen, später entstanden sogar eigens entwickelte Gepäckstücke für Reserveräder.

Die Verbindung zwischen Louis Vuitton und der Automobilwelt ist deshalb keine neue Marketingidee, sondern Teil der eigenen Unternehmensgeschichte. Die Dolomites Classic Run macht dieses Erbe auf eindrucksvolle Weise wieder sichtbar.

Mehr als eine Rallye

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Veranstaltung.

Während viele Oldtimer-Events Geschwindigkeit oder Exklusivität feiern, erzählt Louis Vuitton eine andere Geschichte. Eine Geschichte über Neugier, Entdeckung und die Freude am Unterwegssein. Über Landschaften, Architektur, Kultur und Menschen. Über Reisen als kulturelle Erfahrung.

Gerade in einer Zeit, in der Reisen häufig zur Checkliste geworden ist, wirkt die Louis Vuitton Dolomites Classic Run fast wie ein Manifest für entschleunigten Luxus – und erinnert daran, dass die schönsten Reisen oft jene sind, bei denen nicht das Ziel im Mittelpunkt steht, sondern der Weg dorthin.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zu den Laufsteg-Naturen Südtirols

Eine stille Selbsterfahrung zwischen Bergen, Schafen und jahrhundertealter Tradition

Falls die Uhren mal wieder auf fünf vor Stress stehen, gibt es in Südtirol ein Schauspiel, das auf besondere Weise entschleunigt und erdet: die legendäre Transhumanz. Jahr für Jahr zieht der traditionelle Schafabtrieb vom österreichischen Ötztal zurück ins Schnalstal zahlreiche Wanderer, Hirten und Naturliebhaber in seinen Bann – ein uralter Brauch, der heute zum immateriellen UNESCO-Weltkulturerbe zählt.

Vom Wiener Laufsteg in die alpine Stille

Es beginnt wie ein klassischer Abend der Modewelt: Ein renommiertes Wiener Fashion-Label lädt zur Show. Menschen begrüßen sich mit Küsschen, Prosecco wird gereicht, Kunst präsentiert, Jazz gespielt. Dann gleiten Models in traumhaften Kleidern über den Laufsteg – Attitüde unter feinsten Stoffen, perfekt inszeniert.

Nur wenige Tage später wartet in Südtirol ein völlig anderer Laufsteg: ein steiler Bergpfad oberhalb von Vernagt im Schnalstal. Statt Blitzlicht und Catwalk bestimmen Lärchenwälder, Gebirgsbäche und alpine Ruhe das Bild. Die „Models“ dieses Schaulaufens kommen aus der Natur selbst – über tausend Schafe, die von den Hochweiden des Ötztals zurück nach Südtirol getrieben werden.

Loslassen auf anderem Weg

Der Aufstieg führt durch stille Wälder hinauf Richtung Hochgebirge. Gedanken kreisen, Fragmente innerer Dialoge tauchen auf und verschwinden wieder zwischen Vogelrufen und dem Rauschen der Bäche. Mit jedem Höhenmeter wird die Luft dünner, der Wind kühler und der eigene Atem präsenter.

Die alpine Landschaft der südlichen Ötztaler Alpen wirkt beinahe surreal: Gräser, Flechten und Moose ziehen sich in spätsommerlichen Grün- und Gelbtönen bis an die schroffen Bergmassive. Tiefhängende Wolken verhüllen die Gipfel und tauchen die Szenerie in eine fast meditative Ruhe.

Selbst eingefleischten Kopfmenschen fällt es hier leichter, den Gedankenstrom loszulassen und sich ganz auf Bewegung, Atmung und Wahrnehmung einzulassen.

Wenn Stille zum Ereignis wird

Auf rund 2300 Metern öffnet sich schließlich ein Plateau zwischen gewaltigen Felsformationen. Hier wird Stille zu einem Erlebnis. Kein konsumgetriebener Reiz, kein künstlicher Nervenkitzel – nur Berge, Licht, Wind und die eigene Wahrnehmung.

Während warmer Tee und einfache belegte Brote in dieser rauen Umgebung beinahe zu einer sensorischen Neuerfahrung werden, beginnt sich der Geist zu beruhigen. Die Rastlosigkeit des Alltags zieht sich zurück. Für einen Moment zählt nur das Hier und Jetzt.

Dann erscheinen sie in der Ferne: die Schafe. Zunächst nur schemenhaft sichtbar, bewegen sich hunderte Tiere langsam den steilen Hang hinab. Mit ihnen kommen das Läuten der Glocken und das charakteristische Blöken näher.

Die legendäre Transhumanz

Mehr als ein Dutzend Hirten treiben rund 1300 Schafe von den Sommerweiden des österreichischen Ötztals zurück nach Südtirol. Der Weg führt über Felsrinnen, Schneefelder und Grate – und gilt als weltweit einziger Schafabtrieb über einen Gletscher, der zwei Nationen miteinander verbindet.

Die Tradition reicht bis ins 14. Jahrhundert zurück. Ein historisches Weiderecht erlaubt den Bauern des Schnalstals bis heute, ihre Tiere im Sommer auf österreichischen Weiden grasen zu lassen. Über Generationen hinweg entstanden daraus kulturelle Beziehungen, gemeinschaftliche Rituale und gelebte alpine Identität.

Auch Nachhaltigkeit spielt eine zentrale Rolle: Oberhirte Manuel Götsch engagiert sich für Biodiversität sowie die traditionelle Herstellung von Milch- und Wollprodukten und setzt sich dafür ein, dass junge Menschen dieses kulturelle Erbe weiterführen.

Das Glück im Geerdeten

Besonders eindrucksvoll ist das Schmücken der Tiere vor dem Abstieg ins Tal. Die schönsten Schafe werden mit bunten Stoffblumen dekoriert, während Hirten und Treiber mit humorvoller Gelassenheit zusammenarbeiten. Die Tiere tragen farbige Markierungen, um sie ihren Besitzern und Zuchtvereinen zuordnen zu können.

Es braucht hier keine große Inszenierung. Stolze Blicke, ehrliche Freude und das stille Beobachten reichen völlig aus. Selbst ein Border Collie legt sich plötzlich neben einen Wanderer, als wäre man längst Teil der Herde geworden.

Am Nachmittag beginnt schließlich der große Abstieg nach Vernagt. Tausende Menschen erwarten dort die geschmückten Tiere. Unter Glockenklang und lautem Blöken zieht die Herde über einen naturbelassenen Laufsteg, geschaffen von Bergen, Wind und Jahrtausenden alpiner Geschichte.

Die Transhumanz ist weit mehr als Brauchtum. Sie ist eine geerdete Selbsterfahrung – eine Erinnerung daran, wie wichtig innere Balance in einer rastlosen Welt geworden ist.

Wie der japanische Künstler die Verbindung von Natur, Architektur und Champagner neu interpretiert

Mit der Fortsetzung der Kunstreihe “Conversations with Nature” setzt die Maison Ruinart 2026 ein poetisches Zeichen für Nachhaltigkeit, Wahrnehmung und die stille Kraft der Natur. Der japanische Künstler Tadashi Kawamata verwandelt Orte in sinnliche Erfahrungsräume – und lädt dazu ein, die Welt neu zu sehen.

Kunst, die Perspektiven verschiebt

Seit Jahren pflegt Ruinart einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur. 2026 wird dieser Dialog mit Tadashi Kawamata fortgeführt – einem Künstler, der für seine ephemeren, architektonischen Interventionen bekannt ist. Seine Werke entstehen aus Holz, oft aus recycelten Materialien, und greifen subtil in bestehende Landschaften ein.

Ob fragile Stege, Hütten oder Beobachtungsplattformen: Kawamatas Installationen eröffnen neue Blickwinkel und verändern bewusst unsere Wahrnehmung von Raum, Maßstab und Natur.

Reims als Inspirationsquelle

Bei seinem ersten Besuch in den Weinbergen rund um die historische Adresse 4 RUE DES CRAYÈRES zeigte sich Kawamata tief beeindruckt von der Atmosphäre des Ortes – vom Morgennebel, der Feuchtigkeit der Luft bis hin zu den kaum sichtbaren Lebenswelten von Vögeln und Insekten.

Diese Eindrücke übersetzt der Künstler in Zeichnungen, Modelle und schließlich in großformatige Installationen. Seine Werke verstehen sich als „imaginäre Zufluchtsorte“ – poetische Antworten auf die Fragilität des Lebendigen.

Drei Installationen – ein Gesamtkunstwerk

Im Sommer 2026 entstehen in Reims drei permanente In-situ-Arbeiten:
Cabane, Nid und Observatoire.

Sie bilden ein Ensemble, das Kunst, Handwerk und Natur miteinander verbindet. Besucher:innen können die Installationen begehen, erleben und die „Schwingungen der Natur“ bewusst wahrnehmen – ein zentrales Element für die Harmonie des Champagners.

„Hier oben nimmt man jede Wetterlage ganz deutlich wahr … Ich möchte, dass die Besucher dem Vergehen der Zeit bewusst nachspüren.“

Zwischen Miniatur und Monument

Ein spannender Aspekt von Kawamatas Arbeit ist das Spiel mit Maßstäben. Modelle aus recyceltem Holz fungieren als konzeptuelle Vorstudien, bevor sie in monumentale Installationen übersetzt werden.

Diese Transformation vom Kleinen ins Große eröffnet neue Perspektiven auf Material, Raum und Zeit – und macht den kreativen Prozess selbst sichtbar.

Ruinart & die Kunst des Dialogs

Die Verbindung von Kunst und Natur ist tief in der DNA von Ruinart verankert. Bereits im 19. Jahrhundert setzte das Haus auf künstlerische Ausdrucksformen – heute arbeiten internationale Künstler:innen daran, ökologische Fragestellungen erfahrbar zu machen.

Kawamata reiht sich damit in eine Tradition ein, die Kunst nicht als Dekoration versteht, sondern als Medium für Bewusstsein und Veränderung.

Ein sinnliches Erlebnis zwischen Natur und Champagner

Die 4 RUE DES CRAYÈRES ist heute mehr als ein Ort der Champagnerproduktion – sie ist ein kultureller Erlebnisraum. Zwischen historischen Kreidekellern (UNESCO-Weltkulturerbe) und zeitgenössischer Architektur entsteht ein Ort, an dem sich Natur, Kunst und Handwerk verbinden.

Mit Kawamatas Intervention wird dieser Ort um eine weitere Dimension erweitert: eine Einladung, die Natur nicht nur zu sehen, sondern zu fühlen.

Zwischen zeitgenössischer Kunst und kuratiertem Rückzug: Wie Opening Menorca 2026 die Insel neu definiert – und warum die Vestige Hotels dabei mehr als nur Orte zum Übernachten sind.

Wenn Menorca in die neue Saison startet, geschieht das 2026 nicht leise, sondern mit einem kulturellen Statement. Opening Menorca verwandelt die Insel vom 7. bis 25. April in einen lebendigen Resonanzraum für Kunst, Austausch und neue Perspektiven.

Und mittendrin: die Häuser der Vestige Collection, die diesen Wandel nicht nur begleiten, sondern atmosphärisch mittragen.

Eine Insel im kuratierten Ausnahmezustand

In Mahón öffnen sich Galerien, Ateliers und Institutionen für ein Programm, das klassische Grenzen sprengt. Performances, Ausstellungen und Live-Painting verwandeln Räume in temporäre Bühnen. Kunst wird hier nicht präsentiert – sie passiert.

Auch Ciutadella fügt sich in dieses Gefüge ein: historische Architektur trifft auf zeitgenössische Formate, Theater auf Film, Musik auf Diskurs. Orte wie das Museu de Menorca oder das Menorca Doc Fest erweitern das Programm um intellektuelle und cineastische Dimensionen.

Die Insel selbst wird zur Galerie – offen, vielschichtig und überraschend.

Vestige Collection: Die leisen Protagonisten dieser Reise

Während sich draußen die kreative Energie entfaltet, schaffen die Häuser der Vestige Collection jene Räume, in denen sie nachwirken darf. Sie sind keine bloßen Unterkünfte – sie sind Teil des Narrativs.

Vestige Son Vell

Ein Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert, transformiert in ein Refugium zeitloser Eleganz. Zwischen Zypressen, Gärten und weiten Landschaften entsteht eine Atmosphäre, die fast kontemplativ wirkt. Nach einem Tag voller Eindrücke wird Stille hier zum Luxus.

Vestige Son Ermità

Reduziert, naturverbunden, bewusst zurückgenommen. Dieses Haus lebt von seiner Beziehung zur Umgebung – Licht, Materialien und Landschaft verschmelzen zu einer stillen Inszenierung. Ein Ort, der nicht ablenkt, sondern fokussiert.

Gemeinsam bilden sie den Gegenpol zur Dynamik des Festivals – und genau darin liegt ihre Stärke.
Sie übersetzen die kreative Energie der Insel in Ruhe, Tiefe und ein Gefühl von Ankommen.

Zwischen Teilnahme und Transformation

Opening Menorca versteht sich als Einladung zur Teilhabe. Besucher:innen werden selbst Teil des Geschehens – in Workshops, offenen Ateliers oder performativen Formaten.

Doch gerade im Wechselspiel mit Orten wie Vestige Son Vell und Vestige Son Ermità entsteht eine neue Qualität des Erlebens:
Ein Rhythmus aus Intensität und Rückzug, aus Inspiration und Reflexion.

Oder anders gesagt:
Die Kunst endet nicht mit der Ausstellung – sie setzt sich im Erleben des Ortes fort.

Menorca als Gesamtkunstwerk

Als UNESCO-Biosphärenreservat ist Menorca seit jeher ein Ort der Balance. Natur, Geschichte und Tradition existieren hier in einem fragilen, aber funktionierenden Gleichgewicht.

Mit Opening Menorca 2026 kommt eine neue Ebene hinzu: die bewusste Öffnung hin zur Gegenwartskunst.

In Kombination mit der stillen, kuratierten Ästhetik der Vestige Häuser entsteht etwas Seltenes – ein Reiseziel, das nicht nur schön ist, sondern Bedeutung trägt.

Opening Menorca 2026 ist mehr als ein kulturelles Ereignis – es ist ein Perspektivwechsel.

Und die Vestige Collection?
Sie liefert den Raum, in dem dieser Perspektivwechsel spürbar wird.

Zwischen Kunst und Landschaft, zwischen Bewegung und Stille entsteht ein Reiseerlebnis, das bleibt – weit über den Moment hinaus.

Die Agrad Chalets bieten alles, was man für eine erholsame Auszeit braucht – und doch lohnt sich ein Blick über die Dorfmauern hinaus in die wunderschöne Region, mit einzigartigen Unternehmungen am Moor, am See, in den Bergen oder im Schloss.

Eigentlich gäbe es keinen Grund, das Chaletdorf in Aschau am Chiemgau zu verlassen. Zwischen liebevoll serviertem Frühstück und Abendessen, knisterndem Kaminfeuer, wohliger Sauna und dem still glitzernden Pool ist alles da, was Körper und Seele für ein paar Tage Auszeit in der bayerischen Natur brauchen. Und doch wäre es beinahe ein wenig schade, die Welt jenseits der Dorfmauern unentdeckt zu lassen. Denn rund um die Agrad Chalets öffnet sich eine Landschaft, die zum Weiterziehen verführt…

Bootsfahrt auf dem Chiemsee


Die Agrad Chalets liegen fast am Meer – zumindest, wenn man den Beinamen des Chiemsees wörtlich nimmt. Das „bayerische Meer“ gehört zu den größten Seen Deutschlands, und wer am Ufer steht, sieht endloses Wasser bis zum Horizont glitzern, dramatisch eingerahmt von den Alpen. Wer weiter hinaus möchte, gleitet im E-Boot lautlos über die spiegelnde Fläche. Oder erreicht mit dem Dampfer die Frauen- und Herreninsel und das Schloss Herrenchiemsee, König Ludwigs II. Hommage an Versailles und funkelndes UNESCO-Welterbe.

Kampenwand

Wer denkt, die Zeit auf dem Chiemsee stünde schon still, sollte mit der Kampenwandseilbahn fahren. Nostalgisch schwebt die Bergbahn aus den 1950er Jahren über die Landschaft und versprüht bis heute ihren ganz eigenen Charme. Ob elektrifiziert mit der Gondel oder sportlich zu Fuß, oben angekommen eröffnet sich ein Panorama über dem Chiemgau, das bei klarer Sicht bis weit ins Alpenvorland reicht mit Blick auf die Berchtesgadener Bergen, das Steinerne Meer, die Loferer Steinberge und die Hohen Tauern. Je nach Bewegungslust und Appetit lässt sich der Ausflug mit einer Wanderung verlängern oder direkt mit einer Einkehr auf einer Alm voller regionaler Köstlichkeiten abrunden.

Krokusblüte am Heuberg

Zwischen März und April verwandeln sich die Almwiesen am Heuberg in ein violett-weißes Blütenmeer. Die wilden Krokusse öffnen dann ihre zarten Blüten wie kleine Naturgeheimnisse – flüchtig, kostbar, voller Poesie. Niemand weiß genau, wann der Moment da ist. Das Naturschauspiel ist wetterabhängig und dauert nur wenige Wochen. Wer es erlebt, erfährt stille Frühlingsmagie, die jedes Jahr aufs Neue verzaubert.

Moor- & Wiesenwege

Man muss nicht einmal ins Auto steigen, um fabelhafte Spazier- und Wanderwege vorzufinden… die einzigartige Moorlandschaft beginnt direkt vor der Türe. Nur wenige Gehminuten entfernt vorbei an Wiesen und Wäldern liegt der idyllische Bärnsee, ein friedvoller Rückzugsort für entspannte Augenblicke in unberührter Natur. Ein Ort, um Vögel zu beobachten. Ein Ort, um durchzuatmen. Ein Ort, der so heilend ist wie das Moor selbst.

Falknerei & Schloss Hohenaschau

Seit dem Mittelalter thront das Schloss Hohenaschau majestätisch auf einem Felsen hoch über dem Ort und prägt mit seiner imposanten Silhouette das Landschaftsbild. Im Rahmen einer Führung öffnen sich die Tore zu jahrhundertealten Gemäuern, die spannende Geschichten aus vergangenen Zeiten erzählen. Fein ergänzt wird der Besuch durch die Falknerei: Wenn die Greifvögel ihre Kreise über dem Burghof ziehen, entsteht ein stiller Kontrast von Bewegung und Beständigkeit. Hier begegnen sich kraftvoller Flug und kraftvolle Architektur. Ein Ausflug, der Kultur und Natur verbindet.

Und am Ende des Tages kehrt man an einen Ort zurück, der sich wie Heimkommen anfühlt – nur dass man hier alle Alltagssorgen ablegen kann…

Fotos: ; Agrad Chalets; Chiemsee-Alpenland Tourismus, Thomas Kujat; Andreas Jacob

Agrad Chalets is a Member of Lifestylehotels

Über Internationalität, Haltung und die Rolle von Graz in der Welt des Designs: Eberhard Schrempf

Als Geschäftsführer der Creative Industries Styria und Mitgestalter des UNESCO-Titels „City of Design“ hat Eberhard Schrempf Graz und die Steiermark auf die internationale Landkarte gesetzt.

Im Gespräch mit THE Stylemate spricht er über Offenheit, die Kraft von Netzwerken, die Bedeutung des Designmonats Graz – und warum er die steirische Kreativszene auch in Zukunft bestens positioniert sieht.

Interview: Nina Prehofer

Wie hat sich der Begriff „Design“ in deiner Zeit als Geschäftsführer international verändert und wie hast du diese Entwicklungen nach Graz gebracht?

Eberhard Schrempf:
Design wurde hierzulande lange stark auf Ästhetik und Luxus reduziert: glänzende Oberfläche, Branding, teuer – und oft negativ konnotiert. Das zu verändern war ein langwieriger Prozess, selbst unter Kreativen.
Für mich ist Design heute das intelligente Management von Chaos, um Resultate der Ordnung zu schaffen. Eine Haltung, die urbane, nachhaltige Kultur prägt, Lebensräume intelligent gestaltet und den Alltag verbessert – ökologisch und sozial verantwortlich.
Design ist Methodik, Prozess, analytischer Zugang, Verantwortung für Ressourcen, Kreislaufwirtschaft, Nachhaltigkeit. Designer sind längst verantwortungsbewusste Gestalter mit ethischem Gewissen geworden.

Der Designmonat Graz ist heute international etabliert. Welche Bedeutung hat er im weltweiten Netzwerk der UNESCO Cities of Design?

Eberhard Schrempf:
Der Designmonat ist zentral für die Sichtbarkeit von Graz als UNESCO City of Design – und für die Community selbst, lokal wie international.
Er ist ein Schaufenster, ein Terminal im Netzwerk der Designstädte, ein „must“ für die Branche. Hier treffen lokale Kreative auf internationale Gäste, hier entstehen Kooperationen, Ideen, Impulse.
Trotz vergleichsweise kleinem Budget erzielten wir eine enorme Reichweite: DEZEEN listete den Designmonat 2018 und 2019 als „Best Design Event“, Contemporary Lynx setzte Graz 2019 auf die „must visit“-Liste der zehn wichtigsten Designfestivals weltweit – neben Mailand und London.
Das Modell „Designmonat“ haben inzwischen andere Städte übernommen. Dass die Veranstaltungen über einen ganzen Monat verteilt sind, statt alles in einer Woche zu bündeln, bringt Vorteile für Studios, Publikum, Medien und Tourismus – und steigert verlässlich die Nächtigungszahlen in Graz.

Du hast zahlreiche internationale Kooperationen initiiert – welche waren für dich besonders prägend oder überraschend?

Eberhard Schrempf:
Graz war 2011 die zehnte City of Design – kurz darauf folgte Peking. Ich habe mich stark für die Aufnahme von Detroit, Valencia und Istanbul engagiert, auch durch die Internationalisierung der FH Joanneum.
Mit den UNESCO Cities of Design öffnete sich eine völlig neue Welt. Spannend waren etwa das Staff Exchange Programme, „Designers in Residence COD 100“ – ein 100-tägiges Stipendium – oder die mit Montreal gestartete World Wide Things Collection, ein globaler Online-Marktplatz für ausgewählte Designprodukte.
Ein weiteres Highlight war die Design-Clinic: ein Online-Format, in dem anerkannte Experten kostenlose Erstberatung geben. 2025 eröffnete in Puebla, Mexiko, die erste lizenzierte Design-Clinic.
Im Kern ging es immer darum, der Creative Community Nutzen zu bringen: Horizonte erweitern, Wettbewerbsfähigkeit steigern, neue Märkte erschließen.

Wie wichtig ist Internationalität für eine vergleichsweise kleine Kreativszene wie die in der Steiermark?

Eberhard Schrempf:
Sehr wichtig – aber nur, wenn die Studios auch bereit sind, international zu agieren. Viele konnten wir durch Vermittlungsprogramme ermutigen, erste Schritte zu wagen. Gleichzeitig sind zahlreiche Studios ohnehin global aufgestellt.
Die vermeintlich „kleine“ Szene ist hier ein Vorteil: Man kennt sich, tauscht sich aus, arbeitet zusammen. Das Netzwerk ist internationales Schaufenster, Begegnungsraum, Kooperationsplattform – und für viele Kreative der Startpunkt ihrer ersten internationalen Schritte.

Die Creative Industries Styria haben Graz und die Steiermark international sichtbar gemacht. Was war dein Antrieb, dieses Netzwerk über die Region hinaus zu öffnen?

Eberhard Schrempf:
Tja – wenn man unter sich bleiben will, bin ich definitiv nicht der Richtige.
Meine Erfahrungen als Geschäftsführer von Graz 2003 – Europäische Kulturhauptstadt haben mir gezeigt, was möglich ist: die Dynamik, der Mut, der Anspruch auf Spitzenqualität. All das katapultierte Graz vom Rand Europas ins Zentrum.
Der UNESCO-Titel „City of Design“ ist kein Ablaufdatum, sondern ein Auftrag an die Zukunft – eine logische Konsequenz aus dem Kulturhauptstadtjahr. Eine Öffnung nach außen erfordert immer auch Offenheit nach innen. Authentische Offenheit muss eine Haltung sein – dann kommt auch etwas zurück.
Mein Ziel war es stets, den Unternehmen im Netzwerk einen echten Nutzen zu bringen: Reichweite erhöhen, Märkte öffnen, Potenziale erschließen.
Die CIS war dafür Radar und Brückenbauer – hinein in internationale Netzwerke wie die Creative Cities of Design, die heimischen Kreativen Chancen und direkte Zugänge zum Business eröffneten.

Gibt es Trends oder Strömungen in Design und Kreativwirtschaft, die du auf internationalen Reisen besonders inspirierend fandest?

Eberhard Schrempf:
Das hängt stark von der Stadt ab. Detroit tickt anders als Valencia, St. Etienne anders als Helsinki, Kortrijk oder Bilbao. Aber alle haben ähnliche Herausforderungen: Stadtentwicklung, Leerstand, Verkehr, Gestaltung öffentlicher Räume. Kortrijk hat etwa Parksensoren im Asphalt installiert, damit Autofahrer schnell Besorgungen erledigen können.
Montreal hat mit dem Quartier de Spectacle einen Stadtteil geschaffen, in dem es laut sein darf.
Helsinki integriert Design schon in den Volksschul-Lehrplan. Solche Beispiele inspirieren – auch wenn sie hierzulande oft wenig wahrgenommen werden.

„Graz war nie Glanz und Glitzer. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten.“

Mit welchen Herausforderungen warst du konfrontiert, wenn es darum ging, Graz international als Designstadt zu positionieren?

Eberhard Schrempf:
Graz war nie „Glanz und Glitzer“. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten. Unser Credo: „Design follows content“. Das war steinig, aber ehrlich.

Gibt es eine Begegnung mit einer Persönlichkeit aus der internationalen Design- oder Architekturwelt, die du nie vergessen wirst?

Eberhard Schrempf:
Viele. Besonders einprägsam war eine Nacht am Bosporus, wo ich mit Stefan Sagmeister, Karim Rashid und anderen bei türkischem Çay über Nation Branding diskutiert habe.

Wenn du in die Zukunft blickst: Welche Rolle könnte die steirische Kreativszene im globalen Austausch noch stärker einnehmen?

Eberhard Schrempf:
Ich sehe großes Potenzial. Erste Schritte gibt es etwa in Kooperation mit Mobility- und Automotive-Städten im Netzwerk. Auffällig ist, dass viele Ideen immer wieder neu erfunden werden – hier könnten wir ansetzen. Die Stärke der Steiermark liegt in ihrem kompakten Ökosystem und den Clustern: innovative Unternehmen, enge Zusammenarbeit mit Hochschulen, hohe F&E-Bereitschaft.
Die Chance liegt darin, Design und Kreativität von Anfang an in Entwicklungsprozesse einzubinden, Cross-Cluster-Projekte zu fördern und Zusammenarbeit über Grenzen hinweg zu stärken – lokal wie europaweit.

Persönlich gefragt: Welche Städte oder Kreativzentren weltweit haben dich besonders geprägt – und wo zieht es dich nach deiner Pensionierung privat noch hin?

Eberhard Schrempf:
Sonnenhungrig wie ich bin, wohl nach Valencia. Ebenso faszinierend, nur rauer, sind Detroit oder Bilbao. Am meisten zieht es mich nach Istanbul – dieser kulturelle Clash, das Chaos, die Mischung aus Orient und Okzident, alles im Überfluss – das übt eine unglaubliche Anziehungskraft aus.

Die jemenitische Insel Socotra, mitten im Indischen Ozean gelegen, wirkt wie eine andere Welt: Drachenblutbäume, die nur hier wachsen, überlieferte Mythen und eine Landschaft von archaischer Schönheit. Inmitten dieser UNESCO-geschützten Natur lebt Abdullah Al-Salim Ellai, besser bekannt als Abdullah the Caveman.

Ellai wurde in einer Höhle an der Küste geboren und dort großgezogen. Sein Leben ist untrennbar mit der Detwah-Lagune verbunden – ein Raum, den er wie eine „Erinnerungskarte“ kennt: Gezeiten, Fischgründe, Geschichten, die seit Generationen weitergegeben wurden.

Der italienische Regisseur Ivan Olita machte sich auf den Weg nach Socotra, auf der Suche nach einer Geschichte – und fand sie in Ellai. In seiner Kurzdokumentation Man of the Cave zeichnet er ein Bild von einem Mann, der im Spannungsfeld von Tradition und Moderne lebt: Während seine Frau und Familie in die Stadt gezogen sind, bleibt Ellai der Höhle treu, lebt von den Ressourcen der Natur und gleichzeitig zunehmend auch von seiner wachsenden Präsenz im Tourismus.

Heute existiert Ellai zwischen zwei Welten: den uralten Rhythmen von Land und Meer – und der modernen Aufmerksamkeit, die Social Media auf ihn richtet. Sein Leben wird zur Brücke zwischen Vergänglichkeit und Beständigkeit, zwischen einer jahrtausendealten Lebensweise und einer global vernetzten Gegenwart.

Man of the Cave ist eine Einladung, über Authentizität, Wandel und die fragile Balance zwischen Ursprünglichkeit und Öffentlichkeit nachzudenken.