Zwischen pannonischer Weite und mediterraner Leichtigkeit entstehen im Mittelburgenland Weine mit Charakter, Tiefe und Persönlichkeit.

Im Mittelburgenland denkt man bei K+K nicht zwingend an die Monarchie. Obwohl das Weingut K+K Kirnbauer tatsächlich kaiserlich und königlich anmutende Weine hervorbringt, stehen die Initialen vielmehr für Marlene und Markus Kirnbauer – die sich nebenbei sogar die Anfangsbuchstaben ihrer Vornamen teilen.

Seit rund 350 Jahren ist die Familie Kirnbauer in Deutschkreutz verwurzelt – zwischen pannonischer Weite und toskanischem Lebensgefühl. Für Markus ist der hier verankerte Blaufränkisch nicht nur eine Rebsorte, sondern ein eigenständiger Charakter. Marlene gestaltet die Welt rund um den Wein mit Sinn für Ästhetik und der nötigen Dramatik. Gemeinsam prägen sie ein Weingut, dessen Handschrift weit über klassische Weintradition hinausgeht.

Auf rund 45 Hektar wird mit großer Sorgfalt gearbeitet – biologisch und mit klarem Blick in die Zukunft. Im Zentrum steht Blaufränkisch, interpretiert in all seinen Facetten: zugänglich oder tiefgründig, pur oder als tragendes Element großer Cuvées.

Ebenso markant wie die Weine sind die Namen, die sie tragen.
Das Phantom gilt als Ikone unter den blaufränkischen Cuvées. Seit 1987 erscheint der Wein nahezu jedes Jahr aufs Neue – tiefrot, kraftvoll und vielschichtig.

Der Forever Cuvée reift 38 Monate lang ausschließlich in neuen französischen Barriques und zeichnet sich durch außergewöhnliche Langlebigkeit aus.

Der Houdini Zweigelt wiederum entfesselt Lebensgeister – ein Wein wie eine Illusion: Man glaubt ihn zu kennen und wird dennoch überrascht.

Und dann kommt jener Moment, in dem die erste Flasche geöffnet wird. Im Weingut, dessen dunkelrote Fassade dieselbe Wärme ausstrahlt wie der Inhalt der Gläser, gelingt das besonders gut. Hoch über den Weingärten gelegen, öffnet sich der Blick weit in die Landschaft. Das Weingut verbindet mediterrane Leichtigkeit mit burgenländischer Klarheit.

Mit dem Rooftop 7301 wurde ein Ort geschaffen, der genau dieses Lebensgefühl einfängt. Hier treffen Architektur und Natur, Wein und Licht, Menschen und Momente aufeinander. Ein Sundowner wird schnell zu einem jener Abende, die man nicht vergisst.

Die Weine von K+K Kirnbauer begleiten besondere Augenblicke. Sie erzählen von langen Abenden, intensiven Gesprächen und Erinnerungen, die bleiben. Es sind Weine für die richtigen Momente – und für jene, die erst durch sie besonders werden.

Markus Petzl über Disruption, KI und die Illusion von Innovation

Disruption ist eines der meiststrapazierten Schlagworte unserer Zeit – und gleichzeitig eines der am wenigsten verstandenen. Der Transformationsberater Markus Petzl spricht im Interview über kulturellen Widerstand, die Illusion von Innovation und warum Unternehmen lernen müssen, Kontrolle abzugeben. Ein Gespräch über Mut, Chaos, KI und die vielleicht größte Chance unserer Generation.

„Transformation im Kerngeschäft zu starten, ist oft der größte Fehler“

Wenn Sie heute ein traditionelles Unternehmen komplett neu denken müssten – was würden Sie sofort verbieten?

Markus Petzl:
Ganz klar: Ich würde verbieten, Transformation im Kerngeschäft zu starten. Genau dort scheitern die meisten. Der kulturelle Widerstand ist enorm, die Organisation verteidigt sich selbst und plötzlich vergehen Jahre, ohne dass wirklich etwas passiert.

Viel klüger ist es, „on the edge“ zu beginnen: kleine, radikale Einheiten außerhalb des Bestehenden aufzubauen, mit neuen Technologien und neuen Denkweisen. Dort entsteht das Neue – und erst später migriert das alte Geschäft dorthin. Wer im Kern beginnt, kämpft gegen die Vergangenheit. Wer am Rand beginnt, baut Zukunft.

Wann ist ein Unternehmen wirklich disruptiv?

Disruption wird oft als Buzzword verwendet. Wann ist ein Unternehmen tatsächlich disruptiv – und wann nur gut im Marketing?

Markus Petzl:
Disruption erkennt man nicht an Worten, sondern an Wirkung. Ein Unternehmen ist dann disruptiv, wenn es etwas schafft, das andere deutlich schlechter, teurer oder mit weniger Nutzen anbieten. Wenn ein echter Wettbewerbsvorteil entsteht.

Alles andere ist oft nur ein gut inszenierter Nebelwerfer. Viele Marken sprechen von Innovation, aber ihre Produkte erzählen eine andere Geschichte. Wichtig ist auch: Nicht jedes Unternehmen muss ständig disruptiv sein. Aber wenn es behauptet, es zu sein, sollte man es sehen können – nicht nur hören.

Warum Innovation oft scheitert

Viele Unternehmen wollen innovativ sein, scheitern aber in der Umsetzung. Woran liegt das?

Markus Petzl:
An fehlendem Mut und an fehlender Ehrlichkeit. Und beides lässt sich nicht einkaufen.

Viele glauben, sie könnten Innovation einfach zukaufen, etwa durch Start-ups. Aber wenn die eigene Kultur nicht bereit ist, wird das Neue sofort vom Alten „aufgefressen“. Innovation ist kein Projekt, sondern eine Frage von Haltung, Kultur und Spirit.

KI verändert die Spielregeln

Gibt es überhaupt noch klassische Branchenlogiken oder lösen Plattformen und KI diese gerade auf?

Markus Petzl:
Die klassische Branchenlogik wird zunehmend durch Daten und Algorithmen ersetzt – und damit austauschbarer. Gleichzeitig entstehen neue Meta-Logiken, die branchenübergreifend funktionieren.

Besonders spannend sind sogenannte selbstlernende Unternehmen: Systeme, die sich in Echtzeit durch Feedback weiterentwickeln. Sie warten nicht mehr auf Strategiemeetings, sondern optimieren sich permanent selbst. Wir stehen da erst am Anfang, aber die Spielregeln verändern sich gerade fundamental.

„Das haben wir schon immer so gemacht“

Wenn ein Unternehmen sagt: „Das haben wir schon immer so gemacht“ – ist das ein Warnsignal?

Markus Petzl:
Es ist alles zugleich: Warnsignal, Todesurteil und Chance.

Denn dieser Satz zeigt auch, dass etwas lange funktioniert hat. Genau darin liegt der Ansatzpunkt: Was passiert, wenn wir dieses „Immer-schon-so“ radikal neu denken? Wenn wir es in seine Grundprinzipien zerlegen und neu zusammensetzen?

Oft entsteht genau dort echte Disruption – nicht trotz der Vergangenheit, sondern aus ihr heraus.

Wie viel Chaos braucht Innovation?

Markus Petzl:
Chaos ist wie eine Ursuppe – notwendig, aber schwer auszuhalten.

Unternehmen sind eigentlich dafür da, Ordnung zu schaffen. Innovation entsteht jedoch oft in Momenten, die sich nicht vollständig kontrollieren lassen: durch Zufall, ungewöhnliche Perspektiven oder durch das Unterbewusstsein.

Manchmal entstehen die besten Ideen nicht im Meeting, sondern unter der Dusche. Der Trick ist, solche Momente zu ermöglichen, ohne dass alles im Chaos versinkt.

Sind klassische Unternehmensstrukturen noch zeitgemäß?

Sind klassische Unternehmensstrukturen noch kompatibel mit Disruption?

Markus Petzl:
Eher nicht. Aber sie verschwinden nicht einfach – sie transformieren sich.

Spannend ist, wie große Tech-Unternehmen es schaffen, sich immer wieder neu zu erfinden. Gleichzeitig stellt KI das Konzept „Firma“ grundsätzlich infrage.

Wenn künftig eine einzelne Person mit tausenden KI-Agenten ein Milliardenbusiness steuern kann – was ist dann überhaupt noch ein Unternehmen?

Next Practices statt Best Practices

Sie sprechen von „Next Practices“ statt „Best Practices“. Was verstehen Sie darunter?

Markus Petzl:
Zwei Dinge sind aktuell zentral. Erstens: Loslassen. Führungskräfte müssen akzeptieren, dass KI Entscheidungen trifft, die sie selbst nicht mehr vollständig nachvollziehen können.

Zweitens: Klarheit. KI braucht klare Ziele, keine strategischen Nebelgranaten. Halbherzige Ansagen funktionieren nicht mehr.

Das ist besonders herausfordernd in Kulturen, die Ambivalenz lieben. Aber ohne Klarheit bleibt das Potenzial der Technologie ungenutzt.

Welche Rolle bleibt dem Menschen?

Wenn KI Strategie, Analyse und Kreativität übernimmt – wofür braucht es dann noch Berater?

Markus Petzl:
Kurzfristig braucht es sie mehr denn je. Langfristig deutlich weniger – zumindest in der heutigen Form.

Die entscheidende Frage ist: Welche menschliche Qualität bleibt? Vielleicht sind es zwei Dinge: Handwerk und eine besondere Form von Wahrnehmung. Das, was manche als neurodivergentes Denken beschreiben würden. Alles andere kann KI oft besser.

Aber darin liegt auch eine enorme Chance, Beratung neu zu definieren.

Warum Storytelling über Transformation entscheidet

Wie wichtig sind Ästhetik und Storytelling für Transformation?

Markus Petzl:
Sie sind zentral. Geschichten sind das mächtigste Werkzeug, das wir Menschen für Veränderung haben. Seit Jahrtausenden organisieren wir uns um Narrative – und das gilt auch für Unternehmen.

Transformation gelingt nicht nur durch Zahlen und Strategien, sondern durch Bedeutung. Durch Geschichten, die Menschen bewegen.

Und vielleicht ist KI selbst gerade die größte Geschichte unserer Zeit. Wir stehen am Anfang eines neuen Zeitalters. Vergleichbar mit der Einführung von Elektrizität.

Wenn man es optimistisch betrachtet, dann ist heute vielleicht der schlechteste Tag. Weil morgen schon besser sein kann.

Über Markus Petzl

Markus Petzl ist Transformationsberater und Gründer von disruptive, einem Beratungsansatz an der Schnittstelle von Strategie, Technologie und Kultur. Er arbeitet branchenübergreifend – von Retail über Finance bis Industry – und begleitet Unternehmen dabei, radikale Veränderungen nicht nur zu denken, sondern tatsächlich umzusetzen. Im Zentrum seiner Arbeit stehen neue Organisationsformen, der Einsatz von KI sowie die Entwicklung sogenannter Next Practices. Petzl versteht Disruption nicht als Trend, sondern als strukturelle Notwendigkeit – und als Chance, Unternehmen von Grund auf neu zu bauen. disruptive.wtf

Maison Margiela stellt sein visuelles Gedächtnis öffentlich – und verändert damit die Regeln von Mode, Erinnerung und Autorschaft.

Maison Margiela macht sein visuelles Archiv öffentlich zugänglich und stellt damit nicht nur die Regeln des Archivierens infrage, sondern auch die Mechanismen der Mode selbst. Zwischen digitaler Zugänglichkeit und kuratorischer Neuinterpretation entsteht ein vielschichtiger Dialog über Autorschaft, Erinnerung und die Zukunft des Hauses.

Ein radikaler Schritt in Richtung Transparenz

Maison Margiela hat sich nie über Sichtbarkeit definiert. Eher über das gezielte Spiel mit ihr. Umso bemerkenswerter ist der jüngste Schritt des Hauses: die vollständige Öffnung seines visuellen Archivs über eine frei zugängliche Dropbox. Was zunächst wie ein pragmatischer Akt der Digitalisierung wirkt, entfaltet bei näherer Betrachtung eine fast programmatische Dimension.

In einer Branche, die ihre Geschichte oft kuratiert, filtert und mythologisiert, setzt Margiela auf radikale Transparenz und lädt zugleich zur Neubewertung des eigenen Erbes ein.

Dekonstruktion als System

Die Geste passt zur DNA des Hauses. Seit der Gründung steht Margiela für Dekonstruktion, für das Sichtbarmachen von Prozessen, die andere verbergen. Nähte wurden nach außen gekehrt, Futterstoffe zu Oberflächen erhoben, das Unfertige zur Ästhetik erklärt.

Nun wird dieser Ansatz auf das Archiv selbst übertragen: Kampagnenbilder, Runway-Dokumentationen, Detailaufnahmen und visuelle Fragmente erscheinen nicht als museal geordnete Chronologie, sondern als offenes System.

Es ist weniger ein Archiv im klassischen Sinne als vielmehr ein Werkzeug – eine Einladung an Stylisten, Kuratoren, Studierende und Enthusiasten, sich ihre eigene Lesart zu erschließen.

Neue Formen der Ausstellung

Parallel dazu verdichtet sich das Jahr 2026 zu einem entscheidenden Moment für die physische Begegnung mit Margielas Werk. Mehrere Ausstellungen greifen unterschiedliche Facetten des Hauses auf und übersetzen die digitale Offenheit zurück in räumliche Erfahrung.

Während einige Institutionen den Fokus auf die frühen Jahre und konzeptionelle Modenschauen legen, widmen sich andere der Materialität: Textilien, Techniken und der stillen Radikalität handwerklicher Eingriffe.

Kuratorischer Perspektivwechsel

Auffällig ist ein Wandel im kuratorischen Ansatz:
Wo früher retrospektive Erzählungen dominierten, treten heute fragmentarische und thematische Zugänge in den Vordergrund.

Eine Ausstellung widmet sich ausschließlich der Farbe Weiß – von Atelierkitteln bis zu anonymisierten Labels. Eine andere untersucht die Beziehung zwischen Kleidung und Körper: Volumen, Verschiebung und Verhüllung.

Diese Spezialisierung spiegelt nicht nur die Vielschichtigkeit des Hauses wider, sondern auch ein verändertes Publikum – eines, das weniger lineare Geschichten sucht als Bedeutungsebenen.

Digital trifft physisch

Interessant ist die Wechselwirkung zwischen digitalem Archiv und Ausstellungspraxis. Kuratoren nutzen die Dropbox nicht nur als Recherchetool, sondern als integralen Bestandteil der Inszenierung.

Projektionen, Screens und interaktive Stationen binden das Material direkt ein und schaffen einen erweiterten Raum, in dem physische Exponate und digitale Bilder miteinander korrespondieren.

Die Grenze zwischen Original und Reproduktion bleibt bewusst unscharf – ganz im Sinne Margielas, der Authentizität stets als verhandelbare Kategorie verstand.

Ein Wendepunkt für die Modeindustrie

Auch für die Branche insgesamt markiert dieser Schritt einen möglichen Wendepunkt. In einer Zeit, in der Archive zu strategischen Assets geworden sind, wirkt Margielas Offenheit fast subversiv.

Sie unterläuft die Logik von Exklusivität und Zugriffsbeschränkung und setzt stattdessen auf kollektive Aneignung.

Gleichzeitig entsteht ein neuer Wert: Sichtbarkeit als kulturelles Kapital, das sich nicht im Besitz erschöpft, sondern im Gebrauch entfaltet.

Mode als dynamisches Gedächtnis

Die Initiative verändert auch die Art und Weise, wie Mode erinnert wird. Statt fixer Narrative entsteht ein dynamisches Gedächtnis – gespeist aus individuellen Perspektiven und Kontexten.

Die Bilder im Archiv sind nicht nur Dokumente der Vergangenheit, sondern Bausteine für zukünftige Geschichten – in Editorials, Ausstellungen und digitalen Formaten.

Ein stilles Statement

Das Projekt lässt sich als klares Statement lesen:
Mode ist kein abgeschlossenes Kapitel, sondern ein fortlaufender Dialog.

Maison Margiela öffnet nicht nur sein Archiv, sondern auch den Raum für Interpretation – und macht deutlich, dass Relevanz heute weniger aus Kontrolle entsteht als aus Zugänglichkeit.

Zwischen Intimität und Öffentlichkeit, Material und Bild entsteht eine neue Form von Luxus:
die Freiheit, Bedeutung selbst zu konstruieren.

Die Olympiasiegerin wird zur neuen House Ambassador – und verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman.

Mit Alysa Liu gewinnt Louis Vuitton nicht nur eine Ausnahmesportlerin, sondern eine Persönlichkeit, die für Mut, Individualität und eine neue Definition von Luxus steht.

Paris, Mai 2026. Das französische Traditionshaus Louis Vuitton präsentiert die amerikanische Eiskunstlauf-Olympiasiegerin Alysa Liu als neue House Ambassador – eine Entscheidung, die den Zeitgeist perfekt trifft. Die Partnerschaft vereint sportliche Exzellenz mit modischer Ausdruckskraft und spiegelt eine moderne Vision von Weiblichkeit wider: kraftvoll, kreativ und selbstbestimmt.

Zwischen Präzision und Poesie

Mit gerade einmal 20 Jahren schrieb Alysa Liu Geschichte: Als erste Amerikanerin seit 24 Jahren gewann sie olympisches Gold im Eiskunstlauf – und das gleich doppelt. Doch es ist nicht nur ihre technische Brillanz, die fasziniert. Es ist ihre Ausstrahlung – eine Kombination aus Energie, Leichtigkeit und persönlichem Stil, der sich auch in ihrem ikonischen Look, wie etwa ihrem gestreiften Haar, manifestiert.

Diese Dualität – Stärke und Sanftheit – macht sie zur idealen Repräsentantin für Louis Vuitton. Eine Frau, die sich nicht festlegen lässt, sondern Gegensätze vereint.

Die neue Louis Vuitton Woman

„Alysa Liu verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman – selbstbewusst, kreativ und furchtlos“, so Nicolas Ghesquière, Artistic Director der Damenkollektionen.

Und tatsächlich: Liu bringt eine frische Perspektive in die Welt des Luxus. Ihre Auftritte – etwa bei der Louis Vuitton Fall/Winter 2026 Show oder der Vanity Fair Oscar Party – zeigen ein Gespür für Stil, das sowohl verspielt als auch präzise ist. Denim-Looks treffen auf kunstvolle Stickereien, sportliche Attitüde auf Haute Couture.

Luxus liegt im Detail

Auch Alysa Liu selbst beschreibt die Verbindung zur Maison als inspirierend:

„Als Eiskunstläuferin bin ich Athletin – ich trainiere hart, ich bin schnell. Aber wenn ich performe, möchte ich zeigen, wie sanft ich sein kann.“

Diese Balance spiegelt sich auch in ihrer neuen Rolle wider. Für Liu bedeutet Luxus nicht nur Ästhetik, sondern Detailarbeit, Hingabe und Ausdruck. Werte, die sowohl im Eiskunstlauf als auch im Designprozess eine zentrale Rolle spielen.

Eine Partnerschaft mit Zukunft

Mit Alysa Liu setzt Louis Vuitton ein klares Zeichen: Die Zukunft des Luxus ist multidimensional. Sie vereint Disziplin und Kreativität, Tradition und Innovation, Stärke und Sensibilität.

Eine neue Generation tritt ins Rampenlicht – und sie ist mutiger, freier und inspirierender denn je.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Wie Barena Venezia modernen Luxus neu definiert

In einer Welt der Beschleunigung liegt wahre Eleganz oft im Rückzug. Nicht im Sichtbaren, sondern im Spürbaren. Zwischen Licht, Stoff und Bewegung entsteht eine Form von Luxus, die sich nicht aufdrängt – sondern bleibt. Barena Venezia verkörpert genau diese Haltung: leise, präzise und zutiefst zeitlos.

Inspiriert von der Lagune

Der Ursprung von Barena Venezia liegt in Venedig – genauer gesagt in der Lagune, jener stillen Landschaft zwischen Wasser und Land.

Es ist eine Umgebung ohne Eile, geprägt von Licht, Nebel und gedämpften Farben. Diese Atmosphäre findet sich in jeder Kollektion wieder: in sanften Grautönen, erdigen Nuancen und einer zurückhaltenden Klarheit.

Die Kleidung scheint nicht entworfen, sondern gewachsen.

Sie trägt die Ruhe ihres Ursprungs in sich.

Soft Tailoring als Haltung

Barena ist bekannt für sein „Soft Tailoring“ – doch dahinter verbirgt sich mehr als eine Silhouette.

Sakkos sind ungefüttert, Schnitte folgen dem Körper, ohne ihn einzuengen. Formen bleiben bewusst unperfekt, lebendig, beweglich.

Hier wird Schneiderkunst nicht als Struktur verstanden, sondern als Freiheit.

Eleganz entsteht nicht durch Strenge, sondern durch Leichtigkeit.

Materialität als Ausdruck

Stoffe sind das Herz der Marke.

Leinen, Wolle und Baumwolle stammen oft aus traditionellen italienischen Webereien. Sie sind nicht nur Träger von Form, sondern von Geschichte.

Die Oberflächen wirken natürlich, fast roh – mit einer Tiefe, die sich erst beim näheren Hinsehen erschließt.

Barena spricht durch Material, nicht durch Logos.

Zeit statt Trend

Barena entzieht sich bewusst dem schnellen Rhythmus der Mode.

Kollektionen wirken wie Fortsetzungen, nicht wie Brüche. Farben kehren wieder, Formen entwickeln sich leise weiter.

Diese Kontinuität schafft Vertrauen – und eine Form von Stil, die nicht von Saisons abhängt.

Mode wird hier nicht konsumiert, sondern begleitet.

Alltag als Bühne

Was Barena besonders macht, ist seine Selbstverständlichkeit.

Die Kleidung verlangt keine Inszenierung. Sie funktioniert im Alltag, im Gehen, im Leben.

Ein Blazer wird zur zweiten Haut, ein Mantel zum stillen Begleiter.

Luxus zeigt sich im Tragen, nicht im Zeigen.

Barena Venezia steht für eine Form von Mode, die sich der Lautstärke entzieht.

Zwischen Handwerk, Herkunft und Haltung entsteht eine Ästhetik, die nicht beeindrucken will – sondern berührt.

In ihrer Zurückhaltung liegt ihre Stärke.
In ihrer Ruhe ihre Relevanz.

Vielleicht ist das die radikalste Form von Luxus heute.

Wie CMMN SWDN eine neue Sprache von Männlichkeit und Moderne entwirft

Mode war lange eine Frage der Zugehörigkeit. Heute ist sie ein Raum für Bewegung. Zwischen kulturellen Einflüssen, persönlichen Geschichten und sich wandelnden Rollenbildern entsteht eine neue Form von Ausdruck – leiser, vielschichtiger und bewusster. Kaum ein Label verkörpert diesen Wandel so präzise wie CMMN SWDN.

Die Ästhetik der Spannung

Die Entwürfe von CMMN SWDN leben von Gegensätzen. Klare Linien treffen auf fließende Materialien, klassische Silhouetten werden aufgebrochen, vertraute Formen neu interpretiert.

Es ist ein Spiel mit Balance – nicht als Kompromiss, sondern als bewusst gesetzte Spannung.

Hier wird Tailoring nicht dekonstruiert, sondern erweitert. Jacken wirken strukturiert und gleichzeitig weich, Hosen folgen keiner festen Regel mehr, sondern einer Haltung.

Mode wird zu einer offenen Form.

Kulturelle Hybridität als Ausgangspunkt

Gegründet von Saif Bakir und Emma Hedlund, bewegt sich CMMN SWDN zwischen Malmö und London – geografisch wie kulturell.

Diese Dualität ist kein Nebenaspekt, sondern der Kern der Marke.

Einflüsse aus skandinavischer Klarheit treffen auf internationale Perspektiven, persönliche Narrative auf kollektive Themen. Kollektionen greifen immer wieder Motive aus Kunst, Musik oder Alltagskultur auf und übersetzen sie in tragbare Konzepte.

Identität wird hier nicht definiert – sondern verhandelt.

Neue Männlichkeit

Ein zentrales Element der Marke ist ihr Umgang mit Männlichkeit.

CMMN SWDN entzieht sich bewusst klassischen Zuschreibungen. Stattdessen entstehen Silhouetten, die Raum lassen – für Bewegung, für Interpretation, für Individualität.

Maskuline Codes werden nicht negiert, sondern erweitert. Sie werden weicher, durchlässiger, offener.

Es geht nicht um Bruch, sondern um Entwicklung.

Materialität und Bewusstsein

Trotz aller konzeptionellen Tiefe bleibt CMMN SWDN im Kern ein Ready-to-Wear Label.

Die Stücke sind tragbar, funktional und präzise gefertigt. Stoffe spielen dabei eine zentrale Rolle: strukturierte Wollqualitäten, fließende Mischgewebe, unerwartete Oberflächen.

Diese Materialität verankert die Kollektionen im Alltag – sie macht aus Idee Realität.

Design wird fühlbar.

Jenseits von Trends

CMMN SWDN folgt keinem schnellen Rhythmus.

Statt Trends zu reproduzieren, entwickelt die Marke eine eigene visuelle Sprache – eine, die sich kontinuierlich verändert, ohne beliebig zu werden.

Das Ergebnis ist Mode, die nicht auf Aufmerksamkeit angewiesen ist, sondern auf Wahrnehmung.

Sie fordert den Blick – und belohnt ihn.

CMMN SWDN steht für eine Generation von Design, die sich nicht mehr über klare Kategorien definiert.

Zwischen Struktur und Freiheit, zwischen Herkunft und Zukunft entsteht eine neue Form von Eleganz – eine, die weniger erklärt und mehr zulässt.

Mode wird hier nicht lauter, sondern relevanter.

Ein temporäres Townhouse in Mayfair wird zur Hommage an das ikonische Louis Vuitton Monogramm – zwischen Handwerkskunst, Designgeschichte und zeitgenössischer Kultur.

Mit dem Louis Vuitton Hotel eröffnet das Maison in London einen außergewöhnlichen Ort der Begegnung: ein Pop-up-Erlebnis, das 130 Jahre Monogramm feiert und Besucher:innen in die Welt des Reisens, der Handwerkskunst und der ikonischen Taschenmodelle eintauchen lässt.

Ein Haus voller Geschichte – und Zukunft

Im Herzen von Mayfair, einem der elegantesten Viertel Londons, entsteht ein Ort, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verwebt. Das Louis Vuitton Hotel ist kein klassisches Hotel, sondern ein sorgfältig inszeniertes Townhouse, das die Geschichte eines der bekanntesten Symbole der Modewelt erzählt: des Monogramms.

Ursprünglich 1896 von Georges Vuitton als Hommage an seinen Vater Louis Vuitton entworfen, ist das Monogramm heute weit mehr als ein dekoratives Element – es steht für Savoir-faire, Reisegeist und zeitlose Eleganz. Dass London als Standort gewählt wurde, ist kein Zufall: Bereits 1885 eröffnete hier das erste internationale Geschäft des Hauses außerhalb von Paris.

Seit dem 24. April 2026 ist das Louis Vuitton Hotel für Besucher:innen geöffnet und wird für die Dauer von zwei Monaten zugänglich sein – ein bewusst temporäres Erlebnis, das seine Exklusivität zusätzlich unterstreicht.

Ein glanzvoller Auftakt

Schon die Eröffnung des Louis Vuitton Hotels wurde zum gesellschaftlichen Ereignis: Zahlreiche internationale Celebrities, Kreative und Persönlichkeiten aus Mode, Kunst und Kultur folgten der Einladung nach Mayfair. Die Bilder des Abends zeigen eindrucksvoll, wie sehr das Haus nicht nur ein Ort der Geschichte, sondern auch ein zeitgenössischer kultureller Treffpunkt ist – ein Hotspot, der Tradition und Popkultur mühelos verbindet.

Ikonische Taschen als Räume erlebbar gemacht

Das Louis Vuitton Hotel ist eine immersive Reise durch die Geschichte der bedeutendsten Taschenmodelle des Hauses. Jeder Raum ist einem ikonischen Design gewidmet – und verwandelt Funktion in Erlebnis:

• Keepall Lobby: Eine Hommage an die Reisetasche von 1930, die mit ihrem faltbaren Design die moderne Reisekultur revolutionierte.
• Café Alma: Pariser Flair trifft auf Art-Déco-Ästhetik – inspiriert von der strukturierten Silhouette der Alma Bag.
• Speedy Room: Ein lichtdurchflutetes Zimmer, das Geschwindigkeit und Mobilität als Designprinzip feiert.
• Speedy P9 Safe Room: Eine goldene Inszenierung der Neuinterpretation durch Pharrell Williams – Handwerkskunst auf höchstem Niveau.
• Neverfull Gym: Spielerische Leichtigkeit trifft auf Funktionalität – eine Tasche, die für Stärke und Vielseitigkeit steht.
• Bar Noé: Eine intime Champagnerbar, die an die Ursprünge der Noé Bag erinnert – ursprünglich entworfen, um Champagnerflaschen stilvoll zu transportieren.

Erlebnis, Handwerk und Individualität

Neben der ästhetischen Inszenierung steht auch die Handwerkskunst im Mittelpunkt. Ein eigener Care-Service-Bereich bietet die Möglichkeit, Louis Vuitton Stücke restaurieren zu lassen – ein Zeichen für Langlebigkeit und Nachhaltigkeit im Luxussegment.

Darüber hinaus können Besucher:innen ihre persönlichen Stücke individualisieren lassen: Exklusive Patches und Hot-Stamping-Services machen jede Tasche zu einem Unikat.

Kulinarik trifft Kultur

Das Erlebnis wird durch gastronomische Konzepte ergänzt:
Im Café Alma erwartet Gäste ein stilvolles Déjeuner oder Afternoon Tea, während die Bar Noé tagsüber Champagner und abends – in Zusammenarbeit mit dem legendären KOKO – DJ-Sets und vibrierende Londoner Nächte bietet.

Eine Hommage an das „Art of Travel“

Louis Vuitton gelingt mit diesem Pop-up mehr als eine Ausstellung – es ist eine emotionale Inszenierung eines Lebensgefühls.
Das Louis Vuitton Hotel wird so zu einer modernen Interpretation des „Art of Travel“: eine Reise durch Zeit, Design und kulturelle Relevanz.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Zwischen Sichtbarkeit und Erinnerung – eine Ausstellung über das Sehen selbst

Im Espace Louis Vuitton München entfaltet sich mit Grey Eyes eine eindringliche Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Erinnerung und der Macht der Bilder. Die Ausstellung des polnischen Künstlers Wilhelm Sasnal lädt dazu ein, das Sehen neu zu denken – fragmentarisch, ambivalent und zutiefst persönlich.

Vom 24. April bis 12. September 2026 präsentiert der Espace Louis Vuitton München die Ausstellung Grey Eyes, eine kuratierte Auswahl von Werken aus der Collection der Fondation Louis Vuitton sowie aus dem Atelier des Künstlers Wilhelm Sasnal. Die Schau ist Teil des internationalen Hors-les-murs-Programms, das Kunst über institutionelle Grenzen hinaus zugänglich macht und weltweit in den Espaces Louis Vuitton realisiert wird.

Die Poetik des Unklaren

Seit den 1990er Jahren entwickelt Wilhelm Sasnal eine Bildsprache, die sich konsequent mit der Rolle von Bildern in unserer Gegenwart auseinandersetzt. Seine Werke – Malerei, Zeichnung und Film – basieren auf einer reduzierten, präzisen Ästhetik, die das Alltägliche transformiert. Pressebilder, Filmstills oder private Szenen werden nicht reproduziert, sondern fragmentiert, vereinfacht und neu kontextualisiert.

Es entsteht ein Spannungsfeld zwischen Sichtbarkeit und Entzug, in dem das Bild zugleich präsent und flüchtig erscheint. Sasnals Arbeiten laden dazu ein, Unsicherheit nicht als Defizit, sondern als integralen Bestandteil von Wahrnehmung zu akzeptieren.

Formale Freiheit als Methode

Charakteristisch für Sasnals Werk ist seine formale Offenheit: Von glatten Oberflächen bis zu expressiven Pinselstrichen, von Porträts über Landschaften bis hin zu architektonischen Fragmenten – alles existiert gleichwertig nebeneinander. Diese Vielschichtigkeit ist kein stilistischer Zufall, sondern eine bewusste Strategie, die Malweise dem Motiv anzupassen.

Dabei schwingt stets ein leises Unbehagen mit. Hinter scheinbar alltäglichen Motiven öffnen sich historische und politische Dimensionen, insbesondere im Kontext der europäischen Geschichte des 20. Jahrhunderts.

Grey Eyes – Die Ambivalenz des Sehens

Die Ausstellung vereint Werke aus zwei Jahrzehnten und wurde von Sasnal selbst zusammengestellt. Das wiederkehrende Motiv des Auges wird zur Metapher für das Sehen in einer überladenen Bildwelt.

Die Farbe Grau – weder eindeutig opak noch transparent – steht sinnbildlich für Ambiguität:
für müde Augen, für abgewandte Blicke oder für jene, die sehen, ohne wirklich wahrzunehmen.

Die zentrale Frage lautet: Was bedeutet es heute, zu sehen?
Eine klare Antwort bleibt aus – stattdessen entstehen offene, fragile Wahrnehmungsräume, die Raum für individuelle Interpretation lassen.

Der Künstler

Wilhelm Sasnal (1972 in Tarnów, Polen) lebt und arbeitet in Krakau. Nach einem Architekturstudium wandte er sich der Malerei zu und wurde Mitbegründer der Künstlergruppe Ładnie, die eine neue Generation im postkommunistischen Polen prägte. Sein Werk ist international ausgestellt und verbindet persönliche Narrative mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen.