Zwischen künstlicher Intelligenz, Myzel und Handwerk entsteht eine neue Designsprache

Die Geschichte des Designs war lange Zeit von einer zentralen Idee geprägt: Form folgt Funktion. Ornament galt spätestens seit der Moderne als überflüssig, Reduktion wurde zum Qualitätsmerkmal. Doch eine neue Generation von Gestalterinnen und Gestaltern beginnt, diese Gewissheiten zu hinterfragen.

Einer der spannendsten Vertreter dieser Entwicklung ist der belgische Designer und Künstler Vito Boox. Seine Arbeiten wirken wie Fundstücke aus einer zukünftigen Naturgeschichte – als hätten Pilze, Korallen oder Erosionsprozesse begonnen, Möbel, Leuchten und Objekte selbst hervorzubringen.

Was zunächst surreal erscheint, folgt einer erstaunlich logischen Idee.

Boox nennt sie Neo-Ornamentalismus.

Ornament entsteht nicht mehr durch Dekoration

Während Ornament in der Vergangenheit meist nachträglich hinzugefügt wurde, entwickelt Boox eine vollkommen andere Sichtweise. In seiner Arbeit entsteht Ornament nicht auf der Oberfläche – sondern im Inneren der Form selbst.

Mithilfe von CGI, 3D-Modelling und computergestützter Gestaltung simuliert er natürliche Wachstumsprozesse wie Erosion, Zellbildung oder organische Expansion. Anschließend werden diese digitalen Strukturen durch traditionelles Handwerk in physische Objekte übersetzt.

So entstehen Möbel und Leuchten, die wirken, als wären sie nicht gefertigt, sondern gewachsen.

Es ist eine Designhaltung, in der Natur nicht länger als Inspirationsquelle dient, sondern selbst zum Mitgestalter wird.

Das Debüt bei Van Rossum

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Boox mit seinem Debüt beim niederländischen Möbelhersteller Van Rossum während des Salone del Mobile in Mailand.

Für die traditionsreiche Marke entwickelte er die DATSU Collection – bestehend aus Esstischen und Hockern, deren weich modellierte Volumen an über Jahrtausende geformte Felsen erinnern.

Massives Holz trifft hier auf digitale Präzision. Die Objekte besitzen kaum sichtbare Kanten, sondern scheinen sich langsam aus dem Material heraus entwickelt zu haben.

Es entsteht eine skulpturale Ruhe, die zwischen Möbelstück und Kunstobjekt oszilliert.

Mit der Erweiterung um Leuchten, Spiegel und Accessoires öffnet Van Rossum zugleich ein neues Kapitel seiner Designgeschichte – eines, das stärker auf Atmosphäre als auf reine Funktion setzt.

Design aus Pilzwachstum

Noch konsequenter verfolgt Boox seine gestalterische Vision in der Zusammenarbeit mit dem niederländischen Unternehmen Aifunghi.

Hier entstehen Leuchten und Spiegel aus einem Material, das ebenso futuristisch wie natürlich wirkt: Mycelium-Based Composite (MBC) – einem vollständig recycelbaren Verbundwerkstoff aus Hanffasern und Pilzmyzel.

Die Leuchten der Serie Morchella erinnern an die charakteristische Oberfläche der gleichnamigen Speisemorchel. Gleichzeitig wirken sie beinahe außerirdisch – irgendwo zwischen biologischem Organismus, Art-Nouveau-Skulptur und digital generierter Architektur.

Auch die Tremella Mirrors greifen organische Wachstumsformen auf. Ihre skulpturalen Rahmen scheinen langsam über die spiegelnde Oberfläche zu fließen und verbinden nachhaltige Materialentwicklung mit einer neuen Form von Luxus.

Hier wird Nachhaltigkeit nicht über Verzicht kommuniziert, sondern über Schönheit.

Die Zukunft könnte organischer aussehen

Was Boox‚ Arbeiten besonders interessant macht, ist weniger ihre Ästhetik als ihre Haltung.

Während große Teile des zeitgenössischen Designs auf Vereinfachung, industrielle Effizienz und maximale Funktionalität setzen, schlägt er den entgegengesetzten Weg ein.

Komplexität wird nicht reduziert.

Sie wird kultiviert.

Digitale Werkzeuge dienen dabei nicht der Perfektion, sondern der Simulation natürlicher Prozesse. Technologie wird nicht als Gegensatz zur Natur verstanden, sondern als Mittel, ihre Logik sichtbar zu machen.

Gerade darin liegt die Aktualität seiner Arbeiten.

Sie zeigen, dass digitale Gestaltung nicht zwangsläufig zu glatten, anonymen Produkten führen muss. Sie kann ebenso zu Objekten führen, die emotional wirken, Geschichten erzählen und uns an biologische Prozesse erinnern, die weit älter sind als jede Software.

Eine neue Generation des Designs

Mit seinem Debüt bei Van Rossum, der Zusammenarbeit mit Aifunghi und seinen freien Arbeiten gehört Vito Boox zu jener Generation junger Designer, die Design nicht länger als rein funktionale Disziplin verstehen.

Sie verbinden digitale Technologien mit traditioneller Handwerkskunst, Nachhaltigkeit mit sinnlicher Materialität und künstliche Intelligenz mit den Prinzipien organischen Wachstums.

Vielleicht ist genau das der Beginn einer neuen Epoche.

Nicht Minimalismus.

Nicht Dekoration.

Sondern Neo-Ornamentalismus – eine Designsprache, in der Natur selbst zur Gestalterin wird.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Frühjahr/Sommer 2026 zeigt Kleidung als Präsenz, Haltung und Resonanzraum

Kleidung beschreibt eine Verfassung. Sie reagiert auf den männlichen Körper, auf Zeit, auf innere Spannung. Frühjahr/Sommer 2026 zeigt, wie sie existiert, wie sie wirkt – ohne Erklärung. Sie spricht nicht, sie verlangt keinen Konsens. Sie ist präsent, und das reicht.

Text: Nina Prehofer

Wenn Kleidung vom Körper ausgeht

Die Saison beginnt beim Körper, nicht beim Look. Ärmel verlängern sich, Hosen verlangsamen ihre Bewegung, Stoffe reagieren auf Dynamik. Silhouetten verschieben sich, kippen leicht – ohne dass sich eindeutig sagen ließe, wohin.

Labels wie Acne und MM6 zeigen diese Entwicklung mit beiläufiger Eleganz, als würde Kleidung aus reiner Beobachtung entstehen. Bei Rick Owens hingegen wird das Verhältnis von Körper und Stoff radikal interpretiert: Volumen, Schatten und Drapierungen verwandeln den Körper beinahe in eine Skulptur.

Owens’ Entwürfe wirken wie Bühnenbilder. Künstler wie A$AP Rocky oder Kanye West tragen sie nicht nur – sie erweitern damit ihre Präsenz. Kleidung wird zur Aura, die sich um den Körper legt.

Emotionen in Material und Textur

Emotion zeigt sich nicht in narrativen Gesten, sondern in Materialität. Antonio Marras stapelt Stoffe wie Erinnerungen, seine Prints wirken wie Malerei auf einer unsichtbaren Leinwand.

Moderne Stilfiguren wie Timothée Chalamet oder Harry Styles fungieren dabei als Kuratoren dieser Formen. Sie tragen Kleidung nicht nur – sie interpretieren sie. Muster und Silhouetten werden zu Erweiterungen ihrer Persönlichkeit.

Kleidung wird zum Resonanzraum.
Nicht Bühne, nicht Kostüm.

Wer sie trägt, verändert subtil den Raum und bleibt doch Teil von ihm.

Schwarz als Haltung

Schwarz bleibt zentral – jedoch nicht als Uniform. Das Label Enfants Riches Déprimés nutzt die Farbe, um Distanz zu erzeugen und Haltung zu formulieren.

Komfort wird dabei neu definiert. Nicht als reine Bequemlichkeit, sondern als Dimension der Erfahrung.

Wer diese Kleidung trägt – ob FKA twigs, Playboi Carti oder Ezra Miller – demonstriert Präsenz, ohne ein Wort zu sagen.

Der Körper spricht.
Die Kleidung antwortet.
Die Umgebung registriert.

Tradition wird neu geschrieben

Auch klassische Codes werden dekonstruiert. Burberry lockert das Erbe des Trenchcoats, verschiebt Silhouetten und löst Eleganz aus der Perfektion.

Bei Comme des Garçons entwirft Rei Kawakubo Räume für Körper, die Regeln nicht folgen. Bekanntes wird neutralisiert, neu zusammengesetzt und immer wieder in die Gegenwart übersetzt.

Kleidung wird Referenz und Experiment zugleich – ein Spiegel zwischen Erwartung und Interpretation.

Poetische Radikalität

Ironie, Provokation und Intensität sind erlaubt – aber selten plakativ. Frühjahr/Sommer 2026 interessiert sich nicht für modische Diplomatie.

Die dramatischen, punkigen Entwürfe von Enfants Riches Déprimés stehen neben der stillen Präzision von Gabe Gordon. Gemeinsam zeigen sie: Kleidung muss nicht gefallen – sie muss spürbar sein.

Und genau darin entsteht eine poetische Radikalität.

Kleidung wird zum Filter, durch den der Mann die Welt sieht – und durch den die Welt ihn wahrnimmt.

Bei Vivienne Westwood, Antonio Marras oder Rick Owens erzählt Mode Geschichten, ohne sie auszusprechen. Sie reflektiert den Zeitgeist, ohne ihn zu erzwingen.

Kleidung als Zustand

Mode wird wieder zu einem Raumerlebnis. Sie formt Männer, ohne sie festzulegen.

Sie existiert, bevor sie interpretiert wird – und bleibt spürbar, lange nachdem man den Raum verlassen hat.

Frühjahr/Sommer 2026 ist ein Sommer der Präsenz.
Ein Sommer, der Intuition belohnt und Selbstbewusstsein verlangt.

Kleidung ist kein Accessoire mehr.
Sie ist Filter, Spiegel und Erfahrungsraum.

Kleidung als Zustand – und Zustand als Mode.

In Divers fängt der New Yorker Fotograf und Filmemacher Geordie Wood die stille Poesie des High Diving ein – einen Moment zwischen absoluter Kontrolle und vollständigem Loslassen. Entstanden im Rahmen eines exklusiven Trainingscamps in Fort Lauderdale, Florida, begleitet der Kurzfilm eine kleine Gruppe von Elite-Springern, die sich jeden Winter an einer der höchsten permanenten Sprungplattformen der Welt versammelt.

Geleitet vom Rhythmus des Trainings beobachtet Wood Rituale der Vorbereitung, konzentrierte Gesten und die gespannte Erwartung vor dem Aufstieg auf den 27 Meter hohen Turm. Zwischen Adrenalin und Stille entsteht eine visuelle Sprache, die den Sprung selbst als Akt radikaler Präsenz begreift.

„High Diving erfordert enorme körperliche Stärke und mentale Widerstandskraft – und zugleich Hingabe. Für mich wurde es zu einer Erforschung von absoluter Gegenwärtigkeit.“
— Geordie Wood

Der Film feierte Premiere beim Dokumentarfilmfestival Visions du Réel und entfaltet eine fast tänzerische Bildwelt: flüchtige Momente der Schwerelosigkeit, bevor der Körper mit Präzision ins Wasser gleitet. Divers ist eine Meditation über Disziplin, Mut und jene seltene Klarheit, die nur im vollkommenen Jetzt existiert.

Meet the artists by Art Basel x NOWNESS

In seinem Atelier in der San Francisco Bay Area reflektiert der amerikanische Künstler Woody De Othello über Ton, Herkunft und die stille Psychologie der Dinge. Geboren in Miami als Sohn haitianischer Eltern, belebt der multidisziplinäre Künstler Alltagsobjekte aus Keramik, Bronze und Holz mit emotionaler Tiefe. Telefone, Spiegel oder Uhren – bei De Othello scheinen sie zu atmen, beseelt von menschlicher Präsenz.

Durch das Vergrößern und Verformen dieser vertrauten Formen erforscht er die Psychologie des Raums und die Energie, die Objekte in sich tragen. Seine Werke sind zugleich humorvoll und tiefgründig – eine Hommage an die Verbindung zwischen Körper, Geist und Materialität.

„Ich möchte nichts erschaffen, nur weil jemand es erwartet“, sagt De Othello. „Ich möchte etwas erschaffen, weil ich sehen will, was passiert, wenn es entsteht.“

In der neuesten Episode von Meet the artists, präsentiert von Art Basel und NOWNESS, lädt De Othello in sein Studio in Oakland ein und nimmt das Team mit auf einen Spaziergang durch die Redwood-Wälder Nordkaliforniens. Zwischen Ton und Holz, Intuition und Handwerk, zeigt sich die duale Natur seiner Kunst – ein Dialog zwischen Additivem und Subtraktivem, zwischen Tun und Loslassen.

Seine Arbeiten sind bei Jessica Silverman (San Francisco) und Karma (Los Angeles, New York) vertreten. Ab dem 13. November 2025 ist De Othellos Ausstellung „Coming forth by day“ im Pérez Art Museum Miami zu sehen – mit neuen Keramik-, Holz- und Wandarbeiten sowie einer großformatigen Bronzeskulptur.

Video: NOWNESS x Art Basel – Meet the artists: Woody De Othello

Ein Blick ins Herz der modernen Architekturgeschichte

Nutzen Sie die seltene Gelegenheit, das legendäre Eames House in Los Angeles zu betreten – ein geschütztes Meisterwerk des Modernismus, das bis heute den Geist von Charles und Ray Eames atmet.

Das von den visionären Designern Charles und Ray Eames entworfene Case Study House #8, besser bekannt als das Eames House, zählt zu den bedeutendsten Gebäuden der Mid-Century-Ära. Für die aktuelle Episode der Architekturserie In Residence erhielt Nowness exklusiven Zugang zu diesem lichtdurchfluteten zweigeschossigen Bau, den das Ehepaar Eames 1949 errichtete – und bis zu ihrem Lebensende bewohnte.

Berühmt wurden die Eames durch ikonische Möbelentwürfe wie den Eames Molded Fiberglass Side Chair oder den Eames Lounge Chair & Ottoman. Doch das Eames House ist ihr einziges architektonisches Projekt, das sie als privates Wohnhaus und Arbeitsstätte konzipierten. Heute ist es als National Historic Landmark geschützt – eingebettet in ein 1,4 Hektar großes Anwesen im grünen Stadtteil Pacific Palisades in Los Angeles.

Die Farbblöcke der Fassade, eingerahmt von hohen Bäumen und mit Blick auf den Ozean, machen das Haus zu einem leuchtenden Symbol des amerikanischen Modernismus.

„Du bist umgeben von Bäumen, die in vielerlei Hinsicht den Stahlrahmen widerspiegeln. Du fühlst dich als Teil der Erde,“
sagt Lucia Dewey Atwood, Enkelin von Charles und Ray Eames sowie Direktorin des 250 Year Project der Charles & Ray Eames Foundation.

Bis heute sind das Wohnhaus, das Studio und die umliegenden Gärten im Originalzustand erhalten – und ermöglichen Besucher:innen einen authentischen Einblick in die Welt der Eames.

„Das Haus besteht aus industriellen Standardteilen. Es war ein Spiegelbild dessen, was aus der Kriegsproduktion hervorging,“
erklärt Eames Demetrios, ein weiterer Enkel und Direktor des Eames Office.

Das Eames House, entworfen in einer Zeit des Nachkriegs-Wohnraummangels, demonstrierte die Möglichkeiten moderner Fertigung und den Glauben der Eames an gutes Design für alle.

Nach einer Phase der Restaurierung und Reflexion – ausgelöst durch den Palisades Fire – ist das Haus nun wieder geöffnet. Und erstmals können Besucher:innen auch das private Studio von Charles und Ray Eames betreten – jenen Raum, in dem viele ihrer Ideen geboren wurden.

„Es kann ein Symbol des Modernismus sein, aber es ist mehr als das. Das Eames House war immer ein Zuhause,“
sagt Eames Demetrios.

Erfahren Sie mehr über die Charles & Ray Eames Foundation und die Möglichkeit, das Eames House zu besuchen.

Ein historisches Theater wird zum kreativen Stadtwohnzimmer

An der 1 Oxford Street eröffnet das 25hours Hotel The Olympia – und schreibt die Geschichte eines der markantesten Kulturorte Sydneys fort. Wo einst das West Olympia Theatre und der Grand Pacific Blue Room Publikum anzogen, entsteht nun ein Nachbarschaftszentrum mit Bohemian-Energie, LGBTQIA+-Erbe und kosmopolitischem „come as you are“-Spirit.

Ein Ort mit Seele – und Zukunft

Zwischen Paddington, Surry Hills, Darlinghurst, Kings Cross und Moore Park versteht sich The Olympia als offenes Wohnzimmer der Stadt. „Nicht nur eine Eröffnung, sondern ein kultureller Katalysator für das nächste Kapitel der Oxford Street“, formuliert General Manager Jake Guilfoyle. Die Haltung dahinter: Individualität, Authentizität, Persönlichkeit – die 25hours-DNA, neu interpretiert für Sydney.

Zimmer mit Filmgeist

109 Zimmer verneigen sich vor der Kinogeschichte des Hauses: „Dreamers“ & „Renegades“ inspirieren Materialien, Farben und Proportionen. Historische Details treffen auf Kunst lokaler Kreativer wie Kubi Vasak – ein Setting, das Vergangenheit sichtbar macht und Gegenwart zum Schwingen bringt.

Vier kulinarische Bühnen

Kulinarischer Kurator Mitch Orr vereint internationale Handschriften in vier charaktervollen Konzepten:

The Palomar – das gefeierte London-Original debütiert in Sydney: Südeuropa, Nordafrika, Nahost – vibrierend, sinnlich, teilbar.

The Mulwray – eine intime Bar mit biodynamischen Weinen und klassischen Drinks – ideal für Gespräche bis spät in die Nacht.

Jacob the Angel – ein charmantes Café im Erdgeschoss; Kaffeespezialitäten und Gebäck von Lune Croissanterie laden zum urbanen Frühstück ein.

Monica – die Rooftop-Bar des Ennismore Carte Blanched Studios ist kultureller Spielplatz und nostalgischer Rückzugsort zugleich: Live-Musik, DJ-Sets und ein Blick über Sydneys Dächer verbinden 1960s-Hollywood-Glamour mit modernem Puls.

Alle Konzepte stammen aus der kreativen Feder des Londoner Geschwisterpaares Layo & Zoë Paskin.

Architektur als Dialog

Das Design ist eine kollaborative Handschrift: Tonkin Zulaikha Greer (urbane Transformation), Indyk Architects (Materialität & Handwerk) und Woods Bagot (menschenzentrierte Räume). Ergebnis: ein Haus, das Stadt, Geschichte und Szene verbindet – und Oxford Street als kulturelle Achse stärkt.

„Wir wollen, dass diese Straße ein Ort der Feier der LGBTQIA+-Kultur wird … Die Eröffnung des Olympia festigt ihren Ruf als kulturelles Reiseziel von Weltklasse.“ – Clover Moore AO, Oberbürgermeisterin von Sydney

Community & Kollaborationen

Über 100 neue Arbeitsplätze, lokale Partnerschaften und ein kuratiertes Lifestyle-Ökosystem (u. a. Sorry Thanks I Love You, Kreafunk, Soeder, Samova, Canvasco, Freitag) verankern The Olympia in der Stadt – für Reisende und Einheimische gleichermaßen.

The Olympia ist kein Themenhotel – sondern ein Gefühl: cineastisch, urban, nahbar. Ein Ort, an dem Nachtleben, Kunst, Küche und Nachbarschaft ineinanderfließen. Sydney erhält hier ein neues Stück Identität – mit offenen Türen.

Größer, vielseitiger, präziser – die neue Ära des Live-Fire-Cooking

Mit der neuen Dome Gen 2 Reihe bringt Gozney das Kochen mit offenem Feuer auf ein völlig neues Niveau. Vier Jahre nach der Einführung des ikonischen Dome (2021) folgt nun die konsequente Weiterentwicklung – in zwei Größen: Dome (Gen 2) und Dome XL (Gen 2). Mehr Power, mehr Präzision, mehr Platz – für Restaurantqualität im eigenen Garten.

Mehr als Pizza

Von neapolitanischer Pizza bis zu mehrgängigen Menüs: Die Dome Gen 2 Reihe erweitert die Möglichkeiten des Outdoor-Cookings. Bis zu 90 % mehr Platz als die erste Generation bietet Raum für mehrere Gerichte gleichzeitig. Dank Hybrid-Befeuerung lässt sich flexibel mit Holz, Gas oder Holzkohle kochen. Mit dem neuen Wood-Fire Control Kit gelingt selbst beim Holz- oder Kohlefeuer eine präzise Steuerung, während das integrierte Digital-Display Temperaturen und Garzeiten zuverlässig überwacht.

Für Profis entwickelt, für Zuhause perfektioniert

Ob Pizza-Legende Chris Bianco, Michelin-Sterneköchin Dalad Kambhu oder BBQ-Pitmaster Rasheed Philips – die größten Namen der internationalen Kulinarik vertrauen auf Gozney. Ihre Erfahrungen und ihr Feedback haben maßgeblich dazu beigetragen, die Dome Gen 2 Reihe zur vielseitigsten Outdoor-Kochplattform ihrer Art zu machen.

Design, das verbindet

Die Dome Gen 2 Reihe verkörpert Gozneys Anspruch an kompromisslose Leistung, Benutzerfreundlichkeit und ikonisches Design. In den Farben Bone und Off Black erhältlich, vereinen die Modelle höchste Funktionalität mit einer klaren Formensprache, die in jede Outdoor-Küche passt.

Ab dem 15. Oktober 2025 erhältlich: Dome Gen 2 für 1.999,99 € und Dome XL Gen 2 für 2.499,99 € – bei ausgewählten Händlern und auf gozney.com

Ein Resort, das nicht nur internationale Filmteams inspiriert, sondern auch Gästen eine Bühne für unvergessliche Urlaubsmomente bietet.

Es gibt Orte, die wirken, als wären sie einem Drehbuch entsprungen. Sie sind magisch, von stiller Schönheit, beinahe unwirklich – wie eine Szenerie aus einem Film. Das Gradonna****s Mountain Resort in Osttirol gehört zu diesen Orten. Kein Wunder also, dass nationale wie internationale Filmproduktionen dieses Refugium immer wieder als Kulisse wählen. Wer hier Urlaub macht, betritt selbst eine Bühne – mit der Hauptrolle in der Hand.

On Location: Architektur trifft Natur

Wie ein modernes Bergdorf schmiegt sich das Resort aus Glas und Holz an die majestätische Kulisse des Großglockners. Auf 1.500 Metern Höhe in den Hohen Tauern verändert sich die Atmosphäre mit jeder Stunde: hell und freundlich im Sonnenlicht, mystisch im Nebel, dramatisch im Schnee. Dieses Wechselspiel macht den Ort nicht nur für Gäste einzigartig, sondern auch für Regisseur:innen aus aller Welt unwiderstehlich.

Ein Chalet im Hollywood-Glanz

Besonders eindrucksvoll zeigt sich das Gradonna in der Amazon-Prime-Serie Nine Perfect Strangers. Eines der Chalets wird darin zum geheimnisvollen Rückzugsort der rätselhaften Kursleiterin Mascha Dmitrichenko, gespielt von Nicole Kidman. Auch wenn der Hollywood-Star selbst nicht in Osttirol vor der Kamera stand, ist das Resort in nahezu allen Episoden präsent – und verleiht der Serie eine unverwechselbare Atmosphäre.

Bühne für Film und Fernsehen

Nicht nur in Hollywood, auch im europäischen Kino hat sich das Gradonna einen Namen gemacht. In der österreichisch-deutschen Komödie Der Spitzname bildet es gemeinsam mit dem Skigebiet Großglockner die Szenerie für die Begegnungen von Iris Berben, Christoph Maria Herbst und Florian David Fitz. Zudem war das Resort bereits Drehort für Serien wie Die Bergretter und Landkrimi.

„Für internationale Filmproduktionen sind neben der eindrucksvollen Kulisse vor allem nachhaltige Rahmenbedingungen und professionelle Infrastruktur entscheidend. Als erstes Osttiroler Hotel mit ISO-14001-Zertifizierung bieten wir Filmteams nicht nur spektakuläre Locations, sondern auch verlässliche und verantwortungsvolle Produktionsbedingungen.“ – Martha Schultz, Miteigentümerin des Resorts

Ein filmreifer Urlaub

Für Gäste eröffnet sich die Möglichkeit, inmitten eines echten Filmsets Urlaub zu machen. Zwischen alpiner Weite, architektonischer Klarheit und der Aura vergangener Dreharbeiten wird der Aufenthalt selbst zum filmreifen Erlebnis. Oder anders gesagt: Vorhang auf für einen Urlaub, der so real wie einzigartig ist.

Gradonna****s Mountain Resort ist Mitglied bei Lifestylehotels.

Die erste amfAR-Gala im Rahmen der Salzburger Festspiele wurde zu einem besonderen Moment, als das Haus Vivienne Westwood die Kostüme für diesen Abend gestaltete. Inspiriert vom ikonischen Jedermann kreierte Andreas Kronthaler, Kreativdirektor und langjähriger Partner von Vivienne Westwood, eine Kollektion aus Vergangenheit und Gegenwart: historische Kostüme aus dem Archiv der Festspiele wurden auseinandergenommen, neu zusammengesetzt und mit Elementen aktueller Kollektionen verwoben.

So entstand eine lebendige Neuinterpretation, die die zentralen Themen des Stücks – Leben und Tod, Besitz und Verlust, Macht und Demut – auf die Bühne brachte.

Die Buhlschaft in drei Akten

Im Mittelpunkt steht die Buhlschaft, die in dieser Inszenierung in drei Lebensphasen erscheint:

• Buhlschaft 1: jugendlich und verspielt in Rot und Rosa, auf einer Korsettbasis mit bestickten Ornamenten.
• Buhlschaft 2: stark und transformativ in besticktem Oberteil und Paillettenrock.
• Buhlschaft 3: eine Vision, majestätisch im ikonischen Bird-of-Paradise-Kleid aus rotem Seidentaft mit Puffärmeln – eine Silhouette, die Westwood unverwechselbar macht.

Charaktere zwischen Ekstase und Vergänglichkeit

Die Tischgesellschaft erscheint ausgelassen und vergnügungssuchend – ein eklektischer Mix aus historischen Silhouetten und modernen Akzenten.

Die Figur des Todes (gespielt von Lidia Baich) tritt als feminine, kraftvolle Gestalt auf, ihr schwarzes Korsettkleid mit Fransenärmeln und langer Taftschleppe symbolisiert Schönheit im Angesicht der Endlichkeit.

Mode als Botschaft, Kunst als Statement

Alle Kostüme der Hauptfiguren, darunter auch Teufel, Mammon, Guter Geselle oder die Vettern, werden im Anschluss versteigert – zugunsten der AIDS-Forschung von amfAR.

„Salzburg ist für Vivienne und mich etwas Besonderes. Wir sind geehrt, Teil der amfAR-Gala zu sein. Theater ist lebensnotwendig.“
– Andreas Kronthaler

Ein Abend für Kunst, Leben und Hoffnung

Mit dieser Zusammenarbeit zeigt das Haus Vivienne Westwood, wie Mode weit über Ästhetik hinausgeht: als Transformation, als Erinnerung, als Ausdruck gesellschaftlicher Verantwortung.

Mehr über AIDS-Forschung von amfAR.