Archäologe der Mode

Taiga Takahashi (1995–2022), Absolvent der Central Saint Martins und Gründer von T.T (ehemals Taiga Takahashi), war weit mehr als Modedesigner. Er verband Mode, Kunst und japanische Kultur zu einer stillen, radikalen Vision, die weit über Kleidung hinausgeht – und bis heute weiterlebt.

Archäologie der Kleidung

Schon als Teenager sammelte Takahashi amerikanische Kleidungsstücke aus den 1920er–50er Jahren. Er analysierte ihre Stoffe, Nähte und Details – wie ein Archäologe – und verlieh ihnen in seinen Entwürfen neue Gestalt. Sein Credo: „Resurrecting relics of the past to unearth artifacts of the future.“

Künstler, Designer, Kulturvermittler

Nach seinem Abschluss an der Central Saint Martins (2017) gründete er sein Label in New York und eröffnete 2021 einen Atelier- und Ausstellungsraum im Gion-Viertel von Kyoto. Dieser Ort war weit mehr als ein Store: Dort verschmolzen Mode, Skulptur, traditionelle japanische Teezeremonien und Kunstinstallationen zu einem künstlerischen Gesamtkonzept. Takahashi verstand Kleidung nicht nur als tragbare Kunst, sondern schuf auch eigenständige Skulpturen, die seine ästhetische und philosophische Vision erweiterten.

Bedeutende Kollektionen

• Frühjahr/Sommer 2023 „In the Presence of Absence“: Takahashi verband amerikanische Arbeitskleidung mit der Spiritualität des Kimono – mit klaren Schnitten und natürlichen Linien.
• AW 23 – „Between Sky & Soil“: Nach seinem Tod wurde das Label zu T.T und lancierte diese erste Saison ohne ihn. Das Team setzte seine Philosophie fort: Vergangenheit neu interpretieren, Zukunft schaffen.

Handwerkskunst als Kern

Takahashi legte großen Wert auf traditionelle Techniken: natürliche Handfärbung, Weben auf alten mechanischen Webstühlen, japanische Nähkunst. Seine Kleidung sollte wie Zeitkapseln sein – robust, ästhetisch und langlebig über Jahrzehnte. Materialien, Formen und Texturen verbanden sich zu Werken, die Kunst, Handwerk und Funktionalität vereinen.

Ein Vermächtnis, das weiterlebt

Im April 2022 verstarb Taiga Takahashi unerwartet mit nur 27 Jahren. Sein Werk aber lebt weiter:

• Ausstellungen & Retrospektiven: 2022–23 in Kyoto und Seoul („Between Time & Space“), wo seine Kleidung, Skulpturen und Installationen gemeinsam gezeigt wurden.
• Weiterführung als T.T: Sein Team gestaltet weiterhin Kollektionen, Pop-ups und limitierte Editionen – stets im Sinne von Takahashis ganzheitlicher Vision.

Taiga Takahashi war Archäologe der Kleidung, Künstler und Vermittler japanischer Kultur. Er bewahrte Traditionen, transformierte sie mit radikaler Schlichtheit und machte Mode zu Kunst und Kunst zu einer Reise in Vergangenheit und Zukunft. Sein Label T.T ist heute ein lebendiges Archiv seiner Ideen – minimalistisch, kunstvoll und voller stiller Tiefe.

An der Ostküste Japans ist ein Bibliothek entstanden, die nicht nur tiefschürfend ist, was ihren Buchbestand angeht, sondern auch ihre Lage. Die Library in the Earth befindet sich unter der Erde und verbirgt einen spektakulären Holzkuppelbau.

An sonnigen Tagen die Felder pflügen und an regnerischen Bücher lesen. Dies war die Intention der Architekten, als sie an einem ungeahnten Ort eine Bibliothek errichteten: in einem Winkel des landwirtschaftlichen Kooperativprojektes Kurkku Fields nahe der japanischen Industrie- und Hafenstadt Kisarazu. Mutet der Ort schon ungewöhnlich an, so tut es die topografische Lage noch viel mehr. Während aus der Luft nur ein üppig bewachsenes Stück Land zu sehen ist, tut sich bei näherer Erkundung ein tropfenförmiger Einschnitt auf, der unter die Erdoberfläche führt. 

Dort eröffnet sich den Besucherinnen und Besuchern keine primitive Höhle, sondern eine stilvolle Bibliothek mit hochwertigen Holzregalen und heimeligen Lesenischen. Der Blick nach draußen ist von einem grünen Wulst gerahmt – der bewachsenen Erdschicht, die den gesamten Bau bedeckt. Es ist eine Oase der Stille, in der natürliche Materialien und die Schlichtheit des Mobiliars zusammenwirken. Die Bezeichnung „Bücherwurm“ bekommt angesichts der Library in the Earth eine ganz neue Bedeutung.

Organische Architektur

Das in die Erde Hineinbauen erinnert an den mexikanischen Architekten Javier Senosiain, der als Pionier und Vertreter der organischen Architektur gilt. Seine Casa Orgánica nördlich von Mexico City besteht aus höhlenartigen, runden Räumen, die zur Gänze in die Landschaft integriert sind. Lediglich ein paar grüne Hügel sind an der Oberfläche auszumachen.

Während die Strömung der organischen Architektur keinen einheitlichen Stil hervorbrachte, so strebten alle Vertreter nach der ultimativen Harmonie von Gebäude und Landschaft. Nach dieser Harmonie scheint auch der Entwurf des Architekturbüros Hiroshi Nakamura & NAP zu trachten, der die Bibliothek unter die landwirtschaftlich bestellten Felder verlegte. 

Im Namen von Mutter Natur

Die heutigen flachen Äcker der Kurkku Fields waren nicht immer flach, sondern sind einst durch topografische Veränderungen entstanden, indem man ein Tal kurzerhand mit Bauschutt auffüllte. Ein Handeln wider die Natur, das die Architekten im Rahmen ihres Projektes wieder rückgängig machen wollten. 

Die Architektur sollte nicht die kultivierte Bodenschicht einnehmen, sondern bescheiden unter dem Gedeihen von Pflanzen und Mikroorganismen existieren.

Hiroshi Nakamura & NAP, Architekturbüro

„Unser Ziel war die Wiederherstellung des üppigen Tals, das zu dem Teich führt, den die Bauern Mutterteich nennen. Wir waren davon überzeugt, dass die Architektur nicht die kultivierte Bodenschicht einnehmen sollte, sondern bescheiden unter dem Gedeihen von Pflanzen und Mikroorganismen existieren sollte. Die Erde gilt als Ursprung allen Lebens und als Symbol der Mutterschaft.“

Ein Ort der bäuerlichen Einkehr

Die Library in the Earth bietet also Lesen mit Tiefgang, im übertragenen wie im wörtlichen Sinn. Das Zielpublikum der neuen Einrichtung ist durch die Lage vorgegeben. Der Ort ist den Landwirten gewidmet, die den Boden über dem Bauwerk beackern, entsprechend sind die Bücher thematisch sortiert. Ein Ort der bäuerlichen Einkehr also, wie es in der Beschreibung der Architekten heißt: „Unser Wunsch war es, die Erde einen Spalt weit zu öffnen und einen ruhigen Ort zu schaffen, an dem sich die Bauern ausruhen können.“

Die Bibliothek wurden so gebaut, dass keine Säulen und Stützen im Inneren nötig waren, sodass sich ein offenes Raumgefüge ergibt. Der Raum zwischen dem Boden und der auskragenden Betondecke ist von edlen Holzregalen gefüllt. Der Bezug zur Erde wird auch im Inneren hergestellt: „Boden, Wände und Decke haben eine lehmartige Optik und gehen nahtlos ineinander über.“ 

Ein Kuppelbau aus Holz

Die jeweiligen Raumhöhen ergeben sich durch die Neigung des Bodens. So gibt es Bereiche mit niedrigen Decken und kleine, versteckte Nischen, die nur Kinder betreten können. Folgt man dem Gang tiefer in die Erde hinein, kommt man in einen kuppelartigen Raum, den Erzählsaal. Hier gibt es stufenweise ansteigende Sitzreihen für die Zuhörer. 

Unser Wunsch war es, die Erde einen Spalt weit zu öffnen und einen ruhigen Ort zu schaffen, an dem sich die Bauern ausruhen können.

Hiroshi Nakamura & NAP, Architekturbüro

Bemerkenswert ist das Holztragwerk, das sich aus den geschwungenen Verlängerungen der Regalwände ergibt. Sehr organisch wächst das Möbel nach oben, wo es in einem Oberlicht endet. Auch wenn die einzelnen Stützen nur eine Stärke von vier Zentimeter aufweisen, so bilden sie durch die kreisförmige Anordnung eine ausreichende Stabilität, um die Lasten abzutragen. 

Es ist dasselbe Prinzip wie beim Jahrtausende alten Kuppelbau, nur in diesem Fall in Holz ausgeführt. Das Oberlicht in der Mitte symbolisiere die landwirtschaftliche Gemeinschaft von Kurkku Fields und erinnere durch den Blick auf den Himmel an die Erde, so Hiroshi Nakamura & NAP. „Es ist eine Bibliothek, die an die Erde denkt.“

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Koji Fujii / TOREAL

Nach mehr als einem Jahrzehnt des Reisens, Studierens und der kreativen Zusammenarbeit mit Japan teilen Norm Architects’ ihre einzigartige skandinavische Sicht auf die japanische Ästhetik.

Das Buch enthält reich bebilderte Berichte von Besuchen japanischer Landschaften, Architektur und kultureller Stätten und beleuchtet den Einfluss japanischer Traditionen auf die zeitgenössischen Projekte des Studios, wie das Restaurant Äng in Schweden oder das Heatherhill Beach House in Dänemark.

Durch die Gegenüberstellung von Bildern aus Japan und Arbeiten von Norm Architects’ hebt das Buch die jahrhundertealten Verbindungen zwischen den unterschiedlichen Designkulturen hervor und betont den gegenseitigen Respekt und die gemeinsamen Philosophien. Kommentare von Experten aus beiden Regionen vermitteln ein tiefes Verständnis der wichtigsten Designprinzipien. Stillness ist zugleich eine Ode an Japan, ein persönlicher Reisebericht und ein ästhetisches Manifest und nimmt die Leser mit auf Norm’s jahrzehntelange Reise, auf der sie versucht haben, eine der am meisten verehrten kreativen Kulturen der Welt zu verstehen.

Editors: gestalten & Norm Architects

Release date: August 2024

Format: 24,5 x 33 cm

Features: Full color, hardcover, stitch bound, 304 pages

ISBN: 9783967041583

Norm Architects ist ein 2008 gegründetes Büro mit Sitz in Kopenhagen, das in den Bereichen Architektur, Inneneinrichtung, Design und Fotografie tätig ist. Die sinnliche und doch einfache Arbeit von Norm Architects zielt darauf ab, ein Gleichgewicht zwischen Reichtum und Zurückhaltung und zwischen Ordnung und Komplexität herzustellen. Aufbauend auf dem jahrhundertelangen kulturellen Austausch zwischen Japan und Skandinavien hat die jahrelange enge Zusammenarbeit von Norm Architects mit japanischen Designern ihre Designphilosophie geprägt.

Das kürzlich eröffnete Simose Art Museum außerhalb von Hiroshima zeigt nicht nur Kunst und Design aus Japan, Gäste können auch in einer der ikonischen Villen von Star-Architekt Shigeru Ban übernachten.

Der fließende Raum ist in der traditionellen Architektur Japans tief verwurzelt. Während der Innenraum eines Hauses durch sogenannte Shōji – das sind mit Reispapier bespannte Schiebewände – lichtdurchlässig und wandelbar ist, stellt die typischerweise umlaufende Veranda aus Holz – Engawa genannt – eine Verbindung zwischen Innen- und Außenraum her. Der japanische Pritzker-Preisträger Shigeru Ban spielt in seiner Architektur seit jeher mit diesen tradierten Elementen. Er entwarf Kaufhäuser und Museen, deren Fassaden sich komplett öffnen lassen, baute Häuser und Kirchen aus Papier und hebelte damit gängige Vorstellungen von Bauweisen und Materialien immer wieder aus. So auch bei dem von ihm gestalteten Simose Art Museum, das kürzlich in der Präfektur Hiroshima eröffnet wurde.

Urlaubssparte Art Tourism

Dabei handelt es sich um eine ganze Destination, die Kunst, Architektur, Landschaft und Urlaub miteinander verbindet. Dieses verschränkte Konzept, das Kunst auf vielen Ebenen erlebbar macht und weit über den Besuch eines Museums hinausgeht, hat auf Japans Insel Naoshima seinen Ursprung. 

Benesse Art Site Naoshima, das in Japans Seto-Binnenmeer liegt, entstand vor rund 30 Jahren als einzigartiges Projekt, bei dem Kunst, Natur und Mensch eine intensive Symbiose miteinander eingehen. Es war die Geburtsstunde des Art Tourism, einer mittlerweile sehr erfolgreichen Urlaubssparte.

Kunst in schwimmenden Galerien

Das Simose Art Museum, das im Frühjahr 2023 an der Küste des Seto-Binnenmeers seine Tore geöffnet hat, ist ein ähnliches Projekt, das unter der kreativen Leitung von Shigeru Ban entstanden ist. Der sozial engagierte Star-Architekt entwarf alle Gebäude der Anlage, darunter auch das erste Museum der Welt, das aus schwimmenden Galerien besteht. Die einzelnen Kuben sind über Brücken miteinander verbunden und bestehen aus unterschiedlich gefärbten Glaspaneelen. In der Nacht werden sie zu Leuchtkörpern, die blaue, gelbe, orange und rote Spiegelungen über die Wasseroberfläche werfen. 

Diese acht Floßgalerien lassen sich aus ihrer Verankerung lösen und bei Bedarf neu positionieren, wodurch das Raumprogramm maximale Flexibilität bekommt. Die Inspiration dafür lieferten die Setouchi-Inseln, die zu Tausenden über das Binnenmeer verstreut sind. Das wandelbare Konzept mit seinen containerartigen Kubaturen erinnert außerdem an das wandernde Nomadic Museum, das der heute 66-Jährige Architekt im Jahr 2003 aus Frachtcontainern und Kartonsäulen entwarf.

Showcase von Shigeru Bans Architektur

Direkt im Anschluss an die Galerien befindet sich das Museumscafé, ein repräsentativer Holzbau mit durchgängiger Glasfassade, das zugleich den Eingangsbereich des Simose Art Museums markiert. Aufgefächerte Leimbinder bilden das Tragwerk des Daches und werden in baumähnlichen Säulen gebündelt. Anders als die bekannte Flechtstruktur des Haesley Nine Bridges Golf Club House sind es hier breite Holzlamellen, die einander überkreuzen und den Innenraum sowie einen Teil der Terrasse überspannen. 

Das ganze Museum ist so etwas wie ein Showcase von Shigeru Bans bisherigem Schaffen und zeigt neben seinen selbst kreierten Bausystemen aus Holz und Papier auch eine Auswahl seiner ikonischen Wohnhäuser, die für das Museumsareal adaptiert und nachgebaut wurden. So etwa das Double Roof House aus dem Jahr 1993, das unterschiedliche Räume und Ebenen unter einem offenen Dach vereint. Das Furniture House, 1995 als Feriendomizil am Yamanaka-See erbaut, ist ebenfalls unter den zehn Villen der Museumsanlage vertreten wie das an drei Seiten öffenbare Wall-Less House und das experimentelle Paper House. 

Wie wohnt es sich in so einem Haus? 

Diese Frage kann man selbst beantworten, indem man sich in einem der Häuser einmietet. Die Villen sind Teil des Hotelkonzepts, das die Architektur Bans auf eine sehr persönliche Art erlebbar macht. Anstatt Räume lediglich zu besichtigen, können sie hier mit dem Lauf des Tageslichts ihre Wirkung entfalten und eine Wohnerfahrung liefern, die einzigartig ist. 

Für den Architekten bietet das Konzept zudem die Möglichkeit, sein Schaffen in einer Art Case Study zu konservieren. Einige seiner Häuser, die in den 1990er-Jahren entstanden, wurden nämlich bereits wieder abgerissen. Speziell für das Museum konzipiert wurde das farbenfrohe Cross Wall House und die Waterfront Villas, die aus Kielstegelementen gebaut sind, einem in Österreich entwickelten Tragwerksystem aus Holz.

Ein Gesamtkunstwerk für die Kunst

Die Rezeption des Villen-Hotels bildet ein vergleichsweise recht rustikaler Holzbau, der außen mit Latten beplankt ist. Sein Rahmentragwerk im Inneren ist multifunktional und bildet an den Seitenwänden Regale aus. Das Restaurant, in dem französische Küche mit lokalen Zutaten serviert wird, wirkt mit seinem minimalen Interieur und dem spiegelglatten Boden sehr clean und aufgeräumt. So werden die Küstenlandschaft und die Fine-Dining-Kreationen zu den Hauptprotagonisten des Ortes.

Die enge Verknüpfung zwischen Innen- und Außenraum ist allen Bauwerken gemein und bildet den roten Faden, der sich durch das weitläufige Areal zieht. Die rund 500 Kunstwerke, die von Sammlerin Yumiko Shimose gestiftet wurden, bilden die Dauerausstellung des Museums. Anstatt einen passenden Container für die Kunst zu bauen, schuf Shigeru Ban ein Gesamtkunstwerk, das zum ganzheitlichen Erlebnis wird.

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Simose Art Museum

Die japanische Marke AMBUSH® ist vor allem für ihren punkigen, von Luxus und Streetwear geprägten Modeansatz bekannt.

2008 gegründet, hat das in Tokio ansässige Label durch seine Vision und seine innovative Perspektive auf Design Aufsehen erregt. Der idiosynkratische Stil der Marke hat zu Aufträgen und Kooperationen mit einer illustren Liste geführt, die von Ikonen der Modebranche bis hin zu europäischen Luxushäusern und amerikanischen Streetwear-Marken reicht.

Aufbauend auf einer ersten Zusammenarbeit aus dem letzten Jahr kehren Levi’s® & AMBUSH® mit einer neuen, von der Moto-Mode inspirierten Kollektion für Frühjahr/Sommer 2023 zurück. Die neue Kollektion besteht aus zwei geschlechtsneutralen Teilen, sie umfasst eine Jeansjacke und die dazu passende Jeans und ist von der Motorrad- und Biker-Kultur beeinflusst.

levi.com, Levi’s X Ambush Biker-Jacke, ca. 435 €  

Bildcredit: Levi’s X Ambush

Ken Mogi weiß, was glücklich macht. Nach seinem Weltbestseller „Ikigai“ hat der in Tokio lebende Schriftsteller mit „Nagomi“ nun ein Buch über den japanischen Weg zu Harmonie und Lebensfreude geschrieben. Im Interview verrät der Rockstar unter den Neurowissenschaftlern, warum wir gerade jetzt auf das ostasiatische Lebenskonzept setzen sollten, wie wir für mehr Wohlbefinden im Alltag sorgen können und was sogar ihn aus dem Gleichgewicht bringt.

Interview: Nora Palzenberger

Was seit Jahrhunderten tief in der japanischen Kultur verankert und für die Menschen, die damit aufgewachsen sind, selbstverständlich ist, ist für uns auf den ersten Blick nur schwer begreiflich. Bitte erklären Sie uns in drei Sätzen, was Japaner unter Nagomi verstehen.

Nagomi ist ein sehr altes japanisches Wort, das einen Zustand von Balance, Harmonie und Wohlbefinden beschreibt und in der japanischen Lebensphilosophie als ein Ideal angesehen wird. Nagomi ist die Mutter wichtiger japanischer Werte wie Ikigai, Kintsugi, Mono no aware und Ichi-go ichi-e. Es ist das Herzstück der japanischen Lebenseinstellung und das am besten gehütete Geheimnis dessen, was Japan ausmacht.

Ist es dann überhaupt möglich, das Konzept auf andere Kulturen zu übertragen?

Aber natürlich! Letztendlich sind wir alle Menschen, unabhängig von unserer kulturellen oder historischen Herkunft. Nagomi ist ein zentraler und universeller menschlicher Wert.

Wie sind Sie dazu gekommen, japanische Lebenskonzepte in die Welt hinauszutragen? 

Als jemand, der im modernen Japan aufgewachsen ist, habe ich viele wertvolle Dinge von der westlichen Kultur gelernt – Goethe und Nietzsche waren im Gymnasium meine Lieblingsautoren. Ich dachte, es wäre vielleicht an der Zeit, der Welt etwas ebenso Wertvolles zurückzugeben, indem ich über das, was für mich der Juwel in der Krone der japanischen Kultur ist, erzähle.

Nagomi steht für Balance und Wohlbefinden. Wann haben Sie sich zuletzt ganz im Einklang mit sich selbst und der Welt gefühlt?

Als Wissenschaftler, Autor und Broadcaster habe ich einen vollen Terminplan und verbringe, so wie viele Menschen heute, viel Zeit vor dem Bildschirm. Aber wenn ich in Tokio laufen gehe, wenn ich durch einen grünen Park spaziere, dann finde ich Nagomi. Ich glaube, rauszugehen und trotz hektischen Zeitplans in Balance mit unserer großartigen Natur zu kommen, wäre ein wunderbares Rezept für Nagomi.

Und was hat Sie kürzlich aus dem Gleichgewicht gebracht?

Manchmal habe ich zu viel zu tun, ich versuche zu viele Dinge in ein begrenztes Zeitfenster zu packen. Dann verliere ich mein Nagomi.

Was tun Sie dann, um wieder in Balance zu kommen?

Ich versuche meinen Kopf frei zu bekommen, indem ich entweder laufen oder spazieren gehe oder einen kurzen Powernap einlege, um mein Nagomi wiederzuerlangen. Dabei unterstützt mich das sogenannte Ruhezustandsnetzwerk meines Gehirns – ein großartiges Nagomi-Netzwerk.

Nagomi kann auch als Geisteszustand wahrgenommen werden. Was fühlen Sie, wenn Sie sich „nagomi“ fühlen?

Man fühlt, dass alles an seinem Platz ist, die unterschiedlichsten Elemente im Leben, alles koexistiert in Harmonie. So gesehen ähnelt es der Achtsamkeit, einem anderen Konzept, das ursprünglich aus dem japanischen Zen-Buddhismus stammt. Nagomi entspricht in vielerlei Hinsicht dem deutschen Konzept von Gemütlichkeit.

Drei Tipps, wie wir Nagomi ganz einfach in unser Leben integrieren können?

Erstens: Wenn Sie ein bestimmtes Ziel verfolgen, versuchen Sie eine komplett andere Richtung einzuschlagen, um neue Ideen zu bekommen. Zweitens: Versuchen Sie, Ihren Feind zu lieben. Oder versuchen Sie zumindest, einen Zustand von Nagomi mit Ihrem Gegenüber zu erlangen. Drittens: Seien Sie Sie selbst, und dann erweitern Sie Ihr Selbstsein, indem Sie neue Dinge dazulernen.

Und was sollen Ihre Leser nach Lektüre des Buches zuerst tun?

Ich würde mir wünschen, dass sie erst einmal eine Bestandsaufnahme machen, sich entspannen und erkennen, dass Erfolg keine unbedingt notwendige Voraussetzung für Glück ist. Sie können Nagomi auch erreichen, wenn Sie Fehler machen, Schwächen haben und, vielleicht noch wichtiger, die Defizite der Menschen um Sie herum akzeptieren.

Klimakrise, Inflation, Krieg: Warum ist gerade jetzt ein guter Zeitpunkt für ein Buch wie „Nagomi“?

Nagomi hätte enorme Auswirkungen auf die heutige Welt, weil es die derzeitigen Herausforderungen notwendig machen, eine Balance zwischen den unterschiedlichen Elementen herzustellen. Bei der Klimakrise bräuchten wir Nagomi beispielsweise zwischen menschlichen Aktivitäten und der Ökologie. Um der Inflation entgegenzuwirken, bräuchten wir Nagomi zwischen Angebot und Nachfrage. Und so schwierig es auch sein mag – wir müssen Nagomi zwischen der Ukraine und Russland anstreben, um dauerhaften Frieden zu erzielen. Bei Nagomi geht es nicht um richtig oder falsch. Es geht darum, Vielfalt anzuerkennen, unabhängig davon, ob die eine Seite im Recht ist und die andere im Unrecht.

Was macht Ihnen Hoffnung?

Dass wir alle menschlich sind und Träume aus Nagomi gemacht sind.

Über den Autor

KEN MOGI ist Neurowissenschaftler und Schriftsteller. 1962 in Tokio geboren, studiert er Natur- und Rechtswissenschaften in Tokio und Cambridge und ist 2012 der erste Japaner, der auf der TED-Hauptbühne einen Vortrag hält. Mogi lehrt an Universitäten und veröffentlicht Texte zu den Themen Kognition und Hirnforschung sowie Romane, Essaybände und populärwissenschaftliche Sachbücher. „Ikigai: Die japanische Lebenskunst“ erscheint 2019 und avanciert in vielen Ländern zum Bestseller. 2022 folgt „Nagomi: Der japanische Weg zu Harmonie und Lebensfreude“. Ken Mogi lebt in Tokio.

So lautet die Bezeichnung für die traditionelle japanische Lacktechnik. Damit stellt das Taschenlabel SAGAN Vienna nun Objekte her, die in Form und Funktion von „Inro“ inspiriert sind, einem historischen japanischen Etui.

Die Entstehungsgeschichte zur Kanshitsu Bag ist eine über traditionelle Handwerkskunst und innovativer Ausführung. Eine, die mit leidenschaftlich über das Handwerk erzählt und wie man mit Hilfe von moderner Technologie Produktionsprozesse gestalten kann. Um mehr über den Entwicklungsprozess der Kanshitsu Bag zu erfahren, hat uns Taro Ohmae, Mitgründer von SAGAN, mit nach Japan genommen, wo jene historischen japanischen Etuis produziert werden, in die man Medikamente und kleine Gegenstände hineingibt und die beim Kimono vom Obi-Gürtel herabhängen.

Urushi – der besondere Lack

„Ich hörte, dass „Urushi“ der Name für einen speziellen Lack ist, der in der Antike aus China nach Japan überliefert wurde. Das interessierte mich“, so Taro Ohmae. In Japan wurden während der Nara und Tenpyo-Ära sehr viele buddhistische Statuen mit diesem Lack hergestellt. Dafür wurde ein mit Lack getränktes Leinentuch auf die Buddha-Statue aufgetragen und dann getrocknet. Danach entfernte man die Gußform von innen, um die Statue fertigzustellen. Die Technik verbreitete sich schnell, denn die in Japan vorherrschende Holzarchitektur stellte eine Brandgefahr dar, welche die Buddha-Statuen gefährden konnten. Wenn sie jedoch aus trockenem Lack gefertigt waren, waren sie sehr leicht und konnten schnell aus einem brennenden Tempel herausgetragen werden – weil sie innen hohl waren.

„Als ich letztes Jahr meine Familie in Japan besuchte, hatte ich noch nicht viel von der Urushi-Technik gehört. Bei einem Familienausflug nach Hokuriku lernte ich Herrn Kohei Kirimoto aus Wajima kennen, einen Lack- Handwerkskünstler alter Tradition. Herr Kirimoto war so freundlich, mir all diese Details zu erzählen, mich etwas in das Handwerk einzuführen und mir Fragen zu beantworten, die mich mehr und mehr zu interessieren begonnen hatten.“

Dattsukattsu – das spezielle Verfahren

Wie die Buddha-Statue benötigt auch „Kanshitsu“ eine Art von Gußform während der Herstellung. Dieses Verfahren heißt „Dattsukatsu“. Diese Form, die aus spezieller Erde und Gips hergestellt wird, ist sehr fragil und zerbricht oft während des Prozesses. Deshalb gibt es oft nur Einzelstücke. Die Reproduktion ist in dieser Branche also schwierig, zeitaufwändig und teuer. Ein altes Handwerk, das aus stromlinienförmiger Arbeitsteilung besteht. Die Fertigstellung eines Arbeitsschrittes wirkt sich auf alle Folgenden aus.

Vor diesem Hintergrund haben sich Taro Ohmae und Tanja Bradaric überlegt wie man diese Gussformen mit einem 3D-Drucker herstellen könnte und zusammen mit meinem Freund Architekt und Designer Thomas Milly von der Universität für angewandte Kunst Wien, die Gussformen für die Taschen designed. Durch den Einsatz eines 3D-Druckers ist es möglich, eine beschädigte Form in kürzester Zeit zu reproduzieren. Die gleiche Form kann nun wiederholt verwendet werden, um Kosten und Zeit zu sparen. Durch die Einbindung neuer Technologien in den Produktionsprozess kann die traditionelle Branche nun aus einer weiteren Perspektive betrachtet werden.

Die Kanshitsu-Taschen in S, M oder L werden aus 70% Urushi, 10% Reis, 10% Baumwolle, 10% Kieselgur hergestellt.

sagan-vienna.com

Fotos: Ayaka Yamamoto, SAGAN Vienna

Das japanische Architekturbüro UENOA hat ein Bürogebäude aus Holz geschaffen, das ganz ohne tragende Wände auskommt. Die origamiartig gefaltete Deckenkonstruktion verhilft dem Brettsperrholz zu ungeahnter Leichtigkeit.

Brettsperrholz oder Cross Laminated Timber (CLT) ist ein Begriff, den man bislang nicht mit der japanischen Kunst des Papierfaltens in Zusammenhang brachte. Vielmehr ist das Baumaterial, das aus mehreren über Kreuz verleimten Brettlagen besteht, zum Inbegriff für den neuen, urbanen Holzbau geworden. Durch seine hohe Formstabilität können mittlerweile auch Hochhäuser in nachhaltiger Holz-Bauweise errichtet werden. Wie innovativ diese CLT-Paneele eingesetzt werden können, haben nun die japanischen Architekten Fumie Horikoshi und Yoshinori Hasegawa vom Büro Uenoa eindrucksvoll unter Beweis gestellt.

Mehr als nur Eye Candy

Der Holzschraubenhersteller Synegic wünschte sich für seinen neuen Firmensitz in der Präfektur Miyagi ein „fortschrittliches architektonisches Design, das die Möglichkeiten des modernen Holzbaus neu auslotet“. Eine Vorgabe, die von den Architekten mit einem außergewöhnlichen Konzept erfüllt wurde. Sie entwarfen ein Gebäude in offener Bauweise, das ganz ohne tragende Wände auskommt.

Die Dachkonstruktion ist ein imposantes Feature, das der Origami-Kunst nachempfunden ist.

Fumie Horikoshi und Yoshinori Hasegawa, Architekten

Die gefaltete Dachkonstruktion hat eine Spannweite von 18 Metern und neigt sich an vier Außenpunkten zum Boden. An manchen Stellen kann die kunstvoll gestaltete Decke sogar berührt werden. Allerdings ist sie mehr als nur Eye Candy. Neben ihrer eindrucksvolles Form hat sie auch eine praktische Funktion. Die dreidimensionale Konstruktion besteht aus flachen Trägern und dreieckigen CLT-Paneelen, die kaskadenartig angeordnet sind. 

„Durch die Verstrebung der Träger mit CLT-Paneelen kann auf die komplizierte Anfertigung von Verbindungsstücken und Anschlüssen verzichtet werden“, erklären die Architekten von UENOA die Konstruktionsweise. Durch den hohen Grad an Vorfertigung müssen die einzelnen Elemente nur noch vor Ort verschraubt werden.

Arbeiten unter dem Origami-Dach

Eines haben die Architekten mit diesem Design jedenfalls bewiesen: Brettsperrholzplatten müssen sich nicht hinter Verkleidung oder Putz verstecken. Im Gegenteil: Durch die besondere Anordnung der Elemente werden sie zum ästhetischen Stilmittel erhoben. „Die Dachkonstruktion ist ein imposantes Feature, das der Origami-Kunst nachempfunden ist. Die in Falten gelegten CLT-Paneele bilden eine Kaskade und verwandeln das Innere in einen ausdrucksstarken und weiten Raum“, beschreiben sie ihr Konzept.

Die Büroflächen der Synegic-Firmenzentrale sind auf zwei Stockwerken und einer Zwischenebene angelegt. Jede Form des Arbeitens – von der klassischen Schreibtischarbeit bis zur kreativen Kollaboration mit externen Spezialisten – findet hier ihren Platz. Wände wurden gänzlich abgeschafft. Schließlich sei das Ziel ein lebendiger Dialog unter den Mitarbeitern und die Förderung des Gemeinschaftssinns, wie es heißt.

Die Leichtigkeit des Seins

Die größte Kunst der Architekten Horikoshi und Hasegawa liegt wohl darin, dass sie einem massiven Material wie Brettsperrholz zu ungeahnter Leichtigkeit verholfen haben.

CLT wird für gewöhnlich in Wänden und Böden verwendet. Durch seine Anwendung in der Dachkonstruktion wurde gezeigt, dass CLT auch leicht wirken kann,

so die Architekten von Uenoa.

Die Mitarbeiter des japanischen Unternehmens profitieren nicht nur von der warmen Atmosphäre des Holzes. Sie können auch den meditativen Effekt des Origami-Daches auf sich wirken lassen. „An manchen Stellen des Gebäudes lässt sich die Dachkonstruktion in ihrer ganzen Pracht erfassen. Besuchern eröffnet sich hier die Schönheit und Feinheit des Designs.“

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Hiroyuki Hirai, Uenoa

Nobuyoshi Araki (* 25. Mai 1940, Tokio) ist einer der bedeutendsten und produktivsten japanischen Fotografen der Gegenwart. In sechs Jahrzehnten schuf er eine Vielzahl von Fotografien, Büchern und Filmen. Ist Araki der breiteren Öffentlichkeit vorwiegend durch seine provokanten Akt- und Fesselungsaufnahmen bekannt geworden, fokussiert diese Ausstellung die Entwicklung seiner einflussreichen Ich-Fotografie, die in Arakis eigenem Leben und direktem Lebensumfeld in Tokio ihren Ausgang nimmt.

Nach seinem Studium der Fotografie an der Universität Chiba in Tokio (1959‒1963) arbeitete Araki zunächst als kommerzieller Fotograf für eine Werbeagentur. Daneben begann er eigene Ideen zu verfolgen. Geprägt von den massive gesellschaftspolitischen Umbrüchen und bahnbrechenden Experimenten der Avantgardefotografie jener Zeit, revolutionierte Araki ab den 1970er-Jahren die klassische Reportage- und Dokumentarfotografie durch einen autobiografischen Zugang. Er gibt in intuitiven Aufnahmen einem dezidiert subjektiven Blick Ausdruck, der die eigene Erfahrung des Erlebten und Gesehenen wiedergibt, aber auch fiktive Elemente enthalten kann. Mit dieser als Ich-Fotografie bezeichneten Praxis geht Araki oftmals den Themen Sexualität und Tod vor dem Hintergrund Tokios nach. Als Höhepunkt dieser Arbeitsweise gilt die umfangreiche Serie Sentimental Journey, die Araki 1971 begann und bis heute in Form von Fotos und Büchern erweitert und neu kontextualisiert.

Die Ausstellung speist sich aus den umfassenden Beständen des Sammlers und ehemaligen Galeristen Rafael Jablonka, die 2019 an die Albertina übergegangen sind. Als langjähriger Begleiter Arakis konnte Rafael Jablonka eine der profiliertesten Sammlungen von Araki-Fotografien aufbauen, die Werke aus unterschiedlichen Schaffensphasen vereint und hier unter einem thematischen Schwerpunkt erstmals auszugsweise zu sehen ist.

Satchin und sein Bruder Mabo

Araki fotografierte 1962/63 den Jungen Sachio, genannt Satchin, und seinen Bruder Mabo im Tokioer Mikawashima-Viertel. Vom italienischen neorealistischen Film beeindruckt und noch mit der klassischen japanischen Dokumentarfotografie im Einklang bediente sich Araki eines reportagehaften Stils. Auch wenn die schwierigen Lebensumstände der Kinder klar ersichtlich sind, geht es Araki nicht um bloße Sozialkritik. Vielmehr hielt er mit einem Blick für humoristische Details dynamische Momente fest und zeigt die Kinder als Darsteller und alltägliche Szenen als theatrales Schauspiel. Die Fotoserie ist parallel zu einem 16-mm-Film entstanden, den Araki als Abschlussarbeit seines Fotografiestudiums einreichte. Mit diesem ersten eigenständigen Werkkomplex gewann er 1964 einen Fotowettbewerb. In der Folge konnte er die Serie in einer Ausstellung zeigen.

Die Vergangenheit

In Auseinandersetzung mit der japanischen Fotoavantgarde wie etwa der Gruppe Provoke (1968‒1970) forderte auch Araki ab den frühen 1970er-Jahren die klassische Dokumentarfotografie und ihren Anspruch auf die „objektive Wiedergabe von Fakten“ heraus. Durch das manuelle Weiterdrehen des Negativfilms in der Kamera kombinierte er auf einem Bild zwei fragmentarische Ansichten, die Alltagsszenen von Tokio wie eine filmartige Sequenz wiedergeben. Diese Praxis ist bezeichnend für die Konzeptfotografie der Zeit, in der dem Zufall und den mechanischen Prozessen der Kamera eine zentrale Funktion eingeräumt wurde, um die Rolle des Künstlers bei der Bildgestaltung neu zu bestimmen. Die Vergangenheit bricht mit offiziellen Darstellungen Tokios in politischen und touristischen Kontexten. Fotos von trivialen Zeichen der Konsumkultur, beiläufige Reproduktionen von Massenmedien, dystopische Ansichten des wuchernden Stadtraums und entlarvende Porträts von Passanten zeugen von Arakis persönlicher Aneignung der zeitgenössischen Metropole am Höhepunkt des Wirtschaftsbooms.

Tokio

Das Medium Buch nimmt in Arakis Œuvre einen hohen Stellenwert ein. Es ist den Abzügen gleichwertig und zeigt in seiner Kombination von Fotografie, Text und Grafikdesign eigenständige Bildlösungen. Tokio (1973), eines der ersten und wichtigsten Fotobücher Arakis, beginnt mit einem Text des Kritikers und Stadttheoretikers Kōji Taki zur urbanen Entwicklung Tokios. Das Hochformat vereint zwei konträre Serien: Die Fotos oben zeigen an einer Kreuzung wartende Passanten, die Araki aus großer Entfernung mit einem Teleobjektiv aus der anonymen Menge isolierte. Darunter publizierte er intime Nahansichten einer zumeist nackten Frau bei sexuellen Handlungen in einem Innenraum. Sie sind seine Antwort auf die vom massiven Konsumkapitalismus durchdrungene Stadtstruktur Tokios, die neben dem öffentlichen auch das private Leben zunehmend regulierte und einschränkte. Zentrale Themen Arakis, wie das Nebeneinander von Innen- und Außenraum, von Akt und Stadt sowie von Subjekt und Lebensumfeld sind hier bereits angelegt.

Pseudo-Tagebuch

Nobuyoshi Arakis Untersuchung dokumentarischer Strategien ging ab den 1970er-Jahren mit einer humorvollen Hinterfragung der vermeintlichen Wahrhaftigkeit der Fotografie einher. Sein Pseudo-Tagebuch (1980) fasst autobiografische Momentaufnahmen in Form eines Fototagebuches zusammen. Darunter finden sich Porträts seiner Frau Yōko, Stadtansichten, Aktdarstellungen und Aufnahmen von Araki beim Fotografieren. Entgegen der dokumentarischen Aufmachung hat Araki die eingeblendeten Datumsangaben manipuliert und hebt so die Grenze zwischen Fakt und Fiktion auf. Die Daten verweisen in die Zukunft oder auf Ereignisse des Zweiten Weltkrieges. Der 1. April als Tag scherzhaften Schwindels thematisiert die verzerrte
Wahrheit in den Fotos.

Im selben Jahr publizierte Araki auch das Buch Pseudo-Reportage. Es enthält Fotos, die er unter anderem speziellen Nationalfeiertagen, etwa dem Geburtstag des Kaisers, zuordnet. Die Aufnahmen kombinierte er mit erläuternden Bildtexten, die zwar im sachlichen Stil einer Reportage verfasst, jedoch zumeist frei erfunden sind.

Private Fotografie

Der Werkzyklus Private Fotografie oder Ich-Fotografie veranschaulicht Arakis titelgebende Praxis auf beispielhafte Weise. Seine früh entwickelte fotografische Gattung der autobiografischen Erzählung basiert auf einer Beobachtung des Selbst und des eigenen Umfelds. Leben und Fotografieren sind, so Araki, gleichbedeutend. Selbst vermeintlich banale Motive sind bildwürdig, wichtig sind die persönliche Beziehung und die intuitive Haltung des Fotografen dem Sujet gegenüber. Alle Themen des Künstlers kommen darin notizbuchartig zur Sprache. Er verknüpft Fotos familiärer Ereignisse sowie unspektakulärer Stadt- und Alltagsszenen mit artifiziellen Akt- und Studioaufnahmen. Die Bilder entstammen unterschiedlichen Dekaden und Kontexten. Sie werden je nach Gefühlslage und unabhängig von jedweder Chronologie oder Hierarchie in immer neuen Bedeutungszusammenhängen in einer offenen Struktur arrangiert. Dokumentation und Fiktion lassen sich nicht immer klar trennen: Nicht nur die Bedeutung der Fotos ändert sich durch die Kombinationen, auch die Bezüge zu Arakis Leben bleiben oftmals rätselhaft. Darüber hinaus dienen die Motive als Projektionsflächen für Arakis eigene Vorstellungen.

Kinbaku

Aktfotos stellen von Anbeginn einen integralen Teil von Arakis Werk dar. Keine Aufnahmen machen die enge Verbindung von Sexualität, Begehren, Dominanz, Unterwerfung und Voyeurismus so unmittelbar sichtbar wie Kinbaku – eine japanische Form des Bondage, die das Fesseln und Hängen von vorwiegend Frauen bezeichnet und in historischen Bestrafungsmethoden ihren Ursprung hat. Hochgradig inszeniert, unterscheiden sich diese zwischen Performance und Skulptur angesiedelten Fotos deutlich von Arakis schnappschussartigen Aufnahmen.

Arakis Fotos von Fesselungen zählen zu seinen berühmtesten und umstrittensten Arbeiten, die entsprechend unterschiedliche Lesearten nach sich gezogen haben: Die Aufnahmen wurden als provokante Rebellion gegen gesellschaftliche Prüderie und die staatliche Zensur aufgefasst, die auf Präsentationen der Bilder mit saftigen Geldstrafen
reagierte. Durch das Herausstreichen von Eigenheiten der japanischen Kultur etablierten westliche Kritiker auch eine „exotische“ Interpretation: Sie fasst die Fesselungen als eine Kunstform mit ästhetischem Anspruch auf, die tief in der japanischen Kultur verwurzelt ist. So gesehen sind die Fotos nicht bloße Pornografie, sondern eine Neuinterpretation traditioneller erotischer Darstellungen in Gemälden und seit dem 17. Jahrhundert populären Druckgrafiken (Ukiyo-e). Umgekehrt betonen feministische Ansätze und rezente Diskussionen im Kontext der Me-Too-Bewegung die misogynen Aspekte der Fotos, die Frauen auf voyeuristische Weise nur für das Begehren männlicher Betrachter darbieten würden.

Tokio

Arakis Lebensmittelpunkt ist die Metropole Tokio, in der er geboren wurde und aufwuchs. Auf seinen permanenten Streifzügen durch die Stadt hält der Fotograf seit seinen fotografischen Anfängen Architekturen, Straßen und Passanten in geradezu obsessiver Manier fest. Kaleidoskopartig zeigt seine gleichwertige Behandlung unterschiedlicher Facetten den tiefgreifenden Wandel Tokios von einer traditionell geprägten Struktur zu einer Megacity.

In für seine Arbeit typischen Kombinationen setzt Araki die öffentlichen Orte in Kontrast zu privaten Bezugspunkten wie der Terrasse seiner Wohnung, seiner Katze Chiro oder intimen Momenten. Metaphorische Motive vergegenwärtigen seine Lebenswelt. So stehen kleine Plastikdinosaurier als selbstironische Stellvertreter für den Fotografen oder von der Katze angeschleppte verwesende Eidechsen als Symbole der Vergänglichkeit.

Arakinema

Araki arbeitete ab den 1980er-Jahren an seinen experimentellen Arakinemas – Filmen, die auf live vorgeführten Diaprojektionen seiner Fotos basieren und für ihn eine mediale Erweiterung fotografischer Ausdrucksmöglichkeiten darstellen. Kū, ein vieldeutiger Titel, der sich mit Himmel, Leere und Vergeblichkeit übersetzen lässt, zeigt eine genau durchdachte Abfolge von 160 Fotografien. Sie beginnt mit beiläufigen Stadtaufnahmen und Inszenierungen von nackten Frauen, die auf die Zensur von Aktfotos Bezug nehmen. In einer ironischen Geste zerkratzte oder übermalte Araki die Geschlechtsteile. Die zweite Hälfte des Films konzentriert sich hingegen auf Himmelsbilder. Dieses auch in anderen Werkgruppen wiederkehrende Motiv ist eine Reaktion auf Arakis Gefühl der Einsamkeit und Verlassenheit infolge des Todes seiner Frau Yōko.

Wehklagen

Seit dem Beginn seines Schaffens setzt sich Araki mit Blumen als Motiv auseinander. Er arrangiert sie zu Stillleben, verwendet Blumenfotografien als Ausgangsmaterial für Übermalungen oder bildet etwa den Trauerschmuck von Andachtsschreinen ab. In jedem dieser Kontexte ist Arakis Blumen eine verschlüsselte Bedeutung eigen: Sie bekommen eine erotische Konnotation hin zur Fetischisierung, indem Araki Blüten weiblichen Genitalien gleichsetzt. Parallel dazu benutzt er die ephemere Schönheit verwelkter Blumenarrangements als Metapher der Vergänglichkeit.

Sentimentale Reise

Sentimentale Reise aus dem Jahr 1971 gilt als eigentlicher Beginn von Arakis künstlerischem Schaffen und als sein einflussreichstes Hauptwerk. Die Serie, die zunächst als Buch erschien, zeigt Arakis fünftägige Hochzeitsreise, die ihn und seine Frau Yōko über Kyoto in den Süden Japans führte. Im einleitenden Manifest definierte Araki erstmals seine Ich-Fotografie. Abgeleitet vom japanischen Genre des im frühen 20. Jahrhundert entstandenen autobiografischen Romans, sieht er in der Wiedergabe seiner persönlichen Weltsicht eine Möglichkeit, sich von „verlogenen“ Formen der Fotografie, wie der Mode- und Werbefotografie, abzusetzen. Die in eine tagebuchartige Aufzeichnung eingebettete Kombination von dokumentarischen Alltagsimpressionen und höchst intimen Szenen, die Araki jedoch insofern fiktionalisiert, als er den tatsächlichen Ablauf der Reise in der Bildfolge des Buches neu inszeniert, erwies sich als wegweisend.

Araki setzte Sentimentale Reise mit mehreren Büchern fort. So unterschiedlich die Reiseorte in Sentimentale Reise: Okinawa (1971) oder Sentimentale Reise: Das 10. Jubiläum (1982) auch geschildert werden, kreisen die Bilder alle um Yōko, die als wichtigstes Modell, Mitarbeiterin und Autorin entscheidend auf die Gestaltung der Fotos und Bücher Einfluss nahm.

Sentimentale Reise: Winterreise

Im Jahr 1991 veröffentlichte Araki Sentimentale Reise: Winterreise. Nach einem kurzen Auszug der Hochzeitsreise des Paars als Prolog schildert Araki darin die Krankheit und den Tod seiner 42-jährigen Frau Yōko. Der Serie liegt einer klare Erzählstruktur und Chronologie zugrunde. Die Aufzeichnung beginnt an Yōkos letztem Geburtstag vor der Krebsdiagnose und verzeichnet mittels eingeblendeter Daten die knapp sechs Monate bis nach Yōkos Begräbnis. Araki kombinierte die Fotos mit lakonischen Notizen, die seine Erfahrungen und Gedanken schildern, aber auch Yōko eine Stimme geben. Im Verlauf der Serie verschwindet Yōko immer mehr aus den Bildern. Sich wiederholende Aufnahmen der Stadt oder der leeren Terrasse vermitteln Arakis Gefühl der Leere und Einsamkeit. Eine auf der Straße aufgestellte Figur eines Mädchens mit einer Katze im Arm oder Gegenstände aus Yōkos Besitz fungieren gleichsam als Platzhalter und Objekte der Erinnerung. Zunehmend übernimmt Chiro, die Katze des Paars, die Rolle eines Familienmitglieds und tritt in den Mittelpunkt der Erzählung. Die Geschichte endet mit einem Foto der in den Schnee springenden Katze als Sinnbild des Lebens.

Sentimentale Reise: Frühlingsreise

20 Jahre nach der Winterreise verdichtet Araki im dritten Teil der Sentimentalen Reise: Frühlingsreise, ein weiteres Mal Trauer und Verlust. Drei Monate lang verfolgte er das Sterben seiner 22-jährigen Katze Chiro. Nimmt er den Abschluss der früheren Serie mit Chiro auf der Terrasse am Beginn der Frühlingsreise wieder auf, so endet diese Reise nach dem Tod der Katze auch an diesem Ort. Die Bezugnahme ist kennzeichnend für die vielfältigen Querverweise, durch die Araki die einzelnen Serien miteinander verwebt und neue Lektüremöglichkeiten eröffnet. Fotos der ersten Serie von 1971 wie die in einem Boot zusammengekauerte Yōko oder ein leeres Bett erscheinen im Kontext der beiden späteren Serien schon als Vorausblick auf Arakis Verluste.

Ausstellungsdaten

Ausstellungsdauer: 26. Mai – 29. August 2021
Ausstellungsort: ALBERTINA MODERN, Untergeschoß | Karlsplatz 5 | 1010 Wien
Kurator: Walter Moser
Co-Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: 285 Fotografien, ein Film & mehrere Bücher

Öffnungszeiten Täglich 10 – 18 Uhr

Das japanische Restaurant AKIRA befindet sich im ersten Stock des Japan House London in Kensington. Das nach Chefkoch Shimizu Akira benannte Restaurant bietet ein japanisches Kulinarik Erlebnis, das auf Akiras Prinzipien der „Dreiheit des Kochens“ basiert – Essen, Geschirr und Präsentation.

Shimizu Akira – ein japanischer Koch

Akiras Reise zum Koch begann im Alter von 15 Jahren, als er sich von einem regionalen Spezialgericht mit Hühnchen vom Holzkohlegrill in Miyazaki auf Japans südlicher Insel Kyushu inspirieren ließ. Inspiriert von berühmten Köchen, verfeinerte Akira seine Fähigkeiten mit einem Schwerpunkt auf Hühnergerichte.

Im Jahr 2002 trat Akira der Salt Group bei und eröffnete im Februar 2015 ihr erstes Restaurant außerhalb Japans im Ham Yard Hotel in Soho. Im selben Jahr zog Akira nach London und eröffnete PEN YEN unter der Soho House Group. Zu den jüngsten Bemühungen gehören eine Pop-up-Ramen-Nudelbar, als Teil der Ausstellung der Sets aus Wes Andersons Film ‚Isle of Dogs‚ sowie bemerkenswerte Engagements in Großbritannien, wie ein einmaliges Mittagessen mit dem japanischen Botschafter und VIP-Gästen in der Residenz des japanischen Botschafters .

Shimizu Akira ist Executive Chef und Direktor von AKIRA im Japan House London.

Akira – Robatayaki und Sushi Restaurant

Das Japan House London im ersten Stock ist ein abenteuerliches Unterfangen und heißt seine Gäste in einem neuen Restaurant willkommen, das den Namen des japanischen Küchenchefs Akira trägt. Die Gäste bieten eine eindringliche Begegnung mit Japans Esskultur, basierend auf Akiras drei Prinzipien des Kochens:

Essen, Geschirr und Präsentation.

Gäste erwarten eine Vielzahl einzigartiger Gerichte und Sushi vom Holzkohlegrill aus einem von Akira selbst kreierten Menü.

“Akira wird ein innovatives japanisches Restaurant sein wie kein anderes in London”

– Shimizu Akira

Omotenashi–Gastfreundschaft im japanischen Stil, während Köche Gerichte mit saisonalen Zutaten zubereiten, welche Japans überraschend vielfältige Esskultur widerspiegeln. Zu den Highlights der Speisekarte zählen einfallsreiches Sushi und gegrillte Kushiyaki-Spieße.

Spezialgerichte für London

Akira ist im Sommer 2017 von London nach Tokio gezogen und hat an einer Reihe von Gerichten speziell für London gearbeitet. Dazu gehören beispielsweise Hühnchen-, Wasabi-Käse-Kushiyaki-Spieß mit Sojasaucenglasur, ein Seeigel mit Lachs-Thunfisch-Eier-Crêpe-Brötchen mit Trüffel-Sahne-Sauce oder Botan-Garnelen mit Ponzu-Gelee.

Akira hat auch eine Reihe von Desserts mit Matcha-Grüntee kreiert, darunter Akira Tiramisu und Matcha-Schokoladenfondant.

Einige der beliebtesten Gerichte von Akira aus seinem Restaurant in Tokios angesagtem Stadtteil Naka–Meguro werden es auch auf seine Londoner Speisekarte schaffen.

Geschirr und Präsentation wie nie zuvor gesehen

Das kulinarische Erlebnis wird durch das Servieren von Gerichten ergänzt, die Akira in Zusammenarbeit mit Handwerkern in ganz Japan entworfen und kreiert hat, sowie durch Getränke in feinen japanischen Glaswaren. Gäste können auch originelle Cocktails genießen, die aus japanischen Zutaten wie seltenem Sake, Yuzu und Shiso hergestellt wurden.

Restaurantdesign von Katayama Masamichi

Im Restaurant hat der Innenarchitekt des Japan House London, Katayama Masamichi, seine Interpretation eines spezifisch japanischen Sinns für Ort und Heimat aufgenommen – das Konzept der Doma. Die Doma ist ein Raum zwischen drinnen und draußen in einem japanischen Haus und hat verschiedene Zwecke. Teil der Küche, ist es auch ein sozialer Raum, in dem sich Familie, Freunde und Nachbarn versammeln.

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