Höhenflüge im Kinsky

Das absolute Highlight und teuerste Los 2020 wechselte in diesem Jahr bei der Juni-Auktion den Besitzer. Dabei handelt es sich um ein großes, zweiteiliges Gemälde von Koloman Moser namens „Feldeinsamkeit“ aus 1912/13, das einen in den Wolken schwebenden Jüngling zeigt. Dieses Werk galt lange als verschollen, bis sich der Besitzer, ein älterer Herr, im Auktionshaus im Kinsky meldete. Der Herr war mit dem Bild aufgewachsen, das sich seit den 20er-Jahren im Besitz seiner Familie befand. Herrlich restauriert kam das Werk zur Auktion der Klassischen Moderne und brachte nach einem spannenden Bieterstreit im Saal einen Verkaufspreis von 960.000 € ein.

Weltrekorde im Kinsky

Jugendstil & Design

Und ebenfalls durch Koloman Moser konnte das imKinsky seine hohe Expertise in der Sparte des Jugendstils unter Beweis stellen. Eine sehr seltene Vase des Künstlers aus dem Jahr 1900 fuhr in der Weihnachtsauktion den Weltrekord von 58.800 € ein (Hammerpreis 46.000 €). Dieser Top-Preis für eine Vase des berühmten „Wien um 1900“ Künstlers reflektiert die Bedeutung des Stückes, das für den Schritt in die Moderne steht. Moser arbeitete an dem Objekt gemeinsam mit seinen Studenten von der Kunstgewerbeschule in Wien, was eine völlig neue Art des Unterrichts darstellte. Außerdem schuf er durch die tiefen eingekerbten Schlitze auf der Oberfläche der Keramik eine Dreidimensionalität, die ebenfalls bahnbrechend war.

Klassische Moderne

Ein fantastischer Künstler, der sich am Markt immer stärker etabliert, ist der Kärntner Maler Werner Berg. Sein im März versteigertes Bild „Kegler, Sommerabend“ aus 1979 fuhr den Weltrekord von 256.000 € ein. Auch in der Weihnachtsauktion waren seine Werke sehr erfolgreich – sein Landschaftsbild „Obir“ aus 1960, mit dem immer wiederkehrenden Motiv der zwei Kirschbäume, erreichte einen Kaufpreis von 243.000 €.

Auch beim Online-Bidding konnte der Maler punkten: er erreichte den teuersten online-Zuschlag in diesem Jahr. So wurde eines der Top-Lose der zeitgenössischen Kunst im Juni, Bergs „Zwei Frauen auf dem Heimweg“ von 1962, um 177.000 € verkauft.

Einen weiteren Weltrekord konnte das Auktionshaus in der Dezember-Auktion für ein Werk des Malers Ernst Stöhr, einem Mitbegründer der Wiener Secession, verbuchen. „Zwei weibliche Akte im Buchenwald“ aus 1905 wechselte um 35.840 € den Besitzer.

Auch eine Papierarbeit des Kärntner Malers Arnold Clementschitsch „Uferlandschaft“, um 1930 entstanden, brachte mit einem Kaufpreis von 12.800 € einen neuen Rekord.

Zeitgenössische Kunst

Einen Weltrekord brachte bei der März Auktion 2020 wiederum in der zeitgenössischen Kunst ein Werk der Grande Dame der österreichischen Malerei, Martha Jungwirth. Um einen Verkaufspreis von 105.000 € fiel der Hammer für ein unbetiteltes Werk aus 1990, Mischtechnik auf Karton. Damit brach das im Kinsky seinen eigenen Rekord aus 2019 für Werke dieser Künstlerin.

Top-Lose bei den Alten Meistern

Die „Anbetung der Könige“ des Antwerpener Meisters, welche um 1520 datiert wird, verbindet auf grandiose Weise den weltlichen Glanz und Prunk mit dem Religiösen. Das seit Jahrhunderten beliebte Sujet und die meisterhafte Umsetzung überzeugten auch den neuen Besitzer, der die Tafel für einen Verkaufspreis von 71.000 € erwarb.

Lavinia Fontana behauptete sich als eine der ersten Frauen in einem männerdominierten Umfeld und tat sich als Künstlerin und wahres Ausnahmetalent hervor. Ein frühes Werk Fontanas wurde in der Auktion für 64.000 € verkauft.

Einen weiteren schönen Preis erzielte die Darstellung des Markusplatzes in Venedig aus dem Umkreis von Michele Marieschi. Das Motiv lud dazu ein, sich in die Ferne zu träumen und in Gedanken über die Piazza zu spazieren. Dieser gekonnt ausgeführte Tagtraum wechselte für 53.000 € den Besitzer.

Top-Lose bei den Gemälden des 19. Jahrhunderts

Auch das 19. Jahrhundert entführte Kundinnen und Kunden des Auktinshauses im Kinsky, jedoch ging es hier hoch hinaus! Dieses Jahr ließen gleich zwei Darstellungen des Großglockners von Markus Pernhart die Herzen höher schlagen und fuhren den höchsten Preis in Österreich für eine Darstellung der Großglockners ein. Das Werk aus der 134. Auktion erzielte 71.000 €.

Die Adria brachte Olga Wisinger-Florian, die dank einer Einladung Erzherzog Josef Karl Ludwigs von Österreich diese Landschaft kennenlernte, nach Österreich und in unsere Ausstellungsräume. Für einen Verkaufspreis von 58.000 € schmückt ihr bezauberndes Bild nun das zu Hause des neuen Besitzers.

Ein besonders spannendes Werk stellte „Andreas Hofer“ von Albin Egger-Lienz aus dem Jahr 1894 dar. Hier malte Egger-Lienz im Stil seines Vorbilds und Freundes Franz von Defregger, dem er größte Bewunderung entgegenbrachte. Der Tiroler Freiheitskämpfer erzielte einen stattlichen Verkaufspreis von 167.000 €.

Top-Lose bei der zeitgenössischen Kunst

Das Ende des Jahres 2020 brachte noch ein Top-Ergebnis in der Sparte zeitgenössische Kunst für das im Kinsky. Arnulf Rainers „Kreuz“ aus 1987-88 wurde nach einem aufregenden Bietergefecht um 262.500 € zugeschlagen. Damit ist es das teuerste je versteigerte Kreuz Rainers bei einer Auktion. Das Bild ist ein besonderes Werk: Es war Teil einer Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York, der ersten, die je einem Österreicher in dem Haus gewidmet wurde.

Der zweithöchste Zuschlag in diesem Jahr – 197.000 € – wurde für Maria Lassnigs großformatiges Gemälde „Der Frank und die Frankfurterin“ aus 1970 geboten. Die Österreicherin lebte damals in New York, und das Gemälde war ihr erster Portraitauftrag. Es stellt Maria Frankfurter und ihren Ehemann Frank de Groote dar, deren Vertrautheit die Künstlerin vermittelt – sie selbst bezeichnete das Bild einmal als eine ihrer besten Arbeiten.

Ein weiteres Top Ergebnis wurde in der Weihnachtsauktion bei den phantastischen Realisten erzielt. Ein großformatiges Gemälde Wolfgang Hutters „Die Tempel und die drei Mädchen“ aus 1985 erreichte einen Zuschlag von 99.000 €. Hutters Motiv hat etwas Bühnenhaftes, die Szenerie gleicht einer Reise in die eigene Fantasie. Die Kunstrichtung des phantastischen Realismus verzeichnet zunehmend große Erfolge am Kunstmarkt.

Die größte Wertsteigerung bei den Zeitgenossen konnte das im Kinsky 2020 für ein Werk des international gefragten Österreichers Erwin Wurm verzeichnen. In der Juni-Auktion erhielt „model for telekinetic sculpture“ aus 2006, sein Modell für die Skulptur eines gebogenen Lastwagens, den Zuschlag bei einem Verkaufspreis von 67.000 €. Hier beschäftigt sich Wurm nicht nur mit Fragen der Raumkrümmung – auf ironisch-philosophische Weise – sondern auch mit des Menschen liebstem „Spielzeug“. Damit hat diese Arbeit Wurms ihren Wert innerhalb von nur fünf Jahren vervierfacht, wie ein Blick auf vergangene Auktionen bestätigt.

Auch über weitere Rekorde bei den Zeitgenossen durfte sich das im Kinsky freuen. Das im Kinsky hält den Rekord für Werke von Hans Bischoffshausen, und konnte heuer wieder das beste Ergebnis eines Auktionshauses für diesen Künstler einfahren und die Auktion im Juni 2020 legte wiederum davon Zeugnis ab. Sein „Weißes Kreuz auf schwarzem Grund“ aus den 1970er-Jahren wurde um 93.000 € verkauft. Der 1987 verstorbene Künstler ist nicht nur mehr ein Geheimtipp – das derzeit im Aufbau befindliche Werkverzeichnis wird sein Übriges dazu beitragen, den bisher unterbewerteten Maler am Kunstmarkt stark zu etablieren.

Top-Lose bei den Antiquitäten und Jugendstil & Design

Bei den Antiquitäten konnte das im Kinsky im Dezember mit einer Rarität aufwarten: einer großen Sammlung von japanischen Nestuke aus dem frühen 19. Jahrhundert. Sie wurde über drei Generationen zusammengetragen und umfasst 73 Stück. Insgesamt brachte die Versteigerung einen Erlös von 99.500 €.

In der Sparte Jugendstil & Design erreichte im Dezember ein wundervoller Spiegel von Franz Hagenauer aus 1966 die Summe von 7.424 € und ist damit der teuerste je versteigerte Wandspiegel des Künstlers.

Ebenfalls einen Rekord, diesmal für den teuersten Luster von Otto Prutscher, erreichte das Auktionshaus in derselben Auktion. Der Luster, um 1924 entstanden, wurde mit einem Verkaufspreis von 28.000 € zugeschlagen.

Michael Kovacek ist Mitgründer des Wiener Auktionshauses „im Kinsky“ und hat sich, wie er selbst sagt, mit „Leib und Seele“ der Kunst verschrieben. Ein Gespräch über den Nervenkitzel bei Auktionen, Sammlerleidenschaft und warum Rekordergebnisse immer eine Schlagzeile wert sind.

Interview: Nina Prehofer

Herr Kovacek, wie gut ist es um das Kunstwissen der Österreicherinnen und Österreicher bestellt?

Michael Kovacek: Sehr gut, würde ich sagen! Ich denke, dass sich Österreich zu Recht Kulturnation nennen darf und in der Breite über Kunst wesentlich mehr weiß als andere Länder. Es gab und gibt eine fortwährende Beschäftigung mit der Kunst und auch der Musik.

Da nehmen Sie auch jüngere Generationen nicht aus?

Michael Kovacek: Nein. Durch den Ersten und Zweiten Weltkrieg, den Zusammenbruch der Monarchie, gab es eine Unterbrechung. Nach dem Zweiten Weltkrieg hatte man einen unglaublichen Aufholbedarf. Man konnte wirklich beobachten, wie die Kunst wieder herausbrach und sich eine Szene formierte. Und diese ist gerade in den letzten 20 Jahren rasant gewachsen.

Welchen Stellenwert hat ein Auktionshaus am Kunstmarkt?

Michael Kovacek: Ich glaube, einen sehr wichtigen. Das Auktionswesen ist sehr transparent, wesentlich transparenter als der Kunsthandel. Die Kunst ist bei uns mit einem Preis versehen, manchmal mit einem Wunschpreis, viel öfter jedoch mit einem tatsächlichen Preis. Dieser ist lesbar und nachvollziehbar und wird auch von einer breiteren Öffentlichkeit wahrgenommen. Wenn Sie in den Zeitungen von Rekordergebnissen lesen, die auf der ganzen Welt erzielt werden, so sind das eigentlich immer Auktionsergebnisse.

Warum sind besonders hoch erzielte Preise immer eine gute Schlagzeile?

Michael Kovacek: Weil der Mensch so ist, wie er ist. Wenn Sie ein Kleinod, eine Zeichnung eines Künstlers, der jetzt keinen großartigen Namen hat, aber trotzdem ein großartiger Künstler ist, um 5000 Euro verkaufen, so ist das keine Schlagzeile. Eine Schlagzeile beschreibt etwas Außergewöhnliches. Der Wert der Kunst spiegelt sich sehr oft in Zahlen wider. Natürlich kann man über den inhaltlichen Wert sehr gut schreiben, aber man muss auch viel davon verstehen, und Schlagzeile ist das keine.

Hans Bischoffshausen* (1927–1987)
Dissolution d’un Champ D’Energie, 1960/61
Verkauft um 128.000 €

Wie geht es Ihnen damit, wenn Rekordpreise bei einer Auktion erzielt werden? Ist das nach wie vor ein Nervenkitzel oder sind Sie nach vielen Jahren Ihrer Tätigkeit schon „cool“?

Michael Kovacek: Wenn es uns im Auktionshaus gelingt, für einen Künstler einen Weltrekordpreis zu erzielen, empfinde ich das immer als aufregend. In dem Moment wird ein neuer Maßstab gesetzt und eine neue Wertigkeit entsteht.

Ich bin mit Leib und Seele Kunsthändler und Auktionator und es erfüllt mich, tolle Kunst zu bekommen und anzubieten.

Wenn man dann auch noch die positive Resonanz der Sammler erhält, die sagen: „Das war es wert“ oder ein Werk noch mehr wert ist, als man es selbst eingeschätzt hat, dann ist das fantastisch.

Würden Sie sagen, es ist die Aufgabe eines Auktionshauses, Ihre Aufgabe, den Künstlern den Wert zu geben, den sie verdient haben?

Michael Kovacek: Auch unsere, aber ohne Galerien geht das nicht. Da möchte ich den Galerien sehr viel Lob zollen, die mit den Künstlern zusammenarbeiten, sie betreuen und an die Öffentlichkeit, die Museen und die Sammler bringen. Wenn der Künstler einmal etabliert ist, kommt er auf den Sekundärmarkt, und das ist das Auktionswesen. Der Auktionsmarkt kann ohne Galerien nicht existieren und die Galerien würden ohne Auktionsmarkt auch nicht so glücklich sein.

Sie haben Expertinnen in sechs Sparten, Sie selbst sind Experte in mehreren Bereichen. Wie sehr spürt man Trends am Markt?

Michael Kovacek: Trends sind natürlich zu spüren, aber nicht in eine Kunstrichtung, sondern in die junge Kunst. Jede Generation hat ihre Künstler und eine jetzige Generation hat andere Künstler als die vorige und die nächste. Das heißt, man muss immer mit der Zeit gehen. Manchmal ist das gar nicht so leicht, da erlebt ein Künstler einen Hype und wird aber in der Folgezeit nicht mehr so stark nachgefragt. Das hängt sehr wohl von der Kunst und dem Künstler ab, wie er sich weiterentwickelt und betreut wird, oder auch davon, ob ein neuer Trend dagegenwirkt. Auch Rembrandt war nicht zu jeder Zeit berühmt und ist erst in den letzten 150 Jahren zu einem Weltkünstler geworden. Ich will damit einfach sagen, es gibt immer wieder Zyklen, in denen ein Künstler mehr oder weniger Beachtung finden kann.

Sie haben das Auktionshaus mitgegründet. Was war damals Ihre Motivation?

Michael Kovacek: Ich war damals schon Jahrzehnte lang Kunsthändler und das Auktionswesen in Österreich noch sehr bescheiden. Das Dorotheum hatte lange eine Monopolstellung, die dann endlich aufgelockert wurde. Wir Gründer haben uns gedacht, die Welt hat so viele Auktionshäuser, nur in Österreich gibt es bloß eines. Also haben wir uns zusammengetan, gegründet und es war ein durchschlagender Erfolg.

Welche Qualitäten zeichnen das „im Kinsky“ aus?

Wir sind serviceorientiert und bemühen uns, nach Möglichkeit wirklich sehr gute Kunstobjekte zu bekommen.

Wir wählen aus und nehmen bei Weitem nicht alles. Wir sind ein kleines Team und für unsere Kunden vom Ankauf bis zum Verkauf jederzeit vorhanden. Das geht nur, wenn man eine begrenzte Zahl an Gegenständen nimmt.

Wie hat sich das Auktionshaus über die Jahre verändert?

Michael Kovacek: Es hat sich mit der Nachfrage nach immer modernerer und zeitgenössischer Kunst verändert.

Die Zukunft ist die junge Kunst.

Die ältere auch, wenn es sehr gute Kunst ist. In jeder Phase der Kunstgeschichte gab es Maler, die ganz gut, aber nicht bahnbrechend gemalt haben. Die werden heute nicht mehr gesucht, so wie die Landschaftsmaler aus der Biedermeierzeit. Nach dem Zweiten Weltkrieg noch gefragt, kamen dann aber schnell Maler wie Rainer, Nitsch oder Hundertwasser. Sie haben die Zeitgenossen eingeläutet.

Hat sich der Markt durch die Coronakrise verändert?

Michael Kovacek: Das traue ich mich jetzt noch nicht zu beurteilen. Ich weiß nur, dass die Nachfrage des Kunstkaufes jetzt sehr groß ist, weil ein halbes Jahr nichts passiert ist. Die Kunstkäufer und Kunstinteressierten scharren in den Startlöchern, um endlich Kunst kaufen zu können.

Es ist auch eine sichere Art, sein Geld anzulegen.

Michael Kovacek: Ja. Selbstverständlich stellen sich Menschen in einer Krise die Frage, wie sie überleben werden. Aber die Menschheit ist noch nie untergegangen und wird auch jetzt nicht untergehen. Es braucht halt einfach noch, bis sich alles wieder in normalen Bahnen bewegt. Aber dann erweist sich Kunst als dauerhafte Vermögensanlage.

Auktionen wurden auch schon vorher online abgewickelt. Wird dieser Trend durch die Krise noch verstärkt?

Michael Kovacek: Wahrscheinlich. Bei uns kann man über unser Portal und über Lot-Tissimo online mitbieten. Wir übernehmen auch Aufträge selbst und eine externe Sensalin, die Bietaufträge ausfüllt, haben wir außerdem. Das funktioniert alles wunderbar.

Für das Werk welches Künstlers würden Sie ein Höchstgebot abgeben?

Michael Kovacek: Ich hätte zum Beispiel für den Koloman Moser in unserer letzten Auktion ein Höchstgebot abgegeben. Ich biete aber kaum jemals mit.

Koloman Moser (1868–1918)
Blick auf die Rax von der Villa Mautner v. Markhof, um 1913
Öl auf Karton
verkauft um 70.400 €

Ihre Tipps für Auktionsanfänger?

Michael Kovacek: Man sollte sich schon mit Kunst auseinandergesetzt haben und innerlich Sammler oder Käufer sein. Man sollte eine Vorbildung darin haben, welche Kunst einem gefällt und was gute Kunst ist. Das lernt man in Museen und mit der Beschäftigung. Einem jungen Kunstsammler kann ich nur raten, erst einmal den Markt und Auktionen zu beobachten und zu vergleichen und sehr behutsam zu kaufen. Er sollte auch nur kaufen, weil er sich am Werk erfreut, nicht weil er damit spekuliert. Wenn man auf diese Weise Kunst kauft, wird man auf lange Sicht auch einen finanziellen Erfolg haben.

Also Leidenschaft vor Strategie?

Michael Kovacek: Unbedingt! Es heißt ja auch Sammelleidenschaft! Es gibt wenig Menschen, die gar nichts sammeln. Ich rede jetzt nicht nur von Kunst. Das Sammeln liegt den Menschen im Blut.

Was sammeln Sie?

Michael Kovacek: Ich habe sehr viele Interessen und keine bestimmte Epoche. Für mich zählt vor allem Qualität. Viele Jahre habe ich mich mit historischem Glas – nicht mit Trinkgläsern – beschäftigt. Auch aus der Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts habe ich für mich und mein Umfeld einiges erworben.

Haben Sie neben dieser ernsthaften Sammeltätigkeit noch eine heimliche Sammelleidenschaft? Eine Liebhaberei?

Michael Kovacek: Nein, das habe ich eigentlich nicht.

Meine Sammelleidenschaft geht in oben genannten voll auf.

Über Michael Kovacek

Michael Kovacek ist Geschäftsführer und Gründungsmitglied des Auktionshauses „Im Kinsky“ mit Sitz in Wien. Er ist außerdem gerichtlich zertifizierter Sachverständiger, Experte für Möbel, Glas, Antiquitäten und Gemälde des 19./20. Jahrhunderts.

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Die Frauen im Kinsky sind keine Mauerblümchen – aus welch unterschiedlichen Kunstepochen sie auch immer kommen mögen, sie blicken sich mit offenen Augen um. Wir zeigen Ihnen eine Auswahl an tollen Frauen, von starken Künstlern gemalt…

Frauen in der Kunst – Sensibilität und Meisterschaft

Im Jahr 1914 malt Anton Faistauer seine junge Frau Ida, die Schwester des Künstlers Robin Christian Andersen, in bräunlich-rotem Kleid auf einem roten Sofa sitzend. Mit melancholisch-nachdenklicher Geste, verträumt in sich selbst versunken, hat Ida das Kinn auf den linken Arm gestützt und wird in leichter Profilansicht schräg von rechts gezeigt.

133. Auktion, Lot 1283
Anton Faistauer (1887 – 1930)
Junge Frau in rotem Kleid auf rotem Sofa (Porträt von Ida, der Gattin des Künstlers), 1915
Öl auf Leinwand
101 x 78 cm
verkauft um: 45.000 € (Meistbot)

Faistauer heiratete seine erste Frau 1913 und sollte sie bis zu ihrem frühen Tod im Jahr 1919 rund sechzig Mal im Porträt verewigen. Das Bildnis ist eine äußerst sensible Charakterisierung der Dargestellten und zeigt zugleich die koloristische Meisterschaft Faistauers früher Porträtmalerei.

Auch für seine Fresken ist der Künstler weltberühmt: 1926 malte er mit Gehilfen das Foyer des Salzburger Festspielhauses aus; dies bedeutete seinen internationalen Durchbruch.

„Die Judentochter“ ist ein Gedicht aus der Sammlung „Des Knaben Wunderhorn“, in der Achim von Arnim und Clemens Brentano alte deutsche Lieder erfasst hatten. Darin geht es um ein schönes jüdisches Mädchen, das sich im Meer ertränkt, weil es sich nicht – wie vom „Schreiber“ verlangt – taufen lassen möchte. Kokoschka illustrierte Zeit seines Lebens Gedichte und Werke der Weltliteratur. Oft wurden diese Werke in Herwarth Waldens Zeitschrift „Der Sturm“ publiziert. Die vorliegende Zeichnung ist das Titelblatt für Waldens Musikstück „Die Judentochter“.

133. Auktion, Lot 1211
Oskar Kokoschka* (1886 – 1980)
Die Judentochter, 1916
Tusche auf Papier
35 x 29,5 cm
Schätzpreis: 35 000 – 70 000 €

Stilistisch ist die Arbeit zweigeteilt. Die breite, dichte Strichführung in der Darstellung der männlichen Figur und des Hintergrundes wird zu einem Charakteristikum der Zeichnungen und Ölbilder zu Beginn der 20er Jahre. Die weibliche Figur dagegen wirkt fein, fast durchscheinend durch die kurz gesetzten Pinselstriche und die bewusst freigelassenen Flächen. Fragil und flüchtig, dagegen fest und bestimmt – so unterscheiden sich die beiden Figuren. Diese Arbeit ist eine beeindruckende künstlerische und psychologische Übersetzung des Gedichtes. Oskar Kokoschka zeigt hier seine zeichnerische Virtuosität und Sicherheit im Ausdruck von Emotionen.

Frauen in der Kunst – Schönheit und Stärke

Vor allem in seinem frühen Werk beschäftigte sich Putz stark mit dem Bild der schönen Frau, in verschiedenen Varianten. Seine Frau, die Landschaftsmalerin Frieda Blell, stand ihm dabei häufig Modell. Im dritten Reich wurde seine Kunst allerdings als „entartet“ eingestuft und der Künstler mit einem Berufsverbot belegt.

133. Auktion, Lot 1379
Leo Putz (1869 – 1940)
Weiblicher Akt mit Bäumen, um 1910
Öl auf Leinwand
65 x 57 cm
Schätzpreis: 35 000 – 70 000 €

Nachdem er mehrmals von der Gestapo verhört worden war, floh er nach Südtirol, wo er hauptsächlich die dortigen Burgen, Schlösser und Landschaften malte. Er starb 1940 in seinem Geburtsort Meran.

Noch eine starke Frau: Judith mit dem Haupt des Holofernes. Diese Elfenbeinfigur wurde wohl nach dem Vorbild der Judith von Conrad Meist aus dem Jahr 1525/1528 gestaltet, die sich heute im Bayerischen Nationalmuseum befindet.

132. Auktion, Lot 522
Musealer Schrein im gotischen Stil
19. Jh.
Elfenbein, Silber, vergoldet, fein ziseliert, Halbedelsteine; fein gearbeiteter Schrein mit Steinbesatz aus Amethysten, Granaten, Jade, Opal, u. a.; Sockel mit Ranken, Voluten, kleinen Delfinen sowie zwei Opaleinlagen; vier gedrehte Säulen mit korinthischen Kapitellen, Halbbogen mit reichem Steinbesatz und Schindeldach, auf der Innenseite Rautengravur; im Zentrum steht die in Elfenbein ausgeführte Figur der Judith mit dem Haupt des Holofernes; unpunziert; Sprungbildung im Elfenbein
H. 42 cm
Schätzpreis: 15 000 – 25 000 €

Die alttestamentarische Heldin Judith rettete die Bewohner ihrer Heimatstadt, indem sie den feindlichen Feldherrn Holofernes im Schlaf tötete. Entgegen der Überlieferung stellte Meist und auch der Künstler unserer Skulptur die Judith nackt dar. Der nachdenkliche Blick auf das abgeschlagene Haupt lässt aber vermuten, dass es dabei nicht um eine vordergründig erotische Darstellung geht. Die körperliche Schönheit der Frau soll vielmehr als Ausweis ihrer moralischen Integrität verstanden werden.

Frauen in der Kunst – Mode und nackte Haut

Eine ganz andere Facette seines Könnens zeigt uns Alfons Walde mit dieser Zeichnung. 1921 stellte der Künstler erstmals eine Serie von Aktdarstellungen aus. Seine erotischen Bilder fanden jedoch nicht die erhoffte Resonanz und Walde hielt sie fortan von der Öffentlichkeit fern.

133. Auktion, Lot 1246
Alfons Walde* (1891 – 1958)
Damen in Netzbekleidung, um 1940
Mischtechnik auf Papier
37 x 28 cm (Passep.-Ausschnitt)
Schätzpreis: 18 000 – 36 000 €

Er schuf sie abseits seiner populären, „offiziellen“ Kunst. Nur selten fanden sie den Weg zum Sammler. Waldes weibliche Modelle präsentieren sich nackt oder spärlich bekleidet und mit modischen, aufreizenden Accessoires wie Schuhen, Schnürstiefeln oder Netzstrümpfen ausgestattet. Gerade auch wegen ihres intimen Charakters gehören diese sinnlich-erotischen Sujets zu den bemerkenswertesten Schöpfungen von Waldes künstlerischem Schaffen. Unzweifelhaft bereichern sie das Oeuvre des „Schneemalers“ um eine sehr spezielle und künstlerisch überaus interessante Komponente. Hier konnte der Maler seine privaten Obsessionen ausleben, wobei sein humorvolles Augenzwinkern spürbar bleibt. Auch wenn das Thema des weiblichen Aktes den Maler ein Leben lang nicht losließ, begann dieser Schaffensbereich erst in den letzten Jahren eine gewichtigere Rolle in der Rezeption des Oeuvres zu spielen.

Bruno Zach ist vor allem für seine emailbemalten Statuetten im Stil des Art déco bekannt. Gerne bildet er große, athletische, dominierende Frauen ab, mit allen Attributen der Weiblichkeit versehen. In diesem Fall weht der Wind das Kleid der Figur hoch, wir sehen ihre hohen Schuhe und schlanken Beine. Interessant ist auch das Detail des Äffchengesichts als Schirmgriff, den sie unter den Arm geklemmt hat.

Lot 1068
Bruno Zach
(Schytomyr 1891-1945 Wien)
„The High Wind“
Wien, um 1925
Elfenbein, geschnitzt, Bronze, gegossen, patiniert, auf der Bronzeplinthe signiert: „Bruno Zach“; ovaler Onyxsockel; H. 62 cm (inkl. Sockel)
Schätzpreis: 20.000-30.000 €

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Der im Kinsky Nachverkauf ermöglicht Ihnen eine spannende Gegenüberstellung von Männerportraits aus verschiedensten Kunstepochen. Es geht hier um weise Männer, um kriegerische Männer, um Männer, die ihren Körper als Mittel zur Kunst einsetzen, und schließlich um sagenhafte Helden. Eine faszinierende Reise durch die Kunstgeschichte!

Männerporträts mit Geschiche

Rembrandt

Bei den alten Meistern nimmt den Betrachter gleich das „Bildnis eines Philosophen“ gefangen, im 17. Jahrhundert geschaffen. Rembrandt selbst war an der Philosophischen Fakultät in Leiden immatrikuliert, woher sein Wissen und seine Faszination um das Altertum stammen. Hier hält der Meister die Bewegung und den Ausdruck des alten Mannes für die Ewigkeit fest. Der Lichteinfall von rechts oben ist so gewählt, dass die Aufmerksamkeit auf das faltige Gesicht, den weißen Bart und die vom Leben gezeichneten Hände fallen. Durch die brillante Lichtregie in der Hell-Dunkel-Malerei wird eine effektvolle Dramatisierung des Geschehens und eine psychologisch eindringliche Darstellung von Vergänglichkeit und Ewigkeit erreicht.

Anton Faistauer

Mehr als 300 Jahre später entstand das Portrait Karl Höllers, Sohn einer angesehenen Salzburger Familie, in seiner Dienstuniform nach dem ersten Weltkrieg. Der Maler ist in diesem Portrait klar von seinem Studium Tizians und Tintorettos beeinflusst. Dies schlägt sich in einer dunklen, satten und warmen Farbigkeit nieder. Er übernimmt hier auch ein bei den Meistern der Hochrenaissance beliebtes Kompositionsschema: Links öffnet sich ein kleines Fenster, das den Ausblick in eine weite Landschaft wiedergibt. Diese hat meist eine Verbindung mit dem Dargestellten, indem sie zum Beispiel seinen Herrschaftsbereich andeutet. Es könnte in diesem Fall die Festung Hohensalzburg sein, auf die wir hier blicken. Rechts bildet ein geraffter Vorhang aus kostbarem, rotem Stoff den Hintergrund und Abschluss, auch das ein beliebtes Stilmittel der Porträtmalerei in Renaissance und Barock. Anton Faistauer stellt sich hier bewusst in eine Reihe der bedeutendsten Bildnismaler der Kunstgeschichte.

Der Körper als Mittel zur Reflexion

Arnulf Rainer

Nur etwa 50 Jahre später entstanden Arnulf Rainers Body Poses; dabei bedient sich der Künstler seines Körpers als Mittel des künstlerischen Ausdrucks. Zuerst entstanden die ersten grimassierenden Selbstporträts als Passfotos, dann begann er vergrößerte Fotoabzüge zeichnerisch zu überarbeiten, zu korrigieren und zu akzentuieren.  In sogenannten „Fotoséancen“ entstanden von 1969 bis 1976 in Zusammenarbeit mit verschiedenen Fotografen die Selbstdarstellungsserien für die weitere Überarbeitung. Die Zartheit und die Aggression der Geste in der Überarbeitung, die verblüffende Farbwahl und Farbkombination, die komplexe Dichte und die Sicherheit weniger Striche verwandeln die Fotografie in eine vieldeutige, eigenwillige Emotion. Die Werkgruppe der überarbeiteten fotografischen Selbstporträts ist eine der wichtigsten im Oeuvre von Arnulf Rainer.

Otto Mühl

Ein Selbstportrait ganz anderer Art ist jenes von Otto Mühl aus dem Jahr 1981. Er war zu dieser Zeit quasi am Höhepunkt seines Schaffens und seiner Macht als unangefochtener und uneingeschränkter Leiter der Kommune am Friedrichshof, in der bis zu 600 Menschen lebten. Dementsprechend selbstsicher blickt der Künstler auf den Betrachter.

Markus Lüpertz

Völlig gegensätzlich ist jener Blick, den der deutsche Malerfürst Markus Lüpertz auf Männer wirft. Sechs Köpfe in einer gedeckten Farbpalette bevölkern seine übergroße, liniendurchfurchte Leinwand. Keine individuellen Gesichtszüge sind zu erkennen, nur schematische Bildnisse mehrerer Köpfe, deren Ausdruck eher trist und traurig erscheint. Diese Arbeit stammt aus einer der bekanntesten Bildfolgen des Künstlers: „Männer ohne Frauen – Parsifal“. In den Jahren 1993 bis 1997 hielt Markus Lüpertz an einem einzigen Thema fest, das sich auf den Helden Parsifal aus der letzten Oper Richard Wagners bezieht. Es geht dabei um die Erlösung von der ewigen Versuchung und der von Männerphantasien dominierten Welt. Der Werkzyklus „Männer ohne Frauen – Parsifal“, aus der die vorliegende Arbeit stammt, fordert den Betrachter mit seinem geheimnisvollen Inhalt heraus und eröffnet zugleich die unterschiedlichsten Betrachtungs- und Interpretationsmöglichkeiten.

Von Gemälden der Alten Meister über Antiquitäten und Designobjekten bis hin zur zeitgenössischen Kunst hat die im Kinsky Sommerauktion für Kunstliebhaber und -kenner schönste Dinge zu bieten.

im Kinsky Sommerauktion
Alte Meister

In der Anfangszeit als Studien angefertigt, haben sich Rembrandts tiefgründige Bildnisse zu einem seiner Markenzeichen entwickelt, das er auch seinen zahlreichen Schülern weitergab.

Vorliegendes Gemälde zeigt einen hochbetagten Weisen in einem Armlehnstuhl. Der Lichteinfall von rechts oben ist so gewählt, dass die Aufmerksamkeit auf das faltige Gesicht, den weißen Bart und die vom Leben gezeichneten Hände fallen. Auch in der Kleidung tritt die offene typisch Rembrandtsche Malweise zum Vorschein. Die charakteristisch warmen Töne werden vor den dunklen Hintergrund gesetzt, während ein in den Lichtpartien leuchtendes Rot den Umhang dominiert und sich die Gelbstreifen der Armbekleidung in der strahlend gelben Kopfbedeckung wiederfinden. Durch die brillante Lichtregie in der Hell-Dunkel-Malerei wird eine effektvolle Dramatisierung des Geschehens und eine psychologisch eindringliche Darstellung von Vergänglichkeit und Ewigkeit erreicht.

Die Rialtobrücke war bereits im 18. Jahrhundert eine der großen Sehenswürdigkeiten Venedigs. Antonio Canal, genannt Canaletto, schuf mehrere Ansichten des Canal Grande von Süden und gilt daher als Entwerfer des Prototyps dieser Komposition, welche auch Antonio Visentini in seinem Stichband berühmter Venedig-Ansichten im Jahre 1742 veröffentlichte. Vorliegende Komposition zeigt die größte Überstimmung mit einem signierten und 1744 datierten Werk Canalettos, weicht jedoch in Details sowohl von Visentinis Stich als auch Canalettos Ölgemälde ab.

Sowohl aus Canalettos Werkstatt, als auch von dessen Neffen Bernardo Bellotto (1722-1780), sowie von jeweils deren Schülern und Nachfolgern sind zahlreiche Versionen der Komposition bekannt. Sie war schon im 18. Jahrhundert bei den Venedig-Reisenden aus aller Welt als Erinnerungsstück für zu Hause hochbegehrt.

im Kinsky Sommerauktion
Gemälde des 19. Jahrhunderts

Einer der wichtigsten Künstler, der neben seinen Lehrern an der Akademie Einfluss auf den jungen Egger ausübte, war sein Tiroler Landsmann Franz von Defregger. Egger-Lienz schildert seine erste Begegnung mit dem großen Künstler in einem Aufsatz zu Defreggers 80. Geburtstag: „Meine Knaben- und Jünglingszeit fand in lauter Bewunderung in den Bildern Defreggers eine Welt, eine Anregung, ohne welche ich mich vielleicht nicht gefunden hätte. Als ich das erste Mal, als Siebzehnjähriger, Defregger in seinem Münchener Atelier besuchen durfte, hatte ich ungefähr das Gefühl, das der Katholik hat, wenn er vor dem Papste steht. Er war für mich ein Heiliger… (Kirschl, S. 28). Es entwickelte sich eine freundschaftliche Beziehung zwischen den beiden Künstlern und der Ältere kommentierte und korrigierte die Arbeiten des um 33 Jahre Jüngeren immer wieder auf dessen Einladungen hin.

Um sich fortzubilden, aber auch um seine finanzielle Lage aufzubessern, kopierte der Student Egger ab 1888 in der Alten Pinakothek holländische und flämische Meister des 17. Jahrhunderts. Die hervorragende Qualität dieser Kopien brachten Egger zahlreiche Aufträge, viele auf Vermittlung von Defregger, für dessen Haus er ebenfalls Kopien nach Alten Meistern anfertigte. Darüber hinaus bestellte Defregger Repliken nach eigenen Bildern von dem jungen Kollegen und unterstütze ihn auch finanziell in seiner Frühzeit als selbständiger Künstler.

Nach Abschluss seines Studiums in München hielt sich Egger immer wieder in seiner Heimat Osttirol auf, um dort Studien zu seinen großen Historienbildern dem „Ave nach der Schlacht am Bergisel“ (1894–1897) und „Das Kreuz“ (1898–1901) anzufertigen. Die Auseinandersetzung mit dem Tiroler Freiheitskampf setzte also bereits 1894 ein und hat seinen Anfang wohl auch in der vorliegenden Kopie des monumentalen Defregger Werkes „Andreas Hofer“. Dieses Werk markiert den Beginn einer Auseinandersetzung mit einem für Egger-Lienz wichtigen Thema, dokumentiert aber auch gleichzeitig seine große Verehrung und Verbundenheit zu Defregger, welche ein Leben lang hielt und erst mit dessen Tod im Jahr 1921 endete.

Die Natur ist die ewige Wahrheit; in ihren Erscheinungen, in ihren Formen ist nichts gemein

Waldmüller

In den 1830er Jahren entdeckte Waldmüller die Landschaft des Salzkammerguts. Seit 1831 bereiste er fast jährlich diese für ihn an Motiven so reiche Gegend, die er malerisch wunderbar festzuhalten verstand. Auch Anfang August 1834 begab er sich auf Urlaub nach Ischl. Sein Weg führte über Vöcklabruck und Ebensee nach Ischl, von dort weiter nach Hallstatt, an den Altauseer See, den Grundlsee und zum Loser.

Vorliegendes Werk zeigt das rechte Ufer der Traun mit der alten Holzbrücke in Ischl. Den Hintergrund bilden, ganz wahrheitsgetreu, der Loser und das Tote Gebirge mit dem Schönberg. Naturtreue war Waldmüllers oberstes Bestreben. Im kleinen Format hielt er hier einen Landschaftsausschnitt fest, der durch subtile Farbgebung besticht. Die von der Sonne beleuchteten Fassaden der Bürgerhäuser am Flussufer heben sich in ihrem strahlenden Ocker reizvoll vom grünlich schimmernden Wasser der Traun im Vordergrund sowie der blau-grünen Gebirgskulisse im Hintergrund ab. Der wie zufällig gewählte Ausschnitt bietet somit ein Seherlebnis, welches auf größte Konkretheit Wert legt und als ein frühes Beispiel in Waldmüllers Oeuvre gilt, wo das direkte Naturerlebnis an erster Stelle steht.

Olga Wisinger-Florian verbrachte ab 1881 die Sommermonate in Goisern, wo sie in ihrem Garten inspirierende Motive für ihre Gemälde fand. In ihrem Tagebuch nennt sie die dort entstandenen Werke „Bankerlbilder“, wesentliche Merkmale dieser Arbeiten sind eine Verschmelzung von Blumen- und Figurenmalerei. Auch vorliegendes Gemälde zeigt als zentrales Motiv ein Mädchen mit einem weißen Hasen, umgeben sind die beiden von üppig wachsenden Sommerblumen. Vor dem Kind ein sogenanntes „Holzbankerl“, auf dem sein Unterarm ruht. Der am Bankerl sitzende Hase wird vom Mädchen mit Blättern gefüttert, welche sie ihm mit der rechten Hand reicht.

Grützner verarbeitete häufig literarische Vorlagen aus dem Opern- und Theaterleben. Anregungen fand er bei den Dramen Shakespeares, aber auch Goethe’s Faust zählte zu seiner Inspirationsquelle. Die Figur des Mephistos malte er in abgewandelter Form mehrmals, eingebettet in größere Szenen, oder als listige Einzelfigur in rotem Gewand. Zahlreiche Auszeichnungen sowie die Berufung als Professor an die Münchener Akademie im Jahr 1886 spiegeln seine Erfolge und Beliebtheit in der Kunstwelt wieder und gipfeln 1916 in der Verleihung eines Adelstitels. Neben Carl Spitzweg und Franz von Defregger zählt Grützner zu den bedeutendsten Münchener Genremalern des späten 19. Jahrhunderts.

im Kinsky Sommerauktion
Antiquitäten

Das Kinsky bietet in der kommenden Auktion eine zum Teil museale Sammlung an Kunstkammer-Objekten aus einem Zeitraum von der Gotik bis ins 19. Jh. an. Die Kunstwerke sind aus den verschiedensten Materialien wie Bernstein, Elfenbein, Koralle, Silber, Muschel, Bergkristall, Bronze oder Kokosnuss gefertigt. In der Sammlung finden sich kunstvoll gearbeitete Kokosnuss-, Elfenbein- und Silberpokale, Memento Mori Objekte, Reliquiare, gotische Limoges-Objekte, Waffen, Zunftzeichen sowie ein überdimensional großer Globus.

Im Uhrzeigersinn von links nach rechts:
Deckelpokal mit Jagdszene, Deutsch, 17. Jh.
Schätzpreis: 15.000 – 25.000 €
–
Handstein, 17. Jh.
Schätzpreis: 10.000 – 20.000 €
–
Kokosnuss-Pokal „Das leibliche Wohl„, Deutsch, 17. Jh.
Schätzpreis: 15.000 – 30.000 €
–
Elfenbein-Wendekopf, 17. Jh.
Schätzpreis: 6.000 – 12.000 €
–
Memento Mori Totenkopf, 17. Jh.
Schätzpreis: 3.500 – 7.000 €
–
Memento Mori Totenkopf, 17. Jh.
Schätzpreis: 5.000 – 10.000 €

Giovanni Giuliani wurde 1664 als Sohn eines venezianischen Bäckers geboren. Seine Ausbildung genoss er höchstwahrscheinlich in Venedig und Bologna. Seit 1690 war er in Wien ansässig und seit 1694 war er vermehrt für das Stift Heiligenkreuz bei Wien tätig. Nebenbei arbeitete er jedoch auch für die Fürsten Kaunitz und Liechtenstein, für die er vorwiegend profane Skulpturen entwarf. 1711 trat er schließlich, veranlasst durch eine private Krise, ins Kloster Heiligenkreuz ein, wo er bis zu seinem Tod blieb und unzählige Aufträge ausführte.

Die Figur der Judith mit dem Haupt des Holofernes wurde wohl nach dem Vorbild der Judith von Conrad Meist aus dem Jahr 1525/1528 gestaltet, die sich heute im Bayerischen Nationalmuseum befindet. Judith rettete die Bewohner ihrer Heimatstadt, indem sie den feindlichen Feldherrn Holofernes im Schlaf tötete. Entgegen der Überlieferung stellte Meist und auch der Künstler unserer Skulptur die Judith nackt dar. Allerdings geht es nicht um eine vordergründig erotische Darstellung, die körperliche Schönheit der Frau soll vielmehr als Ausweis ihrer moralischen Integrität verstanden werden.

im Kinsky Sommerauktion
Jugendstil & Design

From left to right:
Ferdinand Preiss „Con Brio“ Schätzpreis: 15.000 – 20.000 €
–
Valy Wieselthier Frauenkopf mit oranger Blume
Schätzpreis: 9.000 – 15.000 €

im Kinsky Sommerauktion
Klassische Moderne

Der in Wolken liegende Jünglingsakt ist von der Welt entrückt. Die unterhalb im separaten Bildteil dargestellte Berglandschaft unterstützt die Wahrnehmung, dass der Jüngling über der Welt schwebt. Bemerkenswert ist, dass zu diesem Gemälde ein vom Künstler stammender Bildtitel überliefert ist: „Feldeinsamkeit“, dies erschließt sich aus dem damaligen Ausstellungskatalog und dem zeitgenössisch publizierten Zeitschriftenartikel.

Das Gemälde wurde Anfang 1916 in der Berliner Secession am Kurfürstendamm in der „Wiener Kunstschau“ ausgestellt. Franz Servaes fand in seiner Besprechung in der Zeitschrift „Deutsche Kunst und Dekoration“ lobende Worte über die dort von Koloman Moser ausgestellten Gemälde und bildete das vorgelegte Gemälde ganzseitig in der Zeitschrift ab, woraus man noch heute den zuerkannten hohen Stellenwert des Gemäldes im Rahmen der Ausstellung ermessen kann.

Menschliche wie tierische Protagonisten vermitteln aufgrund ihrer dichten Gruppierung und die auf einander abgestimmten Posen ein perfekt harmonierendes Gebilde, welches zwar wenig Natürlichkeit, aber dafür umso mehr Bühnencharakter aufweist. Die Szene wirkt durch den Einsatz exotischer Pflanzen, Früchte und Lebewesen sowie die Eintracht, in der die weiblichen Akte mit den Tieren zusammen dargestellt werden, paradiesisch. Im Hintergrund ist – wie durch ein Fenster – der Ausblick auf eine weit entfernte Gefahr für die Idylle erkennbar: Von einem Vulkan steigt eine Rauchschwade auf.

Bresslern-Roth malte bereits 1931 eine erste Version dieses Gemäldes, welches in seiner Komposition dem späteren Werk in vielen Punkten ähnelt.

Die Figur des Bauern beschäftigte Alfons Walde während seines ganzen Schaffens, war doch Kitzbühel nicht zuletzt ein bäuerlich geprägter Ort. Eingebunden in seinen Landschafts- und Lebensraum hat er den Typus des Bauern in vielfältigen Bildvarianten dargestellt. Sein Interesse galt nicht dem Themenkreis der bäuerlichen Tätigkeit, sondern der Sonntags- und Feiertagsstimmung. In seiner wiederholt aufgegriffenen Milieuschilderung „Begegnung“ werden die drei Hauptfiguren in engem Bildausschnitt vor oder nach dem „Kirchgang“ auf dem mit Schnee bedeckten Dorfplatz dargestellt. Den Figuren fehlt jede Andeutung des Individuellen. Walde verzichtet auf jede nähere Charakterisierung oder Ausformung von physiognomischen Zügen. Seine Figuren im Festgewand sind keine Individuen, sie sind Archetypen, Träger einer allgemeingültigen Situation. Wenige kräftige Farben, starke Hell-Dunkel-Kontraste und stilisierte Formen bestimmen den unverwechselbaren Farb- und Formenkanon des Tiroler Malers.

Der Künstler hat sich mit dem Thema des Sämanns bereits früh beschäftigt („Der Sämann“, 1903). In seiner mittleren Phase interpretiere er es mit dem Sujet „Sämann und Teufel“ (1908) neu. An dieses Werk schließt auch das vorliegende Aquarell an (vgl. dazu auch die Fassung mit der Dreiviertelfigur im Ferdinandeum/Innsbruck, um 1923).

Die plastisch-monumentale, typisierte Figur nimmt fast die gesamte Bildhöhe ein und zeigt eine dynamische Drehung. Der Horizont ist auf die Höhe der Schultern hochgezogen, wobei der Himmel an den Rändern mit der kräftig blauen Hose des Sämanns korrespondiert. Das Erdreich nimmt hingegen in der rotbraunen Farbe das Inkarnat des Kopfes und der Hände auf. Der vorliegende „Sämann“ stellt ein emblematisches und qualitätsvolles Werk aus der späten Schaffensphase des Tiroler Künstlers dar.

Viele Motive wiederholte Norbertine Bresslern-Roth (1891–1978) in ihren Gemälden in neuen Variationen – so auch die Motivreihe des Vogelzuges. Ein weiteres Thema dieses Werkes gilt der Exotik, die durch die Wahl der farbintensiven und extravagant erscheinenden Vögel, dem üppigen Angebot an südländischen Früchten auf den Booten und den darauf rastenden Besitzern, idealisiert wird. Bemerkenswert ist, dass der Blickwinkel nicht vom Boden ausgeht, sondern den Blick des Vogels von oben nach unten zeigt. 1937 übertrug Bresslern-Roth das Motiv des Ölgemäldes auch in die Technik des Linolschnitts.

Sie bebilderte auch Tiergeschichten von Marie von Ebner-Eschenbach, Gerti Egg, Abenteuerromane des dänischen Autors Niels Meyn und Märchen von Hans Christian Andersen, Oscar Wilde und der Gebrüder Grimm. Ab den 1920er-Jahren gestaltete Bresslern-Roth Schulbücher, Rechenfibeln und Naturkundebücher. Ihre Vorliebe für die Darstellung von Tieren ist dabei durchwegs spürbar.

„Gestatten Sie mir bitte einige Bemerkungen zu meiner persönlichen Lage. Seit über 26 Jahren ist meine Wahlheimat Unterkärnten, das südöstlichste Grenzgebiet Österreichs, dem das Slawische der Slowenen die merkwürdige und tiefere Klangfarbe gibt…

Nach einem Universitätsstudium und dem Leerlauf der Akademien kam ich viel später und unter völlig gewandelten Voraussetzungen wieder in den Bannkreis des sogenannten Expressionismus, der nun einmal – bei allen Vorzügen und Gefahren – dem Deutschen in besonderer Weise entspricht. Bald aber wurde mir die Erkenntnis richtungweisend, dass ein lediglich exaltiertes Gefühl zur Zerstörung führt, dass jegliches Bilden unter dem Gesetz von Maß und Form steht…

In meiner Malerei war ich stets bestrebt, ein strenges bauendes Bildgefüge mit der Schwingung des Lebendigen und Besonderen zu vereinen. Hier und heute erübrigt es sich zu betonen, dass Malerei nicht eben nur durch ein Pinsel-Brio und -Furioso oder durch das Kilogewicht der Malpaste sich manifestiert. Entstammen die Themen zumeist dem Umkreis meines ländlichen Lebens, so ist dennoch das Gestalthafte Ziel und keineswegs die geschwätzige Anekdote. Die Figuralität eines Seurat ist mir näher als das Sentiment etwa eines Millet. Ich liebe es nicht, wenn das Hintergründige zum Vordergrund wird. „Qu‘est-ce qu‘il y a de plus mystérieux que la clarté“, dieses Wort von Paul Valéry war mir Zeit meines bewussten Lebens Devise.“

(Werner Berg zur Eröffnung seiner Ausstellung in Paris, 19)

Das subtil ausgeführte Bildnis ist ein bekanntes Beispiel aus einer Reihe von weiblichen Profildarstellungen, die Klimt 1904–05 nach verschiedenen anonymen Modellen gezeichnet hat. Diese ästhetisch wirksamen Blätter weisen keinen Zusammenhang mit den uns bekannten Porträtgemälden auf und entstanden offensichtlich als Selbstzweck.

Was die unterschiedlich bekleideten Frauengestalten miteinander verbindet, ist die prägnante Schärfe ihrer Profilkonturen, wobei das für den Betrachter sichtbare Auge halb oder zur Gänze geschlossen ist; im Zentrum dieser Arbeiten steht der Ausdruck der Meditation. Die introvertierte Mimik der dargestellten Gesichter wurde vor allem von den weiblichen Idealgestalten des niederländischen Symbolisten Jan Toorop geprägt, der Klimt ab den späten 1890er Jahren entscheidend beeinflusst hat. Als weitere Inspirationsquelle diente ihm die Porträtkunst des italienischen Quattrocento.

Die metallisch wirkende Präzision, mit der Klimt um 1904–05 seinen Bleistift geführt hat – eine Parallelerscheinung zu den frühen Gemälden seines Goldenen Stils – kommt in der hier präsentierten Zeichnung besonders zur Geltung. Dazu gesellt sich das ausgeprägte Interesse des Künstlers für dekorative Mikrostrukturen wie die kleinen Kringel im Gewand und im Halsschmuck. Klimts reich differenzierende Zeichenweise offenbart sich in diesem Bildnis von der kompromisslosen Schärfe des Profils und weiterer Einzelheiten im Gesichtsbereich bis zu den frei fließenden, formauflösenden Linien der Frisur und vor allem des Gewandes im unteren Bildteil; als einziger Farbakzent zeigt sich das subtile Rot der geschlossenen Lippen.

Wie auf der Rückseite des Blattes notiert, erhielt der österreichische Bildhauer Josef Riedl (1884-1965) diese Zeichnung Schieles von Ida Roessler, der Frau des bekannten Kunstkritikers Arthur Roessler. Schieles Zeichnung blieb seit 1923 über viele Jahrzehnte in Besitz der Familie Riedl.

1912 lässt sich im Werk Egon Schieles eine wesentliche Änderung im Zeichenstil erkennen. Schiele bedient sich eines härteren Bleistifts, sein Strich wird lockerer und heller, zartere Linien entstehen. Seine Hand führt den Stift mit Schnelligkeit über das Blatt und fängt die Konturen des weiblichen Aktes mit großer Sicherheit ein. Das Gesicht des sitzenden Aktes ist vom Haar verdeckt, als ob das Modell den Kopf zur Seite wendet und über die linke Schulter blickt, während Schieles rascher Zeichenstift den Moment der Bewegung einfängt. Die in sich gedrehte Haltung der Frau mit den verschränkten Beinen und dem gestreckten rechten Arm, der den Blick auf die Scham freigibt, ist charakteristisch für Schieles Interesse an komplizierten Körperstellungen und ungewöhnlichen Blickwinkeln.

Mit melancholisch-nachdenklicher Geste, verträumt in sich selbst versunken, hat Faistauer‘s Frau  Ida das Kinn auf den linken Arm gestützt und wird in leichter Profilansicht schräg von rechts gezeigt. Seit 1913 verheiratet, portraitierte er sie bis zu ihrem frühen Tod im Jahr 1919 rund sechzig Mal. Das Bildnis ist eine äußerst sensible Charakterisierung der Dargestellten und zeigt zugleich die koloristische Meisterschaft von Faistauers früher Porträtmalerei.

Neben Egon Schiele war er die treibende Kraft der 1909 ins Leben gerufenen „Neukunstgruppe“, deren junge Künstler gegen den konservativen akademischen Kunstbetrieb revoltierten. Wichtige Impulse bezog Faistauer von der Malerei Paul Cézannes.  Dabei geht es um die der Natur zugrundeliegende Struktur und ein malerisches Ordnungsprinzip, das jenem der Natur entspricht. In seinen Porträts spiegelt sich die Idee von ewiggültigen, objektiven Formwerten wider, wenn etwa Körper und Gesicht der Frau in ein Oval eingeschrieben oder von kurvigen Linien begrenzt werden, während die Farbe als emotionaler Ausdrucksträger die Strenge der Komposition mildert.

Mit gekonnt gesetzten Pinselstrichen hat Rudolf Wacker in dem 1927 entstandenen Werk „Föhn“ das Farbenspiel und die stimmungsvolle Atmosphäre der vor ihm liegenden Seelandschaft mit ihren Fischerhütten und Booten eingefangen. Der Bodensee mit seinen Uferlandschaften im Wechsel der Jahreszeiten – ein immer wiederkehrendes, in zahlreichen Ölstudien und Gemälden festgehaltenes Motiv, das verdeutlicht, welchen besonderen Stellenwert die vertraute Landschaft der Heimat in Wackers Oeuvre bzw. Leben einnahm. Das Malen im Freien bot dem Künstler nicht nur die Möglichkeit, der Arbeit im Atelier zu entfliehen, sondern zumindest für einen kurzen Moment auch die Erlebnisse der mehrjährigen Kriegsgefangenschaft, die Ängste und Sorgen des Alltags hinter sich zu lassen.

im Kinsky Sommerauktion
Zeitgenössische Kunst

Im Sinne der Avantgarde durchdrang Kunst und Leben, Ökologie und Nachhaltigkeit das gesamte Werk von Friedensreich Hundertwasser. In der Architektur sah er sich als Rebell, der sich für ein menschengerechtes Bauen einsetzte. Doch erst in jüngster Zeit entdeckt man, wie visionär damals seine ökologischen Ansätze waren. Grundlage seiner abstrakten Bildkompositionen war stets die Auseinandersetzung mit der Natur. Seine Wahrnehmung übersetzt er in Linien, Spiralen, Tropfen– und Kreisformen. Die gerade Linie lehnte er ab. So war es vor allem die Spirale, die zu einem zentralen Bestandteil – fast schon ikonographisch für seine Kunst wurde. Sie symbolisiert für ihn den ewigen Kreislauf des Lebens, das Werden und Vergehen. „Die Spirale ist das Symbol des Lebens und des Todes. Die Spirale liegt genau dort, wo die leblose Materie sich in Leben umwandelt.“, schrieb der Künstler 1983 in dem Buch „Schöne Wege. Gedanken über Kunst und Leben“.

Arnulf Rainers Bildsprache definiert sich immer wieder neu und bleibt doch bei seinem Ursprung – Geste und Farbe. Die Hand und Fußmalereien der 1980er Jahre sind in ihrer pastosen Farbigkeit und aggressiven Geste Vorläufer und gleichzeitig Gegenstücke zu Rainers Schleierbildern der 1990er Jahre. Eine Serie von Arbeiten, in denen die Aggression und Pastosität einer Fragilität und Zartheit weichen, ohne an Intensität zu verlieren.

Die Vorliegende Arbeit ist aus einer Serie, die zusätzlich noch ein artifizielles Moment aufweist. Rainer lässt den Malgrund, die Holzplatte, mechanisch reliefieren durch Rasterbleche, Schnitte, Schrot und Applikationen. Es entsteht der Eindruck einer Mikrostruktur oder einer naturwissenschaftlichen Gewebestruktur.

Die Schleierbilder sind von einer außergewöhnlichen Poesie und von einer besonderen Weisheit und Akzeptanz. In Harmonie von Farbe und Geste mit dem vorgefertigtem Bildgrund entstehen Arbeiten von einnehmender Ästhetik.

Sechs Köpfe in einer gedeckten Farbpalette bevölkern die übergroße, liniendurchfurchte Leinwand. Keine individuellen Gesichtszüge sind zu erkennen, vielmehr nur schematische und frontale Bildnisse mehrerer Köpfe, deren Ausdruck eher trist und traurig erscheint. Diese Arbeit stammt aus einer der bekanntesten Bildfolgen des Künstlers: „Männer ohne Frauen – Parsifal“. In den Jahren 1993 bis 1997 hielt Markus Lüpertz an einem einzigen Thema fest, das sich auf den Helden Parsifal aus der letzten Oper Richard Wagners bezieht und sich der darin thematisierten Erlösung von der ewigen Versuchung und der, von Männerphantasien dominierten, Welt widmet.

Der 1941 geborene Markus Lüpertz zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlern der Gegenwart. Als Vertreter des Neoexpressionismus arbeitet er mit der Wiederholung von Motiven und dem Hinterfragen eines stets neuen Blickwinkels zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit.

Der Werkzyklus „Männer ohne Frauen – Parsifal“, aus der die vorliegende Arbeit stammt, fordert den Betrachter mit seinem geheimnisvollen Inhalt heraus und eröffnet zugleich die unterschiedlichsten Betrachtungs- und Interpretationsmöglichkeiten.

Hans Bischoffshausen‘s Rückkehr aus Paris nach Österreich Anfang der 1970er Jahre stellte nicht nur biographisch, sondern auch künstlerisch eine Zäsur dar. Nach einer Dekade der strengen Monochromie erlaubte er sich nun erstmals wieder bis zu zwei Farben pro Werk, die unterschiedliche Bildzonen definierten. Neben anderen formalen Neuerungen beschäftigte er sich um 1975 intensiv mit der Kreuzform. Die Entscheidung für die symbolträchtige Form erklärte Bischoffshausen damit, vom Rechteck der Bildfläche abweichen zu wollen und bestritt dabei jegliche ikonographische, historische oder religiöse Bedeutung des Kreuzes. Der Kreuz-Zyklus sollte (neben der „Horizont“-Serie) seine letzte großformatige Werkserie werden. Danach, in den 1980er Jahren, arbeitete der beinahe vollständig erblindete Künstler ausschließlich auf Papier und in kleinen Formaten.

Die unverwechselbaren lebensfrohen Arbeiten des Arnulf Rainer Schülers lassen sich nur schwer in einen kunsthistorischen Kontext einordnen, sondern stehen in ihrer einzigartigen, durchaus auch (im positiven Sinne) dekorativen Handschrift ganz für sich. Farbenlust, Formenreichtum und Bewegung prägen besonders seine Skulpturen: naiv anmutende Wesen in intensiven bis schrillen Farben. Seine Mischwesen lassen sowohl an außerirdisches Leben als auch an Mikroorganismen denken: In der hier vorliegenden Bronze gesellt sich der ungeplant aktuelle Bezug zur derzeitigen Pandemie Problematik hinzu, dem man – wüsste man es anhand des Entstehungsdatums nicht besser – eine gehörige Portion Zynismus des Künstlers zugrunde legen könnte.

Dalpras Arbeiten entziehen sich bewusst jeglicher Kontextualisierung, vielmehr sollen sie in ihrer Leichtigkeit Freude bringen, die Fantasie des Betrachters anregen und möglichst viel Spielraum für individuelle Interpretation bieten. Inspirationen aus fernen Ländern und Ethnien charakterisieren Dalpras Skulpturen ebenso wie ihre extrem haptische Ausstrahlung, man möchte sie im wörtlichsten Sinne gerne „begreifen“.

Aus einem gestischen, rein abstrakt erscheinenden Gefüge aus Farbflecken, kräftigen Linien und zarteren Pinselstrichen lassen sich die Umrisse einer Figur lediglich erahnen. Diese vagen Andeutungen zum Bildgegenstand entsprechen den gestalterischen Absichten Martha Jungwirths, der es nicht um die Wiedererkennung des Bildmotivs geht, sondern um eine entsprechende Umsetzung des Gesehenen in Farben, Flächen und Linien.

Martha Jungwirths Malerei bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und Gegenständlichem, ihr Ausgangspunkt liegt immer in der wahrgenommenen Realität. Der Malvorgang ist eine Reaktion auf Gesehenes und Gefühltes, bei der sich die Sinneseindrücke mit der Motorik des Körpers verbinden.

im Kinsky Sommerauktion

Rudolf Polanszky, Text: Alexandra Markl

Market leader

Rudolf Polanszky hat es „geschafft“: Im Juni 2019 wurde im Auktionshaus im Kinsky mit einem Preis von 126.000 € (Hammerpreis 100.000 €) ein Weltrekord für eines seiner Werke erzielt. Im März 2020 eröffnete eine Solo-Ausstellung bei der New Yorker Gagosian Gallery. Auch wenn die Show, bedingt durch Maßnahmen gegen die Ausbreitung des Corona-Virus, frühzeitig geschlossen wurde, so ist noch ein Video davon im Netz zu sehen, das eindrucksvoll die Stärke der Werke des Künstlers präsentiert.

Die Nachfrage nach seinen Werken wird jedenfalls nicht abnehmen – im Gegenteil! Das Auktionshaus im Kinsky ist jedenfalls Markführer bei Polanszkys Arbeiten, denn die sechs besten Preise (zwischen Kaufpreisen von 126.000 € und 32.000 €) wurden hier erzielt.

Ich wollte eine zweite Ebene des Erlebens.

Rudolf Polanszky*
(Wien 1951 geb.)
Arbeit Nr. 8, Rorschach-Transformationen, 2010
Acrylglas, Aluminium, Spiegelfolie, Silikon, Harz auf Leinwand; gerahmt; 124 x 140 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 2010 Provenienz
Privatbesitz, Wien

Rudolf Polanszky wurde 1951 in Wien geboren und machte sich erstmals in den 1970er-Jahren, in der Nachfolge der Wiener Aktionisten, einen Namen. Wie diese experimentiert er mit verschiedenen Flüssigkeiten, wie etwa in seinen „Schweinsfettbildern“ 1976.

Dann drehte er kleine satirische Filme wie etwa seine „Semiologie der Sinne“ 1978. Einen handbemalten Super-8-Film, in dem er an einem Tisch sitzt und sich langsam völlig betrinkt.

Rudolf Polanszky, Semiology of Senses, 1976, Super 8 transferred to video, 15 minutes 27 seconds. Foto: artforum.com

Heute sagt er dazu:

Ich wollte sehen, was los ist, wenn ich mich verändere. Es war nicht zum Herzeigen gedacht, ich wollte das einfach sehen, es hat mir Spaß gemacht. Ich wollte eine zweite Ebene des Erlebens.

(Rudolf Polanszky in Rudolf Polanszky Transaggregate, Video von Cast your art für Galerie Konzett)

Zu seinen weiteren performativen Arbeiten zählen die „Sprungfedernzeichnungen“ in den 1980er-Jahren. Da hüpfte er auf einer großen Metallfeder durch einen papierbezogenen Raum, in jeder Hand einen Pinsel, die graphische Spuren seiner unkontrollierten Bewegungen hinterlassen.

Rudolf Polanszky*
(Wien 1951 geb.)
o.T., 1986
Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 180 x 133,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 86
Provenienz
Privatbesitz, Wien

Polanszky ging es also auch damals schon um eine Art Kontrollverlust. Darum, eine bewusste künstlerische Strategie mit Zufall zu kombinieren, um daraus neue Bedeutung zu schöpfen. Das Vermeiden einer konstruierten Ästhetik durch das Prinzip des Zufälligen bleibt im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung eine Konstante, die er immer wieder aufgreift.

Denn die Beschäftigung mit Ideenvorstellungen der Mathematik, der Erkenntnistheorie und der Philosophie führte ihn zu eigenen Überlegungen: Nämlich wie man festgefahrene Vorstellungen davon, wie etwas auszusehen hat, umgeht.

Rudolf Polanszky*
(Wien 1951 geb.)
o.T., 1983
Öl auf Leinwand; gerahmt; 119 x 145 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 83 Provenienz
Privatbesitz, Wien

„Die Ad-Hoc-Synthese“

So auch in den „Reconstruction“-Bildern, die er seit den 1990er-Jahren schafft.

Ich wollte den Einfluss der bewussten Vorstellung ausschalten. Die Kunst von mir hängt damit zusammen, diese Dinge aufzubrechen. Ich habe das die Ad-hoc-Synthese genannt.

Rudolf Polanszky in Rudolf Polanszky Transaggregate, Video von Cast your art für Galerie Konzett

So erzeugt Polanszky aus vorhandenen Materialien „ad-hoc“ aufgrund einer Idee eine neue Struktur. Er sammelt Materialien, die er zuerst gar nicht benötigt, wie Plexiglas, Metall, Spiegelfolie, Kunstharz, Draht oder Schaumstoff, setzt sie der Witterung oder dem Gebrauch aus, vergisst und findet sie wieder. Nie werden die Materialien in der Absicht bearbeitet, einen bestimmten Zweck zu erfüllen. Im Gegenteil, sie sollen von jeder Nützlichkeit befreit werden. Denn es ist eben ihre bedeutungslose und rein zufällige Verwendung, die eine eigene Aura für den Künstler schafft. So kombiniert er die Elemente immer wieder neu.

Der Künstler und der Kunstmarkt

Was ihm gefällt, will dieser Künstler keinesfalls wiederholen.

Wofür es gut ist? Für gar nichts. Ist doch schön: Wenn es für gar nichts gut wäre und trotzdem bliebe. Das wäre die Lösung überhaupt. Irgendetwas völlig Wertloses für ewig.

Rudolf Polanszky in Rudolf Polanszky Transaggregate, Video von Cast your art für Galerie Konzett

Auch damit entzieht sich der Künstler den üblichen Marktmechanismen. „Es zeichnet Polanszky aus, dass er vor allem am objektivierenden, erkenntnisorientierten Gespräch mit sich selbst, an der Analyse seiner Empfindungen interessiert ist, und nicht auf das konforme System des Marktes schielt.“ (Benedikt Ledebur, hyperbolische Räume, Benedikt Ledebur zur Ausstelllung 2010 in Katalog zur Ausstellung Rudolf Polanszky – retrospektiv, ©2018 Konzett Galerie, Wien).

Rudolf Polanszky*
(Wien 1951 geb.)
o.T., 2005
Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 160 x 241 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 05
Provenienz
Privatbesitz, Wien

Diese Aufrichtigkeit im Werk des Künstlers wird mehr und mehr erkannt und geschätzt, wird zum Wert an sich und hebt sein Schaffen auf eine zweite Ebene. Darum erreicht Polanszky in den letzten Jahren Spitzenpreise. Er wird nicht nur in New York gezeigt, sondern hatte bereits 2018 in der Wiener Secession eine Einzelausstellung, und seine Werke finden sich in den Sammlungen des Belvedere Wien und des Rubell Museums, Miami.

Rudolf Polanszky*
(Wien 1951 geb.)
o.T., 2005
Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 170 x 140 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 04
Provenienz
Privatbesitz, Wien

Auch das Auktionshaus im Kinsky sieht in den letzten Jahren einen beständigen Trend dahin, dass die meisten Bieter nicht mehr im Saal an der Auktion teilnehmen, sondern bequem von zu Hause oder auch unterwegs mitsteigern.

Kunst online verkaufen – und das äußerst erfolgreich

Allein bei seiner letzten Auktion kamen 75 % der Gebote von außerhalb des Auktionssaales. Ihre Kunden haben das Angebot angenommen und bieten nun von überall auf der Welt über schriftliche Gebote, telefonisch, ihre Sensalin oder sind live dabei über die im Kinsky Online-Bidding-Platform.

Das Internet ist zu einem essenziellen Werkzeug geworden in der Kommunikation zwischen Käufern und Verkäufern.

Nicht nur lässt sich Kunst online wunderbar präsentieren, sie lässt sich auch bequem suchen und erreicht so neue Interessenten überall auf der Welt. Künstler und ihre Werke werden entdeckt – dank Sozialen Medien und Suchmaschinen ohne regionale Restriktionen. Die ganze Welt ist verbunden und seit einigen Jahren auch die Kunstwelt in all ihren Facetten. Wundert es da noch, dass 2018 der gesamte Online-Kunstverkauf einen Umsatz von 3,75 Milliarden Dollar erzielen konnte? (Parnass: Der online Kunstmarkt erwacht gerade erst, 10.07.18)

Corona zwingt die Kunst, ins Netz auszuweichen

Als COVID-19 uns alle zwang, Maßnahmen zu ergreifen, mussten viele Messen ein Einsehen haben und verschoben ihre Termine. Nicht jedoch die Art Basel in Hongkong, die mit schnellem Umdenken eine komplette Kunst-Messe auf die Beine stellte – komplett kontaktlos und online. 90 % der ursprünglichen Teilnehmer waren an diesem Projekt beteiligt.

Dass sich dieser Schritt mehr als lohnte, zeigen die Verkäufe. Allein am ersten Tag veräußerte die Galerie „Gagosian“ von ihren zehn im Online-Showroom präsentierten Werken sieben. Auch der Österreicher Thaddaeus Ropac verkaufte bereits am ersten Tag gut und hochpreisig. (Zeit Online: Corona-Krise: Kunstmarkt weicht ins Netz aus, 23.3.20)

Hierbei handelt es sich aber um kein neues Phänomen und der Erfolg der Online-Messe ist daher nicht allein der Krisensituation geschuldet. Sehr deutlich beweist des David Zwirmer, der seit 2017 auf Online in Sachen Kunstverkaufen setzt. Die Zahlen sprechen eine deutliche Sprache. War es 2018 noch ein Preiswachstum von 159 %, verzeichnete das Jahr 2019 bereits 400 %. Und auch Ketterer führt mittlerweile bis zu 90 % seiner Auktionen online durch und verkauft dort gut. Vor allem im Preissegment zwischen 10.000 € und 40.000 €. (Zeit Online: Corona-Krise: Kunstmarkt weicht ins Netz aus, 23.3.20)

Keine Saalbieter, kein Untergang?

Kunst ist also nicht darauf angewiesen, dass sich Säle füllen, während Auktionen abgehalten werden. Die Spannung des Steigerns, das Adrenalin, das durch die Venen jagt, wenn man im Gefecht mit einem anderen Bieter versucht, das Kunstwerk für sich zu erringen, entsteht genauso am Telefon und online, wo Sie mit nur einem Mausklick mitbieten können, während der Stream Ihnen das Gefühl vermittelt, live dabei zu sein.

Als Käufer entgeht Ihnen, außer dem sozialen Event, das mit so einer Auktion zusammenhängt, nichts. Restriktive Zeiten verlangen ein Umdenken, aber sie bieten auch Chancen. Online-Showrooms haben gezeigt, dass eine Vorortbetrachtung der Kunstwerke nicht ausschlaggebend sein muss.

Man findet genug Beispiele auf dem Kunstmarkt, die immer und immer wieder unter Beweis stellen, dass das Internet längst nicht mehr der Ort ist, an dem lediglich niedrigpreisige Kunst erfolgreich verkauft werden kann.

Fazit

So kann das Auktionshaus im Kinsky die Frage „Auktionen ohne Saalbieter, kann das funktionieren?“ ganz klar mit einem Ja beantworten! Deswegen sieht das im Kinsky-Team mit großer Zuversicht ihrer großen Sommerauktion (23. – 25. Juni 2020) entgegen und kann Ihnen versichern, dass Ihre Kunst bei ihnen in besten Händen ist.

Ein Highlight im Kinsky

Mit einem Kaufpreis (KP) von €249.600 (Hammerpreis HP €195.000) waren „Die Kegler“ von Werner Berg das Top-Lot der März-Auktion. Der „deutsche Kärntner“ hält damit zuverlässig sein hohes Preisniveau.

Werner Berg: Vita

Werner Berg wurde am 11. April 1904 in Elberfeld (Wuppertal) in Deutschland geboren, er starb am 7. September 1981 in Kärnten.

Berg studierte von 1927-29 an der Akademie der bildenden Künste in Wien; 1931 zog er mit seiner Frau Amalie auf den Rutarhof, einen Bergbauernhof im Kärntner Unterland; wo er bis zu seinem Tod lebte. Die Lebensverhältnisse dort waren karg, bis in die 60-er Jahre gab es weder Elektrizität noch fließendes Wasser. Der Plan des Paares war, dass die Landwirtschaft den Maler vom Kunstbetrieb unabhängig machen sollte, was aber nur durch harte Arbeit möglich war:

Berg, seine Frau und später die fünf Kinder führten genau das primitive Leben des bäuerlichen Alltags, das in dem knappen Stil seiner Bilder immer wieder vorkommt.

„Entartete Kunst“

Diese stießen bei den Nationalsozialisten auf Unverständnis; ein Werk Berg’s wurde sogar in der „Entartete Kunst“ Wanderausstellung 1939 gezeigt. Nach dem Krieg, während dem er als Landschaftsmaler nach Skandinavien beordert worden war, kam Berg auf den Rutarhof zurück und beobachtete die Veränderungen der archaischen, kleinbäuerlichen Welt durch Industrialisierung und Wandel der Arbeitswelt.

Die wichtigsten künstlerischen Erfahrungen sammelte Berg nicht in anderen künstlerischen Positionen oder Bewegungen, sondern in der Auseinandersetzung mit sich selbst und der Welt des ländlichen Lebens. In seinem Bilderkosmos ist das Existenzielle immer präsent..

Hans-Peter Wipplinger, Geleitwort, in Katalog zur Ausstellung Werner Berg zum 100. Geburtstag, S. 6, Hg Franz Smola, Verlag Johannes Heym, Klagenfurt 2015.

Ein schwieriger Zeitgenosse

Obwohl Berg immer wieder Gäste auf dem Rutarhof empfing (Ende der 40-er Jahre etwa eine junge Maria Lassnig mit Arnulf Rainer, später auch Dichter wie Thomas Bernhard), so waren seine Freundschaften doch meist nur von kurzer Dauer. Mit Emil Nolde und vor allem mit Herbert Böckl verkrachte er sich, letzterer erschwerte Berg‘s Erfolg in Wien erheblich.

Eine Liebesbeziehung zu der Kärntner Dichterin Christine Lavant in den 50-er Jahren wiederum belastete seine Ehe schwer, nach dem Ende der Affäre führte Berg‘s Selbstmordversuch zu einem langen Krankenhausaufenthalt. In der darauffolgenden Schaffensphase stiegen aber sein künstlerisches Ansehen und seine Verkäufe, was die schwere wirtschaftliche Lage auf dem Hof endlich erleichterte.

Der Chronist der Landbevölkerung

Seine Themen blieben die eines Chronisten der Landbevölkerung; Bauern, Jahrmarktbesucher, Kirchgänger, Eisschützen, Busreisende, Wartende und natürlich Kegler tauchen immer wieder in seinem Werk auf. Berg ging es um formale Reduktion und Einfachheit der Bildgestaltung: Ordnung und Gliederung, Strenge, dabei doch eine ruhige Grundstimmung und Harmonie charakterisieren sein Werk. (vgl Hans-Peter Wipplinger, Geleitwort, in Katalog zur Ausstellung Werner Berg zum 100. Geburtstag, S. 6, Hg Franz Smola, Verlag Johannes Heym, Klagenfurt 2015.).

Bekannt ist Berg auch für seine Holzschnitte, die sein Prinzip der flächigen Darstellung perfekt illustrieren. Thomas Bernhard bemerkte dazu: „Werner Berg leistet seit Jahrzehnten Vorzügliches auf dem Gebiet des modernen Holzschnittes, er darf als Bahnbrecher auf ein geradezu österreichisches abstraktes Element angesehen werden und nimmt europäischen Rang ein.“ (aus Website Werner Berg Museum, http://www.wernerberg.museum/de/biographie/1953-1961/)

„Die Kegler“

Im vorliegende Bild „Die Kegler“ beobachtet Berg wiederum die Menschen in seiner Umgebung; an Kirch- und Festtagen wurde oft gekegelt. Den Künstler interessierte dabei der Ernst der wie Statuen aufgereihten Akteure; nicht selten wurden hohe Summen verspielt. Während in den ersten Kegler- Bildern noch eine der Figuren, die Kugel stoßend, hervortritt, fällt in den letzten, konzentriertesten der Serie jeder äußerlich erkennbare Anlass weg.

Die auf diesem Bild dargestellten Kegler standen auf einem Damm über der Straße (beim Gastwirt Edelbauer in EInersdorf, nahe Bleiburg), von wo aus Berg sie beobachtete. Der durch eine Bergsilhouette bereicherte Horizont lag tief unter ihnen.  Dies und die, lange Schatten werfende, sinkende Sonne verleihen den deutlich überlagerten Figuren monumentale Größe.

Zum Thema wird deren schicksalsergebene Vereinsamung in einer verlöschenden Welt. Mit der Summe seiner Lebenserfahrung und am Höhepunkt seiner Malkunst schildert Werner Berg seine eigene existentielle Situation. (vgl Harald Scheicher in Auktionskatalog im Kinsky, Auktion 4. März 2020, Hg und Verleger Auktionshaus im Kinsky GmbH).

imkinsky

Eine Auktion ist meist ein Anlass für eine Schlagzeile der Superlative. Rekordpreise faszinieren nicht nur Sammler, Auktionatoren und Verkäufer, sondern auch Unbeteiligte. Das Auktionshaus im Kinsky hält aktuell bei 27 Weltrekorden, bietet aber auch sonst Höchstleistungen.

1993 gründeten fünf Kunsthändler, jeder für sich ein ausgewiesener Experte für Malerei, Antiquitäten und Jugendstil, die Wiener Kunst Auktionen, im Jahr 2000 wurde mit der Übersiedlung der Name in Auktionshaus im Kinsky geändert. Von 2010 bis 2018 führten Michael Kovacek und Dr. Ernst Ploil als geschäftsführende Gesellschafter das Unternehmen. Nach 25 erfolgreichen Jahren erfolgte Ende 2017 ein Eigentümerwechsel: Christoph la Garde übernahm die Mehrheitsanteile des Unternehmens und die Geschäftsführung.

€ 5 5 . 0 0 0

Jakob Seisenegger (1505–1567),
Bildnis der Erzherzogin Elisabeth (1526–1545), 1537.
Sparte: Alte Meister.

Weltrekord!

New standards

Von Beginn an setzte das Haus im Kinsky neue Maßstäbe in Bezug auf Qualität, Recherche und persönliches Service und etablierte sich als eines der führenden Häuser im deutschsprachigen Raum. Das regelmäßige Angebot umfasst sechs Sparten: zum einen die Kunst der „Alten Meister“, Bilder des 19. Jahrhunderts, der Klassischen Moderne und der Zeitgenössischen Kunst. Zum anderen Antiquitäten mit Schwerpunkt auf Glas, Porzellan und Silber, bei denen die ganze Bandbreite des kunsthandwerklichen Schaffens aller Kunstepochen abgedeckt wird. Und schließlich Jugendstil mit dem Fokus auf die Wiener Werkstätte, in dieser Sparte hat sich das Haus fraglos als erste Adresse etabliert.

€ 3 5 0 . 0 0 0

Franz Sedlacek (1891–1945)
Landschaft mit Nebelmeer 1921.
Sparte: Klassische Moderne.

Weltrekord!

€ 1 2 0 . 0 0 0

Alfons Schilling* (1934–2013), o.T. 1962.
Sparte: Zeitgenössische Kunst.

Weltrekord!

Alte Meister, neue Rekorde

Neben den bereits erwähnten 27 Weltrekorden für Künstler wie Richard Gerstl, Kolo Moser, Max Oppenheimer oder Franz Sedlacek, stellt das Kinsky außerdem 39 Österreichrekorde für Werke von Gustav Klimt und Egon Schiele.

Das vom Auktionshaus im Kinsky versteigerte Ölgemälde Die Prozession von Egon Schiele erzielte im Jahr 1998 mit 4.240.000 Euro – Hammerpreis 3.500.000 Euro den damaligen Rekordpreis für Malerei am österreichischen Markt.

€ 1 5 5 . 0 0 0

Ernst Fuchs* (1930–2015),
Christus vor Pilatus, 2007
Sparte: Zeitgenössische Kunst.

Weltrekord!

€ 9 0 . 0 0 0

Otto Muehl* (1925–2013), Kreuzigung, 1984
Sparte: Zeitgenössische Kunst.

Weltrekord!

Seitdem gilt das Auktionshaus als Garant für Toppreise und Rekordergebnisse, sowohl für österreichische als auch für internationale Künstler. Das Gegenteil zu aufsehenerregenden Auktionen sind Private Sales:

Vor allem die ,Nichtöffentlichkeit‘ macht den Private Sale so interessant. Er bietet die Möglichkeit, über ein Auktionshaus, wo auch ein hohes Vertrauen in die Marke besteht, nicht sichtbar und diskret einen Verkauf durchzuführen. Private Sale hat für Auktionshäuser in den letzten Jahren stark an Bedeutung gewonnen,

so Geschäftsführer und Eigentümer Christoph la Garde.

€ 1 0 0 . 0 0 0

Rudolf Polanszky* (geb. 1951), Reconstructions, 2005.
Sparte: Zeitgenössische Kunst.

Weltrekord!

Professionalität & Diskretion

Die Kunden schätzen am im Kinsky die Professionalität und Diskretion und profitieren vom weltweiten und vertrauten Zugang zu privaten und institutionellen Sammlern und Sammlungen. Diskretion gehört auch zum Beruf von Monika Uzmann. Sie ist Sensalin im Kinsky.

Als Sensalin bin ich ein Name für die Namenlosen. Die Faszination, die Kunst ausüben kann, und der Antrieb für die Sammelleidenschaft meiner Kunden lassen den Funken auf mich überspringen und während der Auktion für und mit ihnen zittern!

Monika Uzmann

€ 5 8 , 0 0 0

Rachel Ruysch (1664–1750), Stillleben mit Trauben, Pfirsichen und einer Fliege 1690er Jahre.
Sparte: Alte Meister.

Österreichrekord!

Diese Leidenschaft ist es auch, durch die Auktionen, wenn nicht zum Zittern, doch zum Mitfiebern einladen und die jeden Rekordpreis zu einer guten „Story“ werden lässt.

KOMMENDE AUKTION
23. – 25. Juni 2020
Alte Meister – Gemälde des 19. Jahrhunderts – Antiquitäten – Jugendstil & Design – Klassische Moderne – Zeitgenössische Kunst

imkinsky.com

Hindman ist eines der landesweit führenden Auktionshäuser für Kunst in Chicago und bietet ganzheitliche Lösungen, die Städte bundesweit mit dem globalen Kunstmarkt verbinden, indem es Fachwissen in allen Kategorien, Vertriebskanälen und Preisklassen bereitstellt.

Hindman betreibt in den USA mehr Verkaufsräume als jedes andere Auktionshaus und führt jährlich über 100 Auktionen in Kategorien wie fine jewelry and timepieces, contemporary art, 20th century design, rare books, furniture, decorative arts, couture, Asian works of art, Arts of the American west, numismatics, und mehr durch.

Leslie Hindman Auctioneers & Cowan’s Auctions

Gegründet wurde Hindman durch den Kauf der zwei führenden Auktionshäuser Leslie Hindman Auctioneers (gegr. 1982) und Cowan’s Auctions (gegr. 1995). Das Auktionshaus hat seinen Hauptsitz in Chicago und beschäftigt 150 Mitarbeiter. Weitere Niederlassungen befinden sich in Atlanta, Cincinnati, Cleveland, Denver, Milwaukee, Neapel, Palm Beach, Scottsdale und St. Louis

HINDMAN KUNST AUKTION: NACHKRIEGS- UND GEGENWARTSKUNST
26. September 2019 | 10 Uhr

Die Auktion am 26. September bietet eine große Auswahl an Werken von Künstlern der Gruppe Hairy Who?, Chicago Imagists und Monster Roster mit Höhepunkten von Jim Nutt, Karl Wirsum, Gladys Nilsson, Art Green, Ed Paschke und Leon Golub – ihre Arbeit war bekannt für ihre Groteske, ihren Surrealismus und die völlige Trennung von der Kunstszene in New York oder anderen Trends.

Jim Nutt (Amerikaner, geg. 1938) Plume, 1989

Jim Nutt’s Plume aus dem Jahr 1989 wird auf 200.000-400.000 US-Dollar geschätzt und bietet Sammlern die einmalige Gelegenheit, ein frühes Werk aus seiner Zeit der Porträts zu erwerben, das in den 90er entstand. Diese stilisierten und detaillierten, phantastisch anmutenden Frauen wurden von den formalen Konstrukten der Renaissance-Porträtmalerei beeinflusst.

Ich habe mich in meinem Leben mit Kunst und Künstlern aus Chicago befasst und hatte das Glück, im letzten Jahrzehnt zahlreiche herausragende Beispiele hier bei Hindman auf den Markt zu bringen. Ich kann mit voller Zuversicht sagen, dass diese Auswahl an Gemälden zu den besten zählen.

Zack Wirsum, leitender Experte für Nachkriegs- und Gegenwartskunst

Gladys Nilsson (Amerikanerin, geb. 1940) Dipdick…Adam and Eve after Cranach, 1971

Ein solches Highlight ist das ungewöhnlich große Diptychon von Gladys Nilsson, Dipdick … Adam und Eva nach Cranach, 1971, geschätzt auf 20.000 bis 30.000 USD. Dieses Werk spielt auf Lucas Cranachs ähnlich betiteltes Meisterwerk der nördlichen Renaissance an. Die Künstlerin verwendet in dieser Arbeit hochwertige Farben, dynamische Muster und skurrile verwobene Körper, um einen Klassiker neu zu interpretieren und zu beleben.

Zum ersten Mal seit den späten 60er Jahren werden zwei Gemälde aus Karl Wirsums bahnbrechender Doggerel-Serie von lebhaft elektrisch gefärbten und grafisch scharfkantigen anthropomorphen Hunden wiedervereinigt. Doggerel, 1966 und Doggerel III, 1967 werden interessanterweise aus zwei verschiedenen Kollektionen auf den Markt gebracht.

Ursprünglich von einer Gruppenausstellung in der Dell Gallery im Jahr 1966 und der zweiten Hairy Who? Ausstellung im Hyde Park Art Center im Jahr 1967erworben, sind die Werke seitdem bei den ursprünglichen Käufern geblieben. Dieses Gemäldepaar illustriert Wirsums Entwicklung von einer offeneren Abstraktion zu einer vollständig frontalen, frenetisch-symmetrischen Figuration, die in den restlichen 60er Jahren und darüber hinaus zu seinem Markenzeichen wurde.

Weitere bedeutende Künstler aus Chicago sind Leon Golub, Richard Hunt, George Cohen und Gertrude Abercrombie.

Darüber hinaus umfasst die Auktion zahlreiche bemerkenswerte nichtrepräsentative Werke aus den Epochen des Abstrakten Expressionismus, des Farbfelds und der Op-Art, darunter Gemälde und Arbeiten auf Papier von Sam Francis, Larry Zox, Hans Hofmann, Alexander Calder, Alan Davie und Victor Vasarely und Richard Anuszkiewicz.