Warum Holz mehr ist als ein Baustoff – und zur Denkweise moderner Architektur wird

Holz ist zurück – nicht als Trend, sondern als Haltung. Für Matteo Thun & Partners wird der Baustoff zur Philosophie: sinnlich, technologisch und tief verwurzelt im Kontext von Mensch, Ort und Umwelt. Ein Gespräch mit Elisa Vago zeigt, warum Holz heute mehr denn je die Zukunft der Architektur prägt.

Holz als Denkweise im Entwurf

„Holz ist nie neutral.“ – dieser Satz beschreibt präzise, was Holz im architektonischen Kontext bedeutet. Es ist nicht bloß Material, sondern Träger von Geschichte, Handwerk und Zeit. Holz reagiert auf Klima, Nutzung und Alterung – es lebt und erzählt.

Für Matteo Thun & Partners wird Holz damit zur Haltung im Entwurfsprozess:
Wie verhält sich ein Gebäude zur Natur? Wie zum Alltag der Menschen? Und wie wird es sich über Jahrzehnte entwickeln?

Diese Fragen stehen im Zentrum einer Architektur, die sich nicht nur als Form, sondern als Beziehung versteht.

Design for people, for places, for life

Architektur muss mehr leisten als Ästhetik. Sie soll Räume schaffen, die Wohlbefinden fördern, die heilen, inspirieren und verbinden.

Holz spielt dabei eine Schlüsselrolle:

• durch seine natürliche Wärme
• durch seine sensorische Qualität
• durch seine ökologische Bilanz

Doch entscheidend ist der Kontext – der Genius Loci. Jeder Ort verlangt eine eigene Antwort. Genau hier entfaltet Holz seine Stärke: als Material, das sich kulturell und atmosphärisch einfügt.

Ein Hightech-Material mit Geschichte

Holz ist längst kein nostalgischer Baustoff mehr. Durch moderne Technologien wie Brettschichtholz oder CLT (Cross Laminated Timber) wird es zu einem hochpräzisen, leistungsfähigen Material.

Feuerbeständigkeit, Haltbarkeit und mechanische Eigenschaften wurden erheblich verbessert. Gleichzeitig bleibt Holz zeitlos und flexibel – eine seltene Kombination aus Tradition und Innovation.

Die Philosophie der „3 Zeros“

Nachhaltigkeit ist kein Schlagwort, sondern System. Die sogenannte 3-Zero-Philosophie beschreibt einen ganzheitlichen Ansatz:

• Zero Kilometer – kurze Transportwege
• Zero Emissionen – CO₂-Speicherung im Material
• Zero Abfall – Wiederverwertbarkeit

Ein Kubikmeter Holz speichert rund eine Tonne CO₂ – ein entscheidender Beitrag im Bausektor, der für etwa 40 % der Emissionen verantwortlich ist.

Weiterdenken statt Wegwerfen

Ein besonders eindrucksvolles Beispiel ist die Installation Fratelli Tutti:
Holz aus einer verlassenen Almhütte wird zu einem Meditationsraum transformiert – und kehrt nach seiner temporären Nutzung wieder in die Alpen zurück.

Kreislaufwirtschaft wird hier zur gelebten Praxis, nicht zur Theorie.

Patina als Teil des Designs

Holz altert – und genau darin liegt seine Schönheit.

UV-Strahlung, Wetter und Zeit verändern die Oberfläche. Doch statt diese Prozesse zu bekämpfen, werden sie bewusst in den Entwurf integriert.

Patina wird zum Ausdruck eines lebendigen Materials.

Grenzen, die Wissen erfordern

So vielseitig Holz ist, so anspruchsvoll ist sein Einsatz. Es reagiert sensibel auf Feuchtigkeit, Temperatur und Belastung.

Ein schlecht durchdachtes Projekt verzeiht keine Fehler – sie werden sichtbar, technisch wie ästhetisch.

Holz verlangt Präzision, Wissen und Respekt.

Eine Haltung für die Zukunft

Holz steht für eine neue Art zu bauen:
bewusst, zirkulär und menschenzentriert.

Es verbindet Technologie mit Emotion, Nachhaltigkeit mit Kultur – und zeigt, dass Architektur mehr sein kann als Konstruktion:

eine Beziehung zwischen Mensch, Natur und Zeit.

Die Ausstellung „Tanzbild“ in der ALBERTINA MODERN erzählt anhand historischer Fotografien die faszinierende Geschichte des Tanzes zwischen Bewegung, Inszenierung und fotografischer Innovation – von den frühen Atelieraufnahmen des 19. Jahrhunderts bis zur avantgardistischen Tanzfotografie der 1930er-Jahre.

Wenn Bewegung zum Bild wird

Tanz ist flüchtig. Eine Bewegung existiert nur für einen Augenblick – und verschwindet im selben Moment wieder. Genau diese Vergänglichkeit fasziniert Fotograf:innen seit den Anfängen der Fotografie. Mit der Ausstellung „Tanzbild. Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA“ widmet sich die ALBERTINA MODERN diesem Spannungsfeld zwischen Bewegung und Stillstand und zeichnet eine visuelle Geschichte der Tanzfotografie von den 1860er-Jahren bis in die frühen 1940er-Jahre nach. Rund 120 Werke aus der Fotosammlung der Albertina geben Einblick in eine Epoche, in der Tanz und Fotografie gleichermaßen neue Ausdrucksformen entwickelten.

Tanzfotografie zwischen Bühne und Atelier

Die frühesten Tanzfotografien entstanden in den Ateliers des 19. Jahrhunderts. Tänzerinnen und Tänzer wurden dort in statischen Posen oder klassischen Porträts inszeniert – oft als Sammelbilder im sogenannten Visitformat oder als großformatige Kabinettkarten. Diese Fotografien machten Künstler:innen zu frühen Stars und prägten eine neue visuelle Kultur der Prominenz.

Mit den technischen Fortschritten der Fotografie – insbesondere kürzeren Belichtungszeiten – begann sich das Bild des Tanzes zu verändern. Ab dem späten 19. Jahrhundert konnte erstmals Bewegung selbst fotografisch festgehalten werden. Serienaufnahmen und Bewegungsstudien machten Abläufe sichtbar, die zuvor dem menschlichen Auge verborgen geblieben waren.

Die Geburt der Tanzmoderne

Besonders intensiv widmet sich die Ausstellung der Zwischenkriegszeit, einer Phase, in der sich der moderne Tanz als eigenständige Kunstform etablierte. Tänzerinnen wie Isadora Duncan, Mary Wigman oder Josephine Baker prägten eine neue Körperästhetik, die sich bewusst vom klassischen Ballett abgrenzte. Ausdruck, Individualität und körperliche Freiheit rückten in den Mittelpunkt.

Parallel dazu entwickelte sich die Fotografie zu einem kreativen Partner der Performance. Fotograf:innen wie Trude Fleischmann, Rudolf Koppitz, Atelier d’Ora oder Charlotte Rudolph arbeiteten eng mit den Tänzer:innen zusammen. In diesem dialogischen Prozess entstanden ikonische Bilder, die nicht nur Bewegung dokumentierten, sondern selbst zu künstlerischen Interpretationen des Tanzes wurden. pressemappe_tanzbild_de

Avantgarde, Ausdruck und Inszenierung

Die Tanzfotografie wurde zunehmend experimentell. Fotograf:innen suchten nach neuen Möglichkeiten, Dynamik, Geschwindigkeit und Emotion sichtbar zu machen. Ungewöhnliche Perspektiven, fragmentierte Bildausschnitte oder bewusst inszenierte Gesten spiegelten die ästhetischen Strömungen der Moderne wider.

Ein eindrucksvolles Beispiel ist die Fotografie der Tänzerin Gret Palucca während eines Sprungs, aufgenommen von Charlotte Rudolph. Das Bild vermittelt eine fast schwerelose Dynamik und wurde zu einem ikonischen Motiv der fotografischen Avantgarde der 1920er-Jahre.

Tanz als Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen

Die Fotografien zeigen nicht nur Tanz, sondern auch gesellschaftliche Entwicklungen. In den Illustrierten der Zwischenkriegszeit wurden Tänzerinnen zunehmend als moderne, selbstbewusste Persönlichkeiten inszeniert. Gleichzeitig spiegelte ihre Darstellung neue Vorstellungen von Körperlichkeit, Emanzipation und Sinnlichkeit wider.

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 in Deutschland und 1938 in Österreich erlebten sowohl Tanzszene als auch Fotografie jedoch einen drastischen Bruch. Viele Künstler:innen wurden verfolgt, vertrieben oder ermordet – eine Zäsur, die auch in der Geschichte der Tanzfotografie tiefe Spuren hinterließ.

Eine visuelle Geschichte des Tanzes

„Tanzbild“ macht deutlich, wie eng Tanz und Fotografie miteinander verbunden sind. Die Kamera konserviert nicht nur flüchtige Bewegungen, sondern erschafft auch neue Bildwelten des Körpers in Bewegung.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Tanz nicht nur als Performance zu erleben, sondern als ästhetisches Zusammenspiel von Körper, Licht, Technik und künstlerischer Interpretation.

Ausstellung:
Tanzbild – Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA
Ort: ALBERTINA MODERN, Wien
Dauer: 3. März – 7. Juni 2026
Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: ca. 120 Fotografien

Ein Jubiläum zwischen Welterbe, Perspektivwechsel und kultureller Verantwortung

Seit 1776 steht die ALBERTINA für eine der bedeutendsten grafischen Sammlungen der Welt. Im Jahr 2026 feiert das Wiener Museum sein 250-jähriges Bestehen – nicht mit nostalgischem Rückblick allein, sondern mit einem selbstbewussten Blick nach vorne. Unter dem Leitthema „Große Vergangenheit – Große Zukunft“ entfaltet sich ein Jubiläumsprogramm, das das eigene Erbe neu liest, hinterfragt und für kommende Generationen weiterdenkt.

Gute Kunst ist zeitlos – und genau darin liegt ihre Zukunft.

Die Sammlung als Kraftzentrum

Im Zentrum des Jubiläumsjahres steht die eigene Sammlung: ein kultureller Schatz von Weltrang, der nicht nur bewahrt, sondern aktiv weiterentwickelt wird. Generaldirektor Ralph Gleis beschreibt die ALBERTINA als inspirierendes Kraftzentrum – offen für Innovation, neue Erzählungen und einen Dialog mit dem Publikum. Die Frage lautet nicht nur: Was war? Sondern vor allem: Was kann daraus entstehen?

Drei Ausstellungen – drei Perspektivwechsel

Drei große Jubiläumsausstellungen eröffnen neue Zugänge zur Sammlung:

• Faszination Papier lädt zu einem Entdeckungspfad durch das traditionsreiche Medium Papier ein – sinnlich, überraschend und interaktiv.
• Sammeln für die Zukunft rückt mit Erzherzogin Marie Christine erstmals jene Frau ins Zentrum, die maßgeblich an der Gründung und Ausrichtung der Sammlung beteiligt war. Ikonen von Albrecht Dürer bis Egon Schiele erzählen hier nicht nur Kunst-, sondern auch Sammlungsgeschichte.
• Künstlerinnen der ALBERTINA stellt weibliche Positionen aus Jahrhunderten in einen epochenübergreifenden Dialog – ein sichtbares Zeichen eines laufenden Forschungsprozesses und eines bewussten Perspektivwechsels.

Internationale Highlights & zeitgenössische Positionen

Das Jubiläumsjahr spannt einen weiten Bogen: von Honoré Daumiers politischer Karikatur über große Gegenüberstellungen von Pablo Picasso und Francis Bacon bis hin zu zeitgenössischen Formaten an der Schnittstelle von Kunst und Popkultur. Retrospektiven, Hommagen und Ausstellungen zu Künstlerinnen wie Helga Philipp oder Shara Hughes unterstreichen den Anspruch, historische Relevanz und Gegenwartskunst gleichwertig zu denken.

Offen für alle – Kunst als gemeinsames Erlebnis

Kunst soll verbinden. Deshalb lädt die ALBERTINA 2026 zu zahlreichen partizipativen Formaten: freier Eintritt am Geburtstag des Hauses, Familienprogramme, interaktive Ausstellungen, Kindervernissagen und neue Vermittlungsangebote wie die Kurzformate „Schau mal …“. Auch international wird das Jubiläum gefeiert – von New York bis Rom.

250 Jahre ALBERTINA bedeuten nicht Stillstand, sondern Bewegung. Ein Museum, das seine Geschichte kennt – und daraus mutig Zukunft gestaltet.

Im MAK – Museum für angewandte Kunst in Wien läuft seit dem 10. Dezember 2025 die mit Spannung erwartete Ausstellung „Helmut Lang. Séance de Travail 1986–2005“. Diese Retrospektive widmet sich dem kreativen Schaffen eines der einflussreichsten österreichischen Designer der späten Moderne und bietet einen tiefgehenden Einblick in seine visionäre Denkweise, sein gestalterisches Konzept und seine prägende Rolle zwischen Mode, Kunst und Design.

Eine Ausstellung jenseits klassischer Mode-Schauen

Die Schau im MAK ist weit mehr als eine traditionelle Modeausstellung: Basierend auf dem MAK Helmut Lang Archiv, das Lang 2011 dem Museum übergab und das größte öffentliche Archiv zu seinem Werk bildet, entfaltet sie Langs kreatives Universum zwischen 1986 und 2005. Anstelle einer chronologischen Schau setzt die Ausstellung auf mixed media und ortsspezifische Installationen, die den Besucher durch Langs konzeptionelle Prozesse und seine radikale Vision von Design, Identität und kultureller Praxis führen.

Kuratiert von Marlies Wirth in Zusammenarbeit mit MAK-General­direktorin Lilli Hollein, zeigt die Präsentation nicht nur ikonische Entwürfe und selten gezeigte Kleidungsstücke, sondern auch archivierte Materialien wie Lookbooks, Fotografien, Werbekampagnen und audiovisuelle Medien, die Langs Umgang mit Visuellem Denken und Markenbildung beleuchten.

Ein zentrales Anliegen der Ausstellung ist es, zu veranschaulichen, wie Lang Mode als intellektuelle Praxis verstand — ein Ansatz, der traditionelle Grenzen zwischen Mode, Konzeptkunst und Aktivismus herausforderte und weit über die Laufstege der 1990er-Jahre hinauswirkt.

Warum diese Ausstellung wichtig ist

• Erste umfassende Retrospektive in Wien: Die Ausstellung bietet erstmals einen breit angelegten Blick auf Langs Mode- und Denkweisen in einer institutionellen Gesamtschau.
• Archiv als Erzählstruktur: Das MAK-Archiv fungiert als Denkmodell – die gezeigten Objekte erzählen nicht nur ästhetische Geschichten, sondern machen Langs Arbeitsweise und strategisches Denken sichtbar.
• Interdisziplinäre Perspektiven: Durch die Verbindung von Mode, Kunst und Design eröffnet die Ausstellung neue Zugänge zu Langs Einfluss auf zeitgenössische Kultur.

Über Helmut Lang

Helmut Lang (10. März 1956 in Wien) ist ein österreichischer Modedesigner und Künstler, dessen Arbeiten heute in internationalen Sammlungen – darunter auch im MAK Wien – vertreten sind.

Lang begann seine Karriere in Wien, eröffnete bereits 1979 eine eigene Boutique und präsentierte ab 1986 unter seinem Namen innovative Kollektionen auf dem internationalen Parkett. Sein Stil zeichnete sich durch minimalistische, moderne Silhouetten, technische Materialien und einen intellektuell geprägten Designansatz aus, der klassische Modekonventionen hinterfragte.

In den 1990er-Jahren avancierte Lang zum Symbol einer neuen Form von Luxus: reduziert, funktional und radikal anders als zeitgenössische Modehäuser. Er brachte u. a. digitale Präsentationsformen in die Modewelt, setzte auf ungewöhnliche Marketingstrategien und kollaborierte mit Künstler:innen wie Jenny Holzer und Robert Mapplethorpe.

2005 zog sich Lang aus der Modewelt zurück, um sich ausschließlich der Kunst zu widmen. Seine Arbeiten in den Bereichen Skulptur, Architektur und Konzeptkunst setzen die schöpferische Haltung fort, die ihn schon als Designer auszeichnete.

Die Ausstellung „Helmut Lang. Séance de Travail 1986–2005“ ist noch bis 3. Mai 2026 im MAK Wien zu sehen und ein Muss für alle, die sich für die Schnittstellen von Mode, Kultur und zeitgenössischem Denken interessieren.

In einer Zeit, in der Reisen weit mehr bedeutet als eine Übernachtung, steht The Hoxton Hotels für eine neue Welle urbaner Gastlichkeit: Boutique-Hotels, die nicht einfach global skaliert werden, sondern tief in ihren jeweiligen Stadtvierteln verwurzelt sind. Vom Ursprung im Londoner Shoreditch im Jahr 2006 bis hin zu Häusern in Wien, Berlin, Paris, Barcelona oder New York — jedes Hoxton ist so individuell wie seine Nachbarschaft und möchte nicht nur Besucher, sondern auch Einheimische anziehen.

Schon beim Betreten spürt man es: Die Lobby ist nicht nur Empfangsbereich, sie ist „Offenes Haus“. Große Tische, gemütliche Sitzgruppen, Tageslicht und eine dreidimensionale Energie machen sie zum sozialen Herzstück. Hier trifft man sich zum Frühstück, arbeitet am Laptop, plaudert bei einem Glas Wein oder entdeckt lokale Gespräche – ein Raum, der Gäste, Nachbarn, Kreative und Reisende zugleich empfängt.

Philosophie: Lokale Verbundenheit als DNA

Was The Hoxton von klassischen Hotelketten unterscheidet, ist ein Prinzip, das über Standard-Gastfreundschaft hinausgeht: Jedes Hotel ist ein Spiegel seiner Umgebung. Architektur, Kunst, Möbel, Materialien und Farbwelten orientieren sich nicht an einem universellen Katalog, sondern an der Identität des Viertels. In Berlin etwa verschmilzt die kreative Energie Charlottenburgs mit zeitgenössischem Design; in Paris wird der Charme eines historischen Stadtpalais modern interpretiert. Diese Interieurs entstehen oft in Zusammenarbeit mit lokalen Designern und Kunstschaffenden.

Das Engagement geht über ästhetische Bezüge hinaus: Mit Initiativen wie Good Neighbours will die Marke nachbarschaftliches Miteinander fördern – sei es durch Unterstützung lokaler Projekte, Partnerschaften mit Produzenten oder verantwortungsvolle Nachhaltigkeitspraktiken. Die Hotels verstehen sich als Teil der Stadtgemeinschaft, nicht als abgeschirmte Oasen für Tourist*innen.

Design trifft Alltag – Räume für Begegnung

Das charakteristische Interieur ist von zwei Polen inspiriert: wohnlicher Komfort und städtische Coolness. Hoxton-Hotels setzen bewusst auf Layered Interiors — eine Mischung aus Vintage, lokalem Handwerk, Kunstobjekten und moderner Ästhetik. Möbel wirken „gesammelt“, nicht „gekauft“; Textilien, Kunstwerke oder Fundstücke erzählen Geschichten des jeweiligen Ortes. Dadurch entsteht ein Gefühl von Zuhause auf Reisen.

Doch das Design ist kein Selbstzweck: Es dient der Begegnung. Die Lobby wird zur All-Day-Destination. Restaurants, Bars und Café-Corners sind offen für Nachbarn ebenso wie für Entdecker*innen. Durchdachte Raumsequenzen schaffen einen fließenden Übergang zwischen Rückzug und Geselligkeit – eine ­Balance, die Moderne, Wärme und Ungezwungenheit vereint.

Globale Präsenz, lokale Präsenz

Heute zählt The Hoxton rund 18 Häuser in 15 Städten weltweit — von London über Amsterdam und Barcelona bis New York und Chicago.

Doch trotz internationaler Expansion bleibt die Marke dem „Nachbarschaftsprinzip“ treu: Jeder Standort wird bewusst in ein lebendiges Viertel integriert. Diese urbane Vernetzung ist Teil des Konzepts: ein Hotel, das nicht nur besucht, sondern erlebt wird. So wird jede Reise zu einer Entdeckungsreise durch Kultur, Community und Kreativität.

Hospitality neu gedacht

The Hoxton Hotels stehen für eine Form von Gastlichkeit, die lokale Identität, offenes Design und soziale Räume miteinander verbindet. Sie fordern traditionelle Hotelkonzepte heraus, indem sie Lobbys zu lebendigen Treffpunkten machen, Kunst und Handwerk integrieren und ihre Türen bewusst für Einheimische öffnen. Es ist eine Form von urbaner Lebenskunst, die Reisen, Arbeiten, Genießen und Verweilen in einem fließenden Erlebnis verknüpft — und damit weit über die reine Unterkunft hinausgeht.

Ein Set für alle, die gerne schreiben, planen und Ideen festhalten – stilvoll, handgefertigt und von zeitloser Qualität.

Am fünften Tag des THE Stylemate Adventkalenders verlosen wir ein exklusives paper republic Schreib-Set, bestehend aus vier sorgfältig gefertigten Produkten: einem Ledernotizbuch le portfolio in A5 in der Farbe Bordeaux, dem Kugelschreiber le stylo in Messing, einem wöchentlichen Planer für 2026 sowie einem linierten Notizbuch.

paper republic steht für Handwerk, Qualität und natürliche Materialien – entwickelt und gefertigt in Europa. Das Leder, das für die Produkte verwendet wird, stammt aus einer der letzten vegetabilen Gerbereien Italiens und entwickelt mit der Zeit eine einzigartige Patina.

Ein Set, das Funktionalität und Schönheit vereint – und Schreibende dazu einlädt, wieder langsamer, bewusster und persönlicher zu arbeiten.

So nehmen Sie teil:

1. Öffnen Sie das Kalendertürchen und akzeptieren Sie die Teilnahmebedingungen.
2. Beantworten Sie die Gewinnspielfrage richtig.
3. Bestätigen Sie Ihre Teilnahme.
4. Erhöhen Sie Ihre Gewinnchancen:
    • Instagram: @the_stylemate
    • Facebook: THE Stylemate

Der Partner: paper republic – handgefertigte Qualität aus Europa

paper republic wurde in Wien gegründet und steht für hochwertige Schreibwaren, die Tradition, Handwerk und modernes Design miteinander verbinden.
Alle Produkte werden in Europa gefertigt – mit Fokus auf Nachhaltigkeit, langlebigen Materialien und einer klaren Ästhetik.

Die Marke schafft Objekte, die nicht laut wirken müssen, um Eindruck zu hinterlassen: Sie begleiten ihren Besitzer über Jahre, werden schöner mit der Zeit und schenken jedem Moment des Schreibens eine besondere Ruhe.

Ein Statement gegen digitale Schnelllebigkeit – und ein Blick zurück auf das, was bleibt.

Website: https://www.paper-republic.com/de-at

Zwischen Barock und der Geschichte des Hauses treten im Arthotel Lasserhaus fünf zeitgenössische Werke hervor – subtil, verschmitzt und voller Fragen an Zeit und Struktur.

Die dekorative Fassade in der Brixener Innenstadt verrät es schon: Im Arthotel Lasserhaus lebt die Kunst. Das Gebäudekonglomerat, dessen älteste Mauern aus dem frühen 15. Jahrhundert stammen, könnte glauben lassen, dass nur Altes im Inneren herrscht. Und tatsächlich prangt hier auch die die Sammlung barocker Werke der Besitzerfamilie in beeindruckendem Glanz. Doch dann treten fünf zeitgenössische Werke hervor, leise, fast verschmitzt, und flüstern: Nichts ist so festgelegt, wie es scheint. Geschichte trifft Gegenwart. Erwartung trifft Überraschung: Es ist ein Lied über die Zeit, das ein like verdient.

Blick auf die Struktur

An der alten Gewölbedecke des Künstlerzimmers hängt eine zeitgenössische Installation von Esther Stocker, die nicht nur einen Kontrast zur Historie des Gebäudes bildet, sondern auch in sich selbst eine ungewöhnliche Spannung erzeugt. Es sind Objekte aus Holz und Metall, die in einen Vinylstoff mit geometrische Formen in schwarz und weiß eingekleidet sind. Durch die unregelmäßige Hülle verliert das Muster seine Form und steht damit sinnbildlich für den Durchbruch des Systems und das Erschaffen neuer Perspektiven. Wo dieser Gedanke wohl noch hinführt, wenn man auf dem Bett liegend auf die Stocker’schen Planeten an der Decke blickt?

Esther Stocker 

* 1974 in Schlanders, lebt und arbeitet in Wien

Gedanken und Planeten, 2023
Vinyl, Holz, Metall

Je Objekt zwischen 20-60 cm

Stufe für Stufe

Wie viele Menschen diese sprialförmige Treppe aus Holz wohl schon hinauf und hinuntergegangen sind. Im Eiltempo, zwei Stufen auf einmal nehmend oder verträumt und innehaltend? Es ist ein scheinbar banales Alltagsobjekt, das Alexander Wierer hier mit einem wortwörtlichen Twist versehen hat. Fast unbemerkt ist in der ersten Sprosse des Handlaufs ein Holzelement eingebaut. Es lässt sich wie ein Uhrwerk aufziehen, bevor es sich dann gegen das hölzerne Geländer entlädt. Ein Sinnbild, wie die Zeit vergeht.

Alexander Wierer

* 1989 in Brixen, lebt und arbei­tet in Brixen

Lieder über die Zeit, 2023
Uhrwerk, Holzgeländer

70 x 3 x 3 cm

Schlaf-Gymnastik

Im Gästezimmer Nr. 1 wird das Bett selbst zum Kunstwerk. Denn statt eines Hauptes thront eine Installation von Ingrid Hora an der Wand, die an Sprossenwände aus dem Turnsaal erinnert. Dabei fehlen jedoch Sprossen, einige schießen seitlich hinaus, manche sind abgeschnitten oder sogar gebogen. Sportlich sollte man sich daran also eher nicht betätigen. Vielmehr ist es eine Einladung an einen selbst, Gedanken herumturnen zu lassen und so neue Sichtweisen zu erlangen.

Ingrid Hora

* 1976 in Bozen, lebt und arbeitet in Berlin

Sprossenwand, 2023
Buchenholz

455 x 315

Schriftzug-Trilogie

Gleich drei Werke stammen von Petra Polli. Für expect the best dient ein metallenes Fundstück, das einst zum Dach gehörte, als Grundlage. In Kombination mit dem Schriftzug weckt es kühn Erwartungshaltungen. M ist eine weißblaue Neon-Kritzelei, die den Eindruck vermittelt, von Kindern gemalt worden zu sein – und vielleicht für ein „M“ wie Mama stehen könnte. Die sieben Spitzen erinnern an sieben Generationen, die hier über die letzten 200 Jahre jedoch alle kinderlos gelebt haben. Und die von der Graffiti-Szene inspirierten Betonskulptur LIKE inspiriert dazu, das Haus in den sozialen Medien positiv zu bewerten: eine subtile Verknüpfung von öffentlich und privat.

Petra Polli
*1976 in Bozen, lebt und arbeitet in Bozen und Leipzig

expect the best, 2023
Neon weiß, Kupferblech
1
28 x 47 cm

LIKE, 2016
Betonskulptur

80 x 88 x 4 cm

M, 2023
Neonlinien weißblau

78 x 66 cm

Visualisierte Reben

Im Weinkeller des Lasserhauses legt sich Peter Koglers Arbeit wie eine zweite Haut über Wände, Gewölbe und Boden – es ist ein organisches Geflecht aus computergenerierten Bildcodes, das sich an die Architektur schmiegt. Rankenhafte Linien und tanzende Kugelformen, die an Reben und Weintrauben erinnern lassen den Raum sanft psychedelisch vibrieren und verführen den Blick zu einem kleinen visuellen Rausch.

Peter Kogler
* 1959 in Innsbruck, lebt und arbeitet in München und Wien

Ohne Titel, 2023
Digitaldruckfolie

Arthotel Lasserhaus is a member of Lifestylehotels

Fotos: Franziska Unterholzner; Thomas Roetting (expect the best)

Zur Wiener Staatsoper – eine neue Adresse für urbane Eleganz im Herzen der Stadt

Es gibt Orte in Wien, an denen sich die Stadt von ihrer konzentriertesten, beinahe verdichteten Seite zeigt. Orte, an denen Geschichte und Gegenwart ineinanderfließen, an denen Stimmen, Schritte, Kultur und leises Flanieren ein eigenes Stadtbild weben. Genau hier, wenige Meter von der Wiener Staatsoper entfernt, hat ein neues Boutiquehotel seine Türen geöffnet: Zur Wiener Staatsoper – ein Haus, das in seiner Zurückhaltung auffällt und in seiner Eleganz Ruhe ausstrahlt.

Wien im Radius eines Spaziergangs

Das Hotel liegt in einer jener Lagen, in denen man die Stadt nicht sucht – sie findet einen.
Früh am Morgen weht der Klang der Opernproben über den Ring. Menschen strömen zur Albertina, Cafés öffnen ihre Türen, die Kärntner Straße erwacht. Das Hotel liegt mitten im Rhythmus Wiens und bleibt doch ein stiller Pol.

Wer hier wohnt, befindet sich in einem Radius, der sich wie eine Sammlung intensiver Eindrücke anfühlt:

• die barocke Geste der Albertina,
• die imperiale Weite der Ringstraße,
• die steinernen Geschichten des Stephansdoms,
• die Kunstschätze im Kunsthistorischen Museum,
• das geschäftige Treiben am Naschmarkt.

Alles ist nah, alles erreichbar – nicht als Checkliste, sondern als natürlicher Teil des Tages.

Boutique-Charakter mit Wiener Haltung

Das Hotel zeigt Wiener Eleganz, wie sie heute verstanden wird: nicht laut, nicht imposant, sondern konzentriert, warm und präzise.
Holz, ruhige Farben, feine Texturen, ein Hauch klassischer Formen – es ist ein Haus, das Gesten statt Effekte setzt.

Der Salon, in dem das Frühstück serviert wird, wirkt wie ein Raum, in dem Zeit sich freiwillig verlangsamt. Hier beginnt der Tag mit einem Gefühl von Gelassenheit, das man inmitten einer Großstadt selten findet.

Ein Ort für Entdecker – und für jene, die Wien schon kennen

Zur Wiener Staatsoper ist weniger ein Ausgangspunkt als eine Haltung:
ein Aufenthalt, der die Stadt nicht nur zeigt, sondern spürbar macht.
Die Nähe zu den großen Bühnen, Museen und historischen Straßen macht den Aufenthalt zu einem weichen Eintauchen in die Essenz Wiens – für Erstbesucher genauso wie für Kenner.

Ein Angebot zum Kennenlernen – exklusiv bei THE Stylemate

Zum Start hält THE Stylemate ein kleines Highlight bereit:
einen Smart Traveller Voucher, ideal, um das Haus in Ruhe kennenzulernen – oder um jemanden zu beschenken, der Wien schon immer einmal in dieser Intensität erleben wollte.
Ein eleganter Einstieg in ein Hotel, das nicht versucht, zu blenden, sondern zu begleiten.

Ausstellung in der Albertina Wien, 14. November 2025 bis 6. April 2026

In der neuen Ausstellung „Motherscape“ widmet die Albertina Wien der japanisch-schweizerischen Künstlerin Leiko Ikemura eine große Retrospektive, die ihr Werk als ein einziges, fließendes Universum erfahrbar macht – zwischen Körper und Landschaft, Mensch und Natur, Werden und Sein.

Zwischen Ost und West – eine Sprache der Stille

Leiko Ikemura, 1951 in Tsu (Japan) geboren, verbindet in ihrem Schaffen die westliche und die östliche Welt.
Ihre Kunst spricht in einer leisen, doch kraftvollen Sprache, die von Achtsamkeit, Transformation und weiblicher Schöpfungskraft erzählt.
In ihren Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen aus glasiertem Ton, Glas oder Bronze verschmelzen Körper und Landschaft, Mensch und Natur – zu Formen, die zugleich verletzlich und stark, flüchtig und ewig wirken.

Motherscape – Eine Landschaft der Schöpfung

Motherscape ist mehr als ein Ausstellungstitel: Es ist ein poetisches Konzept.
Für Ikemura bedeutet Motherness nicht Mutterschaft im familiären Sinn, sondern eine schöpferische, lebensspendende Energie, die in allem Lebendigen wirkt.
Diese Kraft, jenseits von Geschlechterrollen, steht für Entstehung, Wandel und Erneuerung.
In Ikemuras „Landschaften des Mutterseins“ verbinden sich Körper, Erde und Licht – ein universaler Raum der Verbundenheit.

Werden, Wandel, Wesen

Ikemura versteht Kunst als einen offenen Prozess, nie abgeschlossen, stets im Fluss.

„Anfang und Ende sind nicht mein Interesse“, sagt sie. „Entscheidend ist, was dazwischen geschieht.“

Diese Haltung durchzieht ihr gesamtes Werk – von den leuchtenden Farbschichten ihrer Malerei bis zu den organischen Bronzen, in denen Fingerabdrücke, Bruchstellen und Spuren sichtbar bleiben.
Ihre Wesen – halb Mensch, halb Natur – verkörpern die Idee, dass alles miteinander verbunden ist.
Tiere, Pflanzen, Menschen – sie alle sind Teil eines großen, atmenden Ganzen.

Mythos und Mitgefühl

In Werken wie Usagi Kannon – einer Skulptur, die den Hasen mit Kannon, der Bodhisattva des Mitgefühls, verbindet – findet Ikemura Bilder für universales Mitgefühl.
Die Figur wurde nach der Katastrophe von Fukushima geschaffen und steht für Trost, Wärme und Hoffnung.
Andere Werke, wie das Triptychon Genesis, Tokaido, Tokaido, transformieren die japanische Küstenstraße Tōkaidō in eine Metapher für das Werden selbst – eine Reise zwischen Kulturen und Zeiten.

Ein Universum der Transformation

Kuratiert von Ralph Gleis und Elsy Lahner, zeigt die Ausstellung 69 Werke – Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen –, die sich wie Kapitel einer poetischen Erzählung entfalten.
Ikemura, Professorin an der Universität der Künste Berlin und ausgezeichnet mit dem japanischen Titel Person of Cultural Merit, schafft ein Werk von zeitloser Relevanz: sensibel, weiblich, spirituell.

Besuchsinformationen

Leiko Ikemura: Motherscape
Albertina Wien, Pfeilerhalle
14. November 2025 – 6. April 2026
Täglich 10–18 Uhr | Mi & Fr 10–21 Uhr
Kurator: Ralph Gleis | Co-Kuratorin: Elsy Lahner
Katalog „Motherscape“ im Shop der Albertina erhältlich

Wo klassische Wiener Anmut auf zeitgenössische Kreativität trifft – das neue Miiro Palais Rudolf verbindet Architektur, Kunst und Gastlichkeit zu einem lebendigen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Mitten im Herzen Wiens, am Rudolfsplatz 11, öffnet am 17. November 2025 das Miiro Palais Rudolf seine Türen. Das 4-Sterne-Boutiquehotel mit 64 Zimmern und Suiten ist eine Hommage an die kulturelle Raffinesse der Stadt – eine Neuinterpretation von Wiener Eleganz, entworfen für das 21. Jahrhundert.

Architektur & Design: Wiener Seele, globale Handschrift

Das architektonische Konzept stammt von Gabriel Kacerovsky und seinem Wiener Studio Archisphere, das für Präzision, Kreativität und handwerkliche Exzellenz steht.
Kacerovsky bewahrt die Proportionen und Ornamentik des 19. Jahrhunderts, übersetzt sie aber in eine moderne, lichte und intime Architektur.

Das Interior Design verantwortet James Thurstan Waterworth, Gründer des Londoner Studios Thurstan (ehemals Soho House Design Director).
Er und Archisphere schaffen gemeinsam Räume, die Vergangenheit und Gegenwart zu einer poetischen Einheit verschmelzen lassen.

„Das Palais Rudolf wurde als lebendiger Ort konzipiert, nicht als Denkmal“, sagt Kacerovsky. „Jede Textur, jedes Licht wurde bewusst gewählt, um Wiens stille Eleganz und kreative Kühnheit einzufangen.“

Wiener Eleganz neu gedacht

Die Gästezimmer – darunter zwei Suiten mit privaten Balkonen – erinnern an die Atmosphäre eines historischen Stadthauses.

Warme Farben, geöltes Fischgrätparkett, sanftes Licht und ausgewählte Vintage-Möbel schaffen ein Gefühl von Ruhe und Raffinesse. Blicke auf den Rudolfspark oder den begrünten Innenhof verstärken das Gefühl urbaner Geborgenheit.

Die öffentlichen Bereiche zitieren die Tradition der Wiener Kaffeehäuser und Brasserien: tagsüber Orte der Leichtigkeit, abends stimmungsvolle Bühnen mit subtiler Theatralik.
So entsteht ein Haus, das Wiener Geschichte nicht reproduziert, sondern weiterführt – elegant, sinnlich, selbstverständlich.

Wohlbefinden & Gastlichkeit

Über das Design hinaus versteht sich das Miiro Palais Rudolf als Raum für Regeneration.
Das Boutique-Gym verbindet Licht, Ruhe und Bewegung; der Refresh Room – ein charakteristisches Miiro-Detail – bietet Ankommenden oder Abreisenden einen privaten Rückzugsort mit Dusche, sanftem Licht und Pflegeprodukten.

General Manager Dirk-Jan Doek bringt mehr als 20 Jahre internationale Hotellerie-Erfahrung ein und beschreibt die Philosophie so:

„Im Miiro Palais Rudolf geht es darum, klassische Gastlichkeit mit moderner Kreativität zu verbinden – ein Ort, an dem Design, Kunst und Kulinarik Menschen zusammenbringen.“

Kunst im Palais Rudolf

Das Miiro Palais Rudolf ist ebenso Galerie wie Hotel.
Werke bedeutender österreichischer Künstlerinnen und Künstler – darunter Maria Lassnig, Peter Sengl, Jürgen Messensee, Max Weiler, Rudolf Hradil und Christian Ludwig Attersee – schaffen eine visuelle Erzählung österreichischer Moderne.
Sie treten in Dialog mit der Architektur und verleihen den Räumen eine kulturelle Tiefe, die weit über Ästhetik hinausgeht.

Ein neuer Treffpunkt Wiener Kultur

Mit seiner Verbindung aus Design, Kunst und Gastlichkeit steht das Miiro Palais Rudolf für eine neue Generation urbaner Boutiquehotels: Orte der Inspiration, geprägt von Achtsamkeit, Qualität und kosmopolitischer Leichtigkeit.

Buchungen sind ab sofort möglich: miirohotels.com