Ein neues Kapitel zwischen kolonialer Geschichte und zeitgenössischer Gastlichkeit

Mit dem Hotel Sevilla eröffnet im historischen Zentrum von Mérida ein Boutique-Hotel, das Vergangenheit und Gegenwart auf stille, selbstbewusste Weise verbindet. Als Teil der Grupo Habita steht das Haus für eine neue, kontextuelle Form von Luxus – reduziert, lokal verwurzelt und architektonisch präzise.

Ein Haus mit Geschichte

Das Gebäude des Hotel Sevilla zählt zu den ältesten erhaltenen Strukturen Méridas. Ursprünglich als koloniale Stadtresidenz errichtet, blickt das Haus auf mehrere Jahrhunderte Nutzungsgeschichte zurück. Statt diese Historie zu überformen, wurde sie im Zuge der Restaurierung bewusst freigelegt: Patinierte Mauern, historische Proportionen und traditionelle Innenhöfe bilden heute das Fundament für ein zeitgemäßes Hotelerlebnis.

Architektur im Dialog

Für die architektonische Neuinterpretation zeichnet das international tätige Studio Zeller & Moye verantwortlich. Ihr Ansatz: ein spannungsreicher Dialog zwischen Alt und Neu. Massiver Beton, klare Linien und rohe Texturen treffen auf koloniale Substanz, Licht und Schatten auf Ruhe und Reduktion. Das Ergebnis ist eine Architektur, die nicht laut wirkt, sondern wirkt.

Gestaltung & Atmosphäre

Das Hotel verfügt über 21 Zimmer und Suiten, die bewusst unterschiedlich gestaltet sind. Naturstein, Holz, Zementböden und handgefertigte Details aus Yucatán schaffen eine Atmosphäre, die gleichzeitig kühl und warm wirkt. Große Fenster, Innenhöfe und Übergangsräume lassen Méridas Licht und Klima Teil des Erlebnisses werden.

Ort des Rückzugs

Zentral gelegen und doch ruhig, bietet das Hotel Sevilla seinen Gästen Rückzug mitten in der Stadt. Innenhof, Pool, Restaurant und gemeinschaftliche Räume sind nicht als reine Funktionen gedacht, sondern als Orte der Begegnung und Entschleunigung – ganz im Sinne der Habita-Philosophie.

Ein neues Wahrzeichen

Internationale Designmedien wie Wallpaper* würdigen das Hotel bereits als eines der spannendsten neuen Häuser Mexikos. Das Sevilla steht exemplarisch für eine Entwicklung, bei der Hotels nicht nur Orte zum Übernachten sind, sondern kulturelle Akteure im urbanen Kontext.

Das Hotel Sevilla ist kein nostalgisches Denkmal und kein lautes Designstatement. Es ist ein stiller, souveräner Ort, der Geschichte respektiert und Gegenwart gestaltet – ideal für Reisende, die Architektur, Kultur und Achtsamkeit schätzen.

Ein junges Leben zwischen Geschwindigkeit, Herkunft und der stillen Wucht Siziliens

In Noto, im Herzen Siziliens, entfaltet sich eine Geschichte, die so roh wie poetisch ist.
Der Kurzfilm Caruso begleitet einen jungen Motocross-Fahrer durch jene schmalen Übergänge zwischen Jugend und Erwachsenwerden – dort, wo familiäre Erwartungen, religiöse Symbole und tiefe Traditionen auf die Freiheit eines neuen Lebensgefühls treffen.

Vor der Kulisse barocker Palazzi, katholischer Wahrzeichen und sonnenverbrannter Landschaften verwischt Regisseur Matt Baron die Grenzen zwischen Dokumentation und Erzählung. Mit einem Cast aus Laiendarsteller:innen entsteht eine Nähe, die sich nicht inszeniert anfühlt, sondern gelebte Wirklichkeit einfängt: die Sehnsucht nach Selbstbestimmung und die sanfte Last geerbter Werte.

“Caruso is the main character’s last name but also means boy or lad. Sometimes a bit naughty or figuring themselves out.”

Baron ließ sich von Zufällen, Begegnungen und Orten leiten. So entsteht ein filmischer Streifzug durch vertraute sizilianische Motive und kulturelle Ankerpunkte – ein visuelles Tagebuch über Jugend in Bewegung, Gemeinschaft und das, was bleibt.

Über NOWNESS

Caruso erscheint auf NOWNESS, der weltweit führenden kuratierten Plattform für zeitgenössisches Storytelling. Die Videos von NOWNESS verbinden Kunst, Kultur und Ästhetik und zeigen außergewöhnliche Perspektiven auf das kreative Leben.

In einer historischen Ecke von Nara, Japan, haben Shingo Sakuma und Jin-Yi Liu ein vergessenes Shinto-Priesterhaus in einen Kunstraum verwandelt – gegründet auf Licht, Schatten und emotionaler Architektur.

In der japanischen Stadt Nara haben Shingo Sakuma und Jin-Yi Liu eine Residenz einer Shinto-Priesterfamilie aus dem 18. Jahrhundert bewahrt, am Rande eines Urwaldes, der zum Kasugataisha-Schrein führt. Das Toma House, einst dem Verfall nahe, wurde von den Nachkommen der Toma-Familie wiederhergestellt und steht heute zwischen monumentaler Architektur und spirituellen Wahrzeichen des historischen Takabatakecho-Distrikts von Nara – sowie den frei umherziehenden Hirschen des Waldes, die als heilige Boten der Shinto-Götter gelten. Während Ausstellungen, Workshops und Künstlerresidenzen den Raum beleben, bleiben Teile des Anwesens unberührt, da Shingo und Jin-Yi traditionelle Handwerker beauftragen, einzelne Elemente sorgfältig zu restaurieren.

„Das Toma House existiert in einem Zustand des Dazwischen. Dieser Film handelt von dem, was unvollendet bleibt – und wie dieser Zustand der Unvollkommenheit einem Raum sein Leben gibt. Ich wollte die emotionale Architektur erforschen. Was bedeutet es, mit der Vergangenheit zu leben? Und was bedeutet es, einen Ort nicht als Besitz, sondern als lebendiges Wesen zu betrachten?“

Mit einer neuen Phase des Projekts im Kurzfilm Toma Unrestored fängt die in Tokio lebende Filmemacherin Sybilla Patrizia das Toma House als Gefäß für Kunst, Erinnerung und Ehrfurcht ein – anhand der Restaurierung zweier Fusuma-Schiebetüren, ursprünglich bemalt von Katsuyama Takugan. Indem sie die stille Kraft des Raumes in den Mittelpunkt rückt, während die gealterten Paneele wiederbelebt und eingesetzt werden, untersucht der Film emotionale Architektur durch die Verbindung zum Haus in seinem unvollendeten Zustand – und ehrt das lebendige Erbe und die Energie von Räumen, die durch Zeit und Erinnerung geformt sind.

Vom Mittelalter …

… bis in die 1940er-Jahre befand sich in einer der engen, verwinkelten Gassen mit Laubengängen ein öffentliches Badehaus – ein Ort der Reinigung und Begegnung, offen für alle. Danach blieb es lange Zeit ein stiller, verschlossener Ort im Herzen der Brixner Altstadt – bis es behutsam in ein Boutiquehotel verwandelt wurde – in ein Hotel, das nicht nur Gäste beherbergt, sondern der Stadt mit einem öffentlichen Innenhof auch ein bisschen Raum schenkt.

So wie früher …

…nur ein bisschen anders. Wasser fließt hier im Innenhof immer noch in Form eines Trinkwasserbrunnens. Und damals wie heute weiß man in Brixen: Wo Wasser war, war das Leben. So ist der Innenhof, der durch eine Passage erreichbar ist, mit seiner Viertel Bar und den steinernen Stufen an der Wasserquelle ein Treffpunkt zum Verweilen für Gäste, Reisende und Einheimische geworden: ein neues Viertel in der eng verbauten Altstadt von Brixen.

Und eine Einladung …

… die Perspektive zu wechseln und den modernen Bau mit achtsamen Augen zu betrachten. Denn was, nach im ersten Moment nach progressiver Architektur aussieht, ist in Wirklichkeit eine liebevolle Hommage an die Stadt – mit avantgardistischem Blick. Und das beginnt schon beim Bodenbelag der Gasse, das in die Eingangspassage des Hotels weitergezogen, aber neu interpretiert wurde.

Das Gebäude …

… mit mehreren Bauvolumen ist ein Spiel mit Dimensionen und Materialien. Die Fassaden der unterschiedlichen Baukörper aus handgefertigten dänischen Ziegeln trägt Stück für Stück den Fingerabdruck seines Produzenten, das beim Herausdrücken aus der Form entsteht. Die Farbe ist ein bewusst gewählter Kontrast zum Weißen Turm. Das Kupfer – außen wie innen, ist eine Hommage an die einstigen Wasserleitungen in den Häusern der Stadt. In den Zimmern greifen die Bäder mit wassergrünem Quarzit das Thema Wasser und Baden auf. Auch die sanft wassergrünen Holzböden führen diese Idee im Interieur weiter.

Und mit den beiden Installationen von Michael Fliri wird das Wasserthema durch Kunst am Bau auf eine künstlerische Ebene gehoben. Einmal abstrakt mit dem Flüssigen Sternenhimmel, einmal mit dem überdimensionierten Aluminium-Bademantel am Hoteleingang, der die Gäste bei Ankunft begrüßt.

Ein Gebäude, das bestimmt für Diskussionsstoff sorgt und allein damit genau das erreicht, was es ganz abgesehen von seiner Bestimmung als stylisches Boutiquehotel soll: nämlich Menschen miteinander zu verbinden.

Boutiquehotel Badhaus is a Member of Lifestylehotels

Fotos: Gustav Willeit; freiundzeit

Ein neues kulturelles Wahrzeichen von Shigeru Ban

An einem 4,6 Hektar großen Küstenareal nahe Ōtake in der Präfektur Hiroshima liegt SIMOSE – ein visionärer Komplex aus Kunstmuseum, zehn architektonisch gestalteten Villen und einem französischen Restaurant. Entworfen wurde SIMOSE vom Pritzker-Preisträger Shigeru Ban. Eröffnet im Jahr 2023, wurde es 2024 mit dem Prix Versailles als schönstes Museum der Welt ausgezeichnet.

Ein Spiel aus Spiegelungen und schwebenden Galerien

Das Herzstück von SIMOSE ist eine 180 bis 190 Meter lange Glasfassade, die parallel zur Küste verläuft und Meer, Himmel sowie Hügellandschaft spiegelt. So wird die Umgebung optisch verdoppelt und architektonische Grenzen lösen sich auf. Davor „schweben“ acht pastellfarbene Kubusgalerien auf einem flachen Wasserbecken – jede ist ein verschiebbarer Ausstellungsraum, der bei Dämmerung wie eine Laterne leuchtet. Diese Module können flexibel neu positioniert werden und erinnern so an traditionelle japanische Shoji-Schiebewände.

Museum x Natur: Kunst inmitten von Kunst

Besucher betreten zunächst eine ovale Eingangshalle mit skulpturalen Holzsäulen, die sich wie Baumkronen auffächern – ein Sinnbild für die Harmonie von Architektur und Natur. Die Sammlung des Museums wurde über 50 Jahre von Yumiko Shimose kuratiert und umfasst über 500 Werke: von japanischen Hina-Puppen und Glaskunst von Émile Gallé bis hin zu Gemälden von Matisse, Chagall, Foujita und Pissarro. Hinter der Glasfassade liegt der Émile Gallé Garten mit Pflanzen, die in Gallés Kunstwerken dargestellt sind – ein lebendiges Kunstwerk für sich.

Einzigartige architektonische Villen

Hinter dem Museum, eingebettet in den Wald und entlang der Küste, stehen zehn exklusive Villen – jede ein architektonisches Meisterwerk Shigeru Bans. Die Forest Villas, wie das „Wall-Less House“, „Paper House“ oder „Cross Wall House“, setzen auf Schiebewände aus Glas, recycelte Papierröhren und innovative Strukturen, um Innen- und Außenraum miteinander zu verschmelzen. Die Waterfront Villas öffnen sich zu weiten Blicken über das Meer und verbinden Glas, Holz und minimalistische Abgeschiedenheit. Ein Aufenthalt hier ist wie das Wohnen in einem bewohnbaren Kunstwerk.

Kulinarischer Genuss: Französische Küche am Meer

Zwischen Wald- und Wasservillen befindet sich das elegante französische Restaurant, das Menüs aus regionalen Zutaten kreiert – Fleisch, Fisch und Kräuter stammen aus Hiroshima und dem eigenen Garten. Gäste genießen exklusiven Zugang zum Museum außerhalb der regulären Öffnungszeiten für ungestörte Kunstmomente.

Was macht SIMOSE so einmalig?

SIMOSE ist mehr als ein Museum oder Hotel – es ist eine verkörperte Kunstwelt. Es vereint reflektierende Architektur, flexible Galerieräume, skulpturale Villen, eine kuratierte Sammlung und Haute Cuisine zu einem ganzheitlichen Erlebnis. Das Zusammenspiel von Wasser, Licht, Glas und Holz spiegelt die Dramatik der Natur des Seto-Binnenmeers wider und schafft gleichzeitig einen Raum für Ruhe, Reflexion und Inspiration.

Plane deinen Besuch

• Lage: 2-10-50 Harumi, Ōtake, Hiroshima, Japan
• Anreise: 10 Minuten Shuttle ab Bahnhof Ōtake
• Öffnungszeiten: Museum 9:30–17:00 Uhr, montags geschlossen; Villen & Restaurant nur mit Reservierung

SIMOSE bietet eine transzendente Verbindung aus Museum, Architektur, Unterkunft und feiner Kulinarik – ein immersiver Rückzugsort für Kunstliebhaber und achtsame Reisende, die Tiefe, Schönheit und Innovation an einem einzigen bezaubernden Küstenort suchen.

Der alte Kaffeespeicher Santos in Rotterdams Hafenviertel ist dank geschickter Transformation zu einem neuen Kulturzentrum und Wahrzeichen geworden. Mit der zweigeschossigen Aufstockung setzte man dem Industriedenkmal buchstäblich die Krone auf.

Der Blick vom Restaurant im obersten Geschoss des transformierten Speichergebäudes macht klar, warum Rotterdam den Beinamen Manhattan an der Maas trägt. In der Skyline auf dem gegenüberliegenden Wilhelmina Pier haben sich Größen wie Renzo Piano, OMA, Álvaro Siza und Norman Foster in Form von Wolkenkratzern verewigt. Davor spannt die markante Erasmusbrücke von UNStudio ihre asymmetrische Geometrie über die Nieuwe Maas. Der Kaffeespeicher Santos steht als Relikt aus dem Jahr 1901 inmitten von neu entwickelten Wohn- und Bürobauten in den einstigen Docks von Katendrecht und erinnert an den großen Umbruch, den die Industrialisierung einst mit sich brachte. Der Backstein-Solitär wurde achtsam saniert, und mit der zweigeschossigen Aufstockung setzte man dem Industriedenkmal buchstäblich die Krone auf.

Wo früher Kaffee aus Brasilien lagerte, tummeln sich schon bald die Besucher des Nederlandse Fotomuseum, das im Herbst 2025 im einstigen Kaffeespeicher seine Tore öffnen wird. Mit Unterstützung der Droom en Daad Stiftung konnte man dieses Paradebeispiel frühindustrieller Lagerhausarchitektur erhalten und mit einer vielfältigen Nutzung wiederbeleben. 

Eine Industrie-Ikone macht auf

Das Büro Renner Hainke Wirth Zirn Architekten aus Hamburg und ihre Rotterdamer Partner WDJArchitecten setzten bei ihrem Design auf einen sensiblen Dialog zwischen Historie und Moderne. Der Spagat zwischen Denkmalpflege und zeitgemäßen Ansprüchen ist nicht zu einem billigen Kompromiss verkommen, sondern hat etwas gänzlich Neues hervorgebracht. Die konsequente Umsetzung macht den historischen Speicher zu einem identitätsstiftenden Ort, der in der Gegenwart verankert ist und allen gleichermaßen offen steht.

Dazu machten die Planer das gesamte Erdgeschoss öffentlich zugänglich. Neben einem Café, einem Museumsshop und einer Bibliothek wird es hier auch einen Veranstaltungsbereich geben. Darüber befinden sich zwei klimatisierte Archivetagen, eine Restaurationswerkstatt und der Ausstellungsbereich. In der aufgestockten Dachkrone sind zwei zusätzliche Geschosse untergebracht. Das eine dient den Büroräumen der Museumsverwaltung sowie besagtem Restaurant. Im obersten Geschoss sind 16 Kurzzeit-Apartments untergebracht, die dieselbe urbane Aussicht auf die Rotterdamer Skyline haben.

Mehr Luftraum, mehr Licht

Damit aus dem ehemaligen Lager ein Gebäude wird, das hell und einladend ist, erhöhten die Planer durch gezielte Eingriffe den Tageslichteintrag. Zum einen wurden die alten Ladeluken durchwegs verglast und die zugehörigen Holztüren nach innen versetzt, sodass sie nunmehr zur Raumverdunkelung dienen. Zum anderen schafften sie einen großzügigen Luftraum im Inneren, indem sie in allen Geschossen Deckdurchbrüche schafften. Das große Oberlicht darüber sorgt dafür, dass es nun auch in der zentralen Achse des Gebäudes eine Lichtschneise gibt.

Bei den geschaffenen Durchbrüchen entfernte man zwar die Deckenbalken und den Bodenbelag, das freigelegte Stahltragwerk aber blieb bestehen. Dies schafft eine Extraportion Industrial Flair und trägt zur Authentizität des neu geschaffenen Raumgefühls bei. Die Erschließung, die zuvor über Außenaufzüge erfolgte, verlegte man nach innen. Über das neue Atrium verbindet eine Treppe alle Ebenen miteinander.

Ein selbstbewusster Solitär

Die Krone, die die Architekten dem Baudenkmal aufgesetzt haben, besteht aus perforiertem Aluminium. Diese durchlässige Hülle filtert das Licht und wirft je nach Sonnenstand markante Schattenmuster auf das Interieur. Diese aufgesetzte Kubatur steht dem Backsteinbau gut, dessen ursprünglicher Dachaufbau im Lauf des letzten Jahrhunderts verloren gegangen war. Dank der markanten Aufstockung ist ein gut proportionierter Baukörper entstanden, der sich als selbstbewusster Solitär in seiner neu gewachsenen Umgebung behauptet.

Durch die geschickte Transformation des Kaffeespeichers Santos blieb nicht nur ein frühindustrielles Baudenkmal für die Nachwelt erhalten, es ist auch ein wichtiger Stadtbaustein entstanden, der viele Nutzungen unter einem Dach vereint. Der adaptive Re-Use zeigt, welches nachhaltige Potenzial in der bereits gebauten Substanz steckt, wenn man sie kreativ weiterdenkt. Nicht zuletzt ist Rotterdam um ein neues Wahrzeichen reicher. Eines, das den Wolkenkratzern am gegenüberliegenden Ufer etwas entgegen halten kann.

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Studio Hans Wilschut

Nach fast zwanzigjähriger Planungszeit haben Zaha Hadid Architects mit der Errichtung des Centro della Cultura del Mediterraneo begonnen, das für Reggio Calabria mehr ist als nur ein Kulturzentrum. Es soll Menschen verbinden – und die Stadt entscheidend voranbringen.

Es sind hohe Ziele, die man sich in Reggio Calabria gesetzt hat. Die südlichste Großstadt des italienischen Festlands möchte in den kommenden Jahren zu einer der bedeutendsten Touristendestination im Mittelmeerraum werden – und rüstet dafür entsprechend auf. Ein umfassendes Stadt- und Umweltplanungsprogramm soll hier, an der Straße von Messina, für mehr Attraktivität für Besuchende, aber auch für eine höhere Lebensqualität der einheimischen Bevölkerung sorgen.

Ein Teil des Sanierungsplans ist das Centro della Cultura del Mediterraneo, das Zentrum für mediterrane Kultur. Bereits 2007 erhielten Zaha Hadid Architects den Zuschlag für das Projekt, dessen Grundstein im Februar 2025 dann endlich gelegt wurde. Im Zuge des Baus kommt es auch zu einer Umgestaltung der Uferpromenade von Reggio Calabria, die in den letzten Jahren ziemlich heruntergekommen war. Der Entwurf von ZHA integriert das Zentrum in die Promenade und schafft so einen Stadtpark direkt am Meer. Kurz: Die Menschen profitieren von einem neugestalteten Zugang zum Ufer, der ihnen einen Panoramablick auf die Straße von Messina – und das auf der anderen Seite gelegenen Sizilien – bietet.

Sinnliche Erzählung

Das Centro della Cultura del Mediterraneo entsteht auf einer Fläche von 24.000 Quadratmetern. Zu den Hauptbereichen des Zentrums gehören 7.000 Quadratmeter an Ausstellungsgalerien, ein 4.500 Quadratmeter großes Aquarium, ein Auditorium für kulturelle Veranstaltungen, Konferenzräume, Bildungsbereiche sowie eine Buchhandlung und ein Restaurant samt Bar mit Blick auf den Hafen.

„Die Innenräume des Zentrums schaffen eine visuelle und sinnliche Erzählung“, so Zaha Hadid Architects. „Sie sind vom Mittelmeer und der üppigen Flora und Fauna der Straße von Messina geprägt. Mit seiner Farbenpracht und seinen organischen Formen dient das Meeresleben als Inspiration für die Innenausstattung des Auditoriums, wo Korallen-Farbtöne an die Lebenskraft des maritimen Ökosystems erinnern. Fließendes, klares Wasser spiegelt sich in den Innenräumen des Aquariums wider. Es schafft im Zusammenspiel mit den Meeresbewohnern im Aquarium ein immersives Erlebnis. Der Entdeckergeist, verankert in der langen Geschichte der Seefahrer im Mittelmeerraum, zeigt sich wiederum in den Licht- und Schattenspielen in den Galerien. Sie laden die Besucher dazu ein, jede der Ausstellungen aufs Neue zu erkunden.“

Nachhaltigkeit im Fokus

Das Gebäude ist in vier Volumen unterteilt, die durch ein zentrales, zweistöckiges Atrium miteinander verbunden sind, das als Haupteingang fungiert. Das dynamische, organische Design des Zentrums soll auf von außen Harmonie mit der Küstenlandschaft ausstrahlen und dennoch die Funktionalität nicht vernachlässigen. Zudem war einer der Hauptfaktoren der Gestaltung das lokale Klima. So sorgen Innenhöfe einerseits für Beschattung, andererseits für Schutz vor den heftigen Winden an der Meerenge. „Je nach Ausrichtung bietet jeder dieser geschützten Innenhöfe einen Blick auf den Hafen im Osten, die Stadt im Süden oder führt zur Westterrasse mit Panoramablick auf die Meerenge und auf Sizilien“, erläutern dazu Zaha Hadid Architetcs.

Die Ausrichtung der Gebäudeteile basiert darüber hinaus auf der Optimierung von natürlichem Lichteinfall und natürlicher Belüftung. Die Fassade aus eloxierten Aluminiumplatten trägt zusätzlich zur Wärmeregulierung des Zentrums bei. Damit minimiert ZHA die Abhängigkeit von künstlichen Klimasystemen und setzt einen zentralen Aspekt des Konzepts – Nachhaltigkeit – in Verbindung mit spektakulärem Design um. „Die zu 90 Prozent blickdichte Fassade mit großzügigen Überhängen ist ein zentraler Aspekt des Designs“, so ZHA. „Dadurch wird die direkte Sonneneinstrahlung aus allen Richtungen – einschließlich der Reflexionen vom Meer – deutlich reduziert und die interne Wärmeentwicklung gesenkt.“

Ein echtes Zentrum

Zusätzlich zur Hybridbelüftung und der Integration eines fortschrittlichen Wassermanagements wird das Centro von dem bereits erwähnten Park umgeben sein. Einer mediterran inspirierten Anlage mit sechzig verschiedenen, in Italien heimischen Pflanzenarten, die zur lokalen Biodiversität beiträgt. Große Terrassen im Park machen die Uferpromenade so zu einem Ort, an dem Natur und Kultur sich nicht nur treffen, sondern zu einem echten Erlebnis verschmelzen, so die Verantwortlichen.

„Das neue Centro della Cultura del Mediterraneo ist eine ideale Ergänzung der bestehenden Archäologie- und Kunstmuseen Reggio Calabrias. Es erforscht die enge Beziehung zwischen Kalabrien und dem Mittelmeer, die die Vergangenheit der Region geprägt hat. Und ihre Zukunft weiterhin prägen wird“, so ZHA abschließend.

Einen Rückschlag gab es jedoch bereits für die ehemalige Hauptstadt Kalabriens: Obwohl in den Top Ten, wurde Reggio Calabria nicht zur italienischen Kulturhauptstadt 2027 gekürt. Die Wahl fiel im vergangenen März auf Pordenone in der norditalienischen Provinz Friaul-Julisch Venetien. Eine Stadt am anderen Ende des Landes …

Text: Michi Reichelt
Bilder: Zaha Hadid Architects

Die Knarvik Church ist eine zeitgenössische Interpretation der rund 1000 Jahre alten Stabkirchen Norwegens. Dieses preisgekrönte sakrale Bauwerk, entworfen von Reiulf Ramstad Arkitekter, hat sich zu einer touristischen Attraktion entwickelt – und ist zugleich ein Ort der Offenheit für alle.

Scharfkantige Spitzen erheben sich aus der Landschaft, als wären sie direkt aus dem Fels gemeißelt. Die verwitterte Kiefernholz-Fassade fügt sich nahtlos in das steinige Terrain ein, während die markante Form das Gebäude deutlich vom Hintergrund abhebt. Nur das dezente Kreuz an der Spitze des Turms verrät, dass es sich bei dieser futuristischen Konstruktion um eine Kirche handelt. Und tatsächlich: Es ist die mehrfach preisgekrönte Knarvik Kyrkje, die auf einem Hügel über der gleichnamigen Stadt an Norwegens Südwestküste thront.

„Die Kirche zeichnet sich durch ihre klare Geometrie, ihre Materialien und ihr Design aus.“
– Reiulf Ramstad, Architekt und Gründer von Reiulf Ramstad Arkitekter

Die Knarvik Kyrkje wurde 2014 nach einem Entwurf des in Oslo ansässigen Architekturbüros Reiulf Ramstad Arkitekter errichtet. Sie bietet nicht nur Raum für den lokalen Gottesdienst, sondern dient auch als kulturelles Zentrum, das für weltliche Veranstaltungen genutzt wird. Gleichzeitig stellt sie ein beeindruckendes architektonisches Wahrzeichen dar, das zahlreiche Besucher anzieht und längst fester Bestandteil regionaler Reiseführer ist. Dieses außergewöhnliche sakrale Gebäude schafft eine Verbindung zwischen der historischen Baukunst Norwegens und dem zeitgenössischen Bauen.

The world’s oldest wooden buildings

Kirchen aus Holz sind in Norwegen keine Seltenheit – vielmehr sind sie ein bedeutender Teil des kulturellen Erbes. Die sogenannten Stabkirchen zählen zu den ältesten erhaltenen Holzbauten weltweit. Die älteste unter ihnen ist die Stabkirche von Urnes am östlichen Ufer des Lusterfjords, die von der UNESCO als Weltkulturerbe anerkannt ist. Ihr Ursprung reicht bis ins Jahr 1100 zurück – also vor rund 1000 Jahren.

Diese mittelalterlichen Holzkirchen sind ein Beweis für die Langlebigkeit von Holz als nachhaltigem Baumaterial. Durch seine Fähigkeit, langfristig Kohlenstoff zu binden, sowie durch neue Technologien im Holzbau, wird das Material heute für Hochhäuser, U-Bahn-Stationen und Fußballstadien verwendet – und ist ein Schlüssel zu klimaneutralem Bauen.

Stabkirche neu interpretiert

Stabkirchen zeichnen sich durch ein tragendes Gerüst aus senkrechten Holzpfosten aus, das die Dachkonstruktion trägt. Neben Holz als Baustoff ist auch die vertikale Gestaltung ein zentrales Merkmal. In der kleinen, windgepeitschten Stadt Knarvik greift die neue Kirche diese Formensprache auf – allerdings in futuristischer Neuinterpretation.

„Die Inspiration für die Kirche kam vor allem aus der Natur der Umgebung, aber auch aus der Tradition der norwegischen mittelalterlichen Stabkirchen. Die Kirche ist in ihrer Geometrie, Materialwahl und Gestaltung bewusst schlicht gehalten.“
– Reiulf Ramstad, im Interview mit dem schwedischen Holzbaumagazin „Trä!“

Holz als Ausdruck von Tradition und Leben

Schon in der frühen Entwurfsphase war den Architekten klar: Diese Kirche sollte aus Holz entstehen.

„Wir haben Holz gewählt, weil es in Norwegen ein traditioneller Baustoff ist. Aber auch wegen seines lebendigen, organischen Ausdrucks – und seiner ästhetischen Qualitäten.“
– Reiulf Ramstad

Die Außen- und Innenwände sind vollständig mit Kiefernholz aus der Region verkleidet. Die tragende Struktur besteht allerdings aus einem Stahlgerüst, das mit Holz verkleidet wurde. Das raue Äußere steht in spannendem Kontrast zur hellen, skandinavisch anmutenden Innenwelt der Kirche. Hier denkt man sofort an den nordischen Begriff „Hygge“ – eine Atmosphäre von Geborgenheit, Wärme und Gemeinschaft.

Ein Ort für alle Menschen

Wie viele moderne Kirchen in Skandinavien ist auch die Knarvik Church nicht ausschließlich religiösen Zwecken gewidmet. Sie versteht sich als offener Raum für alle. Inzwischen dienen Kirchen im hohen Norden auch als Bühnen für Konzerte, kulturelle Veranstaltungen und Begegnungen. Diese Offenheit sichert ihre Zukunft in einer zunehmend säkularisierten Gesellschaft.

A place that conveys identity

Da Kirchengemeinden in den letzten Jahrzehnten auch in Norwegen stark geschrumpft sind, drohen viele Kirchen – nicht nur in Skandinavien – in Vergessenheit zu geraten. Neue architektonische und konzeptionelle Wege, wie jener in Knarvik, bieten eine Antwort auf diese Entwicklung.

„Die Menschen in Knarvik haben sich lange einen Ort gewünscht, der die Gemeinschaft zusammenbringt. Die neue Kirche erfüllt diese Aufgabe – als Raum für den Glauben, aber auch für Kunst und Musik. Junge Menschen können hier singen und Instrumente lernen.“
– Reiulf Ramstad

Dank des Konzepts von Reiulf Ramstad Arkitekter ist die Kirche in Knarvik auch ein Ort mit Identität geworden.

„Die Architektur, die Raumgestaltung und die Materialwahl vereinen Religion, Kultur und lokale Geschichte.“

Photos:  Reiulf Ramstad Arkitekter, Hundven-Clements Photography

Die Expo 2025 in Osaka empfängt ihre Besucher:innen mit einem architektonischen Meisterwerk der besonderen Art. Entworfen vom renommierten Architekten Sou Fujimoto, ist der Grand Ring das Herzstück der Weltausstellung – und zugleich die größte Holzkonstruktion der Welt, gebaut aus Brettschichtholz (Glulam).

Inspiriert von der Tradition: Eine Hommage an den Kiyomizu-dera

Eines der berühmtesten Wahrzeichen Kyotos ist der Kiyomizu-dera, ein fast 400 Jahre alter hölzerner Tempel, der 13 Meter über dem Boden aufragt und einen spektakulären Blick über die alte Kaiserstadt und Japans Hauptinsel Honshū bietet. Er wurde nach der traditionellen Kakezukuri-Baumethode errichtet – ohne Nägel, allein durch das Zusammenspiel von Pfosten und Querträgern.

Dieses Prinzip findet sich auch im Grand Ring wieder: Die Konstruktion nutzt das klassische japanische Nuki-Verbindungssystem, bei dem horizontale Balken vertikale Stützen fixieren. So entstehen gewaltige, dreidimensionale Strukturen – ganz ohne Metallverbindungen.

Ein Weltrekord aus Holz

Am 13. April 2025 wurde der Grand Ring auf der künstlichen Insel Yumeshima in der Bucht von Osaka eröffnet. Teilweise an Land, teilweise auf dem Wasser errichtet, verbindet er japanische Holzbaukunst mit modernster Holzbautechnologie.

Mit einem Durchmesser von über 600 Metern und einem Umfang von zwei Kilometern wurde der Ring offiziell als größte Brettschichtholz-Konstruktion der Welt anerkannt. Die verwendeten Holzelemente bestehen aus industriell gefertigtem, mehrschichtig verleimtem Holz.

Primitive Future: Die Philosophie hinter dem Design

Der Grand Ring ist nicht nur eine monumentale Konstruktion – er ist auch ein Konzept. In seinem theoretischen Werk Primitive Future (2008) beschreibt Fujimoto Architektur als offenen, intuitiven Raum – wie eine Höhle oder ein Wald, dessen Nutzung allein vom Verhalten der Menschen geprägt wird.

„Wenn Architektur wie ein Wald geschaffen wird, entsteht ein Ort voller Komplexität und Vielfalt – weit mehr als in heutigen Städten.“

Sou Fujimoto, architect

Diese Vision wird im Grand Ring spürbar: Mit einer Höhe von 12 bis 22 Metern umschließt er eine Fläche von 60.000 Quadratmetern – ein Raum, der weder ganz innen noch außen ist. Auf Bodenniveau lädt ein geschützter, halboffener Durchgang zum Flanieren ein. Sonnenstrahlen, die durch die Holzgitterstruktur dringen, erinnern an das Lichtspiel in einem Walddach.

Den Ring erleben: Architektur zum Durchwandern

Das Dach des Grand Ring ist begehbar – ein Skywalk durch grüne Vegetation mit Ausblicken auf Osaka, Kobe und das Seto-Binnenmeer. Die tragenden Elemente bestehen aus Brettschichtholz-Balken mit den Maßen 420 × 420 mm und 210 × 420 mm.

„Diese Holzkonstruktion ist Teil der Hauptwegeführung der Expo und bietet spektakuläre Erlebnisse bei gleichzeitigem Schutz vor Regen und Sonne.“

Sou Fujimoto, architect

Der Grand Ring ist mehr als ein Gebäude – er ist ein Symbol für Verbindung, Nachhaltigkeit und gemeinsames Menschsein.

Photos: Expo Osaka 2025, Sou Fujimoto Architects

Ja, der Blick auf den Stephansdom von hier oben ist atemberaubend. Nicht weniger himmlisch ist auch die Sicht ins Innere der Penthouse-Wohnung: Die von Mezza—Maiso gestaltete Haute—Étage zeigt exemplarisch, was das interdisziplinäre Bureau von Verena Wohlkönig und Jürgen Hamberger unter Innenarchitektur versteht. Nicht nur die Gestaltung eines Wohnraums, sondern die Umsetzung eines ganzheitlichen Narrativs. Ein kuratiertes Gesamtkunstwerk also, das vom ersten Entwurf bis zur letzten Duftnote auf höchstem Niveau realisiert wird.

In den Kontext gesetzt

Was für ein Glück es ist, seine Stadt tagtäglich aus der Perspektive eines Vogels sehen zu dürfen, oder? Ein Gefühl von Freiheit. Ein Raum zum Atmen. Weite und Zeitlosigkeit. Bei dem Penthouse Projekt Haute—Étage bringt Mezza—Maiso dieses erhebende Feeling auch ins Innere der Wohnung. Die offene Raumstruktur sorgt für Licht und Luftigkeit. Outdoor und Indoor fließen gekonnt ineinander über.

Zwischen Innen und Außen

Als sanfter Übergang zwischen den Welten dient eine 65 qm große Terrasse mit Bambus, wildem Wein und Olivenbäumen. Es duftet nach Lavendel, Rosmarin und Abelien. Der asiatisch-mediterrane Wohlfühlort entstammt einem Bepflanzungskonzept von Kramer und Kramer. Und die von Mezza—Maiso ausgewählten bunten Loungemöbel von Talenti sorgen für Urlaubsflair in der Stadt.

Weltoffen

Apropos – Ob wir uns vielleicht sogar in New York oder Paris befinden und nicht in Wien? Nun, der Stephansdom ist als Wahrzeichen der Stadt ja schon ein Gegenbeweis und dennoch hat die Wohnung mit ihren opulenten Elementen und ihrer Großzügigkeit kosmopolitischen Flair. Ein Balanceakt, der Mezza—Maiso durch den gezielten Einsatz glanzvoller Eye-Catcher geglückt ist. Die schwarze freistehende Badewanne von Antonio Lupi vor der grün schimmernden Marmor-Wand von Fondovalle gleicht einem Kunstwerk. Ebenso der Kamin aus grünem Granitstein sowie die weinrote Anrichte Globe Trotter – Wonder von Marcel Wanders für Roche Bobois.

Full-Service

Designerpieces namhafter Brands, wie Minotti, Baxter oder Flos werden hier wie selbstverständlich mit Maßanfertigungen und ausgewählten von Mezza—Maiso kuratierten Collectibles auf einen Nenner gebracht. Dass hier auch Details geachtet wird, braucht man an der Stelle wohl kaum mehr zu erwähnen, oder? Nichts wird dem Zufall überlassen, nicht einmal das Holz für den Kamin, auch nicht das Geschirr oder sogar die Seife oder Düfte für den Raum.

Bei Mezza—Maiso werden Interior-Projekte eben nicht nur als simple Einrichtungsaufgabe verstanden, sondern aus verschiedenen Perspektiven betrachtet. Dazu gehört der kunstvolle Blick ebenso wie das Auge für Details und eine gute Nase für wohlige Raumluft.

Fotos: Kristina Kulakova