Weicher, weiter, freier: MYTHS übersetzt klassische Schneiderkunst für Herbst/Winter 2026/27 in eine Garderobe, die sich nicht mehr zwischen formell und lässig entscheiden muss. Bei Damen wie Herren bestimmen fließende Silhouetten, besondere Materialien und eine neue Idee des Anzugs das Bild.

Der Anzug hat seine Strenge verloren. Und vielleicht liegt gerade darin seine neue Stärke. Bei MYTHS wird Tailoring für Herbst/Winter 2026/27 nicht abgeschafft, sondern von seinen alten Regeln befreit. Jacke und Hose werden zu einzelnen Bausteinen, Overshirts übernehmen die Rolle des Blazers und großzügige Proportionen bringen Bewegung in eine traditionell präzise Welt.

Eine Entwicklung, die sich durch die Damen- und Herrenkollektion zieht – mit unterschiedlichen Akzenten, aber einer gemeinsamen Haltung: Kleidung soll heute nicht mehr definieren, zu welchem Anlass sie gehört. Sie soll mit ihrem Träger oder ihrer Trägerin durch den Tag gehen.

Der Anzug wird zum System

Besonders deutlich wird dieser Gedanke in der Menswear. Die für MYTHS charakteristischen Hosen bleiben Ausgangspunkt der Kollektion, ihre Silhouetten werden jedoch entspannter und voluminöser. Weite Passformen treffen auf die wieder stärker ins Zentrum rückende Carrot Pant mit verkürzter Länge.

Auch der Anzug wird neu gedacht: Fünf Overshirts und fünf Hosen aus identischen Stoffqualitäten lassen sich frei miteinander kombinieren. Statt eines festgelegten Ensembles entsteht ein variables System zwischen klassischem Tailoring und moderner Casualwear.

In der Womenswear setzt sich diese neue Freiheit fort. Palazzo Pants, Culottes mit Umschlag und schmale Flared Silhouetten treffen auf Overshirts aus Denim und Cotton Bull. Selbst der Pyjama wird Teil dieser neuen Idee von Eleganz: Bedruckte Viskose-Ensembles mit leichtem Vintage-Charakter oder Ton-in-Ton-Prints bewegen sich selbstverständlich zwischen Daywear und Evening Look.

Material mit Gedächtnis

Fast noch wichtiger als die Silhouette ist bei MYTHS die Oberfläche. Garment Dyeing, Piece Dyeing, Yarn Dyeing, Vintage Wash und Frosted Wash verleihen den Stoffen Tiefe und lassen Kleidungsstücke weniger fabrikneu als vielmehr bereits persönlich erscheinen. In der Damenkollektion reicht das Spektrum von Baumwoll-Modal-Mischungen über Cashmere-Flanell bis zu Modal-Velvet und Wolle in Verbindung mit Cordura.

Bei den Herren treffen garngefärbte Cashmere-Flanelle und Herringbone-Qualitäten aus Wolle, Seide und Cashmere auf die sogenannte Combat Wool: ein Material, das Knitterresistenz, Temperaturausgleich und Strapazierfähigkeit mit einem hochwertigen Erscheinungsbild verbinden soll.

Auch Denim verlässt bei MYTHS sein gewohntes Terrain. Denim-Flanell, Fischgrat-Denim aus organischen Garnen und spezielle Indigo-Behandlungen bringen den robusten Klassiker näher an die Welt der Schneiderkunst. Bei den Damen entstehen durch Indigo-Lock-Waschungen und garngefärbte Velvets ungewöhnlich elegante Oberflächen.

Zwischen Geschichte und Gegenwart

Mélange-Grau, Dunkelbraun und Bordeaux, ergänzt um Mastix und Taupe, geben der Menswear eine ruhige, fast herbstliche Tiefe. Doch letztlich erzählt FW26/27 weniger von einzelnen Farben oder Pieces als von einer veränderten Vorstellung davon, wie wir uns kleiden.

MYTHS bewegt sich dabei genau zwischen zwei Polen: der Präzision klassischer Schneiderkunst und dem Wunsch nach Freiheit, Komfort und Individualität. Tradition muss dafür nicht verschwinden. Sie muss nur beweglich genug sein, um in der Gegenwart anzukommen.

Pikachu in 10.000 Metern Höhe? Für ANA ist das längst kein ungewöhnlicher Anblick mehr. Zum 30. Geburtstag von Pokémon schickt die japanische Airline gleich drei neue Pokémon Jets in die Luft. Nach Rot folgt nun Grün – und verbindet Popkultur, Gaming und Reisen auf ziemlich charmante Weise.

Ein Flugzeug ist normalerweise vor allem eines: Transportmittel. Doch manchmal wird aus einer Boeing eine riesige fliegende Leinwand. Bei All Nippon Airways gehört das beinahe zur Tradition. Bereits 1998 brachte ANA den weltweit ersten Pokémon Jet in die Luft. Fast drei Jahrzehnte später kehrt die Idee zurück – größer und bunter denn je.

2026 bietet dafür den passenden Anlass. Vor 30 Jahren erschienen in Japan die ersten Pokémon-Spiele Pokémon Red und Pokémon Green. Gleichzeitig feiert ANA das 40-jährige Jubiläum seiner internationalen Flugverbindungen. Gefeiert wird mit gleich drei Sonderflugzeugen: dem Red Pokémon Jet, dem Green Pokémon Jet und dem Blue Pokémon Jet.

Grün steht für Abenteuer

Nach dem Red Pokémon Jet, der seit Ende Juli auf japanischen Inlandsstrecken unterwegs ist, startet am 18. September 2026 die grüne Version. Der Green Pokémon Jet ist eine Boeing 787-9 mit der Registrierung JA923A und wird im internationalen Streckennetz eingesetzt. Auf dem Rumpf dominieren Pflanzen-Pokémon, während Pikachu und seine Begleiter gewissermaßen zu einer überdimensionalen Reisegesellschaft werden.

Die erste geplante Reise führt passend weit hinaus in den Pazifik: von Tokio-Haneda nach Honolulu. Anschließend soll der Jet unter anderem auf Verbindungen nach Seattle, Vancouver, Sydney, Manila, Singapur, Delhi, Bangkok, Jakarta und Kuala Lumpur eingesetzt werden. Von Tokio-Narita sind außerdem Bangkok, Singapur, Jakarta, Perth und Mumbai vorgesehen. Welche Maschine letztlich auf welchem Flug eingesetzt wird, entscheidet sich allerdings erst am jeweiligen Flugtag.

Dass gerade Grün gewählt wurde, ist kein Zufall. Während der Red Pokémon Jet Feuer-Pokémon in Szene setzt, gehört der Green Jet den Pflanzen-Pokémon. Beim bereits angekündigten Blue Pokémon Jet wiederum dreht sich alles um Wasser-Pokémon. Die drei Designs greifen damit die Logik der Pokémon-Spiele selbst auf.

Vom Flugzeug ins Spiel

ANA belässt es jedoch nicht bei einer spektakulären Außenlackierung. Auch das Reiseerlebnis wird Teil der Pokémon-Welt. Für die drei Jets wurden unter anderem eigene Becher, Cocktailservietten und Kopfstützenbezüge gestaltet. Passagiere sollen außerdem limitierte Sticker erhalten; eigenes Merchandise ist ebenfalls angekündigt.

Parallel dazu wandert das Erlebnis vom realen Flughafen direkt ins Smartphone. Gemeinsam mit Pokémon GO entstehen an ausgewählten Flughäfen in Japan spezielle ANA-PokéStops und Arenen. Zum Start des Green Pokémon Jet beginnt am 18. September eine neue Eventphase mit Raid Battles und zeitlich begrenzten Aufgaben. Unter anderem kann Bisasam mit einem exklusiven Green-Pokémon-Jet-Standorthintergrund erscheinen. Die Aktion soll bis Ende August 2027 laufen.

Die Verbindung zwischen beiden Welten funktioniert erstaunlich gut: Im Game sucht man Pokémon, im echten Leben sucht man plötzlich das richtige Flugzeug.

Popkultur auf Reiseflughöhe

Dass ANA und Pokémon zusammenpassen, ist dabei mehr als eine Marketingidee. Die Airline ist Teil des Projekts Pokémon Air Adventures, das Reisen, Entdecken und das Wiederzusammenbringen von Menschen ins Zentrum stellt. Pikachu und Eevee waren bereits auf früheren Sonderjets zu sehen; seit Ende 2024 zeigt ANA außerdem gemeinsam mit The Pokémon Company produzierte Sicherheits- und Ausstiegsvideos mit Pokémon auf nahezu allen eigenen Flügen.

Vielleicht liegt genau darin der Reiz dieser ungewöhnlichen Kooperation. Sie macht aus etwas so funktionalem wie einem Langstreckenflug für einen Moment wieder ein kleines Abenteuer.

Und wer am Gate plötzlich vor einer Boeing 787 voller Pikachus und Pflanzen-Pokémon steht, dürfte zumindest eines kaum empfinden: Flugalltag.

Im Bumburet Valley im Norden Pakistans begleitet Regisseurin Bea Austin die 20-jährige Alina. Ihr Film erzählt von einer jungen Generation der Kalasha, die zwischen jahrhundertealten spirituellen Traditionen, gesellschaftlichem Wandel und der digitalen Welt ihren eigenen Weg sucht.

Wie bewahrt man eine Kultur, ohne sich der Gegenwart zu verschließen? Im Bumburet Valley, umgeben von den mächtigen Bergen des Hindukusch und nahe der Grenze zu Afghanistan, bekommt diese Frage eine besondere Dringlichkeit.

Hier leben die Kalasha, die kleinste ethnische Minderheit Pakistans. Ihre polytheistische Religion, ihre Rituale, Feste und Traditionen unterscheiden sie deutlich von der muslimischen Mehrheitsgesellschaft des Landes. Doch ihre Lebensweise gerät zunehmend unter Druck. Klimawandel, politische Instabilität, gesellschaftliche Veränderungen und der Druck zur Konversion bedrohen eine Kultur, die über Jahrhunderte hinweg ihre Eigenständigkeit bewahrt hat.

Gleichzeitig zieht es immer mehr junge Kalasha in die Städte – und über Smartphones und Social Media kommt die Welt ohnehin längst zu ihnen.

Eine junge Frau zwischen zwei Welten

Für ihren Kurzfilm Alina reist Regisseurin Bea Austin in ein Dorf im Bumburet Valley und begegnet dort der 20-jährigen Alina. Statt den vermeintlichen Gegensatz zwischen Tradition und Moderne zu inszenieren, richtet der Film seinen Blick auf etwas Interessanteres: die Möglichkeit, beides gleichzeitig in sich zu tragen.

Alina wächst mit den spirituellen Vorstellungen und Bräuchen ihrer Gemeinschaft auf und ist zugleich Teil einer Generation, für die Social Media und globale Popkultur selbstverständlich geworden sind. Ihre Identität scheint deshalb weniger an einen bestimmten Ort gebunden zu sein als an das Bewusstsein darüber, woher sie kommt.

„Alina erklärte, dass ihre Identität in ihrem Glauben verwurzelt ist und dass sie ihr kulturelles Erbe überallhin mitnehmen wird. Mich hat berührt, wie sehr das der Vorstellung der Kalasha vom Tod ähnelt – dem Glauben daran, dass Geist und Traditionen in den Zurückbleibenden weiterleben.“

— Bea Austin

Kultur in Bewegung

Gerade darin liegt die Stärke von Alina. Der Film erzählt kulturelle Bewahrung nicht als Stillstand. Denn vielleicht bedeutet Tradition heute nicht zwangsläufig, dort zu bleiben, wo frühere Generationen gelebt haben.

Während sich die Lebenswelt der Kalasha verändert und manche ihrer überlieferten Strukturen langsam verschwinden, zeigt Alina eine junge Frau, die ihre Herkunft nicht als Grenze versteht. Alinas Weg mag sie eines Tages an einen anderen Ort führen. Ihre Geschichte macht jedoch deutlich, dass kulturelle Identität mitreisen kann.

So wird das Porträt einer jungen Kalasha auch zu einer größeren Geschichte über eine Generation, die zwischen Herkunft und Zukunft ihren eigenen Platz sucht.

Film: Alina | Regie: Bea Austin | via NOWNESS

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der indischen Wildnis. Nicht nur ist es ein Ort des Staunens und der Kreativität. Es wird zudem höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht.

Das Wendy House im südindischen Kozhinjampara heißt nicht zufällig so: Patin für den Namen stand Wendy Darling aus „Peter Pan“, der Disney-Verfilmung der Kindergeschichten aus der Feder des schottischen Schriftstellers J. M. Barrie. Peter Pan zeichnet sich dadurch aus, dass er als einziges aller Kinder niemals erwachsen wird und in „Neverland“ lebt. Wendy und ihre beiden jüngeren Brüder sind fasziniert und lassen sich auf zahlreiche Abenteuer mit Peter Pan ein.

Kindliche Fantasie trifft ökologisches Bewusstsein

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der Wildnis, das Schutz und Abenteuer zugleich verspricht. Diese erzählerische Dimension wurde von den Architekten bewusst als gestalterisches Motiv aufgegriffen.

Das Haus soll nicht nur funktionaler Wohnraum, sondern ein Ort des Staunens, der Kreativität und des Spiels sein – für Kinder wie Erwachsene. Und so spricht die Realisierung des Baus mit seiner skurrilen Formensprache, den erdigen Farbtönen und den liebevoll gestalteten Details alle Sinne an.

Wendy House: Vorbild für Nachhaltigkeit in Indien

Daneben lädt das Haus dazu ein, die Umgebung zu erkunden, in ihr aufzugehen und eine neue, achtsame Beziehung zur Natur einzugehen.

Denn das Wendy House ist inmitten eines üppigen Waldes gelegen. Auf dem acht Hektar großen Privatgrundstück im indischen Bundesstaat Kerala steht nun eine Art Bauernhaus, das sich nicht nur harmonisch in seine natürliche Umgebung einfügt, sondern auch höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht wird.

Der Wunsch, die dichte Vegetation des Grundstücks vollständig zu erhalten, war von Beginn an Vorgabe und zentraler Bestandteil des Entwurfs von Earthscape Studio unter der Leitung von Petchimuthu Kennedy.

Das Team entwickelte daher vor Ort einen Raster, mit dessen Hilfe das Gebäude exakt auf die bestehende Baumlandschaft abgestimmt werden konnte. So musste kein einziger Baum dem Bau weichen. Die Architektur reagiert somit unmittelbar auf die Gegebenheiten des Ortes und integriert die Natur nicht nur als Kulisse, sondern als strukturgebenden Bestandteil der Gestaltung.

Innovativ: Timbrel-Gewölbe statt Beton

Kennedys Entwurf verzichtet bewusst auf Stahl- und Betonkonstruktionen, um die ökologische Belastung gering zu halten. Stattdessen greift er auf die Timbrel-Gewölbetechnik zurück. Dies ist ein Konstruktionsprinzip, das auf sich überlagernde, flache Ziegelstrukturen setzt. Ein Timbrel-Gewölbe ist demnach ein geschlossenes System von in Mörtel-Schichten liegenden Keramikziegeln, die eine solide Kuppel bilden.

Die beiden geschwungenen Gewölbe des Hauses (36 und 32 Fuß breit, 13 und 11 Fuß hoch respektive 10,9 und 9,7 Meter breit und 3,9 sowie 3,3 Meter hoch) sind inspiriert von sogenannten Kettengewölben, wie sie einst von Kennedys Mentor Senthil Kumar Doss, Gründer von Play Architecture, entwickelt wurden. Derartige Gewölbe folgen einer Kurve, die eine idealisierte hängende Kette unter ihrem eigenen Gewicht annimmt, wenn sie nur an ihren Enden in einem gleichmäßigen Gravitationsfeld gehalten wird. Die organische Form der Doppelgewölbe schmiegt sich an die Konturen des Geländes und verleiht dem Baukörper eine natürliche Präsenz.

Lokale Materialien und traditionelle Techniken

Die Nachhaltigkeit des Wendy House kommt auch bei der Materialwahl zum Ausdruck. Verwendet wurden fast ausschließlich lokal verfügbare Rohstoffe.

Die Gewölbe bestehen aus sogenannten Sithu-kal-Ziegeln. Das sind kleine, dreischichtige Ziegel, die traditionell für die Madras-Terrassendachtechnik eingesetzt wurden. Heute jedoch finden sie kaum noch Verwendung. Durch ihre Nutzung unterstützt das Projekt daher nicht nur regionale Handwerker, sondern trägt auch zum Erhalt alter Bauweisen bei.

Zudem wurden gebrochene Ziegel und wiederverwendete Stahlstäbe in den Bau integriert – Materialien, die andernfalls entsorgt worden wären. Diese fanden nicht nur in der Tragstruktur, sondern auch beim Bau von Einbaumöbeln, Frühstückstheken und Betten sowie bei der Deckenkonstruktion erneut Verwendung. Die Ziegel für die Decke stammen aus einem Umkreis von 15 Kilometern, was den ökologischen Fußabdruck des Transports minimieren half.

Um die beiden Gewölbe zu fassen und zusätzliche thermische Masse zu schaffen, wurde ein Erdwall errichtet. Der Lehm dafür wurde direkt auf dem Grundstück entnommen. Diese Methode spart Ressourcen und vermeidet durch den Transport verursachte Emissionen. Gleichzeitig verleiht sie dem Gebäude eine urtümliche Ästhetik, die eng mit der Landschaft verbunden ist.

Wohnen mit der Natur
– und mit Innenhof

Auch das Holz für Türen und Möbel stammt aus regionalen Abfällen. So entstand ein Gebäude, das nicht nur formal, sondern auch materiell tief mit seiner Umgebung verwurzelt ist.

Der zentrale Innenhof zwischen den Gewölben bildet das kommunikative und klimatische Zentrum des Hauses. Mit einem kleinen Wasserlauf ausgestattet, sorgt er für eine angenehme Mikroklimatik und bringt Tageslicht in alle angrenzenden Räume.

Transparente Raumbeziehungen und offene Übergänge zum Hof schaffen eine ständige Verbindung zwischen Innen- und Außenraum – ein bewusst gesetztes Gegengewicht zu den häufig hermetisch abgeschlossenen Wohnhäusern der Gegenwart.

Architektur als kollektiver Prozess

Die Entstehung des Wendy House war nicht nur ein architektonisches, sondern auch ein soziales Projekt. Die Architekten wohnten während der gesamten achtmonatigen Bauzeit auf dem Grundstück und arbeiteten eng mit lokalen Handwerkern zusammen.

Unterstützt wurden sie von Mentor Vinu Daniel, einem Pionier der nachhaltigen Bauweise in Indien. Er ermutigte das Team zum Experimentieren mit natürlichen Materialien und unkonventionellen Techniken, was dem Projekt seinen innovativen Charakter verlieh. Daniels Credo: „In einem Architekturbüro sollte es nicht darum gehen, einen Haufen Papiere vom Büro auf die Baustelle zu bringen.“

Verantwortungsvoller indischer Hausbau

The Wendy House steht exemplarisch für einen neuen Weg im indischen Hausbau – jenseits der anonymen Betonbauten und klimatisch ineffizienten Glaspaläste. Es vereint traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischer Formensprache, soziale Verantwortung mit technischem Know-how.

Jeder Aspekt des Entwurfs – von der Wahl des Standorts über die Materialbeschaffung bis hin zur Gestaltung des Innenhofs – folgt einem ökologisch und sozial verantwortlichen Leitgedanken. Das Haus produziert wenig Abfall, verbraucht wenig Energie und respektiert die natürlichen Ressourcen seiner Umgebung. Gleichzeitig bietet es seinen Bewohnern ein sinnlich erfahrbares, inspirierendes Lebensumfeld.

Text: Linda Benkö
Fotos: Syam Sreesylam

New York im Glas, Wien im Herzen

Mit dem Sanatorium bringen Jakob und Albert Trummer ihre internationale Erfahrung zurück nach Wien. Anfang September eröffnet am Dr.-Karl-Lueger-Platz ein Ort zwischen Cocktailbar, Salon, Kulinarik und Kultur – und mit einer durchaus ambitionierten Idee davon, was Gastfreundschaft heute sein kann.

Eine Bar ist zunächst einmal ein Ort, an dem man etwas trinkt. In ihren besten Momenten war sie aber immer viel mehr: Treffpunkt, Bühne, Rückzugsort, manchmal sogar ein kleines gesellschaftliches Labor. Genau an diese Tradition wollen Jakob und Albert Trummer mit dem Sanatorium anknüpfen.

Anfang September 2026 eröffnet das neue Konzept in der Wiener Innenstadt. Und schon der Name verrät, dass hier nicht einfach eine weitere Cocktailbar entstehen soll. Wissenschaft, Kräuterkunde, Kulinarik, Kunst und Nightlife treffen auf die Wiener Tradition von Kaffeehaus und Salon – ergänzt um jene internationale Dynamik, die Jakob und Albert Trummer über Jahre vor allem in New York geprägt hat.

Von New York zurück nach Wien

Jakob Trummer kehrt mit viel internationaler Hospitality-Erfahrung in seine Heimatstadt zurück. Seine Arbeit führte ihn unter anderem in das Umfeld erfolgreicher Konzepte wie Tao Group und Bagatelle Group. Dabei geht es ihm weniger um Luxus im klassischen Sinn als um die Atmosphäre, die einen Ort unverwechselbar macht.

Albert Trummer wiederum gilt als Pionier einer pharmazeutisch inspirierten Mixologie. Kräuter, botanische Infusionen und präzise komponierte Zutaten werden bei ihm zu Cocktails, die fast wie Rezepturen gedacht sind. Im Sanatorium sollen seine bekannten Kreationen weiterentwickelt und mit saisonalen Zutaten neu interpretiert werden.

Der Austausch mit New York bleibt dabei bestehen: Die Barteams aus Wien und New York sollen regelmäßig die Plätze wechseln und damit neue Ideen, Techniken und Einflüsse in die jeweilige Stadt bringen.

Cocktails als Rezepturen

Die Nähe zur Welt der Pharmazie ist im Sanatorium mehr als eine ästhetische Spielerei. Cocktails werden hier als Kompositionen verstanden, in denen Geschmack, Wirkung, Handwerk und botanisches Wissen zusammenspielen.

Ein wichtiger Einfluss stammt dabei vom 2024 verstorbenen New Yorker Spitzenkoch David Bouley, der ein enger Freund und Mentor der Trummers war. Seine Vorstellung von Gastfreundschaft, die Genuss mit Qualität, Saisonalität und Wohlbefinden verbindet, soll im neuen Wiener Konzept weiterleben.

Tagsüber versteht sich das Sanatorium als Ort für Essen, Gespräche und Begegnungen. Abends verändert sich die Atmosphäre: Cocktails, Musik, Kunst und Nightlife rücken in den Mittelpunkt. Intime Salons und kuratierte Ausstellungen sollen zusätzlich dafür sorgen, dass aus der Bar ein kultureller Treffpunkt wird.

Ein neuer Ort für den X Club

Auch unterhalb des Sanatoriums beginnt ein neues Kapitel der Wiener Nachtkultur. Der X Club von Martin Hos RICEMONEY HOSPITALITY GROUP zieht nach rund 15 Jahren von der Wollzeile in das Souterrain des Hauses.

Der Private Members Club bleibt seinem Konzept treu, bekommt jedoch eine neue kulinarische Dimension. Serviert wird ein Auszug aus der Welt von Ay-Vy, dem neuen Restaurantkonzept der Gruppe. Nach der ersten Eröffnung am 20. August 2026 in Hanoi folgt Mitte September Dubai.

Verantwortlich für die Küche ist Yuki Sakamoto, Sushimeister in vierter Generation. Neben seinem Omakase-Konzept sollen auch einige jener avantgardistischen Sushi-Kreationen weiterleben, die über viele Jahre die DOTS-Restaurants in Wien geprägt haben.

Die Bar als sozialer Raum

Am spannendsten ist am Sanatorium vielleicht weniger ein einzelner Cocktail oder ein bestimmtes Gericht als die Idee hinter dem gesamten Haus. Jakob und Albert Trummer wollen die Bar wieder als einen Ort verstehen, an dem Menschen nicht nur konsumieren, sondern miteinander in Kontakt kommen, Geschichten entstehen und ein Abend eine unerwartete Richtung nehmen kann.

Damit verbindet das Sanatorium zwei Städte, deren Barkultur auf sehr unterschiedliche Weise legendär geworden ist: die Eleganz und Salonkultur Wiens mit der Energie und Experimentierfreude New Yorks.

Ob daraus tatsächlich eine neue Wiener Institution entsteht, wird sich zeigen. Die Zutaten dafür jedenfalls sind ungewöhnlich genug.

Im bündnerischen Breil/Brigels verbindet das La Val Hotel & Spa alpine Ursprünglichkeit mit zeitgemäßem Design, regionaler Küche und einem Spa, das die Berge nicht inszenieren muss. Ein Rückzugsort für alle, die gerade deshalb kommen, weil hier ein wenig weniger passiert.

Es gibt Orte in den Alpen, die Aufmerksamkeit suchen. Und es gibt Breil/Brigels. Das Bergdorf in der Surselva liegt abseits der großen Namen des Schweizer Tourismus und hat sich genau dadurch etwas bewahrt, das andernorts längst zum Luxus geworden ist: Ruhe, Raum und ein selbstverständliches Verhältnis zur umgebenden Landschaft.

Mittendrin liegt das La Val Hotel & Spa. Ein Haus, das alpine Tradition nicht nostalgisch interpretiert, sondern in die Gegenwart übersetzt. Holz, Stein, natürliche Materialien und warme Texturen bestimmen die Räume. Die Zimmer und Suiten unterscheiden sich in Größe und Charakter, gemeinsam ist ihnen eine zurückhaltende Ästhetik, die den Bergen vor den Fenstern genügend Platz lässt.

680 Quadratmeter für das Nichtstun

Vielleicht zeigt sich die Idee des Hauses am deutlichsten im Mountain Spa. Auf 680 Quadratmetern verteilen sich Saunen und Dampfbäder, Ruheräume, ein 31 Grad warmer Indoorpool und ein 37 Grad warmer Outdoor-Whirlpool.

Das klingt zunächst nach klassischem Alpine Wellness. Der eigentliche Luxus liegt aber woanders: in der Möglichkeit, für ein paar Stunden nichts vorhaben zu müssen. Draußen die Surselva, drinnen Wärme, Wasser und Ruhe. Mehr braucht es manchmal nicht.

Wer Bewegung sucht, findet sie ohnehin direkt vor der Tür. Rund um Brigels beginnt eine Landschaft aus Bergen, Seen und Hochtälern, die im Sommer zum Wandern und im Winter hinaus in den Schnee führt.

Graubünden auf dem Teller

Auch kulinarisch bleibt das La Val seiner Umgebung verbunden. In der Ustria Miracla trifft alpine Authentizität auf eine feinere Interpretation regionaler Küche, während das Da Rubi bewusst entspannter auftritt. Hier gehören auch Fondue und Raclette mit Brigelser Bergkäse dazu.

Viele Produkte kommen aus unmittelbarer Umgebung: Fleisch von der Metzgerei im Dorf, Käse aus der lokalen Sennerei, Honig aus Breil/Brigels und Brot vom örtlichen Bäcker. Rund 70 Prozent der angebotenen Weine stammen aus der Schweiz.

Regionalität wird damit weniger zum Konzept als zur logischen Konsequenz des Ortes.

Eine Auszeit, die auch länger dauern darf

Für Smart Traveller gibt es aktuell eine besondere Möglichkeit, das La Val kennenzulernen: Eine Nacht für zwei Personen inklusive Halbpension kostet 333,– Euro statt regulär 1.050 Euro.

SMART DEAL – Hotel La Val Brigels

Der Gutschein ist gültig für 1 Nacht (2 Personen) inkl. Halbpension, einlösbar in allen Zimmern/Suiten außer Suiten: Capricorn, Dado, Tumpic, da Tgamin

Und wer nach einer Nacht noch nicht wieder ins Tal möchte, muss das auch nicht: Das Angebot kann für mehrere Nächte gebucht werden – jeweils zum Smart Traveller Preis von 333,– Euro pro Nacht für zwei Personen inklusive Halbpension.

Damit wird aus einem spontanen Wochenende schnell eine längere Auszeit in Graubünden – mit Bergen vor der Tür, Ruhe im Spa und genügend Zeit, um Brigels nicht nur zu besuchen, sondern wirklich anzukommen.

Denn vielleicht ist genau das die Qualität von La Val und Brigels: Man kommt nicht hierher, um möglichst viel zu erleben. Sondern um wieder mehr von dem wahrzunehmen, was ohnehin da ist.

Wie Kartell auf dem Salone del Mobile 2026 Textur, Material und Persönlichkeit in den Mittelpunkt rückt

Lange Zeit schien sich gutes Design vor allem über Reduktion zu definieren. Klare Linien, ruhige Farben und möglichst wenig visuelle Ablenkung bestimmten viele Interior-Kollektionen. Auf dem Salone del Mobile 2026 zeigt Kartell nun eine andere Richtung auf. Die italienische Designmarke rückt nicht das Objekt selbst in den Mittelpunkt, sondern seine Oberfläche, seine Materialität und die Geschichten, die dadurch entstehen.

Die Kollektion versteht sich weniger als Ansammlung neuer Möbel, sondern als Einladung, Räume emotionaler zu denken. Farben, Texturen und Materialien werden zu Gestaltungsmitteln, die Atmosphäre schaffen und den Charakter eines Interieurs prägen. Kartell verbindet dabei industrielle Präzision mit handwerklicher Anmutung und nutzt technologische Innovationen sowie künstliche Intelligenz nicht als Selbstzweck, sondern als Werkzeuge, um Design neue erzählerische Dimensionen zu verleihen.

Teppiche als architektonische Landschaften

Besonders eindrucksvoll zeigen das die neuen Teppichkollektionen. Ferruccio Laviani interpretiert mit GRID und BEMBO textile Oberflächen als grafische Kompositionen. Während GRID von der Struktur traditioneller Webtechniken inspiriert ist und mit feinen Linien architektonische Tiefe erzeugt, erinnert BEMBO an einen spontanen Tuschestrich, der Bewegung und Dynamik in den Raum bringt. Die Teppiche wirken dadurch weniger dekorativ als vielmehr wie Kunstwerke, die den Charakter eines Raumes definieren.

Auch Patricia Urquiola denkt den Teppich neu. Ihre Kollektion PINCEL übersetzt den freien Pinselstrich in ein textiles Objekt. Linien verlaufen organisch, Farben wirken wie von Hand aufgetragen und verändern ihre Wirkung je nach Lichteinfall und Perspektive. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die lebendig wirkt und zwischen Design, Malerei und Handwerk vermittelt.

Design mit Charakter

Einen spannenden Gegenpol setzt Philippe Starck mit PRINCE OHOH. Der skulpturale Hocker spielt mit einer sanduhrähnlichen Geometrie und übernimmt ganz selbstverständlich unterschiedliche Rollen – als Sitzgelegenheit, Beistelltisch oder dekoratives Objekt. Humor, Funktion und skulpturale Präsenz verschmelzen hier zu einem Möbelstück, das bewusst Persönlichkeit zeigt.

Kartell beweist damit, dass zeitgenössisches Design längst nicht mehr nur von neuen Formen lebt. Entscheidend ist die Fähigkeit, Materialien fühlbar zu machen und Objekte zu schaffen, die über ihre Funktion hinaus Emotionen auslösen. Gerade in einer Zeit digitaler Perfektion scheint genau diese sinnliche Qualität der wahre Luxus zu sein.

Das private Wohnhaus Pennyroyal Tea in Chennai ist eine Hommage an das indische Handwerk und die Kultur. Das Gebäude entfaltet sich wie ein lebendiger Garten – voller liebevoller und witziger Details, die entdeckt werden wollen.

Wo die feuchte Brise des Golfs von Bengalen über die Stadt Chennai streift, liegt ein Haus, das zwar ein privates Wohnhaus ist. Gleichzeitig ist „Pennyroyal Tea“ aber auch so etwas wie ein Manifest für zeitgenössische indische Wohnkultur – reich an Texturen, durchdrungen von kultureller Symbolik und getragen von der Arbeit hunderter Handwerker.

Prozess der kulturellen Verankerung

Über zweieinhalb Jahre hinweg kamen für dieses Projekt mehr als 200 Kunsthandwerker aus ganz Indien zusammen. Alles an und in dem Gebäude ist ein Kunstwerk. Das detailreiche, fast märchenhafte Refugium entstand unter der Federführung des in Bengaluru ansässigen Kreativstudios Multitude of Sins (MOS).

So originell wie der Name des Kreativstudios klingt, so originell ist das an der Ostküste des südindischen Bundesstaates Tamil Nadus entstandene Projekt. Pennyroyal Tea verwebt Handwerk, Architektur und Interior Design untrennbar miteinander. Für Chefdesignerin Smita Thomas war es weniger ein klassisches Bauvorhaben als vielmehr ein Prozess der kulturellen Verankerung.

Wie im „Märchengarten“

Schon beim Betreten des Hauses wird klar, dass im Pennyroyal Tea sinnliche Feinheiten regieren. Die Eingangstür ist mit floralen Gravuren versehen, in einem Rahmen aus grauem und grünem Marmor eingebettet. Der eigens entworfene Kronleuchter, eine kaskadenartige Skulptur aus Holzperlen und Metallringen, wirkt wie eine botanische Installation.

Wir wollten ein Gefühl des Staunens hervorrufen, in dem jeder Raum eine eigene Identität hat, sich aber dennoch in eine gemeinsame Sprache einfügt.

Smita Thomas, Chefdesignerin Multitude of Sins

Das Foyer inszeniert indisches Handwerk in einer spielerischen, beinahe poetischen Form. An einer Wand öffnet sich ein Schuhschrank, dessen Gestaltung an verflochtene Schnürsenkel erinnert, während strukturierte Tapetenflächen den Raum rahmen. Schon hier zeigt sich die Handschrift von MOS: Alltägliche Funktionen erhalten einen künstlerischen, oft humorvollen Dreh, auf den Moment der Entdeckung wartend. Räume, die Geschichten erzählen.

Der Wohn- und Essbereich bildet das Herzstück des Hauses – und ist ebenso von subtilen Überraschungen durchzogen. Zwei von MOS entworfene Tische geben die Tonalität vor: Der eine ist von den Mondphasen inspiriert und von Armlehnstühlen aus gealtertem Holz umstellt. Der andere erinnert mit seiner organischen Formensprache an abstrahierte Blätter.

Eine L-förmige Marmorlounge mit Baldachin zieht die Blicke auf sich. Verziert ist dieser mit kleinen Vögeln aus Glas, Messing und Stahl, zwischen denen Blüten wie in einem Gartenhimmel aufblühen. Der Essbereich wird von einem großformatigen Tisch aus zweifarbigem Holz dominiert, dessen trapezförmige Beine skulptural wirken.

Akzente dank der verwendeten Materialien

„Wir wollten Möbel, die nicht nur funktional, sondern auch bedeutungsvoll sind“, erklärt Thomas. Tatsächlich stammen rund 80 Prozent aller Einrichtungsgegenstände aus Sonderanfertigungen, die in Zusammenarbeit mit Handwerkern aus ganz Indien entstanden.

Besondere Akzente setzen Materialien: glänzende Fliesenflächen auf der oberen Etage, strukturierte Wände im Essbereich oder Mosaikböden, die die Übergänge zwischen den Räumen betonen. Selbst Nebenräume überraschen: Etwa die Gästetoilette, in der ein kräftiger Rotton den minimalistischen Hintergrund durchbricht.

Auch in funktionalen Bereichen wie der Küche bleibt das Design präzise durchdacht. Der Raum ist in drei Zonen gegliedert – Trockenküche, Nutzküche und Speisekammer – und verbindet damit Funktionalität mit einer klaren Raumordnung.

Die Schlafräume dagegen entfalten eine Atmosphäre von Ruhe und Modernität. Das Hauptschlafzimmer ist großzügig dimensioniert und bewusst reduziert gestaltet. Seine klaren Linien und die Kombination aus Holz und Stoff verleihen ihm eine elegante Zurückhaltung, die in Kontrast zum detailreichen öffentlichen Bereich des Hauses steht.

Architektur als Handwerk

So vielgestaltig die Räume auch wirken, allen gemeinsam ist ein zentrales Prinzip: Handwerk ist hier nicht Dekoration allein, sondern das Fundament für alles Weitere. MOS verzichtete bewusst auf standardisierte Produkte und Massenware. Stattdessen wurden Naturstein, Massivholz und Messing lokal beschafft und von Hand verarbeitet. Oberflächen sind frei von aggressiven Chemikalien, was nicht nur der Umwelt, sondern auch der Raumluftqualität zugutekommt.

„Jedes Stück wurde mit Bedacht geschaffen“, sagt Thomas. „Wir setzen auf Rohmaterialien und innovative Techniken, um eine tiefere Verbindung zur Umwelt und zur Gemeinschaft herzustellen.“ Dieses Credo durchzieht die gesamte Residenz: Von den geschnitzten Holzplatten bis zu den handgearbeiteten Messingbändern erzählt jedes Detail eine Geschichte von Können, Geduld und kultureller Verwurzelung.

Nachhaltigkeit in mehrfacher Hinsicht

Pennyroyal Tea versteht Nachhaltigkeit nicht nur ökologisch, sondern auch sozial. Beim Bauprozess wurde die Entstehung von Abfall minimiert, man griff auf recycelte Materialien zurück, um den CO₂-Fußabdruck zu reduzieren. Ebenso wichtig war die Einbindung von Handwerkern und damit die Förderung lokaler Klein- und Kleinsbetriebe. Indem MOS Steinmetze, Zimmerleute, Fliesenleger und Metallarbeiter aus verschiedenen Regionen zusammenbrachte, entstand ein Netzwerk, das nun weit über den Bau hinaus Bestand hat. Das Projekt stärkte lokale Gemeinschaften und trug dazu bei, traditionelle Fertigkeiten wirtschaftlich wie kulturell zu sichern.

Damit stellt Pennyroyal Tea die gängige Logik vieler Bauprojekte infrage. Darf Architektur heutzutage, wo vor allem schnelle Effizienz zählt, auch ein langsamer, partizipativer Prozess sein, der traditionelles Handwerker-Wissen bündelt und weiterträgt?

Ein Haus als lebendige Leinwand

Obwohl Pennyroyal Tea streng genommen eine private Residenz ist, liest es sich wie ein offenes Archiv indischer Handwerkskultur. Die Räume sind nicht bloß Kulisse, sondern aktive Erzähler – von der Marmorliege im Wohnzimmer bis zu den floralen Gravuren der Eingangstür.

Pennyroyal Tea wirkt zugleich zeitgenössisch und zeitlos. Es schöpft aus jahrhundertealten Techniken, ohne nostalgisch zu werden. Es feiert Vielfalt innerhalb einer klaren gestalterischen Haltung, ohne in Beliebigkeit zu verfallen. Und es beweist, dass moderne Wohnarchitektur auch dann global wirken kann, wenn sie radikal lokal bleibt.

Im Endeffekt ist Pennyroyal Tea mehr als ein ästhetisches „Produkt“. Das Projekt ist ein Plädoyer für ein bewusstes Bauen, das Handwerk nicht nur bewahrt, sondern in die Gegenwart weiterentwickelt. Es zeigt, wie ein Gebäude kulturelle Identität ausdrücken, ökologische Verantwortung übernehmen und soziale Strukturen stärken kann – ohne dadurch den Zauber des Staunens zu gefährden.

Text: Linda Benkö
Fotos: Pennyroyal Tea/Ishita Sitwala

Mit der Black Bay Ceramic zeigt TUDOR, dass zeitgenössischer Luxus nicht lauter, sondern intelligenter geworden ist.

Manche Uhren beeindrucken durch Komplikationen, andere durch ihre Geschichte. Die neue TUDOR Black Bay Ceramic geht einen anderen Weg: Sie verbindet kompromisslose Ingenieurskunst mit einer radikal reduzierten Ästhetik und zeigt, dass Innovation oft dort beginnt, wo Funktion und Design untrennbar miteinander verschmelzen. Mit ihrem vollständig schwarzen Erscheinungsbild und dem erstmals aus Keramik gefertigten Armband interpretiert sie die ikonische Black Bay Linie konsequent neu.

Schwarz als Ausdruck technischer Präzision

Schwarz gilt in der Gestaltung häufig als Farbe der Reduktion. Bei der Black Bay Ceramic ist es jedoch weit mehr als eine gestalterische Entscheidung. Das mattschwarze Keramikgehäuse trifft auf ein harmonisch abgestimmtes Keramikarmband, dessen Entwicklung als eine der größten technischen Herausforderungen dieses Modells gilt. Keramik ist außergewöhnlich hart, leicht und kratzfest – gleichzeitig aber anspruchsvoll in der Verarbeitung. Dass TUDOR nun ein vollständig integriertes Keramikarmband mit hohem Tragekomfort realisieren konnte, unterstreicht den technologischen Anspruch der Marke.

Das Zusammenspiel aus sandgestrahlten Oberflächen, polierten Kanten und fein abgestuften Schwarztönen verleiht der Uhr eine skulpturale Präsenz. Sie wirkt kraftvoll, ohne laut zu sein – eine Form von Luxus, die sich nicht über Glanz, sondern über Materialqualität und Präzision definiert.

Master Chronometer – wenn Präzision messbar wird

Was äußerlich minimalistisch erscheint, ist im Inneren hochkomplex. Die Black Bay Ceramic trägt die begehrte METAS Master Chronometer-Zertifizierung – eine der anspruchsvollsten Prüfungen der modernen Uhrmacherei. Dabei werden nicht nur die Ganggenauigkeit, sondern auch Magnetfeldresistenz, Wasserdichtheit und Gangreserve unabhängig überprüft.

Das Manufakturkaliber MT5602-U arbeitet mit einer Siliziumspiralfeder, widersteht Magnetfeldern bis 15.000 Gauß und bietet eine zertifizierte Gangreserve von 70 Stunden. Für den Alltag bedeutet das nicht nur außergewöhnliche Präzision, sondern auch die Freiheit, die Uhr über ein Wochenende abzulegen, ohne sie anschließend neu einstellen zu müssen.

Tradition neu interpretiert

Obwohl die Black Bay Ceramic technologisch zu den modernsten Modellen der Marke zählt, bleibt sie ihren Wurzeln treu. Die charakteristischen Snowflake-Zeiger, seit 1969 fester Bestandteil der TUDOR-DNA, verbinden die Geschichte der legendären Taucheruhren mit zeitgenössischer Uhrmacherkunst. Das Ergebnis ist keine nostalgische Neuauflage, sondern eine Evolution, die Vergangenheit und Zukunft selbstverständlich miteinander verbindet.

Luxus durch Substanz

In einer Zeit, in der Luxus häufig über Sichtbarkeit definiert wird, setzt die Black Bay Ceramic auf eine andere Form von Exklusivität. Ihre Qualitäten offenbaren sich nicht auf den ersten Blick, sondern im Detail: in der Materialforschung, der Präzision des Uhrwerks, den hohen Zertifizierungsstandards und der außergewöhnlichen Verarbeitung.

Gerade diese Haltung macht sie interessant. Sie versteht Luxus nicht als Inszenierung, sondern als Ergebnis konsequenter Entwicklung. Eine Uhr für Menschen, die Design nicht nur sehen, sondern verstehen möchten.