Design ist dann zeitlos, wenn es sich nicht an Trends orientiert, sondern an Menschen. Die österreichische Möbelmanufaktur Wittmann zeigt zum 130-jährigen Bestehen, warum wahre Klassiker Jahrzehnte überdauern – und inszeniert ihre bedeutendsten Entwürfe in einem kraftvollen Farbtrio aus Rot, Schwarz und Weiß.

Es gibt Möbel, die einen Raum einrichten. Und es gibt Möbel, die ihm Charakter verleihen. Seit 130 Jahren verfolgt die niederösterreichische Manufaktur Wittmann einen Anspruch, der weit über Funktionalität hinausgeht: Möbel entstehen hier als Ausdruck von Haltung, Handwerkskunst und zeitloser Gestaltung.

Zum Jubiläum richtet das Unternehmen den Blick bewusst auf jene Entwürfe, die seine Geschichte geprägt haben. Statt nostalgisch zurückzublicken, werden die ikonischen Modelle in einer reduzierten, beinahe musealen Inszenierung neu erlebbar – konzentriert auf Form, Material und Proportion.

Design, das Generationen verbindet

Die Geschichte Wittmanns erzählt zugleich ein Stück europäischer Designgeschichte. Bereits lange bevor Nachhaltigkeit zum Schlagwort wurde, setzte die Manufaktur auf Möbel, die für Jahrzehnte geschaffen werden. Nicht kurzfristige Trends bestimmten die Gestaltung, sondern Qualität, Komfort und handwerkliche Präzision.

Diese Philosophie führte früh zur Zusammenarbeit mit einigen der bedeutendsten Designer und Architekten ihrer Zeit. Gemeinsam entstanden Möbel, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

Allen voran stehen die Entwürfe von Josef Hoffmann. Der KUBUS Fauteuil gilt als Ikone geometrischer Klarheit und zählt zu den bekanntesten Sitzmöbeln der Wiener Moderne. Ebenso prägen der elegante ALLEEGASSE Fauteuil sowie die legendären FLEDERMAUS Stühle bis heute das Erscheinungsbild der Wittmann Classics Collection und zeigen Hoffmanns Verständnis eines harmonischen Zusammenspiels von Architektur, Interieur und Funktion.

Zeitlos statt nostalgisch

Dass Designklassiker keineswegs museal wirken müssen, beweisen auch die späteren Entwürfe der Kollektion. Der AURA Fauteuil von Paolo Piva gehört seit Jahrzehnten zu den erfolgreichsten Modellen der Manufaktur. Seine weichen, organischen Linien schaffen eine einladende Präsenz, ohne sich jemals in den Vordergrund zu drängen.

Mit dem VUELTA Fauteuil ergänzt Wittmann die Auswahl um einen Entwurf, der moderne Eleganz mit außergewöhnlichem Sitzkomfort verbindet. Klare Linien, hochwertige Materialien und eine sinnliche Haptik zeigen jene Zurückhaltung, die langlebiges Design oft auszeichnet.

Gemeinsam entsteht eine Kollektion, die unterschiedliche Epochen vereint und dennoch wie aus einem Guss wirkt.

Drei Farben, eine Designphilosophie

Zum Jubiläum verzichtet Wittmann bewusst auf dekorative Inszenierungen. Stattdessen stehen die Möbel ausschließlich in den Unternehmensfarben Rot, Schwarz und Weiß im Mittelpunkt.

Das intensive Rot setzt kraftvolle Akzente, Schwarz unterstreicht die architektonische Klarheit der Formen und Weiß lenkt den Blick auf die Silhouetten und Proportionen. Hochwertige Leder- und Stoffbezüge verstärken diese Wirkung und machen sichtbar, wie wenig ein guter Entwurf benötigt, um zeitlos zu wirken.

Die reduzierte Farbwelt funktioniert dabei nicht als Styling, sondern als Verdichtung der Markenidentität: Sie lenkt die Aufmerksamkeit konsequent auf das Wesentliche – die Qualität des Designs.

Handwerk als Zukunftsmodell

Während viele Möbel heute industriell und für kurze Lebenszyklen produziert werden, bleibt Wittmann seinem Ursprung treu. Seit der Gründung im Jahr 1896 entstehen sämtliche Möbel in der eigenen Manufaktur in Niederösterreich.

Hier treffen traditionelle Polsterhandwerkskunst, hochwertige Materialien und moderne Fertigungstechnologien aufeinander. Jeder Entwurf wird mit derselben Sorgfalt gefertigt, mit der bereits frühere Generationen Möbel geschaffen haben.

Gerade in einer Zeit, in der Nachhaltigkeit zunehmend über Langlebigkeit definiert wird, gewinnen solche Möbel eine neue Bedeutung. Sie sind nicht für den schnellen Austausch gedacht, sondern dafür, über Jahrzehnte Teil des eigenen Lebens zu werden.

Wittmann zeigt damit eindrucksvoll, dass gutes Design nicht lauter werden muss, um relevant zu bleiben. Es genügt, wenn Form, Komfort und Handwerk so konsequent zusammenspielen, dass Möbel entstehen, die Generationen überdauern.

Die neue Ghidini1961 Collection 2026 versteht Design nicht als Objekt, sondern als räumliche Choreografie aus Material, Licht und Bewegung.

Es gibt Kollektionen, die neue Möbel präsentieren. Und es gibt Kollektionen, die eine neue Haltung zum Wohnen formulieren. Die 2026 Collection von Ghidini1961 gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Anstatt einzelne Produkte in den Mittelpunkt zu stellen, entwickelt das italienische Designlabel ein zusammenhängendes Universum, in dem Sofas, Tische und Leuchten miteinander kommunizieren. Gemeinsam definieren sie Räume nicht über Dekoration, sondern über Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Dabei bleibt Ghidini1961 seiner DNA treu: Metall ist nicht bloß Konstruktion, sondern Ausdruck handwerklicher Präzision, während Marmor, Glas und Textilien zu gleichwertigen Protagonisten werden.

Räume in Bewegung

Besonders deutlich wird diese Haltung im modularen Sofa Settebello, entworfen von Lorenza Bozzoli. Seine großzügigen, weich modellierten Elemente lösen sich bewusst von klassischen orthogonalen Grundrissen. Trapezförmige Module und skulpturale Halbinseln erlauben immer neue Konfigurationen, die sich den Menschen anpassen – und nicht umgekehrt.

Das Sofa wird dadurch weniger zu einem Möbelstück als zu einer Landschaft. Ein Ort, der Begegnung ermöglicht, unterschiedliche Nutzungen zulässt und sich jederzeit neu organisieren lässt. Wohnen erscheint hier nicht als statischer Zustand, sondern als fortlaufender Prozess.

Licht als Architektur

Auch die Beleuchtung folgt diesem Gedanken. Mit Ypsilon entwickelt Lorenza Bozzoli ein modulares Lichtsystem, dessen lineare Elemente sich verzweigen und zu beinahe schwebenden Lichtarchitekturen verbinden.

Licht wird dabei nicht nur funktional eingesetzt, sondern strukturiert den Raum selbst. Linien werden zu Wegen, Verbindungen zu Knotenpunkten, während geriffeltes Glas das Licht weich in die Umgebung streut. Die Leuchte wirkt dadurch fast wie eine gezeichnete Architektur im Raum.

Skulpturen des Alltags

Die übrigen Neuheiten greifen dieselbe Idee auf: Möbel entstehen aus klaren geometrischen Grundformen, entwickeln jedoch eine überraschende skulpturale Kraft.

Der runde Tria-Tisch interpretiert seine zentrale Säule als monumentale Skulptur aus Naturstein, während Paolo Rizzattos Lancillotto klassische Architektur mit zeitgenössischer Reduktion verbindet. Die neue Unduetre-Leuchte bringt Marmor, Messing und Glas in ein fein austariertes Gleichgewicht zwischen Schwere und Leichtigkeit.

Auch kleinere Objekte wie die Cono-Beistelltische oder das weiterentwickelte Cards-System folgen derselben gestalterischen Logik: Jedes Objekt besitzt eine starke Identität, bleibt dabei jedoch offen für unterschiedliche räumliche Situationen.

Design als lebendiges System

Bemerkenswert ist zudem, dass Ghidini1961 seine bestehenden Entwürfe kontinuierlich weiterentwickelt. Die Leuchte Dash erscheint nun als hexagonale Version, Andrea Branzis ikonisches Regal Incrocio und die Stehleuchte Giotto erhalten eine neue Chromoberfläche, während die skulpturale Wandleuchte Kaleidos der Campana Brothers ihr faszinierendes Spiel aus Reflexion und Licht fortsetzt. Die Kollektion wächst dadurch organisch weiter, anstatt ständig nach radikaler Neuerfindung zu suchen.

Italienisches Design zwischen Handwerk und Zukunft

Seit seiner Gründung verbindet Ghidini1961 die jahrzehntelange Metallkompetenz von Ghidini Giuseppe Bosco mit einer zeitgenössischen Designsprache. Die neue Kollektion führt diesen Weg konsequent weiter. Sie zeigt, dass Luxus heute nicht zwangsläufig durch Opulenz entsteht, sondern durch Materialqualität, Präzision und Objekte, die mit dem Raum und seinen Bewohnern in Beziehung treten.

So entsteht eine Kollektion, die weniger Möbel präsentiert als Möglichkeiten. Möglichkeiten, Räume immer wieder neu zu denken – und sie dadurch lebendig werden zu lassen.

Zwischen Kalligrafie, Natur und Skulptur

Papier gehört zu den selbstverständlichsten Materialien unseres Alltags. Es wird beschrieben, gefaltet, entsorgt oder recycelt. Die koreanisch-amerikanische Künstlerin Jae Ko macht daraus etwas völlig anderes: monumentale Skulpturen, die an geologische Formationen, Baumringe, Gletscher oder vom Wind gezeichnete Landschaften erinnern. Für ihre erste Einzelausstellung in Belgien präsentiert die Antwerpener Galerie 22MUSE unter dem Titel „Striated – Writing with Form“ Werke, die das Verhältnis zwischen Material, Zeit und Natur neu erfahrbar machen.

Die Sprache des Materials

Seit mehr als vier Jahrzehnten arbeitet Jae Ko nahezu ausschließlich mit Papier. Genauer gesagt: mit Rollen aus Recyclingpapier, Additionsrollen oder Industriepapier, die sie abwickelt, neu aufrollt, faltet, verdreht, tränkt, trocknen lässt und über Monate hinweg transformiert.

Was zunächst nach einem handwerklichen Prozess klingt, entwickelt sich bei ihr zu einer fast meditativen Form des Bildhauens. Die Arbeiten entstehen nicht gegen das Material, sondern gemeinsam mit ihm. Jede Falte, jede Spannung und jede Unebenheit bleibt sichtbar und wird Teil der endgültigen Form. Papier verliert seine ursprüngliche Funktion und wird zu einer plastischen Landschaft.

Schreiben ohne Worte

Der Ausstellungstitel „Writing with Form“ beschreibt Jae Kos Arbeiten überraschend präzise. Obwohl keine Schriftzeichen zu erkennen sind, erinnern ihre Skulpturen an überdimensionale kalligrafische Gesten. Linien verdichten sich zu Volumen, Bewegung wird zu Körper, Rhythmus erhält räumliche Präsenz.

Ihre frühen Arbeiten waren stark von der ostasiatischen Kalligrafie beeinflusst. Bis heute verwendet sie Pigmenttinten, deren Ursprung im verbrannten Holz liegt – ein Material, das wiederum direkt auf die Natur verweist. Gleichzeitig fließen heute ebenso Einflüsse ihrer amerikanischen Wahlheimat in die Arbeiten ein. Baumringe, Wurzeln, Tornados oder von Wind geformte Kiefern werden zu stillen Referenzen, ohne jemals illustrativ zu wirken.

Zeit als unsichtbarer Werkstoff

Jae Kos Werke entstehen langsam. Manche Installationen wachsen über Monate hinweg. Das Papier wird gewässert, der Sonne ausgesetzt, vergraben oder immer wieder neu bearbeitet. Dieser kontrollierte Prozess des Werdens ist wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Sprache.

Gerade darin liegt ihre besondere Kraft: Die Arbeiten wirken gleichzeitig organisch und präzise, monumental und fragil. Sie erinnern daran, dass Veränderung selten abrupt geschieht, sondern Schicht für Schicht entsteht – ähnlich wie Landschaften oder geologische Formationen.

Papier neu denken

Die Werke von Jae Ko überschreiten die Grenzen zwischen Skulptur, Installation und Zeichnung. Sie zeigen, dass ein alltägliches Material eine erstaunliche emotionale und räumliche Kraft entwickeln kann.

Mit „Striated“ lädt die Künstlerin dazu ein, Papier nicht mehr als Träger von Gedanken zu betrachten, sondern als Gedanken selbst – geformt durch Zeit, Bewegung und die stille Intelligenz des Materials.

Die Ausstellung ist vom 23. Oktober bis 28. November 2026 in der 22MUSE Gallery in Antwerpen zu sehen und markiert die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Belgien.

Für die Herbst-/Winterkollektion 2026/27 stellt Daniele Fiesoli die klassische Herrengarderobe auf den Prüfstand – nicht, um sie zu übernehmen, sondern um ihre Essenz in eine moderne, selbstbewusste Weiblichkeit zu übersetzen. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die Eleganz nicht laut inszeniert, sondern über Haltung, Präzision und Persönlichkeit definiert.

Zwischen Tailoring und Leichtigkeit

Mode bewegt sich heute zunehmend jenseits klassischer Geschlechtercodes. Statt eindeutiger Zuordnungen entstehen Kollektionen, die Traditionen hinterfragen und vertraute Formen neu interpretieren. Genau an diesem Punkt setzt Daniele Fiesoli mit der Collezione N_01 für Herbst/Winter 2026/27 an.

Die Inspiration stammt aus der klassischen Herrenschneiderei. Doch statt maskuline Silhouetten einfach zu adaptieren, werden ihre charakteristischen Elemente in eine feminine Formensprache übersetzt. Präzision trifft auf fließende Linien, Struktur begegnet Weichheit, und klassische Schneiderkunst entwickelt eine überraschend leichte Selbstverständlichkeit.

Eleganz ohne Inszenierung

Im Mittelpunkt steht keine Frau, die Trends folgt, sondern eine Persönlichkeit, die ihren Stil über Haltung definiert. Die Kollektion erzählt von Menschen, die sich nicht über modische Effekte ausdrücken müssen, sondern über Klarheit, Authentizität und Konsequenz.

Diese stille Eleganz gehört zu den spannendsten Entwicklungen der aktuellen Mode. Luxus zeigt sich nicht mehr ausschließlich über Dekoration oder Opulenz, sondern über exzellente Materialien, perfekte Schnitte und Kleidung, die über viele Saisonen hinweg relevant bleibt.

Farben der Ruhe

Auch die Farbpalette folgt diesem Gedanken. Maßgeschneiderte Graunuancen bilden das Fundament der Kollektion – von Eisgrau über Perlgrau bis hin zu Rauchgrau und Anthrazit. Ergänzt werden sie durch warme Kaffee- und Cremetöne, die den Looks Natürlichkeit verleihen. Pudrige Fliedernuancen setzen feine feminine Akzente, während fluoreszierende Alpakaqualitäten überraschende Kontraste schaffen und der Kollektion eine moderne Dynamik verleihen.

Gerade diese Balance zwischen Zurückhaltung und Überraschung verleiht der Kollektion ihre Spannung. Nichts wirkt aufgesetzt – jeder Farbton unterstützt die ruhige Selbstverständlichkeit der Silhouetten.

Zeitlos statt kurzlebig

Daniele Fiesoli versteht Mode nicht als kurzfristige Reaktion auf Trends, sondern als Ausdruck einer dauerhaften Haltung. Die Herbst-/Winterkollektion 2026/27 richtet sich an Frauen, die Qualität über Schnelllebigkeit stellen und Kleidung suchen, die Persönlichkeit unterstreicht, statt Aufmerksamkeit einzufordern.

In einer Zeit permanenter visueller Reize wirkt diese Form von Zurückhaltung beinahe radikal. Gerade darin liegt die Stärke der Collezione N_01: Sie beweist, dass moderne Weiblichkeit nicht zwischen Stärke und Sanftheit wählen muss – sondern beides selbstverständlich miteinander verbinden kann.

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Zwischen Rüstung und Vision, Handwerk und Science Fiction: Marina Hoermanseder nutzt ihre Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027, um Mode als Experimentierfeld für Identität, Körper und Zukunft neu zu denken.

Mode war schon immer mehr als Kleidung. Sie erzählt Geschichten darüber, wie wir uns selbst sehen – und wie wir gesehen werden möchten. Mit ihrer Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 richtet Marina Hoermanseder den Blick konsequent nach vorne. Outer Space ist keine Reise ins All im klassischen Sinn, sondern eine Expedition in jene Räume, in denen Fantasie, Innovation und persönlicher Wandel entstehen.

Die österreichische Designerin entwirft ein Universum, das gleichermaßen futuristisch wie überraschend menschlich wirkt. Ihre Protagonistinnen sind keine passiven Heldinnen einer Science-Fiction-Erzählung, sondern Frauen, die vertraute Grenzen hinter sich lassen und ihre eigene Zukunft gestalten.

Mode als Schutzschild

Die Kollektion bewegt sich zwischen Stärke und Verletzlichkeit. Skulpturale Silhouetten treffen auf chromglänzende Oberflächen, eisblaues Leder und rüstungsähnliche Konstruktionen. Was zunächst wie futuristische Inszenierung erscheint, entwickelt sich bei genauerem Hinsehen zu einer Reflexion über den Körper selbst.

Hoermanseder beschäftigt sich seit Jahren mit der Frage, wie Kleidung den Menschen verändern kann. Orthopädische Formen, Korsetts und technische Konstruktionen gehören seit Beginn zu ihrer gestalterischen Sprache. In Outer Space entwickelt sie diese Handschrift konsequent weiter. Kleidung wird zum Schutzraum, aber ebenso zum Symbol von Transformation.

Handwerk trifft Zukunft

Trotz aller futuristischen Anmutung bleibt die Kollektion tief im traditionellen Handwerk verwurzelt. Besonders sichtbar wird dies in der Rückkehr der charakteristischen Twisted-Buckle-Technik, die längst zu einem Markenzeichen der Designerin geworden ist.

Gedrehte Schnallen ersetzen klassische Nähte und erzeugen gemeinsam mit mehrschichtigen Lederkonstruktionen außergewöhnliche plastische Oberflächen. Die Technik verleiht den Kleidungsstücken eine beinahe architektonische Qualität und macht sichtbar, wie sehr Innovation aus handwerklicher Präzision entstehen kann.

Gleichzeitig kehrt Marina Hoermanseder zu einem Material zurück, das ihre frühen Kollektionen geprägt hat: naturbelassenes Leder. In Kombination mit futuristischen Formen entsteht ein spannender Dialog zwischen Ursprung und Vision.

Der Körper als kulturelle Projektionsfläche

Besonders interessant wird die Kollektion dort, wo sie Mode mit gesellschaftlichen Fragen verbindet. Die Hyper Physicality Vase übersetzt übersteigerte anatomische Ideale in eine bewusst überzeichnete Formensprache. Dahinter steht die Auseinandersetzung mit Körperbildern und den Mechanismen toxischer Männlichkeit.

Auch die erstmals vorgestellten Strap Pants und Strap Shorts für Menswear erweitern die bekannte Designsprache der Marke. Die ikonischen Strap-Elemente werden dabei nicht einfach übernommen, sondern in einen neuen Kontext gestellt und öffnen Marina Hoermanseders Ästhetik erstmals stärker für den männlichen Körper.

Eine neue Ästhetik des Unbekannten

Farblich bewegt sich Outer Space zwischen natürlichen Erdtönen und intensivem Orange. Swarovski-Kristalle in Blau- und Grüntönen erinnern an kosmische Tiefen, während die sogenannte Lunar Landscape-Technik Oberflächen entstehen lässt, die an die Struktur von Mondgestein erinnern.

Den eindrucksvollen Abschluss bildet die Alien Vase – eine skulpturale Arbeit mit orthopädisch inspirierten Kopf- und Armelementen. Sie verweist auf Marina Hoermanseders Zeit bei Alexander McQueen und dessen legendäre Kollektion Plato’s Atlantis, ohne dabei nostalgisch zu wirken. Vielmehr versteht sich der Entwurf als Blick in eine Zukunft, deren Form wir heute noch nicht kennen.

Wenn Mode Zukunft sichtbar macht

Mit Outer Space präsentiert Marina Hoermanseder weit mehr als eine neue Saisonkollektion. Sie nutzt Mode als Medium, um über Veränderung, Identität und die Grenzen unserer Vorstellungskraft nachzudenken.

Zwischen Couture, Produktdesign und Performance entsteht eine Bildwelt, die zeigt, dass die spannendsten Entwicklungen oft dort beginnen, wo bekannte Kategorien enden. Gerade in einer Zeit, in der Zukunft häufig mit Unsicherheit verbunden wird, entwirft Hoermanseder eine andere Perspektive: eine Zukunft, die Neugier weckt und Kreativität als stärkste Form des Fortschritts versteht.

Foto Credits: BERLIN, GERMANY – JULY 3: Runway at the Marina Hoermanseder Show during Berlin Fashion Week Spring/Summer 2027 at Haus der Visionaere on July 3, 2026 in Berlin, Germany. (Photos by Isa Foltin/Getty Images via Hoermanseder)

Mit der Opus-Kollektion verbindet ETRO Home Interiors traditionelle Handwerkskunst, ikonische Textilien und zeitgenössisches Design zu Möbeln mit unverwechselbarer Persönlichkeit. Ornament wird dabei nicht als Dekoration verstanden, sondern als Teil der Form selbst.

Während viele aktuelle Möbelkollektionen auf Reduktion und Zurückhaltung setzen, geht ETRO Home Interiors bewusst einen anderen Weg. Die neue Opus-Serie versteht Ornament nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als integralen Bestandteil des Designs. Jeder Entwurf erzählt eine Geschichte von Materialität, Handwerkskunst und der unverwechselbaren Design-DNA des Hauses.

Zeitgenössischer Komfort mit klassischer Inspiration

Charakteristisch für die Opus-Kollektion sind ihre klaren, modernen Proportionen, die durch raffinierte Details eine außergewöhnliche Tiefe erhalten. Inspiriert vom klassischen Capitonné interpretiert ETRO diese traditionelle Polstertechnik neu und verbindet sie mit einer zeitgemäßen Formensprache. Gepolsterte Rollen an Rückenlehnen und Armlehnen verleihen den Möbeln eine markante Silhouette und schaffen zugleich hohen Sitzkomfort.

Dabei entsteht eine spannende Balance zwischen architektonischer Klarheit und dekorativer Opulenz – ein Spannungsfeld, das die Handschrift von ETRO seit Jahrzehnten prägt.

Handwerk erzählt Geschichten

Besonders eindrucksvoll zeigt sich die Liebe zum Detail in den feinen Kordelabschlüssen entlang der Polsterrollen sowie den charakteristischen Quasten, die den Möbeln Bewegung und eine besondere Haptik verleihen. Diese Elemente sind weit mehr als Dekoration – sie werden zu einem gestalterischen Ausdrucksmittel, in dem traditionelles Kunsthandwerk und zeitgenössisches Möbeldesign miteinander verschmelzen.

Die unterschiedlichen Stoffe und Oberflächen unterstreichen den individuellen Charakter der Kollektion. Florale Jacquards, opulente Paisley-Muster oder edle Samtbezüge greifen die ikonische Textilwelt von ETRO auf und übersetzen sie in ausdrucksstarke Möbelstücke.

Möbel mit Persönlichkeit

Zur Opus-Familie gehören Armlehnstuhl, Lounge-Sessel und Barhocker. Gemeinsam ist allen Modellen eine sorgfältig ausgearbeitete Konstruktion aus massivem Buchenholz sowie hochwertige Polsterungen mit mehrschichtigem Aufbau. Je nach Ausführung ergänzen glänzend lackierte Oberflächen oder goldfarbene Metallakzente den charakteristischen Materialmix.

So entstehen Möbel, die Räume nicht nur einrichten, sondern prägen. Sie schaffen Atmosphäre, setzen Akzente und verleihen Interieurs jene erzählerische Tiefe, für die ETRO Home Interiors bekannt ist.

Mit der Opus-Kollektion zeigt ETRO, dass zeitgenössisches Design nicht auf Reduktion angewiesen ist. Stattdessen entstehen Möbel, in denen Ornament, Material und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen – ausdrucksstark, kultiviert und unverkennbar ETRO.

Vorhang auf für eine Ikone, die nur dann die Bühne betritt, wenn sie bereit ist: Das Phantom ist das Aushängeschild des burgenländischen Weinguts K+K Kirnbauer. Eine begehrte Cuvée mit Kult-Charakter, um die sich Jahr für Jahr neue Geschichten ranken – und das seit ihrem ersten Auftritt im Jahr 1987.

Die seltenen Dinge sind stets die aufregendsten

Damals wagte Rotweinpionier Kirnbauer einen mutigen Schritt: Er vereinte erstmals verschiedene rote Rebsorten zu einem Cuvée. Was als Premiere begann, entwickelte sich rasch zu einer Erfolgsgeschichte. Seither wird jede neue Ausgabe des Phantoms mit großer Spannung erwartet.

Wer weiß schon, was hinter verschlossenen Türen passieren kann


Einmal im Jahr trifft sich ein ausgewählter Kreis aus Familie und Freunden, um zwölf im Barrique ausgebaute Weine zu verkosten – einzeln und in verschiedenen Assemblagen. Darunter der fürs Burgenland so typische Blaufränkisch sowie Cabernet, Merlot und Syrah. Nach einer Bedenkzeit von drei bis vier Tagen wird gemeinsam entschieden, welche Komposition „phantomable“ ist. Also würdig, den Namen als Nachfolger zu tragen.

Wer es einmal erlebt hat, vergisst es nicht

Mehr schwarz als rot, unergründlich, begehrlich. Es sind Begriffe, mit denen sich das Phantom nicht zufrieden geben scheint. Wer es beschreiben will, scheitert schnell… Die Worte verflüchtigen sich wie das Phantom selbst. Und doch gerät es nie in Vergessenheit. Was bleibt, ist ein Begriff, der seinem Charakter jedes Jahr zugeordnet wird…

Nichts ist so geheimnisvoll wie Reife

…um daraus ein eigenes Sujet zu gestalten, das die Geschichte des Jahrgangs einfängt. Sei es die Biozertifizierung und das Streben nach Großem oder das Wiederauftauchen des Phantoms, nachdem es im Jahr davor verschollen blieb. Ob im Hotel Sacher, in einem Oldtimer Rolls Royce oder mit einem Heißluftballon – für den begehrenswerten Hauptdarsteller werden keine Mühen gescheut.

Irren wäre unmenschlich

Das aktuelle Sujet zeigt ein Labyrinth. Es gilt den Weg zu finden… Wohin? Bestimmt zum Weinschrank, in der Hoffnung, darin das Phantom zu entdecken…

Fotos: Joachim Haslinger; Agentur kratkys.net

Hoch über Chora verbindet das Belvedere Hotel seit Generationen die Eleganz eines historischen Anwesens mit zeitgenössischem Design, außergewöhnlicher Gastfreundschaft und einer tiefen Verwurzelung in der Kultur Mykonos‘.

Es gibt Orte, die weit mehr sind als luxuriöse Rückzugsorte. Orte, deren Atmosphäre über Jahrzehnte gewachsen ist und die das Lebensgefühl einer Destination entscheidend mitgeprägt haben. Das Belvedere Hotel Mykonos gehört zweifellos dazu.

Seit 1969 empfängt das familiengeführte Haus Gäste aus aller Welt, doch seine Geschichte reicht wesentlich weiter zurück. Im Zentrum der Anlage steht die historische Mansion Stoupa, deren Ursprünge bis in die Mitte des 19. Jahrhunderts reichen. Rund um dieses Anwesen entwickelte sich im Laufe der Jahrzehnte eines der ikonischsten Boutiquehotels der Kykladen – hoch über den weißen Gassen von Chora mit weitem Blick über die Ägäis.

Zwischen Tradition und zeitgenössischer Eleganz

Die Architektur bleibt den traditionellen Formen der Kykladen treu. Weiß gekalkte Fassaden, schlichte Linien und mediterrane Gärten mit üppiger Bougainvillea schaffen eine Atmosphäre, die zugleich authentisch und zeitlos wirkt.

Behutsame architektonische Weiterentwicklungen sorgen dafür, dass das Hotel seine Geschichte weitererzählt, ohne seinen ursprünglichen Charakter zu verlieren. Ein neuer Zugang verbindet das Anwesen heute noch direkter mit der Altstadt von Mykonos und unterstreicht die besondere Lage zwischen privater Ruhe und urbanem Inselleben.

Ein Ort kreativer Begegnungen

Schon früh entwickelte sich das Belvedere zu einem Treffpunkt für Künstler, Kreative und internationale Persönlichkeiten. Namen wie Julie Andrews, Stephen Rubell oder Prinzessin Soraya von Iran gehören zur bewegten Geschichte des Hauses.

Diese Offenheit für Begegnungen prägt das Hotel bis heute. Die verschiedenen Bereiche der Anlage wurden so gestaltet, dass sie Gemeinschaft ebenso fördern wie Rückzug ermöglichen – eine Balance, die den besonderen Charakter des Belvedere ausmacht.

Passend dazu trägt die neue visuelle Identität des Hotels ein Seepferdchen als zentrales Symbol. Es steht für Freundschaft, Loyalität, Gelassenheit und eine spielerische Leichtigkeit – Werte, die die Philosophie des Hauses widerspiegeln.

Kulinarik, Wellness und Rückzugsorte mit Aussicht

Zum Herzstück des Hotels zählt das legendäre Matsuhisa Mykonos, das seit Jahren internationale Gäste anzieht und japanische Spitzenküche mit mediterraner Atmosphäre verbindet.

Ebenso prägend sind der Pool Club, das Spa sowie die historische Belvedere Bar, deren Cocktailkultur von der Handschrift des legendären Bartenders Dale DeGroff beeinflusst wurde. Gemeinsam bilden sie das gesellschaftliche Zentrum des Hauses.

Wer mehr Privatsphäre sucht, findet sie in den großzügigen Suiten, den Hilltop Rooms oder den privaten Villen mit Blick auf die Ägäis, die Windmühlen von Mykonos und die charakteristische Silhouette der Altstadt. Trotz ihrer ruhigen Lage bleiben sie eng mit den Angeboten des Hotels verbunden.

Die Seele von Mykonos

Während sich Mykonos ständig neu erfindet, bewahrt das Belvedere jene Qualitäten, die die Insel seit Jahrzehnten faszinierend machen: Gastfreundschaft, kulturelle Offenheit und eine besondere Leichtigkeit des Lebens.

Gerade diese Verbindung aus Geschichte, Architektur, Design und authentischer Inselkultur macht das Belvedere zu einem jener Orte, die nicht nur einen Aufenthalt ermöglichen, sondern Erinnerungen schaffen.

PHOTO CREDITS:

For Matsuhisa: 

Nobu Matsuhisa, Matsuhisa Mykonos. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos.

For the shots of the hotel: 

Belvedere Hotel Mykonos, 2025. Photography by Yiorgos Kaplanidis. Courtesy of Belvedere Hotel Mykonos 

The illustration at the end is byLuke Edward Hall