Wo Architektur, Achtsamkeit und Natur zu einer neuen Form von Luxus verschmelzen

Mitten im üppigen Dschungel von Nosara, nur wenige Minuten von den Wellen des Pazifiks entfernt, definiert das ESH Hotel & Spa Luxus neu: als bewusste Rückverbindung zu sich selbst, zur Natur und zum Wesentlichen.

Ein Ort für Transformation

Der Name „Esh“ – hebräisch für „Feuer“ – steht sinnbildlich für Transformation und innere Entwicklung. Genau dieses Konzept prägt das gesamte Erlebnis des Boutiquehotels: ein Ort, an dem Gäste innehalten, reflektieren und sich neu ausrichten können.

Eingebettet zwischen tropischem Regenwald und Pazifikküste ist das Adults-Only-Hotel (ab 13 Jahren) mehr als nur ein Rückzugsort – es ist ein bewusst gestalteter Raum für Sinnsuche, Ruhe und Erneuerung.

Architektur zwischen Brutalismus und Natur

Das architektonische Konzept verbindet rohe, reduzierte Formen mit der organischen Kraft der Umgebung. Realisiert von FAMM Arquitectura und dem mexikanischen Studio Sulkin Askenazi, entsteht eine Ästhetik, die von Wabi-Sabi und brutalistischer Klarheit geprägt ist.

Natürliche Materialien, gedämpfte Farbtöne und gezielte Lichtführung schaffen Räume, die zugleich kraftvoll und meditativ wirken. Innen und Außen verschmelzen – der Dschungel wird Teil des Designs.

Mindful Luxury: Wellness als Lebenshaltung

Im Zentrum steht das Vitalis Spa – ein Rückzugsort für Regeneration und Balance. Anwendungen, Sauna, Kaltwasserbäder und ganzheitliche Rituale fördern ein tiefes Gefühl von Klarheit und Vitalität.

Yoga, Breathwork und achtsame Bewegungsformate sind integraler Bestandteil des Konzepts – inspiriert von Nosaras Status als „Blue Zone“, einer Region, in der Langlebigkeit und bewusstes Leben im Einklang mit Natur und Gemeinschaft stehen.

Erlebnisse zwischen Abenteuer und Achtsamkeit

Das kuratierte Experience-Programm verbindet Naturerlebnis mit persönlicher Entwicklung:
Surfen an Playa Guiones, Reiten am Strand, Wasserfallwanderungen oder Kajaktouren durch Mangroven.

Diese Balance aus Aktivität und Stille macht das ESH Hotel zu einem Ort, der sowohl inspiriert als auch entschleunigt.

Kulinarik: Die Seele des Meeres

Mit dem Restaurant Almar und der Bar Ember & Ash setzt das Hotel auf eine Küche, die Regionalität und Sinnlichkeit verbindet. Mexikanisch-pazifische Einflüsse treffen auf frische Zutaten und eine bewusst reduzierte Ästhetik.

Hier wird Essen zum Ritual – nährend, intensiv und entschleunigt.

Rückzug im Rhythmus der Natur

Die 29 Suiten und Villen sind bewusst reduziert gestaltet und bieten gleichzeitig höchsten Komfort – oft mit privaten Pools, Outdoor-Badewannen und Blick ins Grün.

Nur wenige Gehminuten entfernt: der weite, goldene Strand von Playa Guiones – einer der entspanntesten Surfspots Costa Ricas.

Das ESH Hotel ist kein klassisches Luxusresort – es ist ein Ort der inneren Bewegung.
Ein Refugium für alle, die nicht nur reisen, sondern sich selbst neu begegnen möchten.

Wo Heilung zur Lebenskunst wird

Zwischen Weinbergen, wild duftenden Gärten und jahrhundertealten Bäumen entsteht in Südafrikas Cape Winelands ein Ort, der sich bewusst jeder klassischen Kategorisierung entzieht. Sterrekopje ist kein Hotel. Kein Retreat. Kein Spa. Es ist eine Haltung – und vielleicht einer der radikalsten Orte für „mindful living“ unserer Zeit.

Ein Ort jenseits von Konzepten

Sterrekopje liegt auf einer rund 50 Hektar großen, regenerativen Farm in den Ausläufern der Franschhoek-Berge – eingebettet in eine Landschaft, die eher an ein poetisches Ideal als an eine touristische Destination erinnert.

Was diesen Ort besonders macht, ist nicht nur seine Schönheit, sondern seine Haltung: Sterrekopje versteht sich als „Healing Farm“. Ein Begriff, der bewusst gewählt ist – denn hier geht es nicht um klassische Wellness, sondern um eine tiefere Form der Rückverbindung.

Gegründet von Nicole Boekhoorn und Fleur Huijskens, entstand der Ort aus einer persönlichen Suche heraus: ein Raum, in dem Natur, Ritual und Selbstreflexion gleichwertig nebeneinander existieren.

Ritual statt Routine

Das Leben auf Sterrekopje folgt keinem fixen Programm – sondern einem Rhythmus.

Tage sind geprägt von sogenannten „Rhythms“ und „Rituals“:

• Yoga, Breathwork und Meditation
• gemeinsames Kochen, Backen und Ernten
• kreative Prozesse wie Malerei oder Keramik
• therapeutische Anwendungen von Sound Healing bis Hypnose

Alles ist optional – nichts ist vorgegeben.

Dieser Ansatz schafft etwas Seltenes: einen Raum, in dem Gäste wieder lernen, ihrer eigenen Intuition zu folgen. Genau darin liegt die Essenz des Konzepts.

Die Rückkehr zur Sinnlichkeit

Ein zentraler Bestandteil ist die radikale Rückbesinnung auf das Sinnliche.

Die Küche folgt einem Farm-to-Table-Prinzip, gespeist aus einem Garten mit über 60 essbaren Pflanzenarten.
Selbst Getränke entstehen in der hauseigenen Apotheke – aus Kräutern, Blüten und Wurzeln der Umgebung.

Bemerkenswert: Obwohl Sterrekopje in einer der bekanntesten Weinregionen der Welt liegt, verschiebt sich der Fokus bewusst weg vom Alkohol – hin zu alternativen, bewusstseinserweiternden Geschmackserlebnissen.

Design als emotionaler Raum

Die elf „Sanctuaries“ sind keine klassischen Hotelzimmer, sondern intime Rückzugsorte.

Antike Möbel, handverlesene Stoffe, kunstvolle Tapeten und warme Farbtöne erzeugen eine Atmosphäre, die weniger inszeniert als vielmehr empfunden wird.

Hier geht es nicht um visuelle Perfektion, sondern um emotionale Resonanz: Räume, die Geborgenheit schaffen, Ruhe ermöglichen und Tiefenschlaf fördern.

Luxus neu gedacht

Sterrekopje steht exemplarisch für einen neuen Luxusbegriff.

Nicht Überfluss, sondern:

• Zeit
• Raum
• Stille
• Aufmerksamkeit

Wie ein Reisejournalist treffend formulierte: Es ist „kein Hotel, kein Retreat, sondern ein Ort, an dem man sich wieder daran erinnert, wie es sich anfühlt, Mensch zu sein.“

Oder anders gesagt: Luxus wird hier nicht konsumiert – sondern erlebt.

THE Stylemate Insight

Sterrekopje verkörpert all jene Werte, die wir bei THE Stylemate als zukunftsweisend betrachten:

Slow Living. Regeneration. Sinnlichkeit. Authentizität.

Es ist ein Ort, der nicht beeindrucken will – sondern berühren.
Und genau darin liegt seine stille Radikalität.

Zwischen Handwerk und Konzeptkunst: Maison Margielas kreatives Labor

Im April 2026 verwandelte Maison Margiela eine Straße im Herzen von Shanghai in ein begehbares Archiv seiner radikalsten Ideen. Die Ausstellung „Artisanal: Our Creative Laboratory“ bot einen seltenen, inzwischen abgeschlossenen Einblick in die DNA eines Hauses, das Mode seit Jahrzehnten neu denkt.

Couture als Experiment: Ein offenes Archiv

Die Ausstellung, die vom 2. bis 6. April 2026 stattfand, präsentierte 58 ausgewählte Couture-Looks – erstmals gemeinsam kuratiert. Von ikonischen Anfängen bis hin zu aktuellen Entwürfen spannte sich ein erzählerischer Bogen durch die Geschichte der Artisanal-Linie.

Den Auftakt bildete das legendäre Porzellanteller-Waistcoat aus der Herbst/Winter-Kollektion 1989 – ein frühes Beispiel für Margielas dekonstruktive Handschrift. Den Abschluss markierte ein mit Bienenwachs behandeltes Kleid aus der Herbst/Winter-Show 2026, die ebenfalls in Shanghai inszeniert wurde.

Artisanal ist dabei mehr als eine Couture-Linie: Es ist das Herzstück der kreativen Praxis des Hauses. Jedes Stück wird im Pariser Atelier von Hand gefertigt – oft aus gefundenen Materialien, die durch Transformation und Experiment zu neuen Bedeutungen gelangen.

Themenräume: Dekonstruktion, Upcycling und Illusion

Die Ausstellung war nicht chronologisch, sondern thematisch aufgebaut. In offenen Containern – inspiriert von der Szenerie der FW2026 Show – wurden zentrale Konzepte des Hauses erfahrbar gemacht:

• Upcycling: Die Wiederverwertung von Materialien als kreativer Ausgangspunkt
• Dekonstruktion: Das Sichtbarmachen von Schnitt, Struktur und Prozess
• Trompe l’œil: Die spielerische Täuschung des Auges
• Archetypen: Neuinterpretationen klassischer Kleidungsformen
• Rohmaterialien: Die poetische Kraft des Unfertigen
• Transformation des Alltäglichen: Mode als Umdeutung von Realität

Diese kuratorische Entscheidung unterstrich den experimentellen Charakter von Artisanal als „Labor“ – ein Raum, in dem Ideen entstehen, scheitern und neu gedacht werden.

Teil eines größeren Narrativs: MaisonMargiela/folders

Die Ausstellung war der Auftakt eines umfassenderen Projekts: MaisonMargiela/folders. Dieses mehrteilige Format erstreckte sich über vier chinesische Städte und widmete sich jeweils einem zentralen Code des Hauses – von Anonymität über das ikonische Tabi bis hin zur Atelierpraxis.

In Shanghai begann diese Reise mit Artisanal – als Ursprung und kreativer Motor.

Mode als Denkraum

Mit „Artisanal: Our Creative Laboratory“ hat Maison Margiela einmal mehr gezeigt, dass Mode weit über Kleidung hinausgeht. Die Ausstellung – inzwischen abgeschlossen – war ein temporärer Denkraum, in dem Handwerk, Konzept und Kunst miteinander verschmolzen.

Ein flüchtiger Moment, der dennoch nachwirkt.

Wie der Bassist der Red Hot Chili Peppers mit „Honora“ zu seinen musikalischen Wurzeln zurückkehrt

Nach über vier Jahrzehnten als treibende Kraft der Red Hot Chili Peppers überrascht Flea mit einem zutiefst persönlichen Schritt: seinem ersten Soloalbum. „Honora“ ist kein Rock-Statement – sondern ein intimes Jazz-Manifest, das von Hingabe, Disziplin und der Rückkehr zu den eigenen Ursprüngen erzählt.

Ein Kindheitstraum, der Jahrzehnte reifte

„Ich habe beschlossen, jeden Tag Trompete zu spielen“, erzählt Flea im Gespräch mit Zane Lowe. Diese scheinbar einfache Entscheidung wurde zum Ausgangspunkt einer Reise, die schließlich in Honora mündete.

Denn bevor Flea als einer der einflussreichsten Bassisten der Rockgeschichte gefeiert wurde, war die Trompete seine erste große Liebe. Inspiriert von Jazzgrößen wie Dizzy Gillespie begann er schon als Kind zu spielen – und kehrt nun, Jahrzehnte später, zu diesem Ursprung zurück.

Der Entschluss: tägliche Praxis, kompromisslose Hingabe – und irgendwann ein Album. Ein Versprechen an sich selbst.

„Honora“ – Zwischen Intimität und Improvisation

Das am 27. März 2026 veröffentlichte Album Honora markiert Fleas ersten Solo-Longplayer und eine bewusste Abkehr vom gewohnten Sound.

Die zehn Tracks bewegen sich zwischen freier Improvisation, spirituellen Klanglandschaften und zugänglichen Jazzmomenten. Besonders prägend: Fleas Spiel auf der Trompete, das den Kern des Albums bildet.

Neben Eigenkompositionen finden sich auch überraschende Neuinterpretationen – etwa von Frank Ocean oder Jimmy Webb. Gäste wie Thom Yorke und Nick Cave verleihen dem Werk zusätzliche Tiefe.

„Now we are human beings right here…“ – Flea in A Plea

Ein Satz, der das Album auf den Punkt bringt: Es geht um Menschlichkeit, Verbindung – und Musik als universelle Sprache.

Loslassen, um anzukommen

Ein zentrales Thema im Interview mit Zane Lowe: das Loslassen von Erwartungen. Flea beschreibt, wie er sich bewusst vom Perfektionismus befreit hat – zugunsten von Ausdruck und Authentizität.

Jazz wird hier nicht als Genre verstanden, sondern als Haltung: offen, suchend, lebendig.

Auch die LA Times beschreibt diesen Schritt als späte, aber konsequente Transformation: Mit 63 werde Flea „endlich der Jazzmusiker, der er immer sein wollte“.

Ein anderer Zugang zur Musik

Was Honora besonders macht, ist weniger ein stilistischer Bruch als eine Verschiebung im Zugang zur Musik.

Flea beschreibt im Gespräch mit Zane Lowe immer wieder die Entscheidung, sich auf tägliche Praxis zu konzentrieren – ohne Ziel, ohne Erwartungsdruck. Dieses konsequente Wiederholen wird zum eigentlichen Fundament des Albums.

Die Stücke wirken entsprechend offen und prozesshaft. Improvisation ist kein Effekt, sondern Ausgangspunkt. Auch die reduzierte Produktion unterstützt diesen Eindruck: viel Raum, wenig Überlagerung, klare Instrumentierung.

In diesem Kontext erscheint Honora weniger als „Solo-Debüt“ im klassischen Sinne, sondern eher als dokumentierter Arbeitszustand – ein Moment, in dem sich Technik, Routine und Intuition treffen.

Zwischen zeitgenössischer Kunst und kuratiertem Rückzug: Wie Opening Menorca 2026 die Insel neu definiert – und warum die Vestige Hotels dabei mehr als nur Orte zum Übernachten sind.

Wenn Menorca in die neue Saison startet, geschieht das 2026 nicht leise, sondern mit einem kulturellen Statement. Opening Menorca verwandelt die Insel vom 7. bis 25. April in einen lebendigen Resonanzraum für Kunst, Austausch und neue Perspektiven.

Und mittendrin: die Häuser der Vestige Collection, die diesen Wandel nicht nur begleiten, sondern atmosphärisch mittragen.

Eine Insel im kuratierten Ausnahmezustand

In Mahón öffnen sich Galerien, Ateliers und Institutionen für ein Programm, das klassische Grenzen sprengt. Performances, Ausstellungen und Live-Painting verwandeln Räume in temporäre Bühnen. Kunst wird hier nicht präsentiert – sie passiert.

Auch Ciutadella fügt sich in dieses Gefüge ein: historische Architektur trifft auf zeitgenössische Formate, Theater auf Film, Musik auf Diskurs. Orte wie das Museu de Menorca oder das Menorca Doc Fest erweitern das Programm um intellektuelle und cineastische Dimensionen.

Die Insel selbst wird zur Galerie – offen, vielschichtig und überraschend.

Vestige Collection: Die leisen Protagonisten dieser Reise

Während sich draußen die kreative Energie entfaltet, schaffen die Häuser der Vestige Collection jene Räume, in denen sie nachwirken darf. Sie sind keine bloßen Unterkünfte – sie sind Teil des Narrativs.

Vestige Son Vell

Ein Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert, transformiert in ein Refugium zeitloser Eleganz. Zwischen Zypressen, Gärten und weiten Landschaften entsteht eine Atmosphäre, die fast kontemplativ wirkt. Nach einem Tag voller Eindrücke wird Stille hier zum Luxus.

Vestige Son Ermità

Reduziert, naturverbunden, bewusst zurückgenommen. Dieses Haus lebt von seiner Beziehung zur Umgebung – Licht, Materialien und Landschaft verschmelzen zu einer stillen Inszenierung. Ein Ort, der nicht ablenkt, sondern fokussiert.

Gemeinsam bilden sie den Gegenpol zur Dynamik des Festivals – und genau darin liegt ihre Stärke.
Sie übersetzen die kreative Energie der Insel in Ruhe, Tiefe und ein Gefühl von Ankommen.

Zwischen Teilnahme und Transformation

Opening Menorca versteht sich als Einladung zur Teilhabe. Besucher:innen werden selbst Teil des Geschehens – in Workshops, offenen Ateliers oder performativen Formaten.

Doch gerade im Wechselspiel mit Orten wie Vestige Son Vell und Vestige Son Ermità entsteht eine neue Qualität des Erlebens:
Ein Rhythmus aus Intensität und Rückzug, aus Inspiration und Reflexion.

Oder anders gesagt:
Die Kunst endet nicht mit der Ausstellung – sie setzt sich im Erleben des Ortes fort.

Menorca als Gesamtkunstwerk

Als UNESCO-Biosphärenreservat ist Menorca seit jeher ein Ort der Balance. Natur, Geschichte und Tradition existieren hier in einem fragilen, aber funktionierenden Gleichgewicht.

Mit Opening Menorca 2026 kommt eine neue Ebene hinzu: die bewusste Öffnung hin zur Gegenwartskunst.

In Kombination mit der stillen, kuratierten Ästhetik der Vestige Häuser entsteht etwas Seltenes – ein Reiseziel, das nicht nur schön ist, sondern Bedeutung trägt.

Opening Menorca 2026 ist mehr als ein kulturelles Ereignis – es ist ein Perspektivwechsel.

Und die Vestige Collection?
Sie liefert den Raum, in dem dieser Perspektivwechsel spürbar wird.

Zwischen Kunst und Landschaft, zwischen Bewegung und Stille entsteht ein Reiseerlebnis, das bleibt – weit über den Moment hinaus.

Design, Inspiration & besondere Momente – wir feiern Ostern mit täglichen Überraschungen

Der Frühling bringt frische Energie, neue Perspektiven – und bei THE Stylemate ganz besondere Gewinne.
Von 29. März bis 6. April 2026 laden wir dich zu unserem alljährlichen Ostergewinnspiel ein: Neun Tage lang verlosen wir täglich ausgewählte Highlights aus den Bereichen Design, Lifestyle und Genuss.

Freue dich auf sorgfältig kuratierte Preise – von inspirierenden Coffee Table Books über stilvolle Designobjekte bis hin zu exklusiven Parfums, die Sinne und Räume gleichermaßen bereichern.

So kannst du teilnehmen

Online auf THE Stylemate
Beantworte die tägliche Gewinnfrage auf unserer Website und sichere dir deine Chance auf den jeweiligen Tagesgewinn.

Auf Instagram & Facebook

• Like den jeweiligen Gewinnspiel-Post
• Folge @the_stylemate sowie dem jeweiligen Produktpartner
• (Optional: Kommentiere und teile für noch mehr Sichtbarkeit)

Ein täglicher Moment der Inspiration

Jeder Gewinn steht für das, was THE Stylemate ausmacht:
Mindful Living, zeitloses Design und inspirierende Geschichten.
Unsere Partner wurden mit Bedacht ausgewählt – für Produkte, die nicht nur schön sind, sondern auch einen bleibenden Eindruck hinterlassen.

Jetzt vormerken & teilnehmen

29.03. – 06.04.2026
Online auf THE Stylemate sowie auf Instagram & Facebook

Lass dich täglich überraschen und entdecke besondere Stücke, die dein Leben bereichern.

Ein kuratiertes Ökosystem für bewusstes Reisen

Es gibt Orte, die nicht versuchen, zu beeindrucken – sondern zu verändern. Palmaïa – The House of AïA an der Riviera Maya gehört zu dieser seltenen Kategorie. Zwischen Dschungel und Karibik entsteht hier ein Erfahrungsraum, der klassische Hotelkonzepte hinter sich lässt und stattdessen eine neue Form von Gastlichkeit definiert: leise, durchdacht und überraschend konsequent.

Zwischen Rückzug und Resonanz

Am Rand von Playa del Carmen gelegen, öffnet sich Palmaïa nicht sofort. Der Weg hinein ist bewusst inszeniert – ein Übergang, der Distanz schafft zum Gewohnten. Statt Lobby-Inszenierung erwartet den Gast eine subtile Dramaturgie aus Natur, Klang und Weite.

Mangroven, dichter Dschungel und das Meer bilden kein dekoratives Setting, sondern sind integraler Bestandteil des Konzepts. Architektur tritt zurück, Wege verlaufen organisch, Blickachsen bleiben offen. Es ist ein Ort, der weniger vorgibt als ermöglicht.

AïA Wellness – Struktur ohne Dogma

Das hauseigene AïA Wellness-Konzept verzichtet auf starre Programme und setzt stattdessen auf ein modulares System aus vier Bereichen: Ernährung, Bewegung, Klang und persönliche Entwicklung.

Was zunächst nach klassischem Retreat klingt, entfaltet vor Ort eine andere Qualität. Die Vielzahl an täglichen Angeboten – von Atemarbeit über Klangreisen bis hin zu intuitiven Bewegungsformaten – folgt keiner Agenda, sondern lädt zur Selbstnavigation ein.

Der Gast wird nicht geführt, sondern begleitet.

Der „Gifting Lifestyle“ – eine stille Verschiebung

Palmaïa ersetzt das klassische All-Inclusive-Prinzip durch den sogenannten Gifting Lifestyle. Dahinter steht weniger ein Leistungsversprechen als ein Perspektivwechsel.

Anstelle von Auswahlstress und Aufpreisen entsteht ein Gefühl von Kontinuität: Kulinarik, Rituale, Musikprogramme und Retreats greifen ineinander, ohne sich aufzudrängen.

Luxus wird hier nicht über Überfluss definiert, sondern über Reibungslosigkeit.

Räume, die nicht dominieren

Die 234 Suiten folgen einer klaren Haltung: Reduktion statt Inszenierung.

Natürliche Materialien, weiche Farbtöne und offene Raumstrukturen schaffen eine Umgebung, die nicht ablenkt. Auffällig ist dabei weniger, was gezeigt wird, als das, was bewusst weggelassen wurde – etwa tierische Materialien oder visuelle Überladung.

Auch die Übergänge zwischen Innen- und Außenraum sind fließend gedacht. Terrassen, Blick auf das Meer und viel Raum für Stille prägen das Erlebnis stärker als jedes Designstatement.

Kulinarik als Teil des Konzepts

Die Küche von Palmhttps://thehouseofaia.com/aïa versteht sich nicht als separates Highlight, sondern als logische Erweiterung der Gesamtidee.

Der Fokus auf pflanzenbasierte Gerichte ist dabei kein Trend, sondern Konsequenz. Internationale Einflüsse, präzise Kompositionen und ein spürbarer Respekt vor Zutaten prägen das Angebot – ohne belehrend zu wirken.

Ein Ort mit Haltung

Palmaïa ist kein klassisches Luxusresort – und will es auch nicht sein.

Es geht weniger um Inszenierung als um Kohärenz. Weniger um Perfektion als um Bewusstsein. Wer hierherkommt, sucht nicht das Spektakuläre, sondern das Stimmige.

Und genau darin liegt die Qualität dieses Ortes: in seiner Fähigkeit, Raum zu schaffen – für Ruhe, für Klarheit und für eine andere Art zu reisen.

The Art of Incense and Botanical Perfumery

Mitten im kreativen Herzen von New York entstand eine Parfummarke, die heute zu den faszinierendsten Stimmen der Nischenparfümerie zählt. Aedes de Venustas verbindet botanische Inspiration, barocke Opulenz und moderne Duftkunst zu olfaktorischen Kompositionen, die weit über klassische Parfumstrukturen hinausgehen.

Die Welt von Aedes de Venustas

Ein „Tempel der Schönheit“ in New York

Die Geschichte von Aedes de Venustas beginnt nicht als klassische Parfummarke, sondern als legendäre Parfümerie im New Yorker West Village. Die Boutique wurde von Robert Gerstner und Karl Bradl gegründet und entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten Adressen für avantgardistische Duftkunst.

Der Name bedeutet übersetzt „Tempel der Schönheit“ – eine passende Beschreibung für einen Ort, der Duft nicht als Accessoire versteht, sondern als kulturelle Ausdrucksform.

Viele Jahre kuratierten Gerstner und Bradl dort internationale Nischenparfums, bevor sie 2012 ihre eigene Duftkollektion lancierten. Diese erste Kreation – schlicht Signature genannt – wurde zur olfaktorischen Essenz der Boutique und markierte den Beginn einer eigenständigen Duftwelt.

Barocke Eleganz und botanische Inspiration

Die Duftästhetik von Aedes de Venustas ist unverwechselbar.
Viele der Kompositionen kreisen um seltene botanische Rohstoffe und Weihrauch – zwei Elemente, die tief in der Geschichte der Parfümerie verwurzelt sind.

Die Gründer arbeiten mit renommierten Parfümeuren zusammen und geben ihnen bewusst großen kreativen Spielraum. So entstehen moderne Duftarchitekturen, die häufig von einer einzelnen pflanzlichen Inspiration ausgehen – einer Blüte, einem Harz oder einer Landschaft.

Diese Philosophie führt zu Parfums, die gleichzeitig opulent und experimentell wirken: sinnlich, aber nie vorhersehbar.

Duft als künstlerische Zusammenarbeit

Aedes de Venustas versteht Parfum als künstlerischen Dialog zwischen Marke und Parfümeur.
Zu den kreativen Partnern gehören international renommierte „Nasen“, die mit den Gründern eng zusammenarbeiten, um komplexe Duftwelten zu entwickeln.

Viele dieser Kooperationen wurden auch ausgezeichnet. So erhielt beispielsweise Iris Nazarena den renommierten Fragrance Foundation Award als „Perfume Extraordinaire of the Year“.

Diese Anerkennung bestätigt den Anspruch der Marke: Parfum nicht nur als Produkt, sondern als olfaktorische Kunstform zu verstehen.

Ästhetik bis ins Detail

Auch die Gestaltung der Flakons folgt dieser Philosophie.
Die ikonischen Flaschen aus geriffeltem Glas verbinden klassische Eleganz mit modernen Details – etwa den charakteristischen Pfauenblau-Akzenten, die an die ursprüngliche Boutique in der Christopher Street erinnern.

Schwere Kappen, klare Linien und eine reduzierte Farbpalette unterstreichen die luxuriöse, fast architektonische Präsenz der Flakons.

Eine neue Generation von Nischendüften

Heute umfasst die Kollektion eine Reihe charakterstarker Eau de Parfums, die sich thematisch zwischen botanischer Inspiration, kulturellen Referenzen und imaginären Landschaften bewegen.

Ob mystische Weihrauchakkorde, edle Hölzer oder florale Kompositionen – jede Kreation erzählt eine eigene Geschichte und bleibt doch unverkennbar Teil der ästhetischen Welt von Aedes de Venustas.

Damit gehört die Marke zu jenen wenigen Nischenhäusern, die Parfum als sinnliche Erfahrung zwischen Kunst, Design und Kultur verstehen.

Ein verborgenes Haus der Kreativität in der Palmeraie – wo marokkanische Handwerkskunst, zeitgenössische Kunst und das Konzept des „Quiet Luxury“ zu einem außergewöhnlichen Rückzugsort verschmelzen.

Nur wenige Minuten vom vibrierenden Herzen Marrakeschs entfernt, verborgen zwischen Palmenhainen und alten Olivenbäumen, liegt ein Ort, der eher an ein privates Künstlerdomizil erinnert als an ein klassisches Hotel: Jnane Rumi. Das Boutique-Hideaway in der Palmeraie vereint Kunst, Architektur und Gastfreundschaft zu einer sinnlichen Erfahrung – ruhig, inspirierend und voller Seele.

Ein Haus mit Geschichte und Vision

Das Anwesen, ursprünglich als private Villa des renommierten Architekten Charles Boccara entworfen, gehört zu den ältesten Häusern der Palmeraie. Heute wurde es von dem niederländischen Paar Gert-Jan van den Bergh und Corinne in ein außergewöhnliches Boutiquehotel verwandelt – mit dem Anspruch, einen Ort zu schaffen, der sich eher wie ein Zuhause als wie ein Hotel anfühlt.

Die Architektur verbindet traditionelle marokkanische Elemente wie Bögen, Zellige-Fliesen und Tadelakt mit europäischen Antiquitäten, zeitgenössischen Designstücken und einer sorgfältig kuratierten Kunstsammlung. Dadurch entsteht ein spannungsreicher Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Ein Garten, der zum Verweilen einlädt

„Jnane“ bedeutet im Arabischen Garten – und tatsächlich bildet die Natur das Herz des Hauses. Das weitläufige Anwesen ist von über hundert Palmen sowie alten Oliven- und Pistazienbäumen geprägt. Versteckte Sitzplätze, schattige Terrassen und der ruhige Pool lassen den Alltag weit entfernt erscheinen.

Nur zehn Minuten von der Medina entfernt, bietet das Refugium einen seltenen Luxus: absolute Ruhe in unmittelbarer Nähe zu einer der lebendigsten Städte Nordafrikas.

Kunst als Seele des Hauses

Jnane Rumi versteht sich nicht nur als Hotel, sondern als kultureller Ort. Werke zeitgenössischer nordafrikanischer Künstler, kuratiert von dem marokkanischen Künstler Samy Snoussi, prägen die Atmosphäre des Hauses und schaffen eine intime Galerie zwischen Wohnzimmern, Suiten und Gartenpavillons.

Jedes Detail erzählt eine Geschichte: antike Holzmöbel, handgefertigte Textilien, Keramik aus lokalen Werkstätten und Designstücke aus privaten Sammlungen lassen das Haus wie ein lebendiges Kunstwerk wirken.

Intimer Luxus mit nur wenigen Suiten

Mit lediglich rund einem Dutzend Zimmern – verteilt auf die Hauptvilla, Gartenpavillons und einen privaten Anbau mit eigenem Pool – bleibt Jnane Rumi bewusst klein und persönlich.

Jede Suite besitzt ihren eigenen Charakter: kräftige Farben, antike Betten, kunstvolle Stoffe und großzügige Badezimmer schaffen eine Atmosphäre zwischen traditionellem Riad und moderner Designresidenz.

Slow Luxury statt Inszenierung

Was Jnane Rumi wirklich besonders macht, ist die Haltung hinter dem Konzept. Der Aufenthalt soll nicht überwältigen, sondern berühren: mit authentischer Gastfreundschaft, stiller Eleganz und einem Gefühl von Zugehörigkeit.

Statt klassischer Hotelinszenierung entsteht hier ein Ort, an dem Gäste sich wie in einem privaten Haus fühlen – eingeladen, innezuhalten, Kunst zu entdecken und Marrakesch aus einer neuen Perspektive zu erleben.

Jnane Rumi ist damit mehr als ein Boutiquehotel – es ist ein poetisches Refugium für Reisende, die Schönheit, Kultur und Ruhe suchen.

Zwischen Natur, Technologie und neuer Folklore

Mit der Fall/Winter 2026 Kollektion „Super Nature“ entwirft Nicolas Ghesquière für Louis Vuitton eine visionäre Landschaft aus Kleidung. Berge, Wälder und weite Horizonte bilden dabei nicht nur die Inspirationsquelle – sie werden selbst zum gestalterischen Prinzip.

Mode entsteht hier im Dialog mit Klima, Umgebung und Bewegung. Kleidung wird zum Ausdruck eines Lebens im Freien, geprägt von Schutz, Ausdauer und Freiheit. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die Natur nicht imitiert, sondern sublimiert – als moderne Interpretation von Landschaft, Erinnerung und kulturellem Erbe.

Kleidung als Topografie

Die Silhouetten erinnern an Kleidung, die aus dem Leben mit der Natur heraus entstanden ist – ähnlich traditionellen Trachten, die Zugehörigkeit und Geschichte sichtbar machen. Doch statt Nostalgie entsteht eine neue Folklore für die digitale Gegenwart.

Materialien erzählen dabei von Landschaften:

• Animaliermuster, neu interpretiert auf Canvas und Denim
• Florale Lederapplikationen, die wie imaginierte Pflanzen wirken
• Strukturierte Lederoberflächen, die an Holz, Rinde oder Stein erinnern

Stoffe werden zu Collagen, die sich über den Körper legen wie geografische Karten. Jede Naht, jede Textur wirkt wie ein Fragment einer größeren Landschaft – geformt durch Erinnerungen, Bewegung und Erfahrung.

Technologie trifft Handwerk

Ein zentrales Thema der Kollektion ist das Zusammenspiel von modernster Technologie und traditionellem Savoir-faire.

Neue Materialien entstehen durch experimentelle Techniken:

• 3D-gedruckte Knöpfe, die an Mineralien erinnern
• Absätze mit Geweihformen
• vegane Felle, die neue Texturen schaffen
• Leder, das durch spezielle Gerbtechniken die Haptik von Holz annimmt

Diese Transformationen wirken fast surreal – als würde Natur durch Technologie neu entstehen. Genau hier liegt der Reiz der Kollektion: zwischen Handwerk, Innovation und Imagination.

Reisebegleiter für eine neue Welt

Als Maison mit Wurzeln im Reisegepäck-Handwerk denkt Louis Vuitton auch Accessoires als Begleiter der Bewegung.

Ein besonderes Comeback feiert die Noé Bag, deren ursprüngliche Proportionen und Farben von 1932 wieder aufgegriffen werden. Sie wirkt wie eine Zeitreise – ein tragbares Zuhause für moderne Entdecker:innen.

Schmuckstücke greifen wiederum die ikonische Formensprache der Trunks auf:

• Ohrringe
• ein Ring
• ein Collier

Alle besetzt mit den charakteristischen Nagelköpfen der Louis Vuitton Koffer, eine subtile Hommage an das Erbe der Maison. Inspiration liefert dabei auch eine Neuinterpretation von Arbeiten des Fotografen und Künstlers Man Ray.

Eine futuristische Landschaft im Louvre

Die Präsentation der Kollektion fand in der Cour Carrée des Musée du Louvre statt. Für die Inszenierung entwarf Production Designer Jeremy Hindle eine abstrakte Landschaft – eine Art Neo-Natur, gesehen durch das Prisma der Zukunft.

Innen und Außen verschmelzen zu einer Bühne, auf der die Models wie Teil eines lebendigen pastoralen Gemäldes erscheinen. Das Setting wirkt gleichzeitig archaisch und futuristisch – eine Sci-Fi-Fabel über Mode und Natur.

Mode als Echo der Welt

Mit Super Nature zeigt Nicolas Ghesquière, dass Mode nicht nur Kleidung ist, sondern ein Spiegel unserer Beziehung zur Welt.

Die Kollektion verbindet Vergangenheit und Zukunft, Handwerk und Technologie, Natur und Imagination. Sie erzählt von Bewegung, Entdeckung und der Sehnsucht nach Verbindung – mit Landschaften, Kulturen und uns selbst.